Физкультурные игры на стадионе

• 1927
• Холст, масло. 166 x 249
• Государственный Русский музей
• ЖС-93

Чем сильнее будет мощь флота, тем прочнее станет советская власть

• Первая половина XX века
• Бумага, хромолитография. Л. 57,2х58,6
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1164

Вступай в дошкольный поход. Строй новый быт, организуй детсады, площадки, воспитывай коммунистическую смену

• 1920-е
• Бумага, хромолитография. 102,5 х 70,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-862

В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.

Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.

Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.

Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Композиции содержат не просто призыв к участию в акции, а обозначают конкретные действия, которых ожидает общество от гражданина: «Строй новый быт, организуй детсады и площадки».

Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.11-13

Комсомолки. Подмосковный молодняк

• 1926
• Холст, масло. 59,7 х 68,5
• Государственный Русский музей
• Ж-5683

Портрет был написан в деревне Лигачево, где у Юона был дом-мастерская. Там он находил немало своих героинь — сельских девушек, мотивы своих пейзажей, там он в полной мере мог выявить возможности своей палитры. На портрете изображены Клава Зенина, Саша Перцова, Клава Борисова, Катя Шипова и Маруся Будкина. В произведении органично соединилось стремление к портретной точности и типическому обобщению. Портрет един крепостью своей композиции, ее цельностью, выразительностью расположения персонажей, четкостью плана, и, наряду с тем, образ каждой из девушек подчеркнуто индивидуален. Здесь взяты разные состояния — от задумчивости, нетерпеливого вопрошения, спокойной уверенности до трепетного романтического порыва. Есть своя режиссура и в цветовом решении, которое словно озаряется энергичным акцентом красной косынки. Фрагментарность композиции укрупняет изображение, еще больше усиливая динамизм образов. Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век. СПб, 2001. С. 194.

Портрет И. Б. Кустодиевой

• 1926
• Холст, масло. 111,5 х 90,0
• Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
• Ж-919

Картина «пришла» в музей из первых рук: она была приобретена Астраханской картинной галереей в 1973 году у Ирины Борисовны Кустодиевой – дочери художника, его любимой модели. Специалисты иногда шутят, что Ирину Кустодиев писал так же часто, как восхищавший его Веласкес инфанту Маргариту. Целая галерея ярких образов дочери создана художником в работах «Портрет Ирины Кустодиевой с собакой Шумкой» (1907), «Японская кукла» (1908), «Дети в маскарадных костюмах» (1909) и других произведениях. 

В 2011 году на аукционе Мак Дугалл в Лондоне с огромным интересом присутствующие наблюдали за торгами по работе «Портрет Ирины Кустодиевой», написанной в швейцарском городе Лейзене (1911), где художник находился на лечении. После триумфальной выставки русского искусства 1924 года в Америке она была продана в частное собрание и 90 лет нигде не экспонировалась.

От очаровательных детских портретов по мере взросления дочери Б. М. Кустодиев переходит к изображению симпатичного подростка (примером может служить картина «Девочка с цветами» (1917), Курская картинная галерея имени А. Дейнеки).

 В последние годы жизни художника Ирина – красивая девушка с золотистыми волосами, голубыми глазами и чудесным цветом кожи. Именно такой она изображена на портрете 1926 года, который находится в собрании Астраханской картинной галереи. Эту работу иногда также называют «Портрет Ирины в синем платье», она считается очень удачной, хотя и нетипичной для Б. М. Кустодиева.

Это произведение широко известно. С момента написания портрет участвовал во многих выставках в Ленинграде, Москве, Астрахани. Как шедевр кустодиевской коллекции, он многократно воспроизведен в искусствоведческой литературе и художественных альбомах. Работа написана масляными красками на грунтованном холсте. Ирина изображена в эффектной, несколько театральной позе, в синем платье и шляпке в стиле «нэп» – настоящая кустодиевская красавица. В это время Ирина Борисовна постигает историю театра и азы актерской профессии, обучаясь в Институте сценических искусств в Ленинграде. Кустодиев-отец пишет портрет, любуясь дочерью, ее нежной кожей, покатыми плечами, выбившимися из-под шляпки локонами. Композиция работы проста и благородна, отличается четкостью и почти классической строгостью. Кустодиев-художник мастерски демонстрирует в этой работе всё, чего он достиг за годы творчества.

Портрет Н. П. Охлопкова

• 1926
• Холст, масло. 250 х 143
• Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
• Ж-1002

«Портрет Охлопкова», написанный Петром Вильямсом в 1926 году, является одним из лучших портретов мастера. На пустынном просторном фоне изображена крупная фигура. Серое в клетку пальто спортивного покроя, твердый воротничок белоснежной сорочки, галстук. Энергичным движением правая рука сжимает перчатки, левая – опущена в карман. Щегольский костюм дополняют кепи, небрежно зажатая в зубах трубка и почти забытая сегодня деталь – краги – накладные голенища с застежками. Портрет создает впечатление монументальности и парадности, которое складывается благодаря значительным размерам вертикального холста, устойчивой постановке модели, монолитности силуэта, ясно читаемого на пустом фоне. Графически четкий рисунок лица, освещенного направленным лучом света. Подчеркнуты морщины, складки у носа, волевое выражение светло-голубых глаз. С портрета на нас смотрит решительный и целеустремленный человек, участник строительства нового мира.

Николаю Охлопкову к моменту создания портрета было 25 лет. Он, как и Вильямс, принадлежит к «штурмующему» поколению 1920-х годов. Уже два года Охлопков, перебравшийся в Москву из Иркутска, играет в театре Мейерхольда, осваивает знаменитую биомеханику, пробует сниматься в кино. Вильямс использует при написании портрета яркую типажность, запоминающуюся «фактуру». Использует то, что в полной мере соответствовало человеческому идеалу, который стремились утвердить художники ОСТ. В Охлопкове соединились энергичность и спортивность, физическая сила и уверенность в себе.

Остовские портреты Вильямса – замечательная страница в истории отечественного искусства. Вильямсу и Охлопкову суждено было стать крупными деятелями советского театра, их судьбы еще не раз пересекались, а портрет остался прекрасным символом молодости поколения двадцатых.

ОСТ (Общество художников-станковистов) — художественная группировка, основанная в 1925 году в Москве группой выпускников ВХУТЕМАСа во главе с Давидом Штеренбергом. Среди основных участников ‑ П. Вильямс, А. Дейнека, А. Лабас, Ю. Пименов.

Охлопков  Николай Павлович (1900, Иркутск — 1967, Москва) — советский актёр театра и кино, режиссёр и педагог.

Родился в Иркутске в небогатой дворянской семье. В 1917 году устроился в Иркутский городской театр в качестве мебельщика-декоратора, а в 1918 году стал актёром этого театра, где служил до 1921 года. Будучи поклонником творчества Владимира Маяковского декламировал стихи Маяковского на площадях.1 мая 1921 года после освобождения города от Колчака поставил на городской площади массовое действо «Борьба труда и капитала» с участием войск. В 1919 году стал одним из организаторов Иркутского Молодого театра, где в 1922 году поставил «Мистерию-буфф», после чего был отправлен на обучение в Москву. В 1922‑1923 годах учился в ГИТИСе и параллельно играл в Московском театре Революции. С 1923 по 1926 играл в Театре имени Мейерхольда (ТиМ). Одновременно занимался в мастерской при театре (ГЭКТЕМАС) под руководством Всеволода Мейерхольда.

Главный режиссёр Реалистического театра (1930‑1937) и Московского театра имени Маяковского (1943‑1966). В 1947 году поставил «Молодую гвардию» А. А. Фадеева. За этот спектакль был удостоен Сталинской премии первой степени, а в 1948 году ему было присвоено звание Народного артиста СССР. Имя Н. П. Охлопкова с 1967 года носит Иркутский драматический театр.

У мавзолея Ленина (Траурный день памяти Ленина)

• 1926
• Холст, масло. 145,5 х 178
• ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
• Ж-2009 АОМИИ

Одной из самых интересных и самобытных фигур в советском модернизме двадцатых-тридцатых годов был Борис Александрович Голополосов. Его творчество всегда отличало высокое живописное мастерство и яркая индивидуальность. 

Как и у экспрессионистов, главным инструментом художественной выразительности для Голополосова был цвет. Колорит его живописных работ всегда узнаваем и решается нехарактерными цветовыми сочетаниями. В своей палитре он использует смелые цветовые контрасты, создающие эмоциональное напряжение и придающие картине внутреннюю энергию, но, несмотря на экспрессивный накал, его картины всегда остаются светоносными и гармоничными.

Темы произведений художника в большинстве своем социальны и отражают заказ того времени. Но они лишены присущего советскому искусству героического пафоса. Его герои – рыбаки, моряки, строители, простые люди – носители обычных человеческих эмоций, вызывают сочувствие и сопереживание.

Художник сам был полноценным персонажем своих картин, в полном смысле слова автобиографических. Автор тематических и жанрово-бытовых картин, он был мощным фиксатором и выразителем эпохи. Картина «У мавзолея Ленина (Траурный день памяти Ленина)» 1926 года, посвящена второй годовщине со дня смерти Владимира Ильича, отмечавшейся в стране 21 января 1926 года. Само название «Траурный день» уже задает полотну трагическое звучание, которое художник передает за счет свойственной ему экспрессивной манере. Картина вызывает смешанное чувство тревоги и торжественности.

Все полотно проникнуто непрерывным действием. Действие здесь не только в цвете, но и в каждой детали: многочисленные персонажи – участники митинга – тоже находятся в движении. Об этом говорит положение их ног и рук, даже поворот головы рабочих, стоящих в первом ряду у нижней кромки холста. Задают динамику и виднеющиеся повсюду яркие треугольники знамен, направленные в стороны под разными углами. И даже краснокирпичный цвет кремлевской стены чем-то напоминает движущиеся языки пламени.

Динамична здесь и сама композиция. Голополосов как будто выхватывает кадр из движущегося потока, потому оказываются обрезанными и Спасская башня Московского Кремля, и часть его стены, и участники военного оркестра, и простые зрители на первом плане, среди которых, по всей видимости, находимся и мы, и сам художник. Даже группа из трех рабочих со знаменами, прописанная наиболее четко, и само деревянное здание Мавзолея оказываются не в центре полотна, а в его левой части, создавая иллюзию того, что поток людей движется, оставляя позади те или иные объекты.

Художник сознательно не делает акцент на психологическом состоянии своих героев. Рассмотреть эмоции кого-либо из участников траурной процессии невозможно. Неслучайно у персонажей, расположенных к нам ближе других, мы видим лишь затылки и спины, а не лица. Все чувства и эмоции очень точно и явно мастер передает через композицию, колорит, ритм, ракурс, движение. Напряжением, тяжелыми и гнетущими мыслями проникнута каждая деталь полотна. Кажется, еще мгновение, и оркестровые трубы донесут до нас печальные звуки траурного марша.

Борис Голополосов был непосредственным участником событий, которые стали основой для многих его сюжетов. «Полстраны объездил, исходил пешком – охотился, не раз плавал матросом на Каспии. И писал не иначе как от первого лица. Он сам – один из персонажей своих картин, автобиографичных в прямом смысле слова», – писала о нем известная исследовательница Ольга Ройтенберг.

Эскиз плаката «К победе нас привел ленинизм»

• 1926
• Бумага, гуашь. 13,2 x 8,5
• Государственный Русский музей
• РС-6305

Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":

"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.

Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…

Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".

«Поднимай производство!»

• Проект плаката
• Февраль 1924 - январь 1925
• Фанера, темпера, аппликация. 73 x 103
• Государственный Русский музей
• ЖС-1837

Мы юные ленинцы

• 1925
• Бумага, хромолитография. 107,3 х 71,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-382

Портрет В. И. Ленина

• 1920-е
• Картон, масло. 41,5 х 30
• ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
• Ж-1347 АОМИИ

В коллекции музея представлен достаточно редкий портрет В. И. Ленина, написанный при жизни основателя советского государства. В начале 1920-х Коллегия ИЗО Наркомпроса обратилась к Натану Альтману с предложением создать портрет В. И. Ленина. Альтман собирал материал для живописного портрета, дважды видел Ленина во время митинга на Марсовом поле в 1917 и 1918 годах. Хорошо известно, что Ленин не любил и никогда не соглашался позировать. Помог Альтману Луначарский, по просьбе которого Ленин разрешил ему работать в Кремлевском кабинете весной 1920 года. Он работал шесть недель, как впоследствии подсчитал художник, в целом, около 250 часов работы. На основе натурных рисунков и написан данный портрет. Неповторимость его в том, что это не образ, в котором что-то выделено, отредактировано. Он воспринимается с предельно краткой дистанции, точнее ее нет совсем. Нет исторической костюмировки, поверхностных политических ситуаций. Это Ленин, который близок каждому и каждый может почувствовать себя его собеседником, он полон внимания, изображен легко и непринужденно.

Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).

Фигура милиционерки

• Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
• 1925 (модель — 1918)
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-19,8; Дл.-7,5; Ш.-7,0
• Государственный Русский музей
• СФ-118

В. И. Ленин. На Красной площади

• 1924
• Бумага, акварель. 40 х 60,5
• Государственный Русский музей
• РС-19706

Бродский, в отличие от многих своих современников, никогда не искал новый живописный язык. Будучи учеником И. Е. Репина, он в 1910-е годы писал декоративные полотна-гобелены, отвечавшие вкусам буржуазных заказчиков. После Октябрьского переворота Бродский постарался сблизиться с новой властью. На II конгрессе Коминтерна в 1920 году он сделал свой первый карандашный набросок Ленина, который тому не понравился, но, посоветовавшись с товарищами, вождь этот рисунок подписал — с устным комментарием, что первый раз подписывает то, с чем не согласен. Так началась карьера художника, писавшего всех крупнейших деятелей Коминтерна и советского правительства. Бродскому удалось создать безупречную форму официального портрета: клишированное изображение встраивалось в любой желаемый фон, будь то Красная площадь, Смольный, гидроэлектростанция, массовый митинг и т. п. При этом художник широко использовал фотодокументы. На рисунке, созданном в год смерти Ленина, вождь изображен невдалеке от того места, где был воздвигнут его мавзолей. Композиция строится согласно актуальному плакатному принципу фотомонтажа, допускающему совмещение двух точек зрения — высокой, помогающей создать ощущение глубокой панорамы площади, и низкой, делающей фигуру Ленина монументальной. Ирина Арская, Наталья Звенигородская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 409.

Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).

Исаак Бродский создал обширную галерею изображений В. И. Ленина. В их основу легли воспоминания и натурные зарисовки. Художник видел Ленина выступающим на митингах в 1918 году и рисовал его на заседаниях II конгресса Коминтерна (1920). Многие из выполненных Бродским портретов Ленина многократно копировались и воспроизводились миллионными тиражами. 

Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!

• Первая половина 1920-х
• Бумага, хромолитография. 100,7 х 71,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1305

Плакаты этого времени обладают определенными объединяющими чертами. Характерной особенностью «детских» плакатов является то, что ребенок почти всегда изображен бодрым, крепким, здоровым и активным. Вне зависимости от того, ликвидации какой насущной проблемы посвящен плакат, дети выглядят так, как будто она уже решена. То есть изображение чаще всего формировало образ светлого и радостного будущего, к которому придет общество, искоренив обозначенную проблему. Исключение составляли плакаты, построенные на сравнении с «проклятым прошлым». Яркий пример такого решения — плакат Алексея Комарова (?) «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать», — пропагандирующий новые стандарты в уходе за ребенком. Каждый эпизод композиции состоит из двух клейм, интерпретирующих один сюжет c точки зрения «как было раньше» и «как сейчас».

Провозглашая строительство бесклассового общества, советская власть, тем не менее, сразу же стала создавать строгую иерархическую структуру, в которую были включены и дети. Атрибутов принадлежности к той или иной социальной группе в плакате не имеют, пожалуй, только младенцы. Все остальные наделены отличительными признаками: либо визуально (пионерский галстук, барабан, горн), либо вербально — в сопроводительном тексте (октябрята, пионеры, юные ленинцы, дети Ильича, всеобучники и т. д.). Ребенок, прежде всего, общественная единица: младенец — будущий октябренок, октябренок — будущий пионер, пионер — будущий комсомолец, а в конечном итоге — строитель коммунизма. Тема идейной преемственности поколений проходит красной нитью через все плакаты советского времени. Даже под образцы агитационной продукции, касающиеся вопросов гигиены, здоровья и воспитания детей, подведена идеологическая база.

Лозунг, сопровождающий плакат, как правило, строится по схеме причинно-следственной связи: ребенок должен быть здоров потому, что он будущий строитель коммунизма. Его жизнь и здоровье не самоценны, а рассматриваются с точки зрения социума, вкладывающего в него свои силы, с расчетом на дальнейшую отдачу.

Так, на плакате «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать» изображена шеренга малышей, несущих лозунги, среди которых призывные: «Мы требуем акушерок, а не бабок; сухих и чистых пеленок!..» и тут же мотивирующие: «Мы идем вам на смену», «Чем мы будем крепче, тем вам будет легче».

Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.

Да здравствует комсомол! На смену старшим молодая рать идет

• 1924
• Типографский оттиск. 93,2 х 59,6
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-2327

Из книги Натана Стругацкого «Александр Самохвалов. Страницы книги»: «В 1925‒1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.

Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства — присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…

Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника — в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи».

Красный флот - защита СССР от врагов

• 1924
• Бумага, хромолитография. Л. 102,5х67,0
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1171

Курорт

• Проект плаката
• 1924
• Холст, гуашь. 107 x 71
• Государственный Русский музей
• ЖС-1836

Октябрина

• 1924
• Бронза. 30 x 19 x 17
• Государственный Русский музей
• СО-1237

Орден Боевого Красного Знамени

• (учрежден в 1924)
• 1924
• Серебро, эмаль, лента. 4,5 х 3,6 (с ушком, кольцом и колодкой)
• Государственный Русский музей
• Мед.А-4434

Портрет В. И. Ленина

• 1924
• Холст, масло. 97,1 х 80,3
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• ЖК-37

Искусствовед и исследователь карельского искусства В. И. Плотников публикует сведения, к сожалению, не указывая источник, о том, что А. Я. Андриянов в 1922 году вместе с В. Н. Поповым исполнял декоративный триптих для Дворца труда – здания Совета профессиональных союзов Карелии (ныне в этом здании располагается Музей изобразительных искусств Карелии).

В 1924 году художник написал портрет В. И. Ленина, который открыл, буквально, «Лениниану» в карельском искусстве. Портрет написан в год смерти Ленина и интересен своей композицией.

Фигура Владимира Ильича изображена художником на фоне колонны полускрытой яркой драпировкой. Эта строгая торжественность фона вступает в некоторое противоречие с задушевностью образа Ленина и пейзажным фоном на втором плане холста. Лицо Владимира Ильича написано художником нежно и трепетно, от него исходит доброта и человеческое обаяние, ощущение живого Ленина. Ленина-человека дополняет сельский пейзаж с домиками за спиной вождя. Этот необычный для ленинских портретов фон дан с большим художественным тактом и имеет вполне определенный северный адрес. Родной художнику пейзаж соединен на холсте с дорогим для него образом вождя.

Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).

Портрет М. А. Тройницкой

• 1924
• Холст, масло. 76 х 66 (в свету)
• Государственный Русский музей
• Ж-8790

Серебрякова много времени отдавала портрету. Особенно выделяется своей завершенностью и тонкой передачей индивидуальных черт модели портрет М. А. Тройницкой, жены директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого. Портретируемая изображена за завтраком. Мастерски вылеплено лицо с живыми глазами, выразительны непринужденная поза и спокойно лежащие руки, что помогло созданию образа уравновешенной волевой женщины. С большой любовью, как у старых голландских мастеров, написаны расставленная на столе фаянсовая посуда, а также вишни и разрезанный ножом лимон. (В. Кн.).

Тройницкая Марфа Андреевна – жена директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого (1882– 1948, историк искусства, научный сотрудник с 1908, хранитель Галереи драгоценностей и директор Эрмитажа в 1917–1927, доктор искусствоведения).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 178.

Проект убранства площади Урицкого к 1-й годовщине Октябрьской Революции

• Образец подноса (мастер-исполнитель – Софья Шульман)
• 1924–1925
• Фанера, масло. 60,5 x 84,1 х 1
• Государственный Русский музей
• ЖС-576

Натан Альтман, замечательно проявивший себя в разных видах изобразительного искусства, создал впечатляющие своей выразительностью, романтической энергией эскизы празднества. Натиск авангардных форм не „сминал" знаменитые памятники. Художник мастерски использовал их для решения задачи (как, например, торжественную вертикаль Александровской колонны, словно вырастающей из будоражаще красного подиума). В оформлении пространства торжества Альтман сумел соединить державную строгость архитектурной планировки с логикой супрематической конструкции и эмоционально-содержательным звучанием цвета. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 446.

Город, чей образ революция изменила неузнаваемо, – важная тема в искусстве 1917–1920-х годов.

С одной стороны – голод, война, тяготы быта, смена сословных приоритетов разрушали привычную панораму площадей и улиц, как в обеих столицах, так и в провинции.

С другой стороны – город нового мира приобретал новое лицо и говорил на ином языке иного искусства. Городское пространство первого послереволюционного десятилетия превратилось в театр, на сценических подмостках которого разыгрывалась великая праздничная мистерия, горя кумачами знамен и транспарантов, оглушаемая раскатами рыков Владимира Маяковского:

Довольно грошовых истин.              

Из сердца старое вытри.              

Улицы – наши кисти.              

Площади – наши палитры.              

Книгой времени              

тысячелистой              

революции дни не воспеты.              

На улицы, футуристы,              

барабанщики и поэты!

Натан Альтман, которому поручили создать эскизы оформления площади Урицкого (Дворцовая) к 1-ой годовщине Октябрьской революции, напишет в своих мемуарах: «Я поставил себе задачу изменить исторически создавшийся облик площади. Превратить ее в место, куда революционный народ пришел праздновать свою победу. Я не стал украшать ее. Творения Растрелли и Росси не нуждались в украшениях. Красоте императорской России я хотел противопоставить новую красоту победившего города. Не гармонии со старым я искал, а контраст ему».

Представленный на выставке проект убранства дает представление о том, что Альтман взглянул на весь знаменитый архитектурный комплекс как на определенную пространственно-пластическую среду, которая должна «сыграть» задуманное праздничное «действо о революции». На окружающих площадь зданиях Зимнего дворца и Генерального штаба располагалась целая система транспарантов и полотнищ красного цвета. Огромные геометрические щиты, полыхающие яркими, чистыми цветами, создавали ощущение победно звучащих праздничных фанфар.

Но самой авангардной по формам была четырехугольная платформа-трибуна в центре у основания Александровской колонны. По углам двухъярусной конструкции находились кубы, скрывающие прожекторы. Вплотную к колонне прижимались полотнища сложных форм, которые и днем и вечером резко освещались изнутри. Футуристическая композиция брала творение Монферрана в тиски, превращала его в тающий, сумеречный призрак. Броско сопоставленные геометрически плоскости с энергичной красно-розово-желтой расцветкой напоминали влетающее к небесам пламя костра, охватившее своим жаром основу столпа самодержавия.

Эскиз мозаичной плиты с изображением серпа и молота

• 1924
• Бумага, акварель, тушь, бронза. 19,7 x 17,3
• Государственный Русский музей
• РС-6306

Юные ленинцы дети Ильича. К 7ой годовщине Октябрьской революции

• 1924
• Бумага, хромолитография. 100 х 66,8
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-2330

Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В нашем собрании хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. На одном из значков, сделанном в форме знамени красного цвета на древке, изображены языки пламени костра, обрамленные буквами «ЮП» (юный пионер) и словами приветствия членов организации «Будь готов!»

Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм  // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27.

В Советской республике не должно быть больных и беспризорных детей! Здоровое физическое и духовно молодое поколение - верный проводник идей коммунизма!

• 1923
• Бумага, хромолитография. 61 х 102
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1307

Все в общество рабочий патронат "Друг детей". На борьбу с беспризорностью

• 1923 (?)
• Бумага, хромолитография. 92,5 х 69,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-752

Пионерки двадцатых годов

• 1920-е
• Холст, масло. 53,8 х 64,5
• Нижнетагильский музей изобразительных искусств
• Ж-878

В начале 1920-х годов в одном из московских детских домов Н. Чернышев познакомился с удивительной молодежью, которой с малых лет прививались замечательные качества: любовь к труду, к Родине, чувство коллективизма, уважение к товарищу. Вскоре после этого в творчестве художника появляются многочисленные портреты девочек-пионерок.

В работе «Пионерки 20-х годов» они предстают серьезными и сосредоточенными. Колорит картины, построенный на сочетании серых и защитно-зеленых негромких тонов, оживлен спокойным красным тоном пионерских галстуков и косынки, ставших ясными приметами того времени. Образы юных героинь картины значительны и по-своему лиричны. По приглушенной цветовой гамме и строгой простоте композиции работа восходит к древнерусским фрескам Дионисия, так любимого автором. Погружаясь в мир детских чувств и мыслей, здесь Чернышев прежде всего философ, размышляющий над судьбами детей.

Портрет С. М. Буденного

• Этюд к портрету (1923, местонахождение неизвестно)
• 1923
• Картон, масло. 42 х 27
• Государственный Русский музей
• Ж-6475

Буденный Семен Михайлович (1883–1973) овеян славой народного героя. Он родился на Дону в небогатой крестьянской семье. В 1903 году начал военную службу в качестве рядового. Участвовал в русско-японской войне в составе Донского казачьего полка и затем, как лучший наездник, был отправлен в Петербург в Офицерскую кавалерийскую школу на курсы для нижних чинов. В годы Первой мировой войны, будучи унтер-офицером, проявил незаурядную храбрость и был награжден солдатскими Георгиями всех 4-х степеней. После Октябрьской революции вернулся на Дон и создал кавалерийский отряд, который постепенно вырос в дивизию, успешно действовавшую против белогвардейцев под Царицыном. В 1919 году дивизия была переименована в Конный корпус, а затем — в Первую Конную армию, которая сыграла важную роль в военных операциях Гражданской войны. После ее окончания Буденный занимал различные высокие должности. В 1935 году ему в числе пяти крупнейших советских полководцев было присвоено звание маршала Советского Союза, в котором он участвовал в Великой Отечественной войне, проявив, впрочем, низкую компетентность в условиях современных боевых действий. Гражданская война навсегда осталась звездным часом Буденного. Надпись на этюде гласит, что этот живой и непосредственный образ легендарного героя Гражданской войны был исполнен всего за 50 минут. Художнику удалось точно схватить простодушный характер этого лихого кавалериста, говорившего: «Да по мне все равно, какой фронт, мое дело рубать». // Павел Климов, Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 394.

Сервиз с супрематической росписью

• Государственный фарфоровый завод
• 1923
• Форма цилиндрическая, фарфор, роспись надглазурная.
• Государственный Русский музей
• СФ-13-18

Значительная часть творческой жизни Н. М. Суетина, одного из верных учеников и соратников Малевича, последовательного супрематиста, была связана с промышленным производством фарфора. В этой области художественного труда он оставил наследие, которое получило название „Супрематический фарфор“. В фарфоре супрематисты мечтали материализовать одну из романтических идей своей теории – идею преображения современного предметного мира и тем самым вывести супрематизм в объемно-пространственную среду.

На фарфоровый завод в Петрограде Суетин пришел вместе с Малевичем и Чашником. С декабря 1922 года, с перерывами, оставался там до последних дней жизни, работал художником-композитором, а в 1932 году занял пост художественного руководителя.

К моменту прихода группы Малевича на заводе сложилась благоприятная творческая атмосфера. По словам одного из современников, завод играл роль „опытного поля“ для всех, кто хотел перейти от „чистого“ искусства к производству, „деланию вещей“.

В сервизе 1923 года художник делает попытку связать в единую пластическую систему сразу несколько живописных композиций. В этом случае объединяющим началом становится движение, передаваемое, как по эстафете, от композиции к композиции. При демонстрации сервиза художник определил местонахождение каждого предмета, нарисовав на обороте круглого подноса план расстановки.

Черным: роспись 1923 Суетин; черный в рамке квадрат (знак УНОВИСа). На обороте дна подноса начертан план расстановки сервиза.

Марка подглазурная синяя от руки: серп и молот. ГФЗ

Поднос: Дм – 31

Чайник с крышкой. 14,7 х 18 х 10,3

Молочник с крышкой. 11,3 х 14 х 9,2

Сахарница с крышкой. 10,7 х 14,7 х 9,5

Две чашки с блюдцами. 6,6 х 8,6 х 6,4.

Дм блюдца – 14,4

Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 154

Чайник с крышкой

• 1923
• Фарфор. 16 х 22,2 х 8,8
• Государственный Русский музей
• Сф-1344 а,б

Супрематический чайник - первая работа Малевича в фарфоре. По сути это пример объемного супрематизма в творческой практике художника. Одновременно Малевич воплощает здесь идею создания совершенно новых предметных форм, которые должны преобразить материальное окружение современного общества. Скомпанованный из контрастных геометрических объемов (цилиндр, куб, прямоугольники, шар) по принципу "динамического покоя", предмет получился пластически очень сложным для функционального сосуда. Открывший эпоху супрематизма в фарфоре, чайник Малевича остался олицетворением одной из романтических идей великого мастера.

Чашка (получашка) «Супрематизм»

• Форма Казимира Малевича
• 1923
• Фарфор, роспись надглазурная. 7,2 х 12,5 (с ручкой) х 6
• Государственный Русский музей
• СФ-27

В творческом наследии Ильи Чашника фарфор занимает не последнее место. На ГФЗ художник проработал недолго, всего год (1923–1924), и по количеству созданных композиций уступает Николаю Суетину. Тем не менее обращение Чашника к фарфору нельзя рассматривать как случай или эпизод. Вхождение в этот материал, связанный с массовым производством, для него было органичным и естественным. Известно, что проблема изменения предметного мира была одной из актуальных в теории супрематизма.

„Получашку“ Малевича Чашник расписывал одновременно с Николаем Суетиным. Сопоставляя обе росписи, близкие по компоновке геометрических элементов и цвету, нетрудно увидеть разницу. Суетинская композиция пронизана движением, в то время как роспись Чашника, более статичная, как бы „зажимает“ форму предмета. Вообще композиции Чашника на фарфоре выглядят несколько тяжеловато. Всем краскам художник предпочитал черную, отсюда – резкая броскость его росписей на фарфоре. Более того, элементы его супрематических композиций всегда крупны, а черные широкие ленты по краю сосудов замыкают и так тесное пространство.

Марка черная, по бисквиту, от руки — серп, молот, часть шестерни и дата: 1923. На обороте черным по бисквиту: Супрематизм, изображение черного квадрата в рамке, По рис. Чашника и 474/587.

Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 200.

Чернильница с крышкой «Супрематизм с „планитом“»

• 1923-1924
• Фарфор, роспись надглазурная. 12,7 х 16 х 14,1
• Государственный Русский музей
• СФ-29

Не исключено, что стремление хотя бы в миниатюре реализовать проекты супрематической архитектуры руководило Суетиным, когда он работал над фарфоровой чернильницей. Она представляет собою комбинацию разновеликих фарфоровых брусков, куба и вертикального диска, укрепленных на черном основании в форме сегмента.

Архитектура предмета восходит к графическим изображениям „домов будущего“, так называемым планитам, над проектами которых Суетин работал в ГИНХУКе. Описание планита, сделанное Малевичем на одном из рисунков, совпадает с тем, что представил Суетин в фарфоровом предмете.

„Планиты <дома> землянитов <людей> … Планит должен быть осязаем для землянита всесторонне, он может быть всюду на верху и внутри дома… Каждый его этаж низкорослый, по нем можно ходить и сходить как по лестнице“ (Казимир Малевич в Русском музее. СПб., 2000).

В чернильнице-планите последовательно проведен супрематический принцип сопряжения вертикали и горизонтали, крупных и малых, прямоугольных и круглых форм. В росписи использованы три основных супрематических цвета: черный, красный, белый, как и предполагалось раскрашивать „дома будущего“. Важной пластической и смысловой фигурой является крупный, по отношении к другим формам, вертикально поставленный диск, на который планит, собственно, и спроецирован. Его изображение уже в виде красной планеты повторяется в росписи.

Настольный прибор (чернильница), приняв облик планита, как бы приобретает статус архитектурной модели. Эту мысль подтверждает нераскрашенный экземпляр аналогичной композиции, поступившей в 1931 году в Русский музей от Суетина. Желая выявить приоритет архитектурного начала над функциональным, художник напрочь соединил крышку чернильницы с кубом, лишив тем самым предмет его изначального предназначения.

Без марки. на обороте черная надпись: Супрематизм форма и роспись Суетина 1923–1924 г. и изображение черного квадрата в рамке (эмблема УНОВИС).

Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 155.

Праздник в честь II Конгресса Коминтерна 19 июля 1920 года. Демонстрация на площади Урицкого

• 1921
• Холст, масло. 133 х 268
• Государственный Русский музей
• Ж-6148

Послеоктябрьская реальность вносила свои коррективы в творчество Кустодиева... До 1917 года не писавший исторических картин, художник теперь время от времени обращался к темам революции и современных политических событий – «Степан Разин» (1918), «Большевик» (1920, ГТГ), «Праздник на площади Урицкого» (1921, ГРМ), «Ночной праздник на Неве» (1923), «Волжская красная флотилия под Астраханью в 1918 году» (1926), «Октябрь в Петрограде» (1927). Первые три вошли в золотой фонд советской живописи. Круглов В.Ф. Кустодиев: между лирикой и гиперболой // Борис Михайлович Кустодиев. К 125-летию со дня рождения. СПб, 2003. С. 17.

Работа над картиной была начата в 1920 году по заказу Петроградского Совета рабочих и солдатских депутатов.

Коминтерн или Коммунистический Интернационал представлял собой международную организацию, созданную для объединения мирового коммунистического движения. Второй Конгресс Коминтерна начал работу 19 июля 1920 года в Петрограде. В нем участвовали делегаты из 35 стран. Один из крупнейших художников объединения «Мир искусства», Борис Кустодиев, был привлечен И. Бродским к написанию полотна, посвященного одному из важнейших событий постреволюционного времени.

В картине с присущей художнику декоративностью, тщательностью характеристики народных типов передана атмосфера празднества представителей разных национальностей, прибывших на Конгресс. Лишенный из-за болезни возможности двигаться, художник на машине Петросовета ездил по городу, внимательно вглядываясь в необычные для него приметы нового в городской жизни, делал натурные зарисовки, проникаясь атмосферой торжества. Все эти наблюдения воплотились в свободной композиции, доминантой которой был разный по интонации красный цвет. Этот цвет в его модификациях наряду с трактовкой массы в целом и отдельных персонажей выражал идею праздника. «Ведь такой улицы надо было дождаться», - воспоминал живописец, убежденный, что «картина должна быть документом нашего потомства». Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 449.

Запечатлевая на холсте, казалось бы с документальной достоверностью конкретное событие, Кустодиев создает тот же, что и прежде собирательный образ массовых народных гуляний, вольно объединяя в одном картинном пространстве разнородные мотивы. Тут показаны десятки различных сценок, изображены все слои населения, люди разных профессий, возрастов, национальностей. Причем экзотические облики и одежды запечатленных здесь иноземных делегатов конгресса Коминтерна придают сверкающему торжеству картины особо широкий смысловой диапазон. Надо всей этой пестрой толпой развеваются красные знамена, подобные пламени радостного пожара, сыплется дождь листовок, мчится быстрый ветер, подгоняя разорванные облака, – ощущение праздника в итоге становится очень широким, масштабным и метафоричным.

Одноименный эскиз картины (1920, холст, масло) – ГРМ.

Рисунок „Международный митинг перед дворцом искусств (Международный праздник)“(1920, бумага, итальянский карандаш) – Музей-квартира И. И. Бродского, Петербург.

Рисунок „На площади Урицкого. Праздник“ (1920, бумага, карандаш) – ЦМЛ, Москва.

Рисунок „Праздник на площади Урицкого“ (1920, бумага, графитный карандаш) – ОР РНБ.

РЕКОМЕНДУЕМ

Подробная информация о картине И.И.Бродского "Торжественное открытие II конгресса Коминтерна во дворце Урицкого в Ленинграде". 1920—1924 гг. и персонажах картины в приложении ARTEFACT.

Фигура «Женщина, вышивающая красное знамя»

• Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
• 1919 - середина 1920-х гг. (модель - 1919 г.)
• Фарфор, роспись надглазурная, золочение. В.-15,2; Дл.-9,5; Ш.-9,5
• Государственный Русский музей
• СФ-136

Автопортрет

• 1918
• Холст, масло. 80,5 x 65
• Государственный Русский музей
• Ж-2400

1918 год был в творчестве Петрова-Водкина годом натюрморта. Его письма к матери той поры, полные отчетов о повышении цен на хлеб и дрова, – летопись разрушения привычного жизненного уклада. Видимо, пристальное внимание к предметному миру было попыткой фиксации его неудержимо расплывающихся контуров, сопротивления тотальной дематериализации. Автопортрет – пример одного из немногих обращений к другому жанру – итог напряженных размышлений о роли художника в апокалипсические времена, поиск стабильности в глубинах собственной личности. 30 января 1918 года Петров-Водкин был выбран профессором Академии художеств. «Как это ни почетно, ни лестно, но с большими колебаниями беру на себя эту большую задачу. И если бы не тяжелое время для Родины и не опасность, что искусство зачахнет среди всеобщего разрушения, я не имею права отказаться от возможности хотя бы попытки благоустроить нашу высшую школу…». Ответственность связывалась с осознанием открывающихся возможностей построения здания нового искусства новой России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. Такая позиция демиурга-хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета. В соответствии с выдвинутой художником концепцией нового, «планетарного» видения его строгое лицо возникает на пересечении «планетарных» измерений неба и тверди, образующих фигуру креста. Любовь Большакова  // Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 159.

В Автопортрете 1918 года исчезла зачарованность, завороженность причастностью к иным мирам, нездешним законам бытия, присущая до сих пор множеству персонажей художника. В почти скульптурной лепке рельефа головы, в рубленности черт лица, в твердости и ясности взгляда художник чрезвычайно точно выразил основной пафос своей жизни той поры – приятие действительности без обманной идеализации ее, приятие мужественное и трезвое, с сознанием неизбежности самопожертвования и готовности к нему. При этом психологическое пространство портрета не ограничено сиюминутностью реального окружения, она включает в себя всю ширь зелено-голубых сфер мироздания, духа, истории… Планетарный принцип, положенный в основу этого произведения, удивительным образом сочетается с концепцией портрета эпохи кватроченто: человек в центре мироздания, возвышенный над миром, героический и одновременно трагически одинокий.

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) – живописец, график, теоретик искусства, писатель. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1930). 

Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф.Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А.Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е. Архипова, Н.А. Касаткина и В.А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. С 1908 участник выставок "Золотого руна". Член обществ "Мир искусства" (1910–1922), "Четыре искусства" (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е.Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Автор жанровых композиций, портретов и натюрмортов. Прошел через увлечение символизмом, постимпрессионизмом (искусство П. Гогена и А. Матисса). В своем творчестве основывался на наследии Древней Руси.

Тышкевич Григорий Антонович

Родился в г. Запорожье в 1940. Член Национального Союза Художников Украины (1970). Заслуженный художник Украины (1985). Народный художник Украины (2012). Действительный член международной академии наук, образования, индустрии и искусств, США (2010). Лауреат премий им. Н. Островского и А. Куинджи. Участник более 150 республиканских, всесоюзных, международных и персональных выставок. Всего на счету мастера несколько тысяч работ, которые представлены в музеях, а также в частных коллекциях стран Европы и СНГ.

Яркий талант Григория Тышкевича успешно реализуется в разных жанрах изобразительного искусства – тематическая картина, портрет, натюрморт, пейзаж. Один из выдающихся донецких мастеров кисти основал стиль, так называемый «лирический урбанизм»: суровые индустриальные ландшафты донбасских городов тонко и поэтично изображаются в узнаваемой авторской манере. Особенностью творчества художника является неразрывная связь с жизнью города и родного края. Живет и работает в Донецке.  Профессор кафедры дизайна и арт-менеджмента Донецкого национального университета.

Яранов Евгений Герасимович

Живописец. Заслуженный художник России. Заслуженный художник Республики Марий Эл.

Окончил Йошкар-Олинское художественное училище. Член Союза художников. Лауреат Государственной молодежной премии Республики Марий Эл имени Олыка Ипая.

Айтбаев Салихитдин Абдысадыкович

Казахский советский художник. Живописец, график. Заслуженный деятель искусств Казахской ССР.

Родился 15 февраля 1938 в Кзыл-Орде (с 1997 Кызылорда) Казахской ССР. В 1961 окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя, учился у М. Кенбаева, У. Ажиева. Участник выставок с 1961. Член СХ Казахстана с 1965. Жил и работал в Алматы с 1961. Участник республиканских и всесоюзных выставок. Заслуженный деятель искусств Республики Казахстан. Лауреат премии им. Ленинского комсомола Казахской ССР.

Произведения художника наполнены духом казахской национальной традиции. Но большое влияние на формирование стиля Айтбаева оказали пост-импрессионисты, в частности мексиканцы Диего Ривера, Альфаро Сикейрос и французский художник Поль Сезанн. Помимо живописи Айтбаев занимался иллюстрацией и сотрудничал с известными казахстанскими литераторами. Он оформлял сборники стихов Олжаса Сулейменова, трёхтомное издание «Казахских народных сказок» и другие литературные произведения. 

Боргояков Павел Михайлович

Родился 10 мая 1932 в поселке Сакеевка Аскизского района Хакасской автономной области. Педагог, композитор, художник, народный мастер Республики Хакасия (Чон узы, 1994), член Союза композиторов РХ (1996), член Союза художников России (1995). В 1975 окончил отделение культурно- просветительной работы Абаканского музыкального училища. Работал художником Музея Дома санитарного просвещения в г. Кызыле (1948–1960), баянистом-аккомпаниатором в клубах (1960–1993), учителем пения средней школы (1962–1969). Сочинял в разных жанрах вокальной и инструментальной музыки. Художественного специального образования не получал. Работал в жанре тематической картины и портрета. Участник художественных выставок с 1968.

Игловиков Владимир Георгиевич

Живописец. Член союза художников России (1989).

Родился 29 декабря 1937 в городе Тобольск в семье служащего. В 1968 окончил Московское государственное художественное училище памяти 1905 года. В детстве, юности с семьей жил на Ямальском Севере, неоднократно приезжал туда за новыми впечатлениями. Участник выставок (с 1959). Жил и работал в Тобольске, Мытищах (Подмосковье).

Холсты и картоны художника вошли в собраниях Тобольского историко-краеведческого музея, Ямало-Ненецкого окружного музейно-выставочного комплекса имени И. С. Шемановского (Салехард).

Козловцева Светлана Георгиевна

Живописец. Родилась в 1950 в г. Ереване. В 1970 поступила в Симферопольское художественное училище. Закончила Ленинградский художественный институт им. И. Е. Репина (мастерская Е. Е. Моисеенко). С 1986 живет в г. Горно-Алтайске, преподает в художественной школе.

В своей педагогической деятельности любит экспериментировать. Она помогает ученикам освоить валяние из шерсти национального ковра, мастерить игрушки из шерсти и ткани, и даже создать кукольный театр.

В 1992 была принята в Союз художников России.

В 2017 получила звание «Заслуженный художник Республики Алтай». Участник российских, зональных, республиканских выставок.

Ларичев Михаил Алексеевич

Живописец. Член Союза художников СССР. Родился в селе Лебзово Усть-Кубинского района Вологодской области. Первые навыки в рисунке и живописи получил у В. В. Тимофеева в средней школе № 1. Окончив семилетнюю школу, в 1937 поступил в Рязанское художественное училище, но не закончил его. В начале Великой Отечественной войны ушел на фронт. Жестокие бои на Белорусском фронте, контузия, плен, три с половиной года лагерей смерти Бухенвальда и Заксенхаузена, освобождение весной 1945. Этот трудный путь и сформировал мировоззрение художника на долгие годы вперед. 

Любить жизнь, видеть красоту будней и радоваться ей – вот основной девиз Ларичева как художника. Спустя 50 лет, уже в 1980-е, создал цикл картин, посвященных узникам концлагерей.

Основными темами работ художника стали картины северной природы, портреты современников, жанровые зарисовки, пейзажи, натюрморты. Как уроженцу села, ему была близка деревенская тема. Образы пастухов, доярок часты в его творчестве. В начале своего пути неоднократно обращался к автопортрету, приобретая опыт для дальнейшей работы над портретами — типами сельских жителей, принесших ему известность («Коммуны рядовой», «Все на ферму», «Ветеран» и другие).

Осиев Геннадий Николаевич

Живописец, график.

Родился 15 февраля 1950 в Великом Устюге. Рано занявшись рисованием благодаря бабушке Агнии Ивановской, стал посещать изостудию, а уже в 12 лет решил посвятить себя искусству. В 1969 окончил Ярославское художественное училище, после чего переехал в Вологду, много путешествовал по области, был на Соловках, в Кижах, а также побывал в Венгрии. По всем поездкам были созданы серии рисунков, этюдов или большие картины. Был участником межрегиональных, областных и всесоюзных выставок. Член Союза художников СССР с 1980.

Принадлежал к той группе художников, которые сумели найти свой неповторимый взгляд на мир и выразить его в соответствующей этому видению стилистике. Уже с первых шагов в искусстве Осиева отличала большая драматическая, тревожная интонация, он взволнованно, страстно переживал мир. В этом проявился и его собственный характер, и традиции искусства «сурового стиля» 1960-х. Художник работал в технике масляной и темперной живописи в жанрах сюжетно-тематической картины, пейзажа, портрета, натюрморта, занимался графикой. Развивал стилистику вологодской живописи.

В 1980-е художник вышел на главную тему своего творчества – работал над образом Н. М. Рубцова, изучал материалы, буквально уйдя в них с головой. Появилось три портрета поэта, несколько крупных картин.

Плотнов Андрей Иванович

Живописец, график, военный художник Студии при Главном политическом управлении пограничных войск, член Студии военных художников, член Московского Союза художников.  Заслуженный художник РСФСР (1968).

Родился в деревне Верхняя Павловка Данковского уезда Рязанской губернии (ныне Данковский район) в семье крестьянина и навсегда сохранил трепетное отношение к родной земле, став впоследствии в том числе инициатором создания Данковской народной картинной галереи (1968).

С 1932 жил в Москве, где с 1933 учился в Художественном техникуме Объединения государственных книжно-журнальных издательств. В 1936 по рекомендации И. Э. Грабаря был принят на живописный факультет Московского художественного института (ныне МГХИ им. В. И. Сурикова), учился у профессора Григория Шегаля, окончил институт в 1942 году.  В 1943 году получил диплом и стал военным художником. 

Уже в ранних работах показал себя приверженцем психологического портрета и пейзажа. В 1943 стал военным художником при Главном политическом управлении пограничных войск и в составе Художественной студии выезжал на фронт: на Курскую дугу, в Одессу, Севастополь. Он писал этюды, часто выезжал на линию фронта, где делал зарисовки военных эпизодов, бойцов Советской Армии, их героические подвиги. Однако работа художника на войне не ограничивалась сбором изобразительного документального материала. На основе живых наблюдений, набросков создал более двадцати плакатов боевой славы Красной Армии и военных плакатов «Окон ТАСС».

После демобилизации из армии в 1947 году в творческих путешествиях исследовал буквально всю родную страну, а также совершал командировки по миру – в Среднюю Азию и Казахстан, Италию, Сирию, Ливан, Англию, Бразилию, Японию, Индию, ФРГ, Испанию. Многие его этюды и законченные произведения были посвящены Новолипецкому металлургическому комбинату (Липецк); не забывал художник и своих земляков. Много работал над индустриальными пейзажами, портретами.

Всесоюзную известность Андрею Ивановичу Плотнову принесли картины на тему космоса и портреты первых советских космонавтов.

Штеренберг Давид Давидович

Советский живописец, график. Окончил Московский государственный художественный институт им. В.И. Сурикова в 1958 году. По окончании института в 1958 году в течение 20 лет работал в издательстве «Детская литература.

В 1967 году вступил в Союз художников, принимал активное участие в выставках, занимаясь как живописью, так и графикой, писал пейзажи, портреты, жанровые сцены.

Работы находятся в музеях городов Каргополь и Тикси, Художественном фонде России, частных собраниях в России, Франции, Австрии, Японии и Дании.

Агаян Эдуард Макарович

Скульптор; автор монументальных и станковых произведений. Учился в ереванском ХУ им. Ф. П. Терлемезяна, на скульптурном факультете ИЖСА им. И. Е. Репина (1957–1964) у М. К. Аникушина, в творческой мастерской АХ СССР (окончил в 1967) под руководством Н. В. Томского. Участник респу- бликанских, всесоюзных и международных выставок с 1956. Член СХ СССР с 1967.

Кононов Иван Алексеевич

Скульптор. Член Союза художников СССР с 1989 года. Родился в 1946 году в г. Ленинград. Окончил Чувашский государственный педагогический институт им. И. Я. Яковлева. Видный общественный деятель, атаман Общероссийской общественной организации «Объединение казаков мест нетрадиционного проживания», генерал-майор казачьих войск; доктор философии, академик Международной академии информатизации; первый вице-президент Международного казачьего объединения, член Парламента конфедерации народов Кавказа, член Парламента репрессированных народов, вице-президент Высшей Казачьей Академии (Нью-Джерси, США).

Ноздрин Евгений Алексеевич

Заслуженный деятель искусств МАССР (1970). Лауреат Государственной премии МАССР (1981). Член Союза художников СССР (1943).

Участник Великой Отечественной войны.

Живописец, педагог. Работал в жанре портрета, пейзажа, тематической картины. Создал портретную галерею известных людей Мордовии: художников, певцов, композиторов, актеров, ученых, писателей, героев Великой Отечественной войны.

Окончил в 1940 году Пензенский художественно-педагогический техникум (мастерская И.С. Горюшкина-Сорокопудова). С 1940 года участник республиканских, зональных, всероссийских выставок.

В 1947–1955 годах жил в Алатыре, работал в Чувашском отделении Художественного фонда РСФСР. С 1955 года жил в Саранске. С 1957 года постоянно принимал участие в республиканских выставках художников Мордовии. В 1967–1981 годах преподавал в Детской художественной школе №1, в 1981–1988 – в Саранском художественном училище. Персональные выставки: 1967, 1970, 1975, 1980, 1990, 2000, 2020 (Саранск).

Произведения хранятся в Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С.Д. Эрьзи, Мордовском республиканском объединенном краеведческом музее им. И.Д. Воронина, Мемориальном музее военного и трудового подвига 1941–1945 гг. (Саранск), Чувашском республиканском художественном музее, Алатырском краеведческом музее, Центральном музее Вооруженных сил РФ (Москва), Государственном музейном выставочном центре РОСИЗО (Москва).

Серов Виктор Игоревич

Живописец. Окончил Владивостокское художественное училище (1976–1981), Дальневосточный институт искусств (1983–1989). Участник творческого объединения «Штиль» (выставки: 1988/Хабаровск; 1989/Биробиджан; 1990, 1993, 2004/Владивосток). Участник городских, краевых и зональных выставок (с 1988); 5-й Владивостокской биеннале визуальных искусств (2007, Владивосток); передвижных (1990, 1994/Москва; 2000, Санкт-Петербург); зарубежных (1992/Пуллман, Портленд, Сиэтл//США; 1998/Кванду//Республика Корея; 2008, Ниигата/Япония); международных (1992, Тояма; 2000, Ионаго/Япония) выставок. Автор 2-х персональных выставок (1997, 2001). Жил и работал во Владивостоке. Работы находятся в собраниях Приморской картинной галереи (Владивосток), Сахалинского областного художественного музея (Южно-Сахалинск); галереи «АртЭтаж»; в частных коллекциях России и зарубежья.

Старовойтов Владимир Николаевич

Живописец, график. Окончил Читинское художественное училище (1979–1983), учился в Дальневосточном институте искусств (с 1987). Жил и работал в Южно-Сахалинске (1992–2006). С 1997 член Союза художников России. Участник областных (1981 – 1984, Чита; с 1992, Южно-Сахалинск); городских, краевых (1987 – 1992, Владивосток); региональных (1997, 2003, Хабаровск); зарубежных (1998, Саппоро/Япония) выставок. Автор 3-х персональных выставок (1994 и 1996, Южно-Сахалинск; 2001, Владивосток). С 2006 живёт и работает во Владивостоке. Работы находятся в собраниях Сахалинского областного художественного музея, Читинского художественного музея, Галереи современного искусства «АртЭтажи» (Владивосток); в частных коллекциях России и зарубежья.

Тутунджан Джанна Таджатовна

Живописец, график. Училась в Московской средней художественной школе (1944–1950), в Московском художественном институте им. В. И. Сурикова (мастерская М. М. Черемных и Н. А. Пономарёва, 1953–1959). С 1959 жила и работала в Вологде, участник многих художественных выставок в России и за рубежом. Член Союза художников СССР (1964). Заслуженный художник РСФСР (1972), народный художник России (2004).

Родилась в Москве 22 сентября 1931. По материнской линии из семьи потомственных московских дворян. По отцовской линии связана с армянскими корнями, но в самой Армении была всего один раз, в 1955. Окончила среднюю художественную школу, а затем Московский художественный институт имени В. И. Сурикова (1959). Училась в мастерской М. М. Черемных и Н. А. Пономарева, избрав для дипломной работы монументальный образ Родины-Матери в технике флорентийской мозаики.

В 1952 впервые приехала на вологодскую землю, и с 1959 осталась жить и работать в Вологде навсегда. Ее привез на Север муж, художник-живописец Николай Баскаков. В одном из своих интервью Тутунджан отмечала: «Муж – вологжанин. Мы вместе учились в московской художественной школе, в одном классе, в Суриковском институте. Правда, в разное время. От него я услышала первые рассказы о Вологде. Он первым познакомил и поводил меня по этой земле. Научил всегда делать то, к чему лежит душа». В одной из поездок по области присмотрели они себе деревенский дом на берегу Сухоны, и с этих пор деревня Сергиевская, затерянная в лесах Тарногского района, стала источником тем и образов графического и живописного творчества Тутунджан. Именно здесь, на Вологодской земле, нашла она своих героев, определила для себя главную цель творчества – поведать миру о простых и прекрасных людях, сохраняющих в душах и сердцах своих самые лучшие и светлые качества народного характера.

Когда художнице задают вопрос о том, что ближе ей как творцу: живопись или графика – она отвечает: «Графика – мои корни, живопись – крона». В арсенале большого художника все средства гармонично едины и подчинены одной цели – творчеству. У Тутунджан мы можем говорить о графичности живописных произведений и о наполненности живописными ассоциациями ее графических композиций. Графический элемент выразительного силуэта всегда дополнен символикой живописного цветового пятна.

В жанре портрета она обращается к людям хорошо знакомым и любимым, проповедуя и утверждая через них идеал духовной красоты и богатства. Наверное, потому ее портретные образы романтичны и лишены бытовизма, а цвет и изобразительные детали помогают раскрыть главное, что ценит она в их характере: творческий порыв, увлеченность, преданность.

Выставки Джанны Таджатовны обычно собирают самую большую аудиторию. В чем же феномен популярности произведений Тутунджан у публики? Конечно, не только в сюжетной основе ее картин, близкой и понятной людям, живущим в провинции, но и в эстетике их пластического языка, близкого этическим и эстетическим традициям русской народной культуры.

Логвиненко Александр Юрьевич

Родился в Омске, окончил художественную школу, занимался в изостудии под руководством известного омского художника Г. С. Катилло-Ратмирова, впоследствии некоторое время учился в Латвийской академии художеств на отделении дизайна.

С 1978 работал на Севере, где увлёкся резьбой по дереву. С 1987 жизнь связана с Когалымом. Работая художником-оформителем на производстве, он не бросал резьбу по дереву и являлся активным участником творческой жизни города.

На его счету около 30 выставок городского, окружного и всероссийского уровня, в том числе несколько персональных. Неоднократно был членом жюри городских художественных конкурсов, долгие годы являлся председателем клуба когалымских художников «Слияние пространств».

Одной из главных тем в творчестве мастера на протяжении всей его жизни была архитектура городского пространства. В серии работ «Города» он воплотил образы Риги, Тюмени, Тобольска, Омска, Сургута и, конечно же, Когалыма. В своих декоративных панно стремился не просто изобразить очертания зданий, но и передать особую, эмоционально насыщенную атмосферу города.

Меркасимов Габдулмади Г.

Художник, мультипликатор, иллюстратор, член Союза художников Казахстана. Родился 21 марта в 1949 г. в Усть-Каменогорске Восточно-Казахстанской области. Обучался в изостудии выдающегося художника-педагога Ефима Наумовича Годовского. Окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя (ныне Алматинский колледж декоративно-прикладного искусства им. О. Тансыкбаева), Ленинградский педагогический институт (ныне Российский государственный педагогический университет имени А. И. Герцена), отделение художественной графики.

Три года работал в Москве. С 1975 жил в Алма-Ате (ныне Алматы), работал при студии «Казахфильм» в мультцехе. Иллюстрировал детские книги: «Три медведя» на казахском языке, рассказы Томпсона «Жизнь животных». За мультфильм «Золотая бита» получил государственную премию.

В 1977 возвратился в Усть-Каменогорск, работал в художественно-производственных мастерских. Создавал монументальные росписи в учреждениях города и области, писал станковые произведения.

Работы автора находятся в Государственном музее им. А. Кастеева в Алматы, Восточно-Казахстанском музее искусств г. Усть-Каменогорска, частных коллекциях Москвы, Санкт-Петербурга.

Чукуев Владимир Петрович

Живописец, график.

Родился в 1942 в селе Каракол Онгудайского р-на Горно-Алтайской автономной области. В 1971 окончил Алма-Атинское театрально-художественное училище им. Н. В. Гоголя, в 1978 – графический факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (преподаватели Е. Е. Моисеенко, А. А. Мыльников, В. А. Ветрогонский, А. Ф. Пахомов, Ю. М. Непринцев, К. Г. Старов).

Член Союза художников России (с 1983). Заслуженный художник России (1993). Народный художник Республики Алтай (2004), Почетный гражданин Горно-Алтайска. Награжден медалью «За вклад в культуру Кузбасса». Участник всесоюзных, зональных, республиканских, региональных выставок.

Основная тема творчества – природа и люди Горного Алтая. Интересны лаконичные, сдержанные по колориту портреты, монументальные эпические пейзажи, жанровые композиции. Художник много работает в области иллюстрации, книжной графики, прекрасный акварелист.

Муржин Анатолий Андреевич

Живописец, график. Заслуженный художник Республики Марий Эл. В 1971 году окончил Краснодарское художественное училище. Член Союза художников России.

Бубенцов Виталий Николаевич

Живописец, график, монументалист, педагог. Заслуженный художник России. Член Союза художников России. Член международной ассоциации изобразительных искусств АИАТ ЮНЕСКО. Доцент кафедры изобразительного искусства Мурманского государственного гуманитарного университета. В 1958–1963 учился в Ленинградском художественном училище им. В.А.Серова; в 1966–1972 – в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина. Живет и работает в Мурманске. Основная тема творчества художника – природа и люди Кольского Заполярья, его история. Им создана галерея портретных образов жителей края, внесших вклад в его развитие и культуру, а также серия изображений северных городов, старинных поморских сел с их замечательными памятниками деревянного зодчества. Участник областных, всероссийских, зарубежных выставок. 

Васильев Артур Дмитриевич

Член-корреспондент Российской Академии художеств, родился 5 января 1953 года в с. Соттинцы Усть-Алданского улуса. В 1976 году окончил Намское художественное училище, в 1983 году – живописный факультет Дальневосточного института искусств, где учился у С. А. Литвинова. В 1987-1992 работал в творческой мастерской живописи Российской Академии художеств в г.Красноярске под руководством академика РАХ, народного художника РФ А. П. Левитина.

Евменов Анатолий Васильевич

С восьми лет начал заниматься в изостудии при Ленинградском Дворце пионеров у С. Левина. Увлечение превратилось в профессиональную устремленность, которая привела его в 1966 году в ЛВХПУ им. В. И. Мухиной, оконченное им в 1971 году по специальности монументально-декоративное искусство. Занимался станковой, монументальной живописью, мозаикой. С этого времени художник постоянно участвует во всех выставках, проводимых Министерством культуры СССР. В период с 1982 по 1991 картины Евменова, написанные на актуальные общественные темы, экспонировались на 16 международных выставках изобразительного искусства, представляя творчество молодых художников страны.

С 1967 года занимается творческой и профессиональной деятельностью совместно с женой Галиной. В 1975 оба вступают в Союз художников России. В 1970-х годах супруги выполнили целый ряд заказных монументальных произведений, среди которых мозаичные натюрморты и панно для клуба в г. Пушкин, роспись в технике энкаустики для интерьеров главного здания Балтийского морского пароходства в Ленинграде. Одновременно с этим Анатолий и Галина Евменовы создавали станковые живописные произведения – портреты, жанровые сцены, натюрморты.

С 1977 по 1988 по поручению Художественного Фонда ими было написано для музеев, дворцов культуры, санаториев всесоюзного значения, библиотек около 40 картин, большая часть которых принималась авторитетными художественными советами как уникальные произведения станковой живописи. В этот период Анатолий и Галина Евменовы активно участвовали в выставках различного ранга: городских, зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных.

Евменова Галина Ивановна

Тяга к искусству у уроженки Нальчика Галины Евменовой возникла под влиянием отца, талантливого самобытного художника и музыканта, профессора НГУ. Для осуществления своей мечты стать художником Галина приехала в Ленинград, где после серьезных занятий рисунком и живописью в изостудии В. И. Суворова поступила в ЛВХПУ им. В. И. Мухиной. В 1966 вышла замуж за Анатолия Евменова, и с 1967 года художники совместно занимаются творческой и профессиональной деятельностью. В 1975 оба вступают в Союз художников России. С 1977 по 1988 по поручению Художественного Фонда ими было написано для музеев, дворцов культуры, санаториев всесоюзного значения, библиотек около 40 картин, большая часть которых принималась авторитетными художественными советами как уникальные произведения станковой живописи. В этот период Анатолий и Галина Евменовы активно участвовали в выставках различного ранга: городских, зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных.

Торхов Федор Семенович

Живописец. Работал в жанре тематического пейзажа, портрета. Заслуженный художник России. Почетный гражданин Баян-Ульгийского аймака Монголии, Почетный работник культуры Монголии (1994), Почетный гражданин г. Ульгия (2000). Награжден Орденом «Полярная звезда» (1998, Монголия), почетным знаком «Звезда дружбы» (2005), медалями «Найрамдал» (Дружба), «За трудовую доблесть» и др.

Учился в изостудии при Союзе художников Алтайского края (1947–1948), окончил Республиканское художественное училище им. П.П. Бенькова в г. Ташкенте (1958).

В 1958 года приехал в г. Барнаул. Работал в Алтайских художественно-производственных мастерских Художественного фонда РСФСР, в 1964–1973 гг. – директор предприятия.

С 1974 года совершает многочисленные творческие поездки в Монгольскую народную республику. В 1979–1991 гг. возглавлял Алтайское отделение Общества советско-монгольской дружбы, в 1981–1991 гг. – заместитель председателя Общества советско-монгольской дружбы, был членом Центрального правления Общества друзей Монголии. В начале 1990-х гг. являлся художественным руководителем в Домах творчества СХ РСФСР «Академическая дача», «Горячий ключ».

Член объединений: Союз художников России (1970; председатель правления Алтайской организации 1990–1991; член Правления Союза художников СССР 1989–1991), «Алтай-Баганур-Гоби» (1982-1984, руководитель), «Алтай-горы дружбы» (1986–1988, руководитель).

Участвовал в краевых, зональных, республиканских, зарубежных выставках с 1959 года, в том числе «Сибирь социалистическая» (1967, Омск; 1969, Красноярск; 1975, Томск; 1980, Барнаул; 1985, Кемерово), «Земля алтайская (1970, Москва), «Советское искусство в Японии» (1974-1975, Саппоро, Йокогама, Токио), «Советское искусство в Швеции (1975), «Земля алтайская» (1977, Улан-Батор, Монголия), «Советский пейзаж» (1983, Берлин), «Мир отстояли – мир сохраним» (1985, Москва), «Алтай – горы дружбы» (1988, Ульгий, Ховдо, Горно-Алтайск, Барнаул) «Русская галерея (1993, Даллас, США), «Россия-Х» (2004, Москва), «Победа» (2005, Москва) и др.

Состоялось около 25 персональных выставок с 1968 года, в том числе в гг. Барнауле (1968, 1972, 1980, 1986, 2010), Бийске (1968, 1973), «По монгольскому краю» (1974, Барнаул; 1975, Москва), «На просторах Монголии» (1979, Горно-Алтайская АО; Ульгий, Монголия; 1994, Москва, Улан-Батор; 1995, Барнаул, Бийск, Горно-Алтайск, Ульгий) и др.

Произведения художника хранятся в Государственном художественном музее Алтайского края, в коллекциях музеев Алтайского края, Бийска, Горно-Алтайска, Москвы, Красноярска, Томска, Якутска, в Австралии, Англии, Австралии, Германии, Канаде, Сингапуре, США, Японии, в городах и аймаках Монголии. С 2000 года в краеведческом музее города Ульгия (Монголия) работает персональная картинная галерея, где экспонируется 50 произведений Ф.С. Торхова.

Новосельцев Юрий Валерьевич

Вологодский художник-живописец. Родился 15 октября 1953 в Вологде. Учился в Ивановском художественном училище (1977–1981). Живет и работает в Вологде.

Участник художественных выставок (с 1981). Персональные выставки состоялись в Вологде (2004, 2006, 2008, 2009). Член Союза художников РФ (с 2008). Работы художника находятся в фондах Вологодской областной картинной галереи, в частных коллекциях России и за рубежом.

Мастерская Клименкова

Мастерская Клименкова (фарфоровая студия Klimenkoff) была создана в Москве в 2003 году, организаторами которой выступили супруги Игорь и Елена Клименковы. Игорь Клименков не художник и не технолог, он коллекционер и бизнесмен, поставивший перед собой задачу создания уникальных вещей в духе и стиле императорского и советского фарфора, а в будущем – отражение в фарфоре современного быта XXI века.

Производство называется по фамилии владельцев – Klimenkoff и занимает небольшой дом на улице Талалихина в Москве. Два самых больших помещения – мастерские: в одной формуют изделия, в другой – расписывают. Здесь же принимают гостей и покупателей. Атмосферу дополняет завидная коллекция советской живописи и фарфора, собранные владельцами.

Владельцы стараются воссоздать русскую марку, которая будет конкурентоспособна с самыми известными западными брендами. В компании четыре основных направлении деятельности: мелкая пластика, бисквитный фарфор – овощи, фрукты и цветы, декорирование предметов, ваз, сервизов и авангардный дизайн.

Фирменными работами студии Klimenkoff стали изделия, обыгрывающие ретроуклон и ностальгию по советскому быту – треугольные пакеты молока, фарфоровые батоны и конфеты, а также жанровая скульптура и коллекционные тарелки с портретами вождей и деталями декора московского метро (популярны серии «Язык метрополитена», детская серия, «Ностальгия по советскому прошлому» и т. д.).

Многие скульптурные работы выполнены художественным руководителем Мастерской Klimenkoff – Татьяной Немцовой.

Произведения Мастерской Klimenkoff представлены в Государственном Историческом Музее и музее Керамики Кусково, это желанный предмет многих коллекционеров. 

Сервизы от Klimenkof – это работы на уровне старинных мануфактур. Все сырье, на котором работает мастерская, импортное: лиможские массы, ценящиеся за белизну и красоту, краски. Часть "белья" – чистой основы для кружек, бокалов, чайных пар на которую потом наносится роспись или деколь, мастерская покупает в готовом виде на европейских фабриках. Поэтому каждая такая вещь имеет два клейма: производителя и мастерской.

Изюмский Олег Викторович

Родился в г. Грозном. В 1975 году окончил студию «Юный художник». В 1985 году окончил университет и получил квалификацию экономиста.

В разные годы работал экономистом, занимался предпринимательской деятельностью, но тяга к живописи была сильней, и в возрасте 48 лет взялся за кисть. С 2009 года активный участник выставок.

В 2012 году стал членом Федерации профессиональных художников «АртРоссия». Имеет благодарность Министра культуры ЧР «За вклад в развитие культуры Чеченской республики». Сегодня много работает и экспериментирует.

Работы художника находятся Музее ЧР, частных коллекциях в России, Германии, США, Китая и т.д.

Шамилов Айнди Шамсуддинович

Известный чеченский художник, родился в г. Караганде Казахской ССР. С раннего детства увлекался рисованием, после возвращения семьи художника в ЧИАССР посещал Изостудию г. Гудермес. Особенно ценными для него были уроки Аманды Асуханова, заслуженного деятеля искусств России. Принимал активное участие во всех детско-юношеских выставках.

Окончил отделение изобразительного искусства Карачаево-Черкесского Государственного университета (года учебы: 2008-2013). Активная творческая деятельность художника началась после военных событий в Чечне. На его полотнах можно увидеть батальные сцены, исторические сюжеты, легенды и обычаи чеченского народа. Одна из любимых автором тематик — это пейзажи родного края и Северного Кавказа. В 2008 году мастеру кисти присвоено звание «Заслуженный художник Чеченской Республики», в 2016 году – «Народный художник Чеченской Республики».

Лукина Марианна Михайловна

Живописец, заслуженный художник Республики Саха (Якутия), член Союза художников России – одна из наиболее ярких, одарённых, самобытных участников современной российской и, в частности, якутской художественной сцены. Родилась 23 февраля 1961 года в г. Якутске в семье известного художника-живописца М. В. Лукина. С 1976 по 1979 годы училась в Якутском художественном училище, затем перевелась в Московское художественное училище Памяти 1905 года, которое закончила в 1981 году.

В 1991 году окончила факультет станковой живописи Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова (мастерская академика Российской Академии художеств, профессора Т. Т. Салахова). В 2008-2009 годах прошла стажировку в творческой мастерской станковой живописи МГХИ им. В. И. Сурикова под руководством профессора, действительного члена РАХ Т. Т. Салахова.

Вернувшись в родную Якутию после учёбы, она вскоре стала одной из тех, кто определил современный характер и новые образно-пластические поиски в якутской живописи.

Портрет Х.Ч. Дачиева

• 2012
• Холст, масло. 70 х 50
• Музей Чеченской Республики, Грозный
• 834

На картине чеченского художника Айнди Шамилова представлен поясной портрет известного чеченца Хансултана (Хансолта) Чапаевича Дачиева (1922–2001) — младшего лейтенанта Советской Армии, участника Великой Отечественной войны, командира взвода кавалерийской разведки, (1944г.).

Хансолт Дачиев изображен на темно-сером фоне, сидя на стуле. Одет в парадный костюм, на голове каракулевая папаха. Костюм украшен наградами: с левой стороны – орден Герой Советского Союза, которым был награжден Х. Дачиев за «образцовое выполнение боевых заданий командования на фронте борьбы с немецкими захватчиками и проявленными при этом отвагу и геройство», с правой стороны – ряд орденов и медалей. Написав этот портрет художник увековечил образ героя в памяти народа.

Чародей танца (Махмуд Эсамбаев)

• 2012
• Холст, масло. 69 х 50
• Музей Чеченской Республики, Грозный
• ФИИ- 748

На темном фоне картины представлен поясной портрет известного чеченца Махмуда Алисултановича Эсамбаева (1924–2000).

М. Эсамбаев изображен в костюме и в неизменной папахе на голове. Взгляд обращен к зрителю.  На пиджаке с правой стороны заметен орден «Герой Социалистического Труда», которым знаменитый артист был награжден в 1984 году за выдающиеся заслуги в развитии советского хореографического искусства, и в связи с 60-летием со дня рождения.

Махмуд Алисултанович Эсамбаев (1924–2000) — советский чеченский артист балета, эстрадный танцовщик, хореограф, балетмейстер, актёр. Народный артист СССР и Киргизской ССР. Герой Социалистического Труда.

Скульптура «Пограничник»

• Модель Т. Б. Немцовой
• 2009
• Фарфор, литье. диаметр – 37,5 см
• Егорьевский историко-художественный музей
• КС. 1421

В основе скульптуры «Пограничник», выполненной в московской мастерской Клименова – скульптура М. Г. Манизера «Пограничник с собакой», размещенная на станции метро «Площадь революции» в Московском метрополитене.

Считается, что Манизер лепил этих двух героев по фотографиям Никиты Федоровича Карацупы и его собаки Индуса, о которых было много репортажей в газетах в 1930-е годы. Вся жизнь бойца связана с собаками, их воспитанием. Он служил в погранвойсках на Дальнем Востоке с 1932 года. За время службы на счету Карацупы и Индуса – около пятисот задержанных и уничтоженных нарушителей. У пограничника было пять собак, каждую из которых он называл Индусом, как и первого своего пса. Все его четвероногие друзья-напарники, так или иначе гибли при задержании нарушителей границ. Книги по служебному собаководству, впоследствии написанные пограничником, по праву считаются одними из лучших.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/110617/34872/

Земля поэта. Н. М. Рубцов

• 2005
• Холст, масло. 70,0 х 60,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-2223

Картину «Земля поэта. Н. М. Рубцов» (2005) вологодский художник Юрий Валерьевич Новосельцев приурочил к юбилею нашего знаменитого земляка и показал на областной художественной выставке, посвященной этому событию. Позднее это произведение художника поступило в собрание Вологодской областной картинной галереи. Лично не знавший Рубцова, в своей работе Юрий Новосельцев и не стремился к досконально точному изображению его портрета, а лишь использовал его фотографии. Но для более точной характеристики его творчества изобразил поэта на фоне осеннего вологодского пейзажа, которому тот посвятил не одно свое лирическое стихотворение.

Рубцов Николай Михайлович (3 января 1936, село Емецк, Северный край — 19 января 1971, Вологда) — русский лирический поэт.

Групповой портрет активистов завода «Союз»

• 1980-2014
• Холст, масло. 137 х 157
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-1408

На картине ленинградских художников Анатолия и Галины Евменовой изображены активисты завода «Союз». Открытое акционерное общество Авиамоторный научно-технический комплекс «Союз» создано в Москве по Постановлению Государственного Комитета Обороны от 18 февраля 1943 года. Приказом Наркома Авиационной промышленности СССР от 25.02.1943 года предприятию было присвоено наименование Опытный завод № 300.

Основателем и первым руководителем завода был Александр Микулин, который смог убедить высшее руководство в необходимости создания первого в стране опытного авиационного завода «для обеспечения опытных конструкторских и экспериментальных работ по созданию авиационных двигателей». «Союз», по существу, стал родоначальником нескольких авиадвигательных конструкторских бюро, делегировав своих специалистов для консультации, организации и укрепления этих предприятий. Научно-техническая и трудовая деятельность коллектива «Союз» отмечена награждением предприятия орденами Ленина и Трудового Красного Знамени. Трем сотрудникам предприятия присвоено звание Героя Социалистического Труда, 10 сотрудников стали лауреатами Ленинской премии, 12 – Государственной премии, 3 человека стали академиками, 1 – членом-корреспондентом РАН (впоследствии – академиком), 16 человек – докторами и свыше 50 – кандидатами наук.

Портрет Героя Советского Союза, летчика-космонавта Василия Григорьевича Лазарева

• 2000
• Холст, масло. 64 х 46,7
• Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
• Ж-2762

Лазарев Василий Григорьевич -  известный алтайский летчик-космонавт, Герой Советского Союза (1973), полковник. Был врачом и летчиком-испытателем. Совершил космический полет в 1973 году на корабле «Союз-12». В 1975 году совершил суборбитальный полет.

Амга

• Центральная часть триптиха «Разбитое зеркало»
• 1998-2005
• Холст, масло. 94 х 114
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-2346

Народный художник Якутии, член-корреспондент Российской Академии художеств, Артур Дмитриевич Васильев – талантливый живописец, творчество которого ярко представляет современное искусство Республики Саха.  Его творчество характеризуется стремлением к анализу глубинных процессов жизни, к чуткому проникновению в мир размышлений, философских обобщений. Именно с этой точки зрения интересен его триптих «Разбитое зеркало», над которым художник работал в течение 10 лет с 1998 по 2008 годы.

Полотна можно назвать художественной эпопеей, в которой сплавлены воедино судьба человеческая и судьба народная. Распространенный среди современных российских художников прием использования старых фотографий находит у Артура Васильева новый ход – в разбитом зеркале отражаются сцены прошлого. Произведение потрясает своим психологизмом, эмоциональностью, драматизмом. Выразительная живопись делает образную плоть произведений трепетной, наполненной чувством.

Левая часть «Женщины 20-х», посвящённая времени установления советской власти в Якутии, изображает уцелевшую часть старинной семейной фотографии. Ее разорванность символизирует утрату цельного традиционного уклада народной жизни. Лица старшей женщины не видно: оно принадлежит дореволюционной жизни. На нас смотрят среднее и младшее поколение семьи, разломанной безжалостной историей. Вглядываясь в эти полные достоинства женские лица, думаешь об их судьбах, неразрывно связанных с драматической судьбой страны.

Правая часть «Похороны колхозника», разворачивает перед нами очередной крах нашей истории – похороны самой идеи колхоза. В картине два выделенных в общей цветовой гамме ярких алых пятна образуют торжественно-траурный акцент, не разрушая общей сероватой разбелённости колорита. Это своеобразный изореквием по рухнувшей системе, строительству которой было принесено столько жертв.

В центральной части («Амга») художник изображает пейзаж, подчёркивая настроение духовной сосредоточенности, создаёт драгоценное природное обрамление для коллективного исторического портрета, напоминает об изумительной красоте земли с ее долинами, лесами. Обобщённый характер пейзажа позволяет воспринимать его как философский образ мироздания и родной природы, как олицетворение земной жизни и неразрывной связи эпох и поколений.

Авторские рамы, исполненные в виде старых наличников, объединяют триптих в единую композицию, пронизанную сложным сочетанием эмоционального переживания и философского постижения исторического прошлого и настоящего.

Женщины двадцатых

• Левая часть триптиха «Разбитое зеркало»
• 1998–2005
• Холст, масло. 94 х 113,5
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-2344

Народный художник Якутии, член-корреспондент Российской Академии художеств, Артур Дмитриевич Васильев – талантливый живописец, творчество которого ярко представляет современное искусство Республики Саха.  Его творчество характеризуется стремлением к анализу глубинных процессов жизни, к чуткому проникновению в мир размышлений, философских обобщений. Именно с этой точки зрения интересен его триптих «Разбитое зеркало», над которым художник работал в течение 10 лет с 1998 по 2008 годы.

Полотна можно назвать художественной эпопеей, в которой сплавлены воедино судьба человеческая и судьба народная. Распространенный среди современных российских художников прием использования старых фотографий находит у Артура Васильева новый ход – в разбитом зеркале отражаются сцены прошлого. Произведение потрясает своим психологизмом, эмоциональностью, драматизмом. Выразительная живопись делает образную плоть произведений трепетной, наполненной чувством.

Левая часть «Женщины 20-х», посвящённая времени установления советской власти в Якутии, изображает уцелевшую часть старинной семейной фотографии. Ее разорванность символизирует утрату цельного традиционного уклада народной жизни. Лица старшей женщины не видно: оно принадлежит дореволюционной жизни. На нас смотрят среднее и младшее поколение семьи, разломанной безжалостной историей. Вглядываясь в эти полные достоинства женские лица, думаешь об их судьбах, неразрывно связанных с драматической судьбой страны.

Правая часть «Похороны колхозника», разворачивает перед нами очередной крах нашей истории – похороны самой идеи колхоза. В картине два выделенных в общей цветовой гамме ярких алых пятна образуют торжественно-траурный акцент, не разрушая общей сероватой разбелённости колорита. Это своеобразный изореквием по рухнувшей системе, строительству которой было принесено столько жертв.

В центральной части («Амга») художник изображает пейзаж, подчёркивая настроение духовной сосредоточенности, создаёт драгоценное природное обрамление для коллективного исторического портрета, напоминает об изумительной красоте земли с ее долинами, лесами. Обобщённый характер пейзажа позволяет воспринимать его как философский образ мироздания и родной природы, как олицетворение земной жизни и неразрывной связи эпох и поколений.

Авторские рамы, исполненные в виде старых наличников, объединяют триптих в единую композицию, пронизанную сложным сочетанием эмоционального переживания и философского постижения исторического прошлого и настоящего.

Похороны колхозника-ударника

• Правая часть триптиха «Разбитое зеркало»
• 1998-2008
• Холст, масло. 98 х 114
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-2345

Народный художник Якутии, член-корреспондент Российской Академии художеств, Артур Дмитриевич Васильев – талантливый живописец, творчество которого ярко представляет современное искусство Республики Саха.  Его творчество характеризуется стремлением к анализу глубинных процессов жизни, к чуткому проникновению в мир размышлений, философских обобщений. Именно с этой точки зрения интересен его триптих «Разбитое зеркало», над которым художник работал в течение 10 лет с 1998 по 2008 годы.

Полотна можно назвать художественной эпопеей, в которой сплавлены воедино судьба человеческая и судьба народная. Распространенный среди современных российских художников прием использования старых фотографий находит у Артура Васильева новый ход – в разбитом зеркале отражаются сцены прошлого. Произведение потрясает своим психологизмом, эмоциональностью, драматизмом. Выразительная живопись делает образную плоть произведений трепетной, наполненной чувством.

Левая часть «Женщины 20-х», посвящённая времени установления советской власти в Якутии, изображает уцелевшую часть старинной семейной фотографии. Ее разорванность символизирует утрату цельного традиционного уклада народной жизни. Лица старшей женщины не видно: оно принадлежит дореволюционной жизни. На нас смотрят среднее и младшее поколение семьи, разломанной безжалостной историей. Вглядываясь в эти полные достоинства женские лица, думаешь об их судьбах, неразрывно связанных с драматической судьбой страны.

Правая часть «Похороны колхозника», разворачивает перед нами очередной крах нашей истории – похороны самой идеи колхоза. В картине два выделенных в общей цветовой гамме ярких алых пятна образуют торжественно-траурный акцент, не разрушая общей сероватой разбелённости колорита. Это своеобразный изореквием по рухнувшей системе, строительству которой было принесено столько жертв.

В центральной части («Амга») художник изображает пейзаж, подчёркивая настроение духовной сосредоточенности, создаёт драгоценное природное обрамление для коллективного исторического портрета, напоминает об изумительной красоте земли с ее долинами, лесами. Обобщённый характер пейзажа позволяет воспринимать его как философский образ мироздания и родной природы, как олицетворение земной жизни и неразрывной связи эпох и поколений.

Авторские рамы, исполненные в виде старых наличников, объединяют триптих в единую композицию, пронизанную сложным сочетанием эмоционального переживания и философского постижения исторического прошлого и настоящего.

Фотокорреспондент газеты «Советская культура» Е. А. Халдей

• 1997
• Холст, масло. 100,0 х 69,0
• Мурманский областной художественный музей
• Ж-606

На картине изображён Евгений Ананьевич Халдей (1917—1997) — военный фотокорреспондент, один из немногих советских фотографов, имя которого могут сейчас назвать даже молодые люди. Все 1418 дней войны он прошёл с камерой «Leica» от Мурманска до Берлина. Фотографии, сделанные его руками, стали символом Великой Победы.

Художник познакомился с Евгением Халдеем на выставке фотографа в краеведческом музее Мурманска. Халдей подписал Виталию Бубенцову свою книгу «От Мурманска до Берлина». Рисовал знаменитого фотокорреспондента Виталий Николаевич в своей в мастерской.  

Художник пишет свою модель на фоне знаменитых фотографий портретируемого — военных действий в Заполярье. Рядом бессменная «Лейка» Евгения Ананьевича, с которой фотограф не расставался. Глядя на портрет, складывается впечатление, что художник ведет беседу с героем полотна, слушает его воспоминания. Евгений Ананьевич на минуту о чем-то задумался... этот момент и выхватил Бубенцов. Спокойное, рассудительное, несколько усталое лицо Халдея входит в диссонанс с картинами войны за его спиной. И правда… всё это позади: рвущиеся снаряды, гул вражеской авиации, раненые бойцы, подвиг и смерть. Личное мужество и терпение, жажда жизни и стремление снять кадры, которые прославят Победу русского народа в Великой Отечественной войне, сделали Евгения Халдея истинным героем своего времени. Не случайно на полотне лацкан его пиджака горит орденом Красной Звезды. В картине художник создает и контрастную цветовую палитру: холодный серый и эмоциональный красный подчёркивают чувства и мировосприятие героя картины.

Евгений Халдей ушёл из жизни в том же году, когда и была написана картина – в 1997 году. Для художника Виталия Бубенцова, родившегося в годы войны, было невероятно важно запечатлеть образ человека, видевшего своими глазами цену Победы над фашизмом в родном Заполярье.

Видеофильм о картине

Портрет Заслуженного артиста России Г. М. Пушкина

• 1992
• Холст, масло. 82 х 62
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-526

Заслуженный художник Республики Марий Эл Анатолий Муржин написал портрет марийского актера Г. М. Пушкина в 1992 году, за год до его ухода из жизни. Актер изображен в национальном костюме, его немолодое лицо с серьезным взглядом, направленным прямо на зрителя, полно достоинства.

Георгий Максимович Пушкин (1907–1993) – марийского актёр театра, музыкант, переводчик. Один из ярких представителей первого поколения профессиональных марийских актёров. Заслуженный артист РСФСР (1970), народный артист Марийской АССР (1967).

Айтыс

• 1990
• Бумага, темпера, гуашь. 104 х 85
• Восточно-Казахстанский областной архитектурно-этнографический и природно-ландшафтный музей-заповедник (Усть-Каменогорск, Казахстан)

Казахский художник Габдулмади Меркасимов родился в Усть-Каменогорске, окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя, а затем – Ленинградский педагогический институт им. А.И.Герцена, отделение художественной графики. . С 1975 жил в Алма-Ате (ныне Алматы), работал при студии «Казахфильм» в мультцехе. Иллюстрировал детские книги: В 1977 возвратился в Усть-Каменогорск, работал в художественно-производственных мастерских. Создавал монументальные росписи в учреждениях города и области, писал станковые произведения.

На картине Айтыс изображено состязание акынов. На переднем плане изображена группа людей сидящая на траве у подножия горы и слушающая песни акынов.

Айты́с – у казахов импровизированное состязание двух акынов, форма устной народной песенной поэзии. Исполняется с аккомпанементом на народных струнных инструментах.

Во время айтыса два сидящих (реже — стоящих) напротив друг друга акына исполняют своеобразный песенный диалог, постоянно передавая очередь, подхватывая слова оппонента. Песни во время состязания могут быть на любую произвольную тему. По итогам соревнования выбирается победитель, при этом оценивается как музыкальность и ритмичность, так и сообразительность в парировании аргументов соперника.

В айтысе могут принимать участие и несколько акынов, хотя выступление парами является наиболее распространённым, нередки состязания между мужчиной и женщиной.

Гета. Памяти Г. Н. Бурмагиной

• 1990
• Холст, масло. 110,0 х 90,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-1571

Генриетта Николаевна Бурмагина (1931–1984), портрет которой создала ее современница, художник-живописец Джанна Тутунджан, была одной из тех ярких личностей и авторов, что подняли искусство вологодской графики 1960–1970-х годов на уровень регионального значения. Г. Бурмагина – уроженка Вологодской области, после Ярославского художественного училища вернулась на малую родину и здесь, в Вологде, вместе с мужем Николаем Васильевичем Бурмагиным началась ее творческая биография. Графика Бурмагиных – это иллюстрации к книгам стихов вологодских поэтов – Рубцова, Фокиной, Яшина; станковые серии ксилографий, обращенные к памятникам архитектуры Вологды, к мотивам вологодского фольклора, опирающиеся своей стилистикой и образным началом на народное творчество русского севера и близкие современным формам российского искусства. Судьба подарила им лишь десять лет совместного творчества, но годы эти были насыщены открытиями и свершениями. После трагической гибели мужа в 1974 году Генриетта Николаевна продолжила творческий путь и сумела оставить свой след в искусстве Вологды.

Сегодня в городе помнят художников, одна из улиц на берегу реки Вологды названа их именем. Здесь, напротив храма Сретенья Господня, и изобразила Генриетту Бурмагину живописец Джанна Тутунджан, а птица с двумя парами крыльев, сопровождающая женскую фигуру, символизирует вечную память о двух талантливых художниках, живших и работавших вместе в родном городе.

На безымянной высоте

• 1990
• Холст, масло. 195,0 х 195,0
• Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
• Ж-897

Основная тема творчества алтайского художника Владимира Чукуева – природа и люди Горного Алтая. Интересны лаконичные, сдержанные по колориту портреты, монументальные эпические пейзажи, жанровые композиции.

Картина создана на основе сюжета популярной песни «На безымянной высоте» о Великой Отечественной войне, записанной для кинофильма «Тишина». Автор слов – поэт Михаил Матусовский, композитор – Вениамин Баснер. На картине, написанной в 1990 году, в период ломки общественного строя, изображены ветераны Великой Отечественной войны, которые встретились на местах бывших боев. Их лица серьезны. Прошедшие тяжелейшие испытания, они понимают цену мирной и спокойной жизни. Их думы не только о прошлом, но и о будущем той страны, которую они защищали.

Рождение картины

• 1989
• Холст, масло. 103х165
• Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
• Ж-1973

Больше всего Евгений Ноздрин любил писать людей искусства. Его творчество в некоторой степени можно считать живописной летописью творческой жизни Мордовии.

Работа «Рождение картины» 1989 года – яркий образ художнической жизни позднего советского периода, подчеркнутый деталями: картинами на стенах, художественными принадлежностями. Полотно является групповым портретом мордовских художников, коллег Евгения Алексеевича, – Сидельникова, Петряшова, Беднова, Курдюкова, Харламова, Жидкова, Родионова, Шанина, Попкова, Обухова, Коровина, Мухина, Илюхина, Макушкина и эскизно – Трембачевской-Шаниной, Родионовой, Шибакова. На стене справа – портрет И. С. Горюшкина-Сорокопудова, педагога Ноздрина.

Произведение имеет сложную жанровую природу, что находит отражение к композиции. В картине художник с некоторой долей юмора показывает живые характеры современников, подчеркивая каждый портрет позой, одеждой, местоположением на картине, незначительными, на первый взгляд, деталями. Недописанные образы коллег говорят о продолжающемся творческом процессе. Контраст теплой творческой обстановки с задумчиво-сосредоточенным образом самого художника на переднем плане свидетельствует о серьезности процесса, вдумчивости, с которой автор трудится над творением.

7-я Ленинградская (Дмитрий Шостакович)

• 1989
• Медь, выколотка, патинирование. 63 x 81 x 37
• Государственный Русский музей
• СО-2696

Шостакович Дмитрий Дмитриевич (1906–1975), один из величайших композиторов XX столетия, первые месяцы Великой Отечественной войны находился в Ленинграде (в октябре 1941 он был эвакуирован в Куйбышев), где начал сочинять свою знаменитую Седьмую (Ленинградскую) симфонию. На ее партитуре он написал: «Посвящается городу Ленинграду». Средствами музыки Шостакович дал яркий, выразительный образ борьбы советского народа с фашистскими захватчиками. 9 августа 1942 года Седьмая симфония прозвучала в блокадном Ленинграде. Это стало значительным событием для жителей и защитников города, которым музыка помогала выстоять в тяжелых условиях блокады.

Агаян, опираясь на известные фотографии Шостаковича того времени, изобразил его во время работы над симфонией. Скульптор создал не только запоминающийся образ выдающегося композитора, но и отразил важное событие в истории духовной жизни города и страны. (П. К., Е. Н.)

Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С.469.

Звеньевая

• 1989
• Алюминий, литье. 30 х 37 х 12
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• С-72

В композиции «Звеньевая» скульптором, членом Союза художников СССР Иваном Алексеевичем Кононовым подмечены и переданы плавный поворот и движение гибкого женского тела, привычного к физической работе. В этой земной женщине заключена огромная жизненная сила.

Портрет старушки. Олександра

• 1989
• Холст, масло. 80 × 60
• Череповецкое музейное объединение
• ЧерМО-8824

Художница Джанна Тутунджан, родившаяся в Москве, в 1952 впервые приехала на вологодскую землю, и с 1959 осталась жить и работать в Вологде навсегда. Ее привез на Север муж, художник-живописец Николай Баскаков. Именно здесь, на Вологодской земле Джанна Тутунджан нашла своих героев, определила для себя главную цель творчества – поведать миру о простых и прекрасных людях, сохраняющих в душах и сердцах своих самые лучшие и светлые качества народного характера. Постепенно путевые рисунки и этюды обрастали плотью размышлений, превращаясь в обобщенные, философски мудрые картины и портреты. Пожалуй, ни один из вологодских художников так емко и глубоко не изобразил судьбу русского вологодского крестьянства, как это сделала Тутунджан. Ее дар художника-монументалиста и человеческая сердечная чуткость соединились, чтоб через образы деревенских женщин, девочек, старух поведать миру о духовной красоте, мудрости и стойкости народного характера.

Самые животрепещущие вопросы современной жизни сосредоточены в «деревенских» работах Тутунджан. Ее любимые героини, пережив войны и революции, не растеряли самого главного – веры и надежды. Именно они, эти крестьянки со сложенными на коленях руками, в окружении старых и новых семейных фотографий, и являются «корнем рода» человеческого, его «надёжей». Ведь не случайно символом возрождения русской деревни, а значит и земли, в картинах Тутунджан является деревенская женщина, окруженная детьми и не боящаяся взять на себя роль «Берегини».

Выразительные средства, которые использует в своих живописных произведениях художница, невольно отсылают нашу память к русской иконописи. «Фресковым» называли многие исследователи язык ее монументальных картин, и сама Тутунджан использует в них притчу как сюжетную канву. Ее деревенские герои сродни средневековым святым и мученикам, только не легендарным, а живущим сегодня на нашей земле. В жанре портрета она обращается к людям хорошо знакомым и любимым, проповедуя и утверждая через них идеал духовной красоты и богатства.

Три философа

• Конец 1980-х
• ДВП, масло. 71 х 71,5
• Сахалинский областной художественный музей
• Ж/дв – 511

Композиция «Три философа» владивостокского художника Виктора Серова, созданная в конце 1980-х, отмечена идеологической причастностью к объединению «Штиль» и явно тяготеет к интеллектуальной концепции, отчего её стилистические особенности приобретают черты образного аскетизма, направленного на строгое подчинение формы содержанию. Остро-ироническое отношение художника к подробностям общественной жизни в период ломки социальной системы, свойственное в альтернативном искусстве представителям соц-арта, делает сюжетную изобразительность в композиции столь же остро каверзной и повествовательно откровенной.

В северной школе

• 1988
• Холст, масло. 90,0 х 120,0
• Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского, Салехард
• ЖВ-29

Владимир Игровиков – уроженец Тобольска, в детстве и юности с семьей жил на Ямальском Севере, неоднократно приезжал туда за новыми впечатлениями.

На полотне «В северной школе» изображен школьный урок: ученики, младшие школьники, сидят за партами, педагог подошла к одной из парт, видимо с объяснением или замечанием. Вероятнее всего художником изображен урок, проходящий в школе-интернате.

Дело в том, что в середине ХХ века, когда появилось обязательное массовое школьное обучение, на территориях нашей страны, где коренное население вело кочевой образ жизни, стали появляться школы-интернаты. Такая форма обучения подрастающего поколения была наиболее приемлемой при хозяйственном укладе семей коренных народов Севера. В таких общеобразовательных организациях в течение учебного года дети жили на полном пансионе. Школы-интернаты по сей день востребованы на территории Ямало-Ненецкого автономного округа.

Десант на Шумшу. 18 августа 1945 г.

• 1988
• Холст, масло. 130 х 150
• Сахалинский областной художественный музей
• Ж-370/хх

Работа «Десант на Шумшу. 18 августа 1945г.» (1988) Давида Давидовича Штеренберга реалистична и выполнена с ощущением прозрачности атмосферы. Его «военная серия» картин под одинаковым названием «Атака» (1970-е), показывает психологическое состояние человека, находящегося между жизнью и смертью.

В 1875 году по Петербургскому договору Курильские острова отошли к Японской империи. После того как Япония получила во владение островную гряду протяжённостью более 1200 км, Российская империя фактически лишилась выхода к Тихому океану. Японской империей, имперские амбиции которой продолжали увеличиваться, получена возможность в любой удобный для неё момент начать морскую блокаду Сахалина и всего дальневосточного побережья Российской империи, чем она и воспользовалась в войне 1904–1905 годов. Тогда японские солдаты с острова Шумшу высадились на Камчатке. Расположение острова в опасной близости от Камчатки держало СССР в постоянном напряжении.

Остров Шумшу на карте: между мысом Лопатка и островом Парамушир.

Второй по северности остров архипелага Шумшу, расположенный всего в 12 километрах от южного побережья Камчатки, был сильно укреплённым. Там дислоцировался гарнизон численностью более 12 тысяч человек, вооруженный 77 танками «Ка-Ми», 100 орудиями и минометами, тяжелыми реактивными установками. Глубина инженерных сооружений противодесантной обороны составляла 3-4 км, на острове насчитывалось 34 бетонных артиллерийских ДОТа и 24 ДЗОТа, 310 закрытых пулемётных точек, многочисленные подземные укрытия войск и военного имущества глубиной до 50 метров. Оборонительные сооружения были соединены ходами сообщения в единую оборонительную систему. Все военные объекты были замаскированы, имелось большое количество ложных укреплений. Значительная часть этих укреплений советскому командованию известна не была. Гарнизон Шумшу мог быть усилен войсками с соседнего и также сильно укреплённого острова Парамушир, где находилось свыше 13 тысяч войск. Командовал японским гарнизоном острова Шумшу генерал-лейтенант Цуцуми Фусаки (Всё о Второй мировой. https://wwii.space/18-08-45-взятие-острова-Шумшу/)

Начатой 18 августа 1945 года Курильской десантной операцией СССР поставил свою точку во Второй мировой войне. Высадка советского десанта на остров Шумшу и занятие остальных Курильских островов, вплоть до ближайшего к японскому Хоккайдо, стали последней крупной войсковой операцией Красной армии в ходе Второй Мировой войны. Нашим бойцам пришлось атаковать в очень невыгодной ситуации: вражеских сил было почти вдесятеро больше, к тому же они занимали прекрасно подготовленные рубежи обороны. Неслучайно Курильская десантная операция стала единственной в ходе Советско-японской войны 1945 года, в ходе которой наша сторона понесла более высокие потери, чем японцы. Но в итоге в состав Советского Союза вернулись территории, потерянные Российской империей в 1875 году, и наша страна получила возможность свободного выхода в Тихий океан. Возвращение Курил. Последний бой Второй мировой войны | https://histrf.ru/read/articles/vozvrashchenie-kuril-posledniy-boy-vtoroy-mirovoy-voyny

До скорой встречи

• 1988
• Холст, масло. 144 х 103
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-74

В творчестве художника Андрея Плотнова совершенно особое место отведено первому советскому космонавту Юрию Гагарину. «Я на всю жизнь запомнил день 2 февраля 1965 года, – вспоминал живописец, – мой друг, близко знавший Юрия Гагарина, привёз его ко мне, и я в один сеанс написал портретный этюд этого удивительного человека и, несколько позже, своеобразный натюрморт, на котором изобразил его космические доспехи». Большое значение в работе художника над образом знаменитого космонавта имели не только личные встречи, но и общение с членами его семьи и поездки в Гжатск – на Родину героя. Работа «До скорой встречи!» перекликается с произведением «До свидания, земляне!», где Юрий Гагарин также изображён перед полётом в космос в своем красном скафандре, ставшим всемирно известным символом победы СССР в освоении космоса.

Поединок. Памяти Д. М. Карбышева

• 1988
• Холст, масло. 150,0 х 112,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-2025

Живописец Михаил Алексеевич Ларичев – уроженец Вологодской области. Когда началась Великая Отечественная война, Ларичев ушел на фронт. Тяжелейшие испытания выпали на его долю: жестокие бои на Белорусском фронте, контузия, плен. Три с половиной года провел Михаил Ларичев в фашистских лагерях смерти Бухенвальде и Заксенхаузене; освобожден он был весной 1945 года.

Тема войны не могла не появиться в творчестве художника. Сначала это были единичные портреты, жанровые композиции и даже натюрморты. Но в конце 1980-х годов он создал цикл картин, посвящённых узникам фашистских концлагерей, ведь эта тема волновала его всю послевоенную жизнь, хотя и была на протяжении почти 40 лет в СССР под запретом.

В законченных жанровых композициях, к каким относится и работа «Поединок» (1988), этюдах и набросках он постарался отобразить весь ужас плена и при этом подчеркнуть мужество и благородство русских воинов, не потерявших своей веры в справедливость и победу над врагом. Сюжеты своих картин художнику не пришлось сочинять, он писал то, что пережил сам и испытали его товарищи по фашистским застенкам, как и эпизод гибели генерала Карбышева, вошедший в героическую историю нашего противостояния фашизму. Это произведение не раз экспонировалось на тематических выставках, как в залах Вологодской картинной галереи, так и на площадках выездных выставок, в музеях нашей области.

Карбышев Дмитрий Михайлович (1880, Омск — 18 февраля 1945, Маутхаузен, Третий рейх, ныне Австрия) — русский и советский фортификатор, крупнейший советский учёный — военный инженер. Генерал-лейтенант инженерных войск (1940). Доктор военных наук (1941), профессор (1938) Академии Генерального штаба РККА. Герой Советского Союза (1946, посмертно).

Выпускник Омского кадетского корпуса. Сибирский кадетский корпус окончил в 1898 году с отличием, первым среди выпускников, В 1898 году был принят в Николаевское инженерное училище. В ходе Русско-японской войны 1904-1905 годов в составе батальона укреплял позиции, устанавливал средства связи, наводил мосты, вёл разведку боем. Совершил подвиг в сражении под Мукденом. Первая боевая награда — орден Святого Владимира IV степени с мечами и бантами — была вручена за бой у Вафангоу. Осенью 1908 года поступил в Николаевскую военно-инженерную академию в Санкт-Петербурге, которую окончил в 1911 году с отличием. Участник Первой мировой войны. Воевал в Карпатах в составе 8-й армии генерала А. А. Брусилова (Юго-Западный фронт). В начале 1915 года участвовал в штурме крепости Перемышль. Был ранен. За храбрость и отвагу награждён орденом Св. Анны и произведён в подполковники (1916). В 1916 году был участником знаменитого Брусиловского прорыва.

В декабре 1917 года подполковник Д. М. Карбышев вступил в Красную гвардию в Могилёве-Подольском[25]. В марте 1918 года с группой офицеров штаба бывшей 8-й армии с большим трудом добрался до Воронежа, где вступил в Красную армию. Участник Гражданской войны.

В марте 1923—1926 годах — председатель Инженерного комитета Главного военно-инженерного управления РККА, одновременно преподавал инженерное дело в Военной академии РККА имени М. В. Фрунзе и в Военно-воздушной академии РККА. В 1929 году участвовал в проектировании укреплённых районов вдоль западных рубежей Советского Союза.

В 1938 году окончил Высшую военную академию (Военную академию Генерального штаба). 23 октября 1938 года утверждён в учёном звании профессора. К концу 1930-х годов Карбышев уже считался одним из виднейших специалистов в области военно-инженерного искусства не только в Советском Союзе, но и в мире. В 1940 году ему присвоено звание генерал-лейтенанта инженерных войск. В 1941 году — учёная степень доктора военных наук.

В начале июня 1941 года Д. М. Карбышев был командирован в Западный особый военный округ, где инспектировал ход строительства фортификационных сооружений 68‑го Гродненского укреплённого района. Великая Отечественная война застала его в штабе 3-й армии в Гродно. Через два дня он перешёл в штаб 10-й армии. 27 июня штаб армии оказался в окружении. 8 августа 1941 года при попытке выйти из окружения генерал Карбышев был тяжело контужен в бою у реки Днепр возле деревни Добрейка Могилёвской области Белорусской ССР. В бессознательном состоянии был захвачен в плен.

Карбышев содержался в лагере для военнопленных Шталаг-324 близ города Острув-Мазовецка (филиал которого был в Гродно), в тюрьме гестапо в Берлине, в лагере на пересыльном пункте РОА в Бреслау, в немецких концентрационных лагерях: Замосць, Хаммельбург, Флоссенбюрг, Майданек, Освенцим (Аушвиц), Заксенхаузен, Маутхаузен. Неоднократно от администрации лагерей получал предложения сотрудничать. После двух лет уговоров нацисты вынесли в 1943 году вердикт: «Направить в концлагерь Флоссенбург на каторжные работы, никаких скидок на звание и возраст». Несмотря на свой возраст, был одним из активных руководителей лагерного движения сопротивления. Призывал не только советских, но всех военнопленных антигитлеровской коалиции помнить о своём Отечестве и не идти на сотрудничество с врагом. Последним местом заключения стал концлагерь Маутхаузен. В ночь на 18 февраля 1945 года в концлагере Маутхаузен, в числе около пятисот других заключённых, после зверских пыток облит водой на морозе (температура воздуха около −12 °C) и убит. Тело Д. М. Карбышева было сожжено в печах Маутхаузена.

Портрет первой чемпионки по шатре Бахтушкиной Ларисы

• ХХ–ХХI вв
• Холст, масло. 100,0 х 72,0
• Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
• Ж-1468

Светлана Георгиевна Козловцева с 1986 года живет в Горно-Алтайске, преподает в художественной школе. На ее портрете - чемпионка по шатре Лариса Бахтушкина Молодая женщина одета в платье красного цвета с рюшками у горловины, руки держат на коленях игру-шатру. На ней накинут пояс чемпионки. Необычен фон, который решен в виде поля для игры-шатры: большое квадратное поле, состоящее из маленьких белых и черных квадратов с плоскими круглыми шашками.

Шатра (Алтайские шашки) – одна из разновидностей игры в шашки, сочетающая в себе правила и шашек, и шахмат. Является древним народным интеллектуальным видом спорта алтайцев. Данный вид шашек был воссоздан на Алтае в 1970–1980-е годы.

Портрет хакасского поэта, писателя, драматурга Михаила Еремеевича Кильчичакова

• 1988
• Картон, масло. 95 х 83
• Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
• ХНКМ КП-6765

Хакасский художник Павел Богоярков изобразил хакасского поэта, писателя, драматурга, члена Союза писателей СССР, участника Великой Отечественной войны Михаила Еремеевича Кильчичакова (1919–1990).

После ранения в годы ВОВ был демобилизован. Работал главным режиссёром областного комитета по телевидению и радиовещанию, возглавлял Хакасское отделения Красноярского книжного издательства, заведовал литературной частью Хакасского областного драматического театра.

Перу Кильчичакова принадлежат драма о коллективизации «Всходы», комедия «Медвежий лог» о жизни хакасского села и драма о передовиках производства «Отчего желтеют листья». Михаил Еремеевич изображен одетым в костюм светло-голубого цвета и сидящим в кресле на фоне шкафа с книгами. На груди– ордена и медали, в руках он держит книгу.

Поэт Николай Рубцов

• 1988
• Холст, масло. 150 × 120
• Череповецкое музейное объединение
• ЧерМО-9484

Вологодский художник Геннадий Осиев принадлежал к той группе художников, которые сумели найти свой неповторимый взгляд на мир и выразить его в соответствующей этому видению стилистике. Уже с первых шагов в искусстве Осиева отличала большая драматическая, тревожная интонация, он взволнованно, страстно переживал мир.

В 1980-е годы Геннадий Осиев вышел на главную тему своего творчества – работал над образом поэта Николая Рубцова. Художник изучал материалы, буквально уйдя в них с головой. Появилось три портрета поэта и несколько крупных картин.

Рубцов Николай Михайлович (3 января 1936, село Емецк, Северный край — 19 января 1971, Вологда) — русский лирический поэт.

Сестры

• 1988
• Холст, масло. 100 х 118,5
• Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
• ИНВ 518

На картине известного казахского художника Салихитдина Айтбаева в интерьере юрты изображены две сестры – одна лет семнадцати, другая лет семи. Старшая сидит слева, младшая справа, напротив входа в юрту. Старшая сестра прихорашивается, глядя в зеркало, которое держит для нее младшая сестренка. Подняв руки, она подправляет свой головной убор. Девушка одета в длинное белое платье и красный жилет. Ее шею украшают бусы, в ушах серьги. У младшей сестры черные, распущенные волосы до плеч. На ней розовая майка и белые шорты. Обе сестры босые. Через открытую дверь в юрту проникает яркий солнечный свет. Правая сторона дверного проема соединяется с решетчатым каркасом юрты коричневого цвета. Остальной интерьер юрты изображен схематично, в виде плоских, цветных пятен зеленого, красного, коричневого, серого оттенков. Дверь в юрту снаружи на половину завешена покрывалом. Снаружи, чуть поодаль от юрты, в степи пасутся кобылица с жеребенком, условно обозначена зелень.

Произведение написано в экспрессивной манере, на контрастных цветовых сочетаниях. Фигуры сестер стилизованы, разбиты по плоскостям. Художник использует горизонтальные продолговатые мазки. Затемненная атмосфера внутри юрты и желтое пространство снаружи создает яркий контраст, усиливающий впечатление от произведения.

«Достояние республики. Год 1921»

• Левая сторона диптиха «Из прошлого и настоящего»
• 1987
• Холст, масло. 199,0 х 110,0
• Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского, Салехард
• ЖВ-356

В России в 1920-е годы беспризорность и безнадзорность стали проблемой всесоюзного масштаба. Причинами появления большой массы беспризорников были, конечно, и мировая война, и революция, но и в значительной мере последовавшая за ними Гражданская война. Проблема детской беспризорности решалась на государственном уровне. Беспризорность регулировали специальные государственные органы путем создания специальных учреждений для беспризорников. Широко распространенными учреждениями для беспризорников были приёмники-распределители и детские дома. Путь беспризорника обычно проходил по простой схеме: улица – приёмный пункт – детдом.

На эту тему размышляет в своем диптихе «Из прошлого и настоящего» советский художник  Анатолий Александрович Ивасенко. На полотне «Достояние республики. Год 1921» (левая сторона диптиха) изображен момент выхода детей из вагона поезда. Настроение работы передают угрюмые лица детей, их рваная, убогая одежда. На полотне «Детский дом. Новенькие» (правая сторона диптиха) можно увидеть смену настроения – несмотря на то, что лица детей настороженные, многие смотрят открыто, с любопытством. В глазах детей читается надежда на лучшую жизнь.

«Ты, конёк вороной»

• 1987
• Холст, масло. 167,0 х 195,0
• Художественный музей «Арт-Донбасс», Донецк

Банный день

• Серия «20 дней на острове Жохова»
• 1987 г.
• Холст, масло. 150,0 х 171,0
• Белгородский государственный художественный музей
• Ж-1971

Картина «Банный день» (1987) была написана ленинградским художником Борисом Васильевичем Лесовым по впечатлениям от пребывания на полярной станции на острове Жохова в Северном Ледовитом океане, которая была создана в 1955 и проработала до 1993 года. По условиям зимовки она является одной из самых сложных в Арктике. В 1980-х годах, когда Борис Лесов побывал там, на полярной станции базировалась экспедиция «Север», которая аккумулировала грузы для научно-исследовательской дрейфующей станции «Северный полюс-28» (СП-28).

На полярной станции нет выходных, исследовательская работа рутинна и не прерывается при любых обстоятельствах, и даже смены дня и ночи в привычном понимании здесь нет. Время отсчитывается банными днями, которые для полярников из гигиенической процедуры превращаются в настоящее ритуальное действо. Баню нужно не только протопить, но и заготовить воду – выпилить и растопить достаточное количество ледяных кубов.

Особенное отношение к этому дню художник подчеркивает живописно-пластическими средствами. Врывающиеся из открытой двери клубы пара окутывают фигуру человека с кубом льда и делают его похожим на шамана. Каждому предмету, изображенному на картине, художник уделяет внимание, тщательно прописывая и подчеркивая его важность в жизни полярников. Устойчивость и мерный ритм композиции придает несколько раз повторенный мотив квадрата (лед, окно, панели сборного полярного дома). Меткий глаз художника-монументалиста безошибочно выбирает степень колористического обобщения, позволяющую передать ритуальность происходящего в картине действия.

Деятели искусства и культуры Красноярского края

• 1987
• Холст, масло. 155 х 200
• Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова
• Ж-1740

Наряду с сюжетной, исторической картиной, натюрмортом, красноярский художник Степан Орлов большое внимание уделял портрету. Его портреты – это своеобразная историческая летопись края. На портретах – революционеры, актеры, писатели, спортсмены, художники, речники, военачальники. Художник в каждом портрете умел создать выразительный и запоминающийся образ.

Значительное место в его творчестве занимает групповой «Портрет деятелей культуры Красноярского края», который был написан художником по заказу руководства культурой края (1987–1991). Но художник подошел к заказу не равнодушно, не по принципу «исполнил и на этом точка», а добросовестно проработав тему, создав интересные, легко узнаваемые образы деятелей культуры.

На картине слева направо представлены:

известный хореограф и балетмейстер, народный артист СССР, Герой Соц. Труда, лауреат Гос. премии СССР (1985), руководитель Красноярского Государственного ансамбля танца Сибири Михаил Семёнович Годенко (1919–1991);

солистка Государственного ансамбля танца Сибири, в котором проработала 23 года, а затем выступала солисткой балета «Москва», солисткой Московского академического театра танца «Гжель» Людмила Владимировна Коркина (род. в 1950 г.), народная артистка РСФСР, лауреат премии правительства РФ в области культуры, лауреат премии «Душа танца» в номинации «Звезда народного танца», кавалер ордена Дружбы, профессор кафедры режиссуры театрализованных представлений Московского Государственного института культуры;

Лидия Дмитриевна Дзьобак (род 1948 г.) – балетмейстер-постановщик, народная артистка РСФСР, заслуженная артистка Грузии, солистка балета и балетмейстер Красноярского государственного академического ансамбля танца Сибири им. М. С. Годенко, с 2001 года – балетмейстер-постановщик ансамбля «Енисейские зори»;

Валерий Аркадьевич Дьяконов (1942-2015), народный артист РСФСР (1986), лауреат Гос. премии им. К. С. Станиславского (1982), всю жизнь отдавший служению в Красноярском театре драмы им. А. С. Пушкина и сыгравший более ста пятидесяти ролей за пятьдесят лет работы в театре;

Борис Яковлевич Ряузов (1919–1994) – народный художник РСФСР, действительный член АХ СССР, лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина (1973), один из ведущих пейзажистов Красноярского края;

Владимир Ильич Мешков (1919-2012) – народный художник РСФСР, заслуженный художник Чувашской АССР, красноярский график – признанный мастер линогравюры;

участник Великой Отечественной войны, писатель Виктор Петрович Астафьев (1924–2001) – Герой Соц. Труда (1989), лауреат двух Гос. премий СССР (1978, 1991), Гос. премии РСФСР им. М.Горького (1975) и двух Гос. премий РФ (1995, 2003 – посмертно), Кавалер ордена Ленина(1989), член СП писателей СССР;

почетный гражданин Красноярска скульптор Юрий Павлович Ишханов (1929-2009) – народный художник РСФСР (1980), профессор (1990), действительный член РАХ (1995), создавший памятник А. П. Чехову на берегу Енисея, «Кандальный путь» на Предмостной площади, обелиск на Красной площади, мемориальные памятники основателю Красноярского ансамбля танца Сибири М. С. Годенко, первому в Сибири академику живописи, народному художнику России Б. Я. Ряузову, выдающемуся ученому-конструктору М. Ф. Решетневу, русским воинам, погибшим в годы Гражданской и Великой Отечественной войн, в разных городах Красноярского края;

заслуженный архитектор РСФСР Арэг Саркисович Демирханов (1932–2020) – член-корреспондент РАХ, Российской академии архитектуры и строительных наук, общественный деятель, поэт, народный архитектор РФ (2002), Почетный гражданин Красноярска (1995), среди проектов которого застройка и благоустройство площади 350-летия Красноярска, мемориальный комплекс в сквере имени 30-летия Победы, застройка и благоустройство площади Мира с концертным залом на 2200 мест и филиалом Центрального музея В. И. Ленина (ныне Культурно-исторический и музейный комплекс), библиотека-музей В. П. Астафьева в поселке Овсянка, армянская апостольская церковь Сурб Саркис в Красноярске, исторические врата в Красноярске и многое другое.

Задача была не из легких – собрать вместе одновременно всех деятелей для позирования было практически невозможно, но художник хорошо справился с задачей, создав не просто портрет группы известных людей, это портрет единомышленников. Каждый из выдающихся представителей творческой элиты Красноярья не позирует, а словно «предстоит» перед зрителем, каждый сконцентрирован на чем-то своем глубоко внутреннем, как бы вынашивает свою тему. Но вместе с тем, очевидна монолитность, нераздельность монументальной фризовой композиции с четко обозначенным центром (фигура Астафьева), возникающая из-за пронизывающей весь холст напряженности. Кажется, эти люди сплотились, их единение подчеркивается не только настроением портретируемых, высотой творческих порывов, но и деталями, выступающими неким эталоном прекрасного и вечного: книга и альбом в руках, скульптура женщины работы Юрия Ишханова, деталь костюма танцовщиц – кокошник, за спинами изображенных виден живописный пейзаж Ряузова, – всё говорит о единстве интересов этих людей.

Коллективизация

• 1987
• Холст, масло. 133,5 х 139,5
• Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
• Ж-1201

Основная тема работ алтайского художника Владимира Запрудаева – природа и люди Горного Алтая.

В конце 1980-х годов в картине «Коллективизация» он обратился к истории своего края.

На картине изображено строительство рубленного деревянного дома в одной из деревень Горного Алтая – Кулады Онгудайского района. На первом плане группа алтайцев разного возраста: в центре – двое мужчин, один с топором обтесывает бревно, другой – со сверлом, справа – девочка, собирающая щепки от бревен. Внутри сруба – пожилой мужчина и мальчик. Слева – русский мужчина, наблюдающий правильно ли рубят сруб дома; около угла сруба – лошадь. На втором плане – треугольные юрты «чадыр аил» — это традиционное жилище в виде конуса, выстроенного из длинных и тонких стволов деревьев или жердей, люди около них. На дальнем плане – каменистые склоны гор, в центре у подножия – красный флаг.

Кулада – одно из самых знаменитых сел Республики Алтай. А знаменито оно своими сыновьями и дочерьми, яркими личностями, прославившими свою Родину на политической арене, в театральном и писательском творчестве. На благодатной земле Кулады выросли Ногон Шумарова, Бронтой Бедюров, Дергелей Маскина, Аргымак Ечешев и другие.

В 1925 году была организована первая коммуна «Красная Кулада».

Развито личное подсобное хозяйство, животноводство. Народ в селе Кулада относится к племени «алтай кижи».

Кыз куу

• 1987
• Бумага, пастель. 82 х 65 (54 х 47)
• Восточно-Казахстанский областной архитектурно-этнографический и природно-ландшафтный музей-заповедник (Усть-Каменогорск, Казахстан)

Ленинградец Анатолий Куклин с 1968 года, окончив Пензенское зудожественное училище К. А. Савицкого, жил в Усть-Каменогорске. Во второй половине 1980-х годов создал пастель, посвященную национальной казахской игре Кыз куу.

Кыз куу (погоня за девушкой) – очень древняя игра казахского народа. Она относится к широко распространенным играм из группы игр, связанных с лошадью. Это древняя спортивная игра. Издревле менялось только ее название, а вообще правила не изменились и дошли до наших дней. Раньше состязания проходили между женихом и невестой. По правилам игры, если джигит проиграет в состязании с девушкой, то он лишается прав жениться на ней. Такие традиции давно забыты.

Состязания кыз куу проводятся согласно правилам. Спортсмены одеваются с головы до ног в национальную одежду. Лошадь должна быть быстрая и красивая. Длина площади для этой игры составляет 300 метров. На площадку приглашают девушку и джигита. Джигит должен быть от девушки на расстоянии 10 метров. Если джигит догонит девушку, он должен вытащить платок с ее левой стороны, а девушка наоборот должна убежать от джигита и дойти быстрее в назначенное место.

На втором этапе парня, который находится на 10 метров впереди, должна догнать девушка и стегать камчой. Это значит, что девушка победила. В итоге по времени определяют победителя состязаний. Развитие этой национальной игры имеет важное значение.

Ледоход

• 1987
• Холст, масло. 267 x 360
• Государственный Русский музей
• ЖС-184

Искусство Иванова сформировалось на рубеже 1950—1960-х годов. Родные места на Рязанщине в селе Исады стали его творческой мастерской на многие десятилетия. Здесь были обретены свои темы: послевоенная деревня, сегодняшние трудности села, здесь были найдены свои герои, здесь сформировался ивановский пластический метод.

Картина „Ледоход“ была показана на одной из последних зональных выставок в Москве. В ней раскрывается органичное соединение жизненно-конкретных и глубоких вечных тем, которое всегда было характерно для произведений художника. Пластически и композиционно Иванов обозначает острые социальные проблемы: выбора пути страной в целом и каждым человеком в отдельности в первые перестроечные годы. „Ледоход“ выходит за рамки обыденного весеннего пейзажа, где деревенские жители, стоящие на берегу, являются наблюдателями. Стремительный поток освобожденной реки символически противопоставлен их сосредоточенности и спокойствию. Современная русская деревня по-прежнему степенна, и процессы, о которых так „шумят“ столицы, не так уж однозначно принимают в глубинке. И сегодня очевидно, что художник оказался прав — эту многовековую мудрость народа, жизнь русского духа нельзя сломить никакими испытаниями. // Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006.  С. 277.

В картине "Ледоход" раскрывается органичное соединение жизненно-конкретных и глубоких вечных тем, которое всегда было характерно для произведений художника. Пластически и композиционно Виктор Иванов обозначает острые социальные проблемы: выбора пути страной в целом и каждым человеком в отдельности в первые перестроечные годы.

Каталог выставки в Малаге «Времена года. Произведения из собрания Русского музея». 2015. С. 68.

Марийский языковед и историк Ким Васин

• 1987
• Холст, масло. 95 х 97
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-280

Портрет марийского языковеда и историка Кима Васина создан Заслуженным художником РФ и Республики Марий Эл Борисом Исидоровичем Тарелкиным в 1987 году. Художник изображает одного из ведущих литературоведов, критиков и ученых своего времени, народного писателя республики Марий Эл, держащим в руках журнал «У вий» («Новая сила). Портрет создан в плотной, пастозной живописной манере письма.

Монтажница

• 1987
• Холст, масло. 140 х 140
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-232

«Монтажница» – одна из тех картин, которые принесли Заслуженному художнику РФ и Республики Марий Эл Евгению Герасимовичу Яранову известность. Одежда героини (комбинезон, каска, перчатки) рассказывает нам о ее профессии. Девушка очень по-женски обжила башенный кран, украсила кабину букетом цветущей сирени и любуется открывающейся с высоты панорамой города Йошкар-Олы. За спиной героини, до самой линии горизонта, видны новостройки. Поза девушки свободная, не скованная. Доброе лицо, взгляд умных, слегка прищуренных глаз, легкая полуулыбка на губах. Колорит картины выдержан в светлых тонах.

Портрет заслуженного архитектора РСФСР В. Н. Богуна

• 1987
• Холст, масло. 154 х 115
• Магнитогорская картинная галерея
• Ж-46

Магнитогорский живописец Фёдор Разин изобразил на своём полотне заслуженного архитектора РСФСР Вилия Богуна. Портрет решён в традициях русской реалистической живописи. Личное знакомство художника с моделью помогло передать особенности внешности и характера Вилия Богуна, изображенного на фоне современных городских кварталов, им спроектированных.

Биографическая справка об изображенном:

Богун Вилий Николаевич (1931, Херсон Украинской ССР – 2004, Магнитогорск) – главный архитектор Магнитогорского отделения института «Челябинскгражданпроект». Заслуженный архитектор РСФСР (1979). В 1956 году окончил архитектурный факультет Харьковского инженерно-строительного института и был направлен на работу в проектный институт «Магнитогорский Гипромез». Трудился архитектором и главным архитектором архитектурно-планировочной мастерской. С 1964 года работал в Магнитогорском отделении института «Челябинскгражданпроект», где был главным архитектором, на протяжении нескольких лет исполнял обязанности начальника отделения.

С 1979 года В. Н. Богун был главным архитектором города Магнитогорска. Он много сделал для сохранения архитектурного облика города. В 1988–1994 годах был главным архитектором института «Магнитогорскгражданпроект». Выступил в качестве архитектора при сооружении памятника Ленина на площади Ленина, мемориалов «Металлург» на Привокзальной площади, а также некоторых других монументов. Активно участвовал в общественной жизни, избирался членом горкома КПСС, депутатом городского Совета народных депутатов, делегатом I и II съездов архитекторов России. С 1977 по 1990 год возглавлял Магнитогорскую организацию Союза архитекторов, был членом правления Союза архитекторов РСФСР.

Портрет заслуженного работника культуры, директора Большеуринского совхоза А. И. Ярошенко

• 1987
• Холст, масло. 90 х 130,1
• Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова
• Ж-1726

Несомненной удачей в портретном творчестве финского мастера Тойво Ряннеля стал портрет Анатолия Ярошенко. Анатолий Иванович Ярошенко – знаменитый поющий директор совхоза «Большеуринский» Канского района (односельчане звали его ласково «тятькой»), трижды депутат – Верховного Совета последнего созыва, первой и второй Государственной Думы, он был личностью легендарной. Умелый и смелый руководитель сельхозпредприятия, неизменно остававшийся на своем посту 23 года, крепкий хозяйственник и тонко чувствующий творческий человек, создавший у себя в совхозе практически всю культурную инфраструктуру – не только клуб, но и музей, картинную галерею, музыкальную школу, а также хор, который стал лауреатом трех всесоюзных и четырех всероссийских фестивалей народного творчества трудящихся, а также участником и дипломантом ВДНХ СССР. На первом фестивале хоровых коллективов Красноярского края хор, 20 лет руководителем которого являлся сам Ярошенко, стал обладателем приза гран-при.

Композиция портрета не сложна – Ярошенко изображен в своей обыденной рабочей обстановке – на фоне пшеничного поля. Пейзаж словно наполнен воздухом. Живописная лепка формы неторопливая, вдумчивая. В трактовке образа автор исходит, прежде всего, из характера героя, для которого находит соответствующий активный фон, воспроизводя с его помощью не только среду, в которой живет персонаж его портрета, но и внутренний мир.

Портрет первого космонавта Юрия Гагарина

• 1987
• Бумага, цветная литография. 48,0 х 36,5
• Художественный музей «Арт-Донбасс», Донецк

Тематика космоса не обошла и Донбасс. Ко дню космонавтики в апреле 2021 г. в Художественном музее «Арт-Донбасс» была представлена серия «Звездные сыны Донбасса», выполненная в технике цветной литографии донецким художником Виктором Семисенко. Литография с ее мягким оттиском привлекала многих художников с момента появления этой печатной техники в XVIII веке. Впоследствии цветная литография широко использовалась художниками для создания книжных иллюстраций, плакатов, открыток.

Донбасс является родиной трёх выдающихся советских космонавтов: Георгия Тимофеевича Берегового, Александра Александровича Волкова и Леонида Денисовича Кизима. Их изображения входят в серию, созданную Виктором Семисенко. Центральным персонажем этой графической серии является Юрий Гагарин как символ советского космоса, человек-легенда, открывший путь к звездам всему человечеству, среди которых есть и уроженцы Донбасса.

Работа «Портрет первого космонавта Юрия Гагарина» датируется 1987 годом. Художник изобразил знаменитую на весь мир открытую улыбку героя, взгляд Гагарина направлен вверх, в космические дали. Работа полна символов: это и летящий в свободном полете человек, и очертания монумента «Покорителям космоса» в виде шлейфа взлетающей ракеты, и сам легендарный корабль «Восток-1», голубой земной шар, впервые увиденный человеком сверху, и приветственно мерцающая Большая медведица. Покорение космоса – славная страница нашей общей советской истории. И сегодня Россия остается лидером в пилотируемой космонавтике, а на родине Георгия Берегового в Енакиево (ДНР) Роскосмос открывает космические классы для подготовки будущих покорителей межзвездного пространства.

Агроном

• 1986
• Холст, масло. 120 х 150
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-203

Сельскохозяйственная тема всегда занимала Заслуженного деятеля искусств Марийской АССР, художника, Ивана Алексеевича Михайлина. Он много ездил в колхозы, встречался с передовиками труда. Героиня его картины «Агроном» – трудолюбивая советская женщина, на минуту задумавшаяся о чем-то своем. Художник не делает акцент на национальном колорите, проводит мысль о равноправии и единстве трудящихся.

Дети тридцатых

• 1986–1987
• Холст, масло. 159,5 х 190,5
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-1845

В созерцательном мировидении якутского художника Эдуарда Иосифовича Васильева особое звучание получает тема исторической памяти. Современному зрителю он известен как автор работ разных жанров: сюжетно-тематической картины, портрета, пейзажа, натюрморта. Эдуард Васильев разрабатывает свой тип лирико-монументальной картины, где сюжетом является не действие, а состояние героев, определенный этно-психологический феномен. Используя стилистику старой фотографии, живописец стремится к передаче вечности мгновения.

Интерес в его творчестве вызывают сюжетно-тематические картины, где нашли концентрированное выражение размышления автора об исторических событиях. Творчески интерпретируя их, используя подлинные документальные источники и старые фотографии, художник попытался сохранить память об ушедшем времени и людях минувшей поры, соединить свежесть авторского взгляда на окружающую действительность с трепетной нитью воспоминаний.

Его полотна рождаются с помощью асимметричных или классически уравновешенных статичных композиций, «размытых» цветовых построений. Художник использует монохромный колорит, построенный на тончайших нюансах одного ведущего цвета, положенного гладким ровным слоем. В картинах нет динамичного действия, но есть ощущение психологической атмосферы изображаемых событий.

Сюжет картины «Дети тридцатых» прост: школьники симметричной группой замерли перед объективом фотокамеры. Деревенские дети впервые в своей жизни держат в руках тетрадные листы, они будут учиться читать и писать, перед ними откроется целый мир. Разновозрастная группа якутских ребятишек сосредоточено смотрит на нас из далеких 30-х годов прошлого столетия.

Используя стилистику старой фотографии, живописец вводит зрителя в замкнутый круг своих персонажей, где много личного, где образы оказываются имманентны автору. Художник сумел передать главное – значительность жизненного момента в судьбе целого поколения.

Молодая кружевница Светлана Наумова

• 1986
• Холст, масло. 99,5 х 91,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-1172

Народный художник России Владимир Николаевич Корбаков заслуженно считается мастером портрета. В его творческой биографии можно выделить несколько тематических портретных серий, среди которых самой насыщенной и образно богатой можно считать серию «Вологда и вологжане». Именно сюда следует отнести и портрет кружевницы Светланы Наумовой (1986).

К теме кружевного промысла, самого популярного на Вологодчине, обращались многие вологодские мастера изобразительного искусства, начиная, пожалуй, с Василия Васильевича Верещагина и его знаменитой «Старушки-вологжанки Пахтусовой» из портретов «незамечательных русских людей». Искусство ХХ века изменило подход к изображению человека труда, да и профессия кружевницы во второй половине века стала считаться скорее творческой, нежели тяжелым поденным трудом. Да и в самой Вологде с 1930-х годов открылась школа по подготовке молодых кружевниц, которая с 1961 года стала носить статус училища народных промыслов. Именно здесь нашел известный вологодский живописец В. Н. Корбаков свою молодую модель. Для усиления звучания темы национальной культуры он одевает современную девушку в народный костюм и обращается к колориту традиционного крестьянского искусства. Верно подобранная атрибутика, теплый колорит полотна, камерный характер подачи модели – все это вместе взятое наполняет портрет лирическим образным звучанием.

Нефтяники Балтики. Смена бригады

• 1986
• Холст, масло. 205 х 135
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-733

Полотно калининградского художника Михаила Пясковского посвящено нефтяникам. Северо-западная часть Русской платформы – Балтийский щит – давно обратила на себя внимание геологов. Начиная с 1945 года на территории Калининградской области велись геологические исследования. Глубокое бурение позволило уже в 1956 году зафиксировать незначительные нефтяные проявления в песчаниках, а в 1963 году недалеко от города Гусева был обнаружен приток нефти. С этого момента начинается бурное развитие поисково-разведочного бурения. Первое нефтяное месторождение на суше Калининградской области — Красноборское — было открыто в 1968 году, а первый эшелон добытой нефти отправился на нефтеперерабатывающий завод уже 14 февраля 1975 года. В августе 1978 года правительством было принято решение по освоению ресурсов нефти и газа на континентальном шельфе СССР. Для обеспечения строительства морских стационарных платформ в январе 1982 года на правах цеха создана база морского флота, а уже в следующем году на шельфе Балтийского моря была построена морская стационарная платформа, на которой вскоре начались буровые работы. Добыча нефти в регионе продолжается и по сей день как на суше, так и на море.

Праздник

• 1986
• Холст, масло. 100,5 х 120,0
• Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского, Салехард
• ЖВ-177

На картине «Праздник» кисти Анатолия Лободы изображены гонки на оленьих упряжках – традиционный элемент празднования Дня оленевода. Как и множество других профессиональных праздников, День оленевода появился в 1950–1960-е годы. Он проводится весной, в марте–апреле.

Во времена СССР праздник начинался с делового совещания. Развлекательная программа включала выставки прикладного искусства, концерты, традиционные спортивные состязания: гонки на оленьих упряжках, стрельбу, бросание аркана. В современной России многие элементы празднования Дня оленевода сохраняются, в том числе и гонки на оленьих упряжках. В ЯНАО, Якутии, на Таймыре главным призом в забеге по традиции является снегоход.

Президент Академии наук СССР, академик А. П. Александров

• 1986
• Холст, масло. 145 х 125,5
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-2272

Анатолий Петрович Александров ( 1903, Тараща, Киевская губерния —  1994, Москва) — советский физик, академик АН СССР (1953; член-корреспондент 1943), доктор физико-математических наук (1941), педагог, профессор. Трижды Герой Социалистического Труда (1954, 1960, 1973). Президент Академии наук СССР в 1975—1986 гг.  Лауреат Ленинской премии (1959), Государственной премии СССР (1984) и четырёх Сталинских премий (1942, 1949, 1951, 1953). Один из основателей советской ядерной энергетики. 

Спасибо, Москва!

• 1986
• Холст, масло. 150 х 200
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-2113

Характерным для картин ленинградского художника Александра Полозова является прежде всего мастерство композиционных решений, гармония всех частей и, главное, – эффект реального присутствия. Сдержанный колорит, отсутствие цветовых эффектов, достоверность деталей – все направлено на создание единого образа и раскрытие темы. Это мы видим и в его станковой работе "Спасибо, Москва!". В 1985 году Александр участвует в работе в Студии молодых художников на 12-ом Всемирном фестивале молодежи и студентов, проходившем в Москве. Это мы определяем по эмблеме фестиваля над заполненными зрителями трибунами. Работа была закончена художником лишь год спустя, ее размеры поражают. Но это не помешало ему передать сиюминутное торжество и ликование людей всех стран и народов, объединенных общей целью. Их взор устремлен в одну сторону – в светлое будущее человечества.

Хлеб идет! Директор завода Н. Я. Паткин, секретарь партийной организации Е. С. Турулбетов

• 1986
• Холст, масло. 60 х 80
• Атырауский областной музей художественного и прикладного искусства имени Шаймардана Сариева
• инв. № нқ 1-965

Н. А. Наседкин — автор многочисленных тематических картин и портретов. Значительная часть работ рассказывает о тружениках села. Он много ездил по республике Казахстан, бывал в отдаленных районах. Результатом таких поездок становились этюды и картины на тему сельской жизни.

На переднем плане картины «Хлеб идет!» изображены директор завода Н. Я. Паткин и секретарь партийной организации Е. С. Турулбетов, за их спиной — двор элеватора. С левой стороны — горы спелого золотистого зерна, справа — грузовой самосвал на эстакаде. Сочетание черных, белых, желтых, серых тонов разделяет смелое колористическое решение художника. Картина ярким образом отражает время, в котором жил художник, действительность, связь искусства с задачей об идейно-эстетическом воспитании, отраженном в духе социализма.

Автопортрет

• Майкоп
• 1985
• Холст, масло. 65 х 40
• Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
• ИЗО 804

Художник из Адыгеи Феликс Петуваш 50 лет работает в станковой живописи, графике, монументальном и декоративно-прикладном искусстве. Его произведения относятся к реалистическому стилю и пронизаны национальным колоритом, обогащенным философской глубиной. Основные жанры в живописи – пейзажи Адыгеи, на их основе пишет сюжетно тематические полотна, а также портреты и натюрморты. В графике – иллюстрации к фольклору и литературным источникам, сюжетные, аналитические и лирические композиции.

В «Автопортрете» Феликса Петуваша достигнута узнаваемость и, через некоторые детали, прослежен характер художника. Черты лица тщательно прописаны, элементами драпировки ясно обозначена сфера интересов и, при этом, автор резко отгорожен от зрителя острой линией желтого воротника и стеклами очков. Этим приемом запечатлено свойственное адыгам стремление к утаенности самого ценного, к неполноте допустимой сказанности. Живопись пастозная, наполненная цветовыми нюансами в спектре охры.

Байконур

• 1985
• Холст, масло. 150 х 100
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-2111

Одна из основных тем творчества Юрия Походаева – космос. Таинство Вселенной, мир звезд и галактик вдохновили живописца на создание серии полотен, где романтика земных деяний возносит образ человека-творца. Часть полотен, посвященная «космической» теме, побывала в международных космических экспедициях с Ю. Малышевым и Шар-Ма (Индия), В. Джанибековым и Жан-Лу Кретьеном (Франция). "Трудно подумать, – сказал французский космонавт, – что мой московский друг не был в космосе, настолько верно и глубоко ощутил он бескрайние просторы Вселенной".

В центральной части композиции картины «Байконур» изображены три стоящих рядом друг с другом космонавта в скафандрах. Слева обозначен вертикальный корпус космической ракеты, справа – ночное облачное небо с оранжевым диском луны. Цветовая гамма холодная, усиливающая ощущение встречи с Космосом.

Бригадир чабанов совхоза «Ульгули» Жаналыкского района

• 1985
• Холст, масло. 160 х 170
• Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
• ИНВ 167

Излюбленная тема в живописи народной художницы Казахской ССР Айшы Галимбаевой – образ казахской женщины и ее современная действительность.

На переднем плане художница написала портрет молодой женщины, бригадира чабанов, верхом на верблюде на пастбище. Взгляд задумчивый, устремленный внутрь себя. В облике бригадира читается образ простой сельской женщины, отдающей свою жизнь труду и служению народу. На дальнем плане живописного полотна – женщины-чабаны верхом на верблюдах во время перекочевок, выполняющие свой нелегкий труд.

Картина, написанная в середине 1980-х годов, создана в традициях социалистического реализма, задачей которого было воспевание трудовых подвигов советского народа. Произведение искусства А. Галимбаевой является культурной ценностью, в которой соединяется  история живописи Казахстана и история народа в судьбах  казахских женщин.

Быховские бахчеводы

• 1985
• Холст, масло. 164 х 241
• Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
• ХНКМ КП-5782/2

На картине волгоградского художника Виктора Патрина изображена группа бахчеводов после напряженного трудового дня, угощающих друг друга сладким и спелым арбузом.

Происхождение: Картины поступили в дар из Красноярской художественной картинной галереи.

В. М. Авдюков (Авдеев?)

• Из серии «Труженики Таватуя»
• 1985
• Бумага, офорт. Л: 59,4 х 45,0; и: 41,5 х 31,0
• Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
• Г-9084

Таватуй – озеро в Невьянском районе Свердловской области, на восточном склоне Уральских гор, в 50 км к северо-западу от Екатеринбурга. На берегу расположены три посёлка: Калиново, Таватуй и Приозёрный.  Является одним из красивейших и чистейших озёр в окрестностях Екатеринбурга и излюбленным местом отдыха горожан и туристов.

Красота местных пейзажей привлекала многих уральских художников, не стал исключением и Алексей Казанцев. Не одно десятилетие художник вдохновлялся Таватуем, за это время появилось множество произведений, которые собирались в целые серии: «Таватуй», «Таватуйские корни», «Деревня Таватуй», «Труженики Таватуя».

Именно к последней серии относится работа 1985 года – портрет В. М. Авдюкова (Авдеева?). Произведение выполнено в технике офорта. Перед нами изображение сидящего пожилого мужчины, у его ног лежит собака. Окружают его стены деревянной постройки, возможно сарая. Художник ввел в композицию гравированные надписи, которые проясняют нам имя главного героя и род его занятий.

Вячеслав Миронович Авдюков был старшим сержантом артиллерии на Дальнем Востоке с 1948 по 1952 годы, после службы проработал 32 года охранником на Калиновском химзаводе.

Волоколамское шоссе

• 1985
• Холст, масло. 200 х 300
• Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
• ИНВ 254

Панорамная картина казахского художника Шакена Ниязбекова создает атмосферу героики и чувства патриотизма, где на переднем плане картины изображена сцена воинского приветствия двух героев Великой Отечественной воины генерала Ивана Васильевича Панфилова и комбата Бауржана Момышулы. Художник с большим мастерством и темпераментом передал смысловую масштабность картины. Выразительная фигура всадника и генерала передают стремление художника к монументальности и героизации образов. На дальнем плане картины – батальные сцены за город-герой Москву.

Произведение отличает богатство живописного решения. Колористическое единство достигается спокойным освещением, мягкой воздушностью пространственного решения.

Выставка в клубе

• Из серии «Боровлянский дневник»
• 1985-1986
• Бумага, акварель. 56 х 76
• Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
• ОФ-1645

Село Боровлянское на границе Курганской и Тюменской областей – малая родина художника Германа Травникова, оказавшая большое влияние на формирование его творческого почерка. Используя различные техники изобразительного искусства – живопись маслом, карандаш, линогравюру, акварель, Г. А. Травников создал множество пейзажей, жанровых работ и портретов односельчан, запечатлел приметы уходящего деревенского быта. Акварельный цикл «Боровлянский дневник» посвящён односельчанам. Он раскрывает неприглаженную красоту народной жизни, в которой ясно читаются связи и противоречия дня вчерашнего и сегодняшнего, остро чувствуется боль и радость, протяжённость и краткость человеческого бытия.

Группа В. Донова на Камчатке

• 1985
• Холст, темпера. 145 х 89,5
• Сахалинский областной художественный музей
• Ж/дв-825

Для сахалинского художника Юрия Степанова 1980-е годы стали благотворным периодом полноценного творчества. Официальное признание, активная выставочная деятельность дали художнику «второе дыхание». Степанов с одинаково выраженными ответственностью и вдохновением работал в разных жанрах. В эти годы появляются значительные тематические произведения художника, к которым принадлежат музейные полотна «Группа В. Донова на Камчатке» (1985)  и «Портрет мелиоратора совхоза «Комсомолец» И.М. Мартыненко» (1984). Здесь прослеживается степановский принцип работы с фигурной композицией (с пленэрным портретом, в частности), соединяющий современную фрагментарность и традицию.

Донов Владлен Сергеевич (1935-2007) – руководитель юношеской секции клуба туристов г. Южно-Сахалинска в 1960–1980-е годы, фотограф. «Этот человек вел за собой, оказывал мощное влияние на молодежь, его знали многие, он всегда был центром внимания, его философия давала шанс...» (Памяти Владлена Донова)

Земля

• 1985
• Алюминий, гранит, литье. 30 х 31 х 31
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• С-114

В композиции «Земля» марийского скульптора Анатолия Александровича Ширнина удачно найдена поза молодой крестьянки. Упругость фигуры и энергичные движения придают образу одухотворённость, поэтизируют труд.

Играет Святослав Рихтер

• 1985
• Древесно-стружечная плита, темпера. 200 х 150
• Государственный Русский музей
• ЖС-111

Концертная деятельность Святослава Теофиловича Рихтера (1915–1997) продолжалась более 60 лет. Игра великого пианиста отличалась исключительной глубиной и эмоциональностью в раскрытии композиторского замысла. Рихтер был всецело поглощен музыкой, она являлась его призванием и идеалом. // Анатолий Дмитренко. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 496.

Кибернетики

• Центральная часть триптиха
• 1985
• Холст, масло. 140 х 170
• Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
• СЖ-872

Автор картины «Кибернетики» –заслуженный художник УССР, уроженец Омска, Виктор Рыжих.

Кибернетика – наука об общих закономерностях получения, хранения, преобразования и передачи информации в сложных управляющих системах, будь то машины, живые организмы или общество. В вычислительной технике методы кибернетики применяются для управления устройствами и анализа информации. Развитие кибернетики в СССР было начато в 1940-х годах.

В 1948 году постановлением Совета Министров СССР создан Институт точной механики и вычислительной техники. В том же году создано Специальное конструкторское бюро № 245 (СКБ-245), задачей которого стала разработка и обеспечение изготовления средств вычислительной техники для систем управления оборонными объектами. В 1948 году Патентным бюро госкомитета Совета министров СССР по внедрению передовой техники в народное хозяйство было зарегистрировано изобретение Б.И. Рамеевым и И.С. Бруком цифровой электронной вычислительной машины

В том же 1948 году на Западе вышла книга «Кибернетика, или управление и связь в животном и машине» Норберта Винера. В СССР книга была переведена и издана только в 1958 году. В начале 1950-х годов в советской научной, научно-популярной и партийной печати появилось несколько критических статей о кибернетике: В своей книге Н. Винер уделил значительное внимание военному применению кибернетики, что вызвало обвинения в милитаризме. Кроме того, указывалось, что применение кибернетики направлено против промышленного пролетариата. Также кибернетика критиковалась за излишне механистичный подход к управлению различными системами вне зависимости от их сложности. Тем не менее, книги Н. Винера активно издавались, а вычислительная техника в СССР стремительно развивалась. В 1950 году заработала МЭСМ (Малая электронная счётная машина) — первая в СССР ЭВМ, разработанная лабораторией С. А. Лебедева на базе киевского Института электротехники АН УССР. В 1950—1951 годах была разработана ЭВМ М-1 в Лаборатории электросистем Энергетического института АН СССР под руководством члена-корреспондента АН СССР И. С. Брука. В 1953 году началось серийное производство ЭВМ «Стрела», разработанной в СКБ-245. Быстродействующие электронно-счётные машины рассматривались в первую очередь как «большой калькулятор» для ведения объёмных расчётов по электроэнергетике, баллистике, сопротивлению материалов, включая атомную и космическую отрасли. 

В 1970-е—1980-е годы в стране внедряются системы управления (АСУ) организациями и предприятиями (АСУП), технологическими процессами (АСУ ТП) на производствах с применением ЧПУ. В середине 1970-х годов компьютерное моделирование применялось для прогнозирования возможности возникновения эпидемий инфекционных болезней и разработки противоэпидемических мероприятий. Тогда же машинные расчёты траекторий космических аппаратов применялись в международном проекте «Союз — Аполлон».

В 1974 году при ленинградском Физико-техническом институте им. А. Ф. Иоффе (ФТИ) был создан отдел вычислительной техники, получивший название Ленинградский вычислительный центр (ЛВЦ) АН СССР. Первоначальной задачей ЛВЦ было предоставление услуг по обработке данных советским учреждениям (ВЦКП — «вычислительный центр коллективного пользования»), которые к тому времени активно использовали достижения кибернетики (ЭВМ) в народном хозяйстве и науке. Данные изначально поступали в ЛВЦ на перфокартах и перфолентах, затем начали передаваться по телефонным модемам. По телефонным кабелям устанавливалась связь с соцстранами в Европе и капстранами , строилась спутниковая сеть для связи с отдалёнными регионами СССР и социалистическими Кубой, Вьетнамом и Монголией (центром сети был ВНИИПАС). Появились персональные компьютеры советского и болгарского производства, в том числе в быту советских граждан. В 1992 году произошло крупномасштабное уничтожение советских ЭВМ в связи с массированным проникновением в распавшийся СССР ЭВМ западного производства.

Когда город спит

• 1985
• Холст, масло. 130 х 170
• Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
• ХНКМ КП-5782/6

На картине ставропольского художника Леонида Попандопуло «Когда город спит» изображена группа милиционеров в форме и следователь в гражданском. Милиционер в центре ведет инструктаж, указывая на документы на столе.

Краевед Виталий Бардадым

• Конец XX века (?)
• Бронза, литье. 70 х 20 х 25
• Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
• Ск-89

Александр Аполлонов (1947–2017) – самый известный на Юге России мастер монументальной скульптуры, уровень его профессионализма и масштабы им сделанного позволяют предположить, что он – лучший. Его талант, помноженный на отличное профессиональное образование и редкое трудолюбие, дал потрясающий результат – созданную за сорок лет гигантскую галерею портретов, которые стали заметной частью региональной культурной истории. Однако, самой значимой для Аполлонова стала работа над творческим воссозданием микешинского памятника императрице Екатерине II. Из бесед с подлинным радетелем кубанской столицы, ее «Нестором-летописцем», Виталием Петровичем Бардадымом (1931–2010), во время лепки его портрета, возникли первые замыслы по возрождению монумента. Образ неутомимого краеведа, почётного гражданина города Краснодара, автора трёх десятков книг, посвящённых истории культуры Кубани, создан в классических традициях, пришедших с античности. Бюст отлит из бронзы, покрыт «благородной» патиной, он установлен на мраморный пьедестал. Скульптор словно вписывает своего современника в бессмертные анналы.

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич

Живописец, график, теоретик искусства, писатель.

Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина и В. А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старых традиций (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения).С 1908 участник выставок «Золотого руна». Член обществ «Мир искусства» (1910–1922), «Четыре искусства» (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е. Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников.

Уже в ранний период творчество отмечено символистской ориентацией («Элегия», 1906; «Берег», 1908; «Сон», 1910). Принципиально важным рубежом стало «Купание красного коня» (1912), в котором прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций. В этот же период сформулировал принцип трехцветия, в котором принимал за основные цвета только синий, желтый и красный, считая остальные производными от их смешения друг с другом. Активно использовал этот принцип в картинах, посвященных материнству («Мать», 1915, «Богоматерь Умиление злых сердец», 1914–1915, «Петроградская мадонна», 1918). В 1910-х складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет, изображая натуру одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты» («Полдень. Лето», 1917, «Весна», 1935 и др.). По-своему «планетарны» его натюрморты («Селедка», «Утренний натюрморт», 1918). Космологический символизм сказывается и в портретах («Автопортрет», 1918; «Голова мальчика-узбека», 1921; «Портрет Анны Ахматовой», 1922, и др.). Искренне приняв революцию, художник создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны («После боя», 1923; «Смерть комиссара», 1928). На рубеже 1920-х и 1930-х, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, обратился к литературному творчеству. Именно тогда написаны автобиографические повести «Хлыновск» (1930) и «Пространство Эвклида» (1933).

Данько Наталья Яковлевна

Скульптор. Училась в Строгановском центральном художественно-промышленном училище в Москве (СЦХПУ, 1900–1902), в виленской художественной школе и студии Я. Янсона (1906–1908), в мастерской М. Л. Диллон и Л. В. Шервуда (с 1908) в Петербурге. В 1909–1914 под руководством В. В. Кузнецова исполняла скульптурный декор для многих зданий Петербурга, Москвы и Киева. Участвовала в исполнении скульптур для павильонов России на выставках в Турине и Риме (1910–1911). С 1914 – помощница заведующего скульптурной мастерской Императорского фарфорового завода В. В. Кузнецова, с 1919 возглавляла скульптурную мастерскую Государственного фарфорового завода. Ответственная за выпуск скульптуры на экспорт (с 1931). В феврале 1942 эвакуировалась из блокадного Ленинграда с семьей в Ирбит, куда ранее был эвакуирован ЛФЗ. Золотая медаль Всемирной выставки в Париже (1925), почетный диплом и золотая медаль III Международной выставки в Монце-Милане (1927). Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 223-224.

Государственный фарфоровый завод

Авилов Михаил Иванович

Живописец, график, мастер батального жанра; педагог. С 1947 действительный член Академии художеств СССР. С 1948 народный художник РСФСР.

С 1893 обучался в Рисовальной школе Общества Поощрения художеств, в 1903 занимался в студии Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1903); учился в ВХУ при ИАХ у Ф. А. Рубо и Н. С. Самокиша (1904–1913). Участник выставок с 1908. Член и экспонент объединений: Общество имени Куинджи (1917–1930), участник Весенних выставок ИАХ (1908, 1915–1918), ОРА (с 1917), Иркутского общества художников (1920–1923), Ассоциации художников революционной России (1923–1928), Союза советских художников (1930–1932, с 1932 член СХ СССР) и др. Активно работал в области плаката во время Первой мировой и Гражданской войн. С 1918 сотрудничал с издательствами, театрами, преподавал в художественных школах Тюмени, Барнаула. В 1921 вернулся в Петроград, занимался преподавательской деятельностью. // Плакат эпохи революции. СПб. 2017. С. 115.

В 1918–1921 преподавал на курсах живописи и рисования (Тюмень); 1922–1930 – в Художественно-ремесленных мастерских; с 1930 – рисунок и живопись на Бронетанковых курсах (Ленинград); 1947–1954 – в Институте живописи, скульптуры и архитектуры. 

Чернышев Николай Михайлович

Живописец, график; монументалист. Учился в воскресных и вечерних классах СЦХПУ (1900); МУЖВЗ (1901–1911) у В. А. Серова, С. А. Коровина, К. А. Коровина, А. Е. Архипова; в академии Жюльена (1910); ВХУ при ИАХ (1911–1915) у В. В. Матэ, Д. И. Киплика. Участник выставок с 1906: Союз художников-живописцев Москвы (1918–1919); Союз деятелей прикладного искусства и художественной промышленности (1919); «Московский салон» (1920); «Мир искусства» (1921); «Искусство – жизнь» (1921); «Маковец» (1922–1926, член-учредитель); «4 искусства» (1926–1931); ОМХ (1928–1929). Преподавал во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН, Москва (1920–1930, профессор); ИНПИИ (1930–1931); МХУ (1932–1933); МИИИ–МГХИ (1936–1948); ИЖСА (1942–1947). Сотрудничал в ежемесячнике «Млечный путь» (1914–1916), в журнале «Маковец» (1922). Участвовал в праздничном оформлении Москвы, в организации Государственной школы печатного дела ИЗО Наркомпроса при 1-й образцовой типографии (1918). Заместитель заведующего хранилищем произведений современного искусства в Моссовете (1918–1920). Работал в ГАХН (1927–1930). Участвовал в организации и работе мастерской монументальной живописи при Академии архитектуры (1935–1948). Народный художник РСФСР (1970).

Андриянов Александр Яковлевич

Живописец. Работал в жанре портрета и пейзажа. Родился 7 апреля 1888г. в д. Басинская Толвуйской волости Олонецкой губернии в семье бедного крестьянина-плотника.  Учился в Петербурге в рисовальной школе Общества поощрения Художеств и в ВХУ при Академии Художеств (1907-1915) в мастерской Владимира Егоровича Маковского. Преподавал в художественной школе (1919-1921) и других учебных заведениях г. Петрозаводска.

Серебрякова Зинаида Евгеньевна

Живописец.

Родилась в с. Нескучное Курской губернии в семье скульптора Е. А. Лансере. Училась в школе-мастерской М. К. Тенишевой у И. Е. Репина (1901), в мастерской О. Э. Браза в Петербурге (1903-1905), в Академии "Ля Гран Шомьер" в Париже (1905-1906). Член объединения "Мир искусства" (1912-1917). В 1917 вместе с А. П. Остроумовой-Лебедевой, О. Л. Делла-Вос-Кардовской и А. П. Шнейдер была выдвинута в академики (первыми из женщин), но баллотировка не состоялась из-за революционных событий и упразднения Академии художеств. Путешествовала по Швейцарии, Италии (1914), Марокко (1928, 1952). Работала в Харькове (1918-1920), с 1920 поселилась в Петрограде, в 1924 уехала во Францию. Представитель младшего поколения "Мира искусств". Писала в основном портреты, в том числе детские, и многофигурные композиции. Автор картин и рисунков на темы балета и театра, эскизов росписей и декоративных панно. За рубежом исполнила множество жанровых и пейзажных зарисовок. Много работала в технике акварели и пастели.

Альтман Натан Исаевич

Живописец, график, скульптор, художник театра и кино.

Родился в Виннице. Учился живописи и скульптуре в Одесском художественном училище (1903–1907). В 1910–1912 работал в «"Свободной русской Академии"» (академия М. И. Васильевой) в Париже. В конце 1912 приехал в Петербург, где, своеобразно применяя в натюрмортах и портретах приемы недавно зародившегося во Франции кубизма, за короткое время стал одним из наиболее заметных живописцев.

Столь же успешными были его опыты в скульптуре, графике (цикл «Еврейская графика» по мотивам надгробных рельефов, 1914) и сценографии – пьеса «Чудо святого Антония» М. Метерлинка в петроградском литературно-артистическом клубе-кафе «Привал комедиантов» (1916). В 1915–1916 преподавал в Петрограде в студии М. Д. Бернштейна, в 1918–1920 – в Петроградских свободных художественных мастерских, в 1918–1921 работал в отделе изобразительных искусств Наркомпроса, в 1923 – в Институте художественной культуры. Принимал участие в праздничном оформлении Петрограда к первой годовщине Октябрьской революции (1918), в осуществлении плана монументальной пропаганды. Использовал приемы супрематизма в цикле беспредметных картин (1919– 1920). В последующие годы сосредоточил свои усилия на графике – станковой (серия портретов современных писателей, 1926–1927) и книжной. Особенно плодотворной была его деятельность в театре – спектакль Е. Б. Вахтангова по пьесе С. Анского «Гадибук» (театр-студия «Габима», 1921), сотрудничество с Государственным еврейским театром («Уриэль Акоста» К. Гуцкова, 1922; «Женитьба Труадека» Ж. Ромена, 1927). В 1928–1935 жил в Париже, где написал большое количество пейзажей и натюрмортов, в которых тонко и своеобразно возрождал традицию импрессионизма. С 1936 работал в Ленинграде. Среди его созданий той поры выделялись декорации к известным шекспировским пьесам, поставленным ленинградскими театрами – «Король Лир» (ГБДТ, 1941), «Отелло» (1944), «Гамлет» (Театр драмы им. А. С. Пушкина, 1954), эскизы костюмов к кинофильму «Дон-Кихот» (1955), иллюстрации к произведениям Шолом-Алейхема, В. Бласко Ибаньеса, Э. Кастро, Э. Золя и др. Работал в промышленной и книжной графике, сделал ряд росписей по фарфору. Публиковал статьи по вопросам искусства. 

Государственный фарфоровый завод (ГФЗ) / Ленинградский фарфоровый завод им. М.В. Ломоносова/ Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ)

Создание в Санкт-Петербурге фарфоровой мануфактуры, которая первоначально именовалась «Невской порцелиновой мануфактурой», было начато при императрице Елизавете Петровне в 1744 году. В 1765 мануфактура переименована в Императорский фарфоровый завод. В 1918 году предприятие национализировали.

С 1918 — Государственный фарфоровый завод (ГФЗ — аббревиатура клейма). В 1925 году заводу было присвоено имя М. В. Ломоносова; предприятие получило официальное наименование — Государственный фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова. С 1957 по 1993 год — Ленинградский фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова, наряду с которым имела употребление краткая форма — Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ — аббревиатура клейма). С 1993 — Ломоносовский фарфоровый завод.

С 2002 года завод является собственностью главы «Уралсиба» Николая Цветкова. В 2005 году по решению акционеров был вновь переименован в «Императорский фарфоровый завод».

Произведения из собрания Русского музея, созданные в период до 1917 года, см. в рубрике "Императорский фарфоровый завод".

Подробнее об истории завода см. на сайте Императорского фарфорового завода.

Вильямс Петр Владимирович

Голополосов Борис Александрович

Родился в Архангельске в 1900 году в семье дворянина, железнодорожного инженера. В 1905 году его отец принял активное участие в революционных событиях, был арестован, что сказалось на судьбе и творчестве сына. С 1908 Голополосов жил в Москве, поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Сергея Малютина и Василия Яковлева. После революции Училище было преобразовано во II Государственные свободные художественных мастерские (ВХУТЕМАС), где с 1919 Голополосов учился у Александра Шевченко, поклонника творчества Сезанна. Голополосов вдумчиво и внимательно изучал творчество Поля Гогена и Ван Гога, но особенно близки были ему экспрессионисты. Они отражали дух времени, и это было созвучно его собственным настроениям.

Кустодиев Борис Михайлович

Живописец, график, театральный художник.

Академик Императорской Академии художеств (с 1909). Родился в Астрахани. Учился у П. А. Власова (Астрахань, 1890-е), в Высшем художественном училище при Академии художеств у В. Е. Савинского, И. Е. Репина (1896-1903). Преподавал в своей частной художественной школе ("Новая художественная мастерская", Петербург, 1913). Член "Союза русских художников" (1907-1910), "Мира искусства" (с 1911), Ассоциации художников революционной России и других. В 1907-1917 посетил многие европейские страны. В последние годы жизни, будучи прикован к инвалидному креслу, продолжал неутомимо работать. В 1910 удостоился чести дать автопортрет в галерею Уффици (Флоренция), где собраны автопортреты величайших художников за несколько столетий. Автор жанровых картин, портретов, книжных иллюстраций. Занимался также скульптурой. Особую известность завоевал картинами из жизни российской провинции.

Юон Константин (Вильгельм-Теодор) Федорович

Грабарь Игорь Эммануилович

Член «Мира искусства» (1901, 1910), Союза русских художников (1903), пожизненный член Осеннего салона в Париже (1906). Участник выставок с 1898: «Мир искусства» (1902–1906, 1912–1922), СРХ (1903–1909), «Московские живописцы» (1925); Международных в Дюссельдорфе (1904), Венеции (1907, 1924), Риме (1911), Мальмё (1914). Преподавал в совместной школе Ашбе — Грабаря (1898–1901) в Мюнхене.  1910–1923 — период увлечения архитектурой, историей искусства, музейной деятельностью, охраной памятников. Осуществил издание первой «Истории русского искусства» в шести томах (1909–1916), написал для нее важнейшие разделы, опубликовал монографии о В. А. Серове и И. И. Левитане. В 1913–1925 возглавлял Третьяковскую галерею, значительно изменив принципы музейной работы. После революции многое сделал для защиты памятников культуры от разрушения. В 1918 по его инициативе созданы Государственные центральные художественные реставрационные мастерские (1918–1930, директор). С 1924 и до конца 1940-х вновь много занимался живописью, особенно увлекался портретом.  Крупнейший русский импрессионист, автор множества классических произведений, оказавший существенное влияние на развитие этого течения. В 1910-х Грабарь на время оставляет импрессионистическую манеру в поисках звучности и декоративности целого с тем, чтобы вновь вернуться к ней в своих пейзажах и натюрмортах 1920–1950-х. Свои импрессионистические по чувству портреты и жанры советского времени художник писал, используя приемы „классического наследия“, что тоже было характерным проявлением „двойных стандартов“.

Гринберг Владимир Ариевич

Живописец, график, скульптор, акварелист, иллюстратор, педагог. Учился в 1905–1914 в Коммерческом училище в Ростове-на-Дону, одновременно занимался живописью и рисунком; с 1915 в Политехническом институте и Новой мастерской в Петербурге. Участник выставок с 1914. Член СХ с 1933. Преподавал в 1919–1922 в ХШ и рабфаке Донского университета; 1926–1927 в ЛХПТ; 1928–1941 в ЛИИКС; 1932–1933 в ИЖСА.

Лебедев-Шуйский Анатолий Адрианович

Живописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Член Московского отделения Союза художников. 1916–1918 гг. – обучение в студии П. И. Келина в Москве. С 1918 г. – участник художественных выставок. 1921–1930 гг. – член и один из основателей художественного объединения «Бытие». 1924 г. – окончил ВХУТЕМАС. Учился у А. Е. Архипова, И. И. Машкова и П. П. Кончаловского.

Луппов Сергей Михайлович

Живописец, график, педагог.

Родился 27.08 (03.09).1893 в городе Слободской Вятской губернии. Окончил Вятское Александровское реальное училище. В 1912–1917 учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, А. М. Васнецова, К. А. Коровина, Н.Касаткина. В 1917 за дипломную работу – картину «Купальщица», сделавшую его знаменитостью, – получил звание художника первой степени и право на пенсионерскую поездку. Не имея возможности воспользоваться этим правом из-за условий времени, в 1918 вернулся в Слободской, где начал преподавать рисование в гимназии. Активно занимался в родном городе культурно-просветительской и художественно-педагогической работой до 1923 года. 

Основал художественную студию, через которую за четыре года её существования прошли более ста учеников. Привез из Москвы коллекцию произведений русского авангарда (30 картин, подаренных городу Наркомпросом), которая через год легла в основу созданного им местного художественного музея.

С 1923 жил и работал в Москве, преподавал графические искусства в 1-й Советской Объединенной военной школе Рабоче-крестьянской Красной Армии имени ВЦИК. В том же году стал членом Ассоциации художников революционной России и постоянным участником выставок ассоциации, а в 1932 – членом Союза художников СССР и Московского союза художников.

Был участником всех выставок АХРР (АХР) и Союза художников СССР. Персональные выставки состоялись в 1969, 1993 (Москва), 1994 (Киров). Создавал монументальные полотна на историко-революционную тему и, вместе с тем, писал глубоко лиричные портреты и проникновенные пейзажи. Всегда оставаясь певцом человеческого тела и поклонником «бурного» цвета, много картин посвятил становлению физкультурного движения в стране.

Пахомов Алексей Федорович

Живописец, график, иллюстратор. Блестящий рисовальщик и признанный мастер литографии. Занимался также монументальным искусством, плакатом, скульптурой. 

Учился в ПУТР барона А. Л. Штиглица—СВОМАС (1915–1917, 1920–1922) у М. В. Добужинского, В. И. Шухаева, С. В. Чехонина, Н. А. Тырсы, В. В. Лебедева, А. Е. Карева; в ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1922–1925) у А. И. Савинова. Участник выставок с 1921. Участник "Объединения новых течений в искусстве“ (1926–1932). Член правления ЛОССХ с 1932. Работал в журналах, иллюстрировал детские книги (1920–1930-е). Преподавал в ИЖСА (1948–1973). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1945), Лауреат Сталинской премии второй степени (1943) и Государственной премии СССР (1973), Народный художник РСФСР (1963), Действительный член АХ СССР (1964), Народный художник СССР (1971). Сталинская премия (1946) за серию литографий "Ленинград в дни войны и блокады“ (1941–1944). Золотая медаль Международной выставки в Париже (1937) за панно "Дети Страны Советов“ для Советского павильона. Жил и работал в Ленинграде.

Волков Илья Васильевич

Живописец. Родился в 1875 в г. Кадом Тамбовской губернии. Окончил Кадомское городское приходское училище в 1886. Занимался в Московской иконописной мастерской (1891–1893). С 1893 работал мастером по росписи зданий, посещал вечерние курсы рисунка и живописи при Строгановском училище. Учился в Пензенском художественном училище на живописном отделении (1899–1904) у К. А. Савицкого. Преподавал рисование в учебных заведениях Омска: епархиальном женском училище, на художественных курсах ОХЛИИСК, 2-й женской гимназии (1907–1936), ХПТ им. М. А. Врубеля (1921–1934, с перерывами). Работал в кооперативном товариществе «Омхудожник» (с 1932). Действительный член ТОЛХ, член-учредитель и член правления ОХЛИИСК. Член Омского отделения АХР с 1925. Член ССХ с 1937. Награжден орденом Св. Станислава 3-й степени (1913). Репрессирован, скончался в Северном железнодорожном лагере НКВД СССР. Реабилитирован в 1939.

Лабас Александр Аркадьевич

Живописец, график; художник театра, монументалист. Жил в Риге (с 1910), в Москве (с 1912). Учился в СЦХПУ (1912–1917) у Ф. Ф. Федоровского, С. А. Ноаковского, Д. А. Щербиновского; в ХШ Машкова (1916); ГСХМ (1917–1919) у П. П. Кончаловского; ВХУТЕМАС (1921–1924) у Д. П. Штеренберга. Доброволец Красной армии (Третья армия Восточного фронта, 1918–1921). Участник выставок с 1921. Член и экспонент: ОСТ (член-учредитель, 1925–1932). Преподавал живопись и цветоведение на графическом факультете во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1924–1927). С конца 1920-х принимал участие в оформлении различных архитектурных сооружений и выставок, в том числе для Международной выставки (1937, Париж); Всемирной выставки (1939, Нью-Йорк); ВСХВ (1939, 1940). С 1932 эпизодически работал художником-постановщиком в различных московских театрах. Много путешествовал по стране. Член СХ (с 1932). Заслуженный художник РСФСР (с 1976).

Рубанов Иосиф Менделевич

Живописец, педагог. Член Союза художников СССР. С отличием закончил в 1922 Красноармейский университет (Изо отделение) в Могилеве. Переехал в Москву. В 1925 окончил Художественный Рабфак им. Похрова. Окончил ВХУТЕМАС в 1930 году. Член МОСХа с 1933.  С началом Отечественной войны добровольцем уходит в народное ополчение. Из-под Волоколамска его возвращают как полностью негодного по болезни. Эвакуирован с семьей в Чувашию. В 1943 году вернулся в Москву. Преподавал в Студии инвалидов Великой Отечественной войны, в студии повышения квалификации КДОИ, изостудии ДК завода «Каучук» и др. Участник московских, республиканских, всесоюзных выставок с 1927 года.

Самохвалов Александр Николаевич

Живописец, график, скульптор, художник театра.

Учился на архитектурном факультете АХ (1914–1917), на живописном факультете ПГСХУМ–АХ–ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1918–1923) в мастерской К. С. Петрова-Водкина. Участник выставок с 1917. Член и экспонент объединений: «Мир искусства» (с 1917), «Община художников» (с 1922), «Объединение новых течений в искусстве» (с 1922), «Жар-цвет» (с 1924), «Круг художников» (1926–1930), «Октябрь» (1930–1931). Занимался книжной графикой, сотрудничал с издательствами «Радуга», Детгиз. С середины 1930-х работал как сценограф. Выполнил оформление спектаклей «Бесприданница» А. Н. Островского в ГБДТ (Ленинград, 1935), «Горячее сердце» А. Н. Островского, «Стакан воды» Э. Скриба в Академическом театре драмы им. А. С. Пушкина (Ленинград, оба — 1943) и другие. В 1930-х сотрудничал с ГФЗ им. М. В. Ломоносова, создавал модели скульптуры и эскизы росписи фарфора. Преподавал в ЛВХПУ (1948–1951). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1967).

Урманче Баки Идрисович

Основоположник татарского изобразительного искусства. Заслуженный художник Казахской ССР, Народный художник Татарской АССР, заслуженный художник РСФСР, народный художник РСФСР, Лауреат Государственной премии ТАССР имени Габдуллы Тукая.

Родился в 1897 в деревне Куль-Черкен Тетюшского уезда Казанской губернии. Первоначальное образование получил в медресе «Мухаммадия» в Казани.

Работал учителем, во время Первой Мировой войны был мобилизован, после революции 1917 года работал в системе народного образования. В 1919–1920 учился живописи в Казанском АРХУМАСе, живописи – у В К. Тимофеева и скульптуре – у Г. А. Козлова. В 1920 уехал в Москву для продолжения учебы во ВХУТЕМАСе. Окончил институт в 1926. Вернувшись в Казань, поступил на работу в Казанский художественный техникум, в 1929 был репрессирован и сослан в Соловецкий лагерь.

В 1933–1941 работал в Москве, стал членом МОСХа, принимал участие в работах на ВСХВ, оформлял павильоны «Механизация», «Животноводство», павильоны Башкирской и Карело-Финской АССР. В 1941 был приглашен правительством Казахстана в Алма-Ату для подготовки празднования 100-летия Абая, в первую очередь, для создания образа поэта и певца в живописи и скульптуре. Активно участвовал в художественной жизни Казахстана и Узбекистана, создавал портреты деятелей науки и искусства, обращался к устному народному творчеству этих народов.

В 1953-1955 Урманче были поручено монументальные работы по оформлению Балхашского Дворца культуры. В 1956–1958 преподавал живопись и скульптуру в Ташентском театрально-художественном институте.

В 1957 был приглашен в Москву для оформления сцены Большого театра для гала-концерта в рамках Декады изобразительного искусства и литературы Татарской АССР. После этих событий правительство ТАССР пригласило Б. И. Урманче вернуться на родину в Казань. Последний тридцатилетний период творчества Урманче в Казани дал татарскому искусству выдающиеся произведения живописи, скульптуры, составляющие сокровищницу национальной духовности татарского народа.

Кондиайн Элеонора Максимилиановна

Куликов Иван Семенович

Живописец, график.

В 1891 работал в качестве помощника художника А. И. Морозова. Учился: 1893–1896 — РШОПХ у Э. К. Липгарта; 1896–1902 — ВХУ при ИАХ в мастерских В. Е. Маковского и И. Е. Репина. В 1901–1903 участвовал в работе над картиной „Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года в день его столетнего юбилея“ под руководством И. Е. Репина. 1903–1905 — пенсионер ИАХ в Германии, Италии, Франции. Участник выставок с 1898. На Весенней АХ в 1906 — Первая премия им. А. И. Куинджи; на Международной в Льеже в 1905 — серебряная медаль. Член и экспонент: Общество русских акварелистов — 1907–1917; ТПХВ (экспонент) — 1908; Общество им. А.Куинджи — 1910-е. Академик (с 1915). В 1919 основал Муромский музей местного края, куда передал свои живописные работы и собранную им коллекцию костюмов прикладного и декоративного искусства. С этого года руководил там Рисовальной школой. Член Горьковского отделения СХ СССР (с 1935). С 1936 организовал промышленный музей в Павлове. В 1938 возглавил группу художников по росписи пригородного зала Ярославского вокзала в Москве.

Николаев Василий Петрович

Родился в Симбирске в 1906 году (ныне - Ульяновск). Выпускник Ульяновского художественного техникума и скульптурного отделения ВХУТЕИН. В годы учёбы в ВХУТЕИН у скульптора А. Т. Матвеева, создал для ГФЗ им. М.В.Ломоносова скульптурную группу «Смычка города и деревни» (1928), принятую в производство. В 1929-1931 годах работал скульптором Дмитровского фарфорового завода в Вербилках.
В 1931-1932 годах - в рядах РККА. С 1932 года заведующий отделом Ульяновского государственного исторического музея. В 1934-1936 годах обучался на курсах повышения квалификации ВАХ.
В конце 1930-х годов сотрудничал с ГФЗ им. Ломоносова. Проживал с семьёй: Ленинград, 11-я линия, дом 20, квартира 7. Умер 26 декабря 1941 года в блокадном Ленинграде; похоронен на Серафимовском кладбище.

Адливанкин Самуил Яковлевич

Живописец; монументалист, график, художник кино. Учился в ОХУ (1912–1917); ГСХМ (1918–1919), Cаратов. Участник выставок с 1916. Член и экспонент объединений: ОНХ (1917); НОЖ (учредитель, 1921–1924); «Изобригада» (1932). Член СХ СССР (с 1932).

Белкин Вениамин Павлович

Живописец, график, художник книги. Автор пейзажей, портретов. Учился в Томском технологическом институте (1902), школе-студии А.П. Большакова в Москве (1904–1905) у М.М. Шестёркина, В.Э. Борисова-Мусатова, в Париже в частной академии (1907–1909) у Ж.-О. Девальера, Ш. Герена, Ш. Коттэ, М. Детома. Участник выставок с 1906 (Петербург). Член объединений и экспонент выставок: Общества им. Леонардо да Винчи (1906), Кружка русских художников в Париже «Монпарнас» (1907–1909), «Союз молодежи», «Мир искусства» (1909), «Община художников» (1921–1928), «Шестнадцать» (1922–1928), «Общество живописцев» (1928–1930). Член СХ с 1932. Преподавал во Вхутемасе-Вхутеине в Петрограде (1921–1923), в Ленинградском архитектурном техникуме (1924–1927), ИЖСА ВАХ в Ленинграде (1928–1946). Совершил творческую поездку в Крым в 1939.

Вавилин Алексей Григорьевич

Советский живописец, педагог, председатель Пензенской областной организации Союза художников (1942, 1953–1954); директор Пензенской картинной галереи (1957–1958).

Родился и жил в Пензе. Окончил Пензенское художественное училище (1926), высшее художественное образование получил во ВХУТЕИНе (1930). Учился у И. С. Горюшкина-Сорокопудова, А. А. Рылова. Почти четверть века преподавал в Пензенском художественном училище (1930–1954), а с 1960 и в Пензенском педагогическом училище. Участник выставок с 1928.

В годы Великой Отечественной войны активно сотрудничал с «Агитокнами». Автор ряда портретов, значимых для истории Пензенской земли, и жанровых картин.

Машков Илья Иванович

Живописец, график, педагог; портретист, пейзажист, автор натюрмортов, картин бытового жанра.

Родился в станице Михайловская (Саратовская губерния). Учился в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества (1900–1904, 1907–1908) у А. Е. Архипова, В. А. Серова, К. А. Коровина. Участник выставок с 1909. Член-учредитель и секретарь объединения «Бубновый валет» (1910–1914). В этот период увлекался народным искусством, «живописью подносов» Жостова и определял свой стиль как «саму живописность». Его огромное полотно «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского» (первая выставка «Бубновый валет», 1910) с полуобнаженными фигурами музицирующих атлетов было задумано как манифест новаторского подхода, предлагаемого новым выставочным сообществом. Стиль Машкова, русский, яркий, сочный и, в то же время, «сезаннистский», наиболее полно проявился в его знаменитых натюрмортах. Член и экспонент объединений «Мир искусства» (с 1916), «Московские живописцы» (с 1925), Ассоциации художников революционной России – Ассоциации художников революции (1925–1930, 1932), Общества Московских художников (1928). Основатель и руководитель художественной студии (Москва, 1904–1917). Преподавал в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте в Москве (1920–1929).

Моравов Александр Викторович

Русский советский художник, член Товарищества передвижников, действительный член Академии художеств СССР (1949). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Моравов вошел в историю искусства как мастер бытовой и историко-революционной картины, как портретист и один из основоположников советского индустриального пейзажа. Воспитанник киевской художественной школы Н. И. Мурашко, а затем Московского училища живописи, ваяния и зодчества, ученик прославленных русских художников А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, К. А. Коровина и В. А. Серова, он глубоко усвоил демократические взгляды на искусство.

Нестеров Михаил Васильевич

Живописец, график, монументалист.

Академик Императорской Академии художеств (с 1898). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1942).

Родился в Уфе. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у И. М. Прянишникова, А. К. Саврасова и В. Г. Перова (1876-1880, 1884-1886), в Академии художеств у П. П. Чистякова (1881-1884). Пользовался также советами И. Н. Крамского. Входил в Абрамцевский кружок С. И. Мамонтова (с 1888). Член Товарищества передвижных художественных выставок (с 1896), общества "Мир искусства" (1899-1901). Член-учредитель "Союза русских художников" (1903).

Посетил Италию, Австрию, Францию, Германию, Грецию, Турцию. В середине 1890-х путешествовал по старым русским городам, в 1905 - по Волге и Каме. Автор росписей во Владимирском соборе в Киеве (1890-1895), в церкви Александра Невского в Абастумане (1902-1904), в Марфо-Мариинской обители в Москве (1910-1912), картонов для мозаик храма Воскресения Христова в Петербурге (1894).  Создал множество портретов, пейзажей, картин на исторические и религиозные сюжеты. Главное содержание творчества - религиозно-нравственные поиски, стремление показать русского человека в лучших проявлениях его духовных качеств.

Пичугин Сергей Иванович

Русский, советский живописец, художник-график, педагог. Член Союза художников СССР.

Родился 6 октября 1881 в Сергиевском посаде Московской губернии (ныне г. Сергиев Посад) в семье потомственных мастеров-игрушечников. Начальное художественное образование получил в иконописной школе при Троице-Сергиевой лавре. В 1912 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества (учился у К. А. Коровина, А. М. Васнецова, С. В. Малютина, А. Е. Архипова). Участник Первой мировой войны. Преподавал в Сергиевском педагогическом техникуме; был доцентом кафедры рисунка Московского высшего художественно-промышленного училища (Московская государственная художественно-промышленная академия им. Строганова).

Член Товарищества передвижных художественных выставок. Участник многочисленных выставок, в том числе «Общества художников Московской школы», общества «Клич» (1923–1924), «Общества им. И. Е. Репина» (1929), общества «Жар-цвет» (1929), «Общества московских художников» (1929–1930). В 2006 состоялась персональная выставка художника в Москве (посмертно). Произведения художника находятся в музеях и частных коллекциях России и за рубежом.

Любимый жанр в творчестве – пейзаж, а тема города – одна из главных; писал картины на жанровые сюжеты, занимался монументальной живописью (участвовал в росписи храмов).

Прохоров Семен Маркович

1900–1904 – учеба в МУЖВЗ (А. Корин, К. Горский, Н. Касаткин, А. Архипов). 1904–1909 – Петербургская Академия Художеств (И. Репин, П. Чистяков). С 1913 жил в Харькове. С 1910 – участник республиканских и международных выставок. 1910–1913 – руководил классами живописи и рисования Томского общества любителей художеств. 1913–1914, 1918–1922 – Харьковское художественное училище, 1922–1948 – Харьковский художественный институт (с 1936 – профессор). Мастер бытовой картины, портрета, пейзажа. С 1938 – член Союза художников Украины. С 1941 – Заслуженный деятель искусств Украины.

Штеренберг Давид Петрович

Живописец, график, театральный художник, книжный иллюстратор. Учился в частной студии в Одессе (1905), затем в академии Витти в Париже (1907–1912). Участник выставок с 1912, в том числе: Весеннего и Осеннего салона и Салона независимых в Париже (1912–1917). Член объединения «4 искусства» (1924). Комиссар по делам изобразительных искусств в Петрограде (1917–1919), заведующий Отделом изобразительных искусств Народного комиссариата просвещения (1918–1920). Преподавал в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте (Москва, 1920–1930). Один из организаторов и председатель Общества станковистов (1925–1930). Директор русского раздела Международной выставки художественно-декоративных искусств (1925, Париж). Член-корреспондент Союза немецких художников книги (1928). Первый заместитель председателя Правления Московского отделения Союза советских художников (1932–1937). Заслуженный деятель искусств Российской Советской Федеративной Социалистической Республики (1930).

Богородский Федор Семенович

Живописец, график; художник театра, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946), член-корреспондент АХ СССР (1947).

Родился в Нижнем Новгороде в семье адвоката, учился в губернской мужской гимназии. С 12 лет обучался рисунку — сначала у местных художников В. А. Ликина и в частной студии Л. М. Диаманта. В 1914 году, закончив гимназию, уезжает в Москву. Учился на юридическом факультете Московского университета (окончил в 1917) и занимался в студии М. В. Леблана (1914–1916). Увлекся футуризмом, дружил с Велимиром Хлебниковым, Николаем Асеевым и Владимир Маяковским. В годы учебы параллельно выступал на эстраде танцором, а также в цирке, писал стихи. В 1916 году оказался на военной службе — сначала как балтийский матрос, потом как летчик. В 1917 году вступил в коммунистическую партию.

После революции работает в ВЧК в Москве. В 1918 году его направляют на родину, в Нижний Новгород, где он работает товарищем председателя следственной комиссии в ЧК, затем в политотделе Волжской военной флотилии. В 1919 году оказался на фронте, был ко­миссаром матросского отряда Донской и Волжско-Каспийской военных флотилий. Сражается на Волге, под Царицыном. После контузии в 1920 его направили в Нижний Новго­род возглавить Художествен­ный отдел.

В 1922 году переехал в Москву и поступил во ВХУТЕМАС в мастерскую Абрама Архипова (1922−1924). Защитил диплом в 1927 во Вхутеине, получив право на пенсионерскую поездку за границу.

Участник выставок с 1916. Член художественных объединений "Бытие" (1922), "Жар-Цвет" (1925). Член АХРР (Ассоциации Художников Революционной России). С 1928 по 1930 жил в Италии и Германии (пенсионерская поездка), в том числе у М.Горького в Сорренто (земляки по Нижнему Новгороду). Вернулся в Россию. В 1931—1937 часто бывал на Черномор­ском флоте, вдохновляясь бытом и натурой.

Профессор (с 1939), заведующий кафедрой живописи и рисунка ВГИК (1938–1959). Первый Председатель Правления МОССХ (1955—1958).

Дымшиц-Толстая (Пессати) Софья Исааковна

Живописец, график. Родилась в Санкт-Петербурге. Училась в 1906–1907 у С. С. Егорнова в Петербурге; в 1909–1910 в художественной школе Е. Н. Званцевой; в 1910–1911 в Париже у М. Бланша, Ш. Герена. Жена писателя Алексея Толстого в 1907–1914. Участник выставок с 1912. Работала с В. Е. Татлиным в 1919-1920. С 1918 член отдела ИЗО Наркомпрос и Всероссийского выставочного отдела при нем. В 1920-е заведующая издательской секцией по делам искусства Отдела ИЗО Наркомпрос и секции живописи ВСЕРАБИС; в 1925–1935 заведующая художественными отделами в журналах «Работница» и «Крестьянка». 

Зверев Василий Александрович

Живописец. С 1898 учился в Петербурге в РШ ОПХ, в 1906–1912 в ВХУ при ИАХ (вольнослушатель). Участник выставок с 1911. Член СХ с 1931. В 1913–1915 преподавал в студии Я. С. Гольд блата в Петрограде; в 1926–1928 в студии АХРР в Ленинграде.

Модоров Федор Александрович

Живописец, работал в области декоративно-оформительского искусства. 

Родился в Мстере. Учился: 1900–1906 – Мстерская иконописная школа (у М.И. Цепкова). После окончания школы в 1906 году уехал в Москву, где работал подмастерьем в иконописной мастерской и как вольнослушатель посещал Московское училище живописи, ваяния и зодчества. 1909–1910 – МУЖВЗ; 1910–1914 – Казанская художественная школа у Н.И.Фешина, П.П.Бенькова; 1914–1918 – ВХУ при АХ у В.Е.Маковского, В.В.Беляева, И.И.Творожникова. Участник выставок с 1910. Член и экспонент: АХРР–АХР – с 1924.

В 1919 занимался раскрытием икон в Комиссии по сохранению и раскрытию памятников древней живописи при ИЗО Наркомпроса РСФСР, среди которых – икона из коллекции Русского музея "Иоанн Лествичник, Георгий и Власий".

Организатор и директор Мстерского художественно-промышленного училища и художественной школы-коммуны (1918–1922).

Преподавал: 1939–1941 –ВГИК; 1964–1967 – МГПИ (заочный). Ректор МГХИ (1948–1962). Профессор (с 1949). Заведующий кафедрой живописи (1949–1962).

Народный художник РСФСР (с 1965). Заслуженный деятель искусств БССР (1944), Заслуженный деятель искусств РСФСР (1950), член-корреспондент В(Р)АХ (с 1958).

Осмеркин Александр Александрович

Живописец, график, художник театра, участвовал в оформлении массовых революционных праздников.

Учился: 1911–1913 – Киевское училище у Н.К.Пимоненко, Г. К. Дядченко, В. К. Менка, И. С. Макушенко; 1913–1915 – школа Машкова. Участник выставок с 1913. Член и экспонент: «Бубновый валет» (экспонент) – с 1914; «Мир искусства» – 1917–1918, 1920–1921; СРХ – с 1918, «Московские живописцы» (член-учредитель) – 1924–1926; «Бытие» – 1926–1927; «Крыло» (организатор) – 1927; ОМХ (член-учредитель, секретарь) – 1927–1929 •Преподавал: 1918–1930 – ГСХМ I и II, ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН. М; 1932–1947 – (Л)ИЖСА; 1937–1948 – МИИИ–МГХИ. Профессор (1932). Принимал участие в организации профессионального союза художников-живописцев; входил в «левую федерацию» этого союза – 1917. Работал в «Окнах ТАСС» – 1941.

Соколов-Скаля Павел Петрович

Живописец, плакатист, театральный художник, мастер панорам и диорам, педагог. Народный художник РСФСР (1956), действительный член АХ СССР (1949), Лауреат Государственных премий СССР (1942, 1949). Учился в Москве в студии И.И.Машкова (1914–1918) и ВХУТЕМАСе (1920–1922). Преподавал в Студии военных художников имени М.Б.Грекова (1933–1941). Художественный руководитель "Окон ТАСС" (1941–1945).

Уткин Петр Саввич

Живописец. 1890-е гг. – учился в студии при Саратовском обществе любителей изящных искусств у В. В. Коновалова.1897–1907 гг. – учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у И. И. Левитана, В. А. Серова и К. А. Коровина.1904 г. – один из организаторов саратовской выставки «Алая роза». 1908 г. – один из организаторов московской выставки «Голубая роза». 1908–1914 гг. – постоянно работал в крымском имении Новый Кучук-Кой. С 1913 г. – член объединения «Мир искусства».1912–1917 гг. – участник выставок объединения «Мир искусства». После 1917 г. жил в Саратове. Участвовал в создании Коллегии ИЗО при Саратовском Совете депутатов трудящихся.
1918–1931 гг. – преподаватель Саратовских Государственных свободных художественных мастерских и студии Пролеткульта.1924 г. – вступил в объединение «Четыре искусства».
1931 г. – переезд в Ленинград. Стал профессором живописного отделения Института пролетарского изобразительного искусства.

Филонов Павел Николаевич

Живописец, иллюстратор, график-станковист, теоретик, педагог. 

Родился в Москве. Учился в живописно-малярных мастерских Общества поощрения художеств (1898), в студии живописи Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1903—1908), в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств у Г. Р. Залемана, В. Е. Савинского и Я. Ф. Ционглинского (вольнослушатель, 1908—1910). Один из инициаторов создания "Союза молодежи" (1910). В 1905 совершил поездку на Кавказ, в 1907 — в Константинополь. Побывал в Палестине (1911), посетил Италию и Францию (1911—1912). Организатор и автор манифеста мастерской живописцев и рисовальщиков "Сделанные картины" (1914, вторая редакция манифеста — «Декларация мирового расцвета», 1923). Совместно с И.С. Школьником оформил постановку трагедии В.В. Маяковского «Владимир Маяковский» в Петербурге (1913). В 1914—1915 написал поэму «Пропевень о проросли мировой». В 1916—1918 на фронте, председатель Военно-революционного исполкома Придунайского края (1917—1918). Инициатор создания Государственного института художественной культуры (1923). Создатель и руководитель группы «Мастера аналитического искусства» (1925—1941). Творчество художника развивалось под воздействием идей символизма и учения Н. Ф. Федорова, новейших открытий в науке, в частности — биологии. Основоположник «аналитического» метода, способного, по мнению художника, передать характер человеческого мышления. Автор символико-философских картин, портретов.

Вольтер Алексей Александрович

Живописец; музейный работник, автор статей по музееведению. Учился в студии А. О. Карелина в Нижнем Новгороде (1900–1908); в РШ ОПХ (1913); в студии В. А. Зверева в Петербурге–Петрограде (1913–1915). Участник выставок с 1915. Директор ГТГ (1932–1934). Член ГАХН, первый председатель МОСХ, первый заведующий Центральным кустарным музеем, директор ХФ СССР.

Чародей танца (Махмуд Эсамбаев)

• 2012
• Холст, масло. 69 х 50
• Музей Чеченской Республики, Грозный
• ФИИ- 748

На темном фоне картины представлен поясной портрет известного чеченца Махмуда Алисултановича Эсамбаева (1924–2000).

М. Эсамбаев изображен в костюме и в неизменной папахе на голове. Взгляд обращен к зрителю.  На пиджаке с правой стороны заметен орден «Герой Социалистического Труда», которым знаменитый артист был награжден в 1984 году за выдающиеся заслуги в развитии советского хореографического искусства, и в связи с 60-летием со дня рождения.

Махмуд Алисултанович Эсамбаев (1924–2000) — советский чеченский артист балета, эстрадный танцовщик, хореограф, балетмейстер, актёр. Народный артист СССР и Киргизской ССР. Герой Социалистического Труда.

Земля поэта. Н. М. Рубцов

• 2005
• Холст, масло. 70,0 х 60,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-2223

Картину «Земля поэта. Н. М. Рубцов» (2005) вологодский художник Юрий Валерьевич Новосельцев приурочил к юбилею нашего знаменитого земляка и показал на областной художественной выставке, посвященной этому событию. Позднее это произведение художника поступило в собрание Вологодской областной картинной галереи. Лично не знавший Рубцова, в своей работе Юрий Новосельцев и не стремился к досконально точному изображению его портрета, а лишь использовал его фотографии. Но для более точной характеристики его творчества изобразил поэта на фоне осеннего вологодского пейзажа, которому тот посвятил не одно свое лирическое стихотворение.

Рубцов Николай Михайлович (3 января 1936, село Емецк, Северный край — 19 января 1971, Вологда) — русский лирический поэт.

Фотокорреспондент газеты «Советская культура» Е. А. Халдей

• 1997
• Холст, масло. 100,0 х 69,0
• Мурманский областной художественный музей
• Ж-606

На картине изображён Евгений Ананьевич Халдей (1917—1997) — военный фотокорреспондент, один из немногих советских фотографов, имя которого могут сейчас назвать даже молодые люди. Все 1418 дней войны он прошёл с камерой «Leica» от Мурманска до Берлина. Фотографии, сделанные его руками, стали символом Великой Победы.

Художник познакомился с Евгением Халдеем на выставке фотографа в краеведческом музее Мурманска. Халдей подписал Виталию Бубенцову свою книгу «От Мурманска до Берлина». Рисовал знаменитого фотокорреспондента Виталий Николаевич в своей в мастерской.  

Художник пишет свою модель на фоне знаменитых фотографий портретируемого — военных действий в Заполярье. Рядом бессменная «Лейка» Евгения Ананьевича, с которой фотограф не расставался. Глядя на портрет, складывается впечатление, что художник ведет беседу с героем полотна, слушает его воспоминания. Евгений Ананьевич на минуту о чем-то задумался... этот момент и выхватил Бубенцов. Спокойное, рассудительное, несколько усталое лицо Халдея входит в диссонанс с картинами войны за его спиной. И правда… всё это позади: рвущиеся снаряды, гул вражеской авиации, раненые бойцы, подвиг и смерть. Личное мужество и терпение, жажда жизни и стремление снять кадры, которые прославят Победу русского народа в Великой Отечественной войне, сделали Евгения Халдея истинным героем своего времени. Не случайно на полотне лацкан его пиджака горит орденом Красной Звезды. В картине художник создает и контрастную цветовую палитру: холодный серый и эмоциональный красный подчёркивают чувства и мировосприятие героя картины.

Евгений Халдей ушёл из жизни в том же году, когда и была написана картина – в 1997 году. Для художника Виталия Бубенцова, родившегося в годы войны, было невероятно важно запечатлеть образ человека, видевшего своими глазами цену Победы над фашизмом в родном Заполярье.

Видеофильм о картине

Портрет Заслуженного артиста России Г. М. Пушкина

• 1992
• Холст, масло. 82 х 62
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-526

Заслуженный художник Республики Марий Эл Анатолий Муржин написал портрет марийского актера Г. М. Пушкина в 1992 году, за год до его ухода из жизни. Актер изображен в национальном костюме, его немолодое лицо с серьезным взглядом, направленным прямо на зрителя, полно достоинства.

Георгий Максимович Пушкин (1907–1993) – марийского актёр театра, музыкант, переводчик. Один из ярких представителей первого поколения профессиональных марийских актёров. Заслуженный артист РСФСР (1970), народный артист Марийской АССР (1967).

Гета. Памяти Г. Н. Бурмагиной

• 1990
• Холст, масло. 110,0 х 90,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-1571

Генриетта Николаевна Бурмагина (1931–1984), портрет которой создала ее современница, художник-живописец Джанна Тутунджан, была одной из тех ярких личностей и авторов, что подняли искусство вологодской графики 1960–1970-х годов на уровень регионального значения. Г. Бурмагина – уроженка Вологодской области, после Ярославского художественного училища вернулась на малую родину и здесь, в Вологде, вместе с мужем Николаем Васильевичем Бурмагиным началась ее творческая биография. Графика Бурмагиных – это иллюстрации к книгам стихов вологодских поэтов – Рубцова, Фокиной, Яшина; станковые серии ксилографий, обращенные к памятникам архитектуры Вологды, к мотивам вологодского фольклора, опирающиеся своей стилистикой и образным началом на народное творчество русского севера и близкие современным формам российского искусства. Судьба подарила им лишь десять лет совместного творчества, но годы эти были насыщены открытиями и свершениями. После трагической гибели мужа в 1974 году Генриетта Николаевна продолжила творческий путь и сумела оставить свой след в искусстве Вологды.

Сегодня в городе помнят художников, одна из улиц на берегу реки Вологды названа их именем. Здесь, напротив храма Сретенья Господня, и изобразила Генриетту Бурмагину живописец Джанна Тутунджан, а птица с двумя парами крыльев, сопровождающая женскую фигуру, символизирует вечную память о двух талантливых художниках, живших и работавших вместе в родном городе.

Рождение картины

• 1989
• Холст, масло. 103х165
• Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
• Ж-1973

Больше всего Евгений Ноздрин любил писать людей искусства. Его творчество в некоторой степени можно считать живописной летописью творческой жизни Мордовии.

Работа «Рождение картины» 1989 года – яркий образ художнической жизни позднего советского периода, подчеркнутый деталями: картинами на стенах, художественными принадлежностями. Полотно является групповым портретом мордовских художников, коллег Евгения Алексеевича, – Сидельникова, Петряшова, Беднова, Курдюкова, Харламова, Жидкова, Родионова, Шанина, Попкова, Обухова, Коровина, Мухина, Илюхина, Макушкина и эскизно – Трембачевской-Шаниной, Родионовой, Шибакова. На стене справа – портрет И. С. Горюшкина-Сорокопудова, педагога Ноздрина.

Произведение имеет сложную жанровую природу, что находит отражение к композиции. В картине художник с некоторой долей юмора показывает живые характеры современников, подчеркивая каждый портрет позой, одеждой, местоположением на картине, незначительными, на первый взгляд, деталями. Недописанные образы коллег говорят о продолжающемся творческом процессе. Контраст теплой творческой обстановки с задумчиво-сосредоточенным образом самого художника на переднем плане свидетельствует о серьезности процесса, вдумчивости, с которой автор трудится над творением.

Портрет хакасского поэта, писателя, драматурга Михаила Еремеевича Кильчичакова

• 1988
• Картон, масло. 95 х 83
• Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
• ХНКМ КП-6765

Хакасский художник Павел Богоярков изобразил хакасского поэта, писателя, драматурга, члена Союза писателей СССР, участника Великой Отечественной войны Михаила Еремеевича Кильчичакова (1919–1990).

После ранения в годы ВОВ был демобилизован. Работал главным режиссёром областного комитета по телевидению и радиовещанию, возглавлял Хакасское отделения Красноярского книжного издательства, заведовал литературной частью Хакасского областного драматического театра.

Перу Кильчичакова принадлежат драма о коллективизации «Всходы», комедия «Медвежий лог» о жизни хакасского села и драма о передовиках производства «Отчего желтеют листья». Михаил Еремеевич изображен одетым в костюм светло-голубого цвета и сидящим в кресле на фоне шкафа с книгами. На груди– ордена и медали, в руках он держит книгу.

Поэт Николай Рубцов

• 1988
• Холст, масло. 150 × 120
• Череповецкое музейное объединение
• ЧерМО-9484

Вологодский художник Геннадий Осиев принадлежал к той группе художников, которые сумели найти свой неповторимый взгляд на мир и выразить его в соответствующей этому видению стилистике. Уже с первых шагов в искусстве Осиева отличала большая драматическая, тревожная интонация, он взволнованно, страстно переживал мир.

В 1980-е годы Геннадий Осиев вышел на главную тему своего творчества – работал над образом поэта Николая Рубцова. Художник изучал материалы, буквально уйдя в них с головой. Появилось три портрета поэта и несколько крупных картин.

Рубцов Николай Михайлович (3 января 1936, село Емецк, Северный край — 19 января 1971, Вологда) — русский лирический поэт.

Деятели искусства и культуры Красноярского края

• 1987
• Холст, масло. 155 х 200
• Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова
• Ж-1740

Наряду с сюжетной, исторической картиной, натюрмортом, красноярский художник Степан Орлов большое внимание уделял портрету. Его портреты – это своеобразная историческая летопись края. На портретах – революционеры, актеры, писатели, спортсмены, художники, речники, военачальники. Художник в каждом портрете умел создать выразительный и запоминающийся образ.

Значительное место в его творчестве занимает групповой «Портрет деятелей культуры Красноярского края», который был написан художником по заказу руководства культурой края (1987–1991). Но художник подошел к заказу не равнодушно, не по принципу «исполнил и на этом точка», а добросовестно проработав тему, создав интересные, легко узнаваемые образы деятелей культуры.

На картине слева направо представлены:

известный хореограф и балетмейстер, народный артист СССР, Герой Соц. Труда, лауреат Гос. премии СССР (1985), руководитель Красноярского Государственного ансамбля танца Сибири Михаил Семёнович Годенко (1919–1991);

солистка Государственного ансамбля танца Сибири, в котором проработала 23 года, а затем выступала солисткой балета «Москва», солисткой Московского академического театра танца «Гжель» Людмила Владимировна Коркина (род. в 1950 г.), народная артистка РСФСР, лауреат премии правительства РФ в области культуры, лауреат премии «Душа танца» в номинации «Звезда народного танца», кавалер ордена Дружбы, профессор кафедры режиссуры театрализованных представлений Московского Государственного института культуры;

Лидия Дмитриевна Дзьобак (род 1948 г.) – балетмейстер-постановщик, народная артистка РСФСР, заслуженная артистка Грузии, солистка балета и балетмейстер Красноярского государственного академического ансамбля танца Сибири им. М. С. Годенко, с 2001 года – балетмейстер-постановщик ансамбля «Енисейские зори»;

Валерий Аркадьевич Дьяконов (1942-2015), народный артист РСФСР (1986), лауреат Гос. премии им. К. С. Станиславского (1982), всю жизнь отдавший служению в Красноярском театре драмы им. А. С. Пушкина и сыгравший более ста пятидесяти ролей за пятьдесят лет работы в театре;

Борис Яковлевич Ряузов (1919–1994) – народный художник РСФСР, действительный член АХ СССР, лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина (1973), один из ведущих пейзажистов Красноярского края;

Владимир Ильич Мешков (1919-2012) – народный художник РСФСР, заслуженный художник Чувашской АССР, красноярский график – признанный мастер линогравюры;

участник Великой Отечественной войны, писатель Виктор Петрович Астафьев (1924–2001) – Герой Соц. Труда (1989), лауреат двух Гос. премий СССР (1978, 1991), Гос. премии РСФСР им. М.Горького (1975) и двух Гос. премий РФ (1995, 2003 – посмертно), Кавалер ордена Ленина(1989), член СП писателей СССР;

почетный гражданин Красноярска скульптор Юрий Павлович Ишханов (1929-2009) – народный художник РСФСР (1980), профессор (1990), действительный член РАХ (1995), создавший памятник А. П. Чехову на берегу Енисея, «Кандальный путь» на Предмостной площади, обелиск на Красной площади, мемориальные памятники основателю Красноярского ансамбля танца Сибири М. С. Годенко, первому в Сибири академику живописи, народному художнику России Б. Я. Ряузову, выдающемуся ученому-конструктору М. Ф. Решетневу, русским воинам, погибшим в годы Гражданской и Великой Отечественной войн, в разных городах Красноярского края;

заслуженный архитектор РСФСР Арэг Саркисович Демирханов (1932–2020) – член-корреспондент РАХ, Российской академии архитектуры и строительных наук, общественный деятель, поэт, народный архитектор РФ (2002), Почетный гражданин Красноярска (1995), среди проектов которого застройка и благоустройство площади 350-летия Красноярска, мемориальный комплекс в сквере имени 30-летия Победы, застройка и благоустройство площади Мира с концертным залом на 2200 мест и филиалом Центрального музея В. И. Ленина (ныне Культурно-исторический и музейный комплекс), библиотека-музей В. П. Астафьева в поселке Овсянка, армянская апостольская церковь Сурб Саркис в Красноярске, исторические врата в Красноярске и многое другое.

Задача была не из легких – собрать вместе одновременно всех деятелей для позирования было практически невозможно, но художник хорошо справился с задачей, создав не просто портрет группы известных людей, это портрет единомышленников. Каждый из выдающихся представителей творческой элиты Красноярья не позирует, а словно «предстоит» перед зрителем, каждый сконцентрирован на чем-то своем глубоко внутреннем, как бы вынашивает свою тему. Но вместе с тем, очевидна монолитность, нераздельность монументальной фризовой композиции с четко обозначенным центром (фигура Астафьева), возникающая из-за пронизывающей весь холст напряженности. Кажется, эти люди сплотились, их единение подчеркивается не только настроением портретируемых, высотой творческих порывов, но и деталями, выступающими неким эталоном прекрасного и вечного: книга и альбом в руках, скульптура женщины работы Юрия Ишханова, деталь костюма танцовщиц – кокошник, за спинами изображенных виден живописный пейзаж Ряузова, – всё говорит о единстве интересов этих людей.

Марийский языковед и историк Ким Васин

• 1987
• Холст, масло. 95 х 97
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-280

Портрет марийского языковеда и историка Кима Васина создан Заслуженным художником РФ и Республики Марий Эл Борисом Исидоровичем Тарелкиным в 1987 году. Художник изображает одного из ведущих литературоведов, критиков и ученых своего времени, народного писателя республики Марий Эл, держащим в руках журнал «У вий» («Новая сила). Портрет создан в плотной, пастозной живописной манере письма.

Портрет заслуженного архитектора РСФСР В. Н. Богуна

• 1987
• Холст, масло. 154 х 115
• Магнитогорская картинная галерея
• Ж-46

Магнитогорский живописец Фёдор Разин изобразил на своём полотне заслуженного архитектора РСФСР Вилия Богуна. Портрет решён в традициях русской реалистической живописи. Личное знакомство художника с моделью помогло передать особенности внешности и характера Вилия Богуна, изображенного на фоне современных городских кварталов, им спроектированных.

Биографическая справка об изображенном:

Богун Вилий Николаевич (1931, Херсон Украинской ССР – 2004, Магнитогорск) – главный архитектор Магнитогорского отделения института «Челябинскгражданпроект». Заслуженный архитектор РСФСР (1979). В 1956 году окончил архитектурный факультет Харьковского инженерно-строительного института и был направлен на работу в проектный институт «Магнитогорский Гипромез». Трудился архитектором и главным архитектором архитектурно-планировочной мастерской. С 1964 года работал в Магнитогорском отделении института «Челябинскгражданпроект», где был главным архитектором, на протяжении нескольких лет исполнял обязанности начальника отделения.

С 1979 года В. Н. Богун был главным архитектором города Магнитогорска. Он много сделал для сохранения архитектурного облика города. В 1988–1994 годах был главным архитектором института «Магнитогорскгражданпроект». Выступил в качестве архитектора при сооружении памятника Ленина на площади Ленина, мемориалов «Металлург» на Привокзальной площади, а также некоторых других монументов. Активно участвовал в общественной жизни, избирался членом горкома КПСС, депутатом городского Совета народных депутатов, делегатом I и II съездов архитекторов России. С 1977 по 1990 год возглавлял Магнитогорскую организацию Союза архитекторов, был членом правления Союза архитекторов РСФСР.

Портрет заслуженного работника культуры, директора Большеуринского совхоза А. И. Ярошенко

• 1987
• Холст, масло. 90 х 130,1
• Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова
• Ж-1726

Несомненной удачей в портретном творчестве финского мастера Тойво Ряннеля стал портрет Анатолия Ярошенко. Анатолий Иванович Ярошенко – знаменитый поющий директор совхоза «Большеуринский» Канского района (односельчане звали его ласково «тятькой»), трижды депутат – Верховного Совета последнего созыва, первой и второй Государственной Думы, он был личностью легендарной. Умелый и смелый руководитель сельхозпредприятия, неизменно остававшийся на своем посту 23 года, крепкий хозяйственник и тонко чувствующий творческий человек, создавший у себя в совхозе практически всю культурную инфраструктуру – не только клуб, но и музей, картинную галерею, музыкальную школу, а также хор, который стал лауреатом трех всесоюзных и четырех всероссийских фестивалей народного творчества трудящихся, а также участником и дипломантом ВДНХ СССР. На первом фестивале хоровых коллективов Красноярского края хор, 20 лет руководителем которого являлся сам Ярошенко, стал обладателем приза гран-при.

Композиция портрета не сложна – Ярошенко изображен в своей обыденной рабочей обстановке – на фоне пшеничного поля. Пейзаж словно наполнен воздухом. Живописная лепка формы неторопливая, вдумчивая. В трактовке образа автор исходит, прежде всего, из характера героя, для которого находит соответствующий активный фон, воспроизводя с его помощью не только среду, в которой живет персонаж его портрета, но и внутренний мир.

Президент Академии наук СССР, академик А. П. Александров

• 1986
• Холст, масло. 145 х 125,5
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-2272

Анатолий Петрович Александров ( 1903, Тараща, Киевская губерния —  1994, Москва) — советский физик, академик АН СССР (1953; член-корреспондент 1943), доктор физико-математических наук (1941), педагог, профессор. Трижды Герой Социалистического Труда (1954, 1960, 1973). Президент Академии наук СССР в 1975—1986 гг.  Лауреат Ленинской премии (1959), Государственной премии СССР (1984) и четырёх Сталинских премий (1942, 1949, 1951, 1953). Один из основателей советской ядерной энергетики. 

Автопортрет

• Майкоп
• 1985
• Холст, масло. 65 х 40
• Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
• ИЗО 804

Художник из Адыгеи Феликс Петуваш 50 лет работает в станковой живописи, графике, монументальном и декоративно-прикладном искусстве. Его произведения относятся к реалистическому стилю и пронизаны национальным колоритом, обогащенным философской глубиной. Основные жанры в живописи – пейзажи Адыгеи, на их основе пишет сюжетно тематические полотна, а также портреты и натюрморты. В графике – иллюстрации к фольклору и литературным источникам, сюжетные, аналитические и лирические композиции.

В «Автопортрете» Феликса Петуваша достигнута узнаваемость и, через некоторые детали, прослежен характер художника. Черты лица тщательно прописаны, элементами драпировки ясно обозначена сфера интересов и, при этом, автор резко отгорожен от зрителя острой линией желтого воротника и стеклами очков. Этим приемом запечатлено свойственное адыгам стремление к утаенности самого ценного, к неполноте допустимой сказанности. Живопись пастозная, наполненная цветовыми нюансами в спектре охры.

Выставка в клубе

• Из серии «Боровлянский дневник»
• 1985-1986
• Бумага, акварель. 56 х 76
• Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
• ОФ-1645

Село Боровлянское на границе Курганской и Тюменской областей – малая родина художника Германа Травникова, оказавшая большое влияние на формирование его творческого почерка. Используя различные техники изобразительного искусства – живопись маслом, карандаш, линогравюру, акварель, Г. А. Травников создал множество пейзажей, жанровых работ и портретов односельчан, запечатлел приметы уходящего деревенского быта. Акварельный цикл «Боровлянский дневник» посвящён односельчанам. Он раскрывает неприглаженную красоту народной жизни, в которой ясно читаются связи и противоречия дня вчерашнего и сегодняшнего, остро чувствуется боль и радость, протяжённость и краткость человеческого бытия.

Играет Святослав Рихтер

• 1985
• Древесно-стружечная плита, темпера. 200 х 150
• Государственный Русский музей
• ЖС-111

Концертная деятельность Святослава Теофиловича Рихтера (1915–1997) продолжалась более 60 лет. Игра великого пианиста отличалась исключительной глубиной и эмоциональностью в раскрытии композиторского замысла. Рихтер был всецело поглощен музыкой, она являлась его призванием и идеалом. // Анатолий Дмитренко. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 496.

Краевед Виталий Бардадым

• Конец XX века (?)
• Бронза, литье. 70 х 20 х 25
• Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
• Ск-89

Александр Аполлонов (1947–2017) – самый известный на Юге России мастер монументальной скульптуры, уровень его профессионализма и масштабы им сделанного позволяют предположить, что он – лучший. Его талант, помноженный на отличное профессиональное образование и редкое трудолюбие, дал потрясающий результат – созданную за сорок лет гигантскую галерею портретов, которые стали заметной частью региональной культурной истории. Однако, самой значимой для Аполлонова стала работа над творческим воссозданием микешинского памятника императрице Екатерине II. Из бесед с подлинным радетелем кубанской столицы, ее «Нестором-летописцем», Виталием Петровичем Бардадымом (1931–2010), во время лепки его портрета, возникли первые замыслы по возрождению монумента. Образ неутомимого краеведа, почётного гражданина города Краснодара, автора трёх десятков книг, посвящённых истории культуры Кубани, создан в классических традициях, пришедших с античности. Бюст отлит из бронзы, покрыт «благородной» патиной, он установлен на мраморный пьедестал. Скульптор словно вписывает своего современника в бессмертные анналы.

Портрет Д. Джабаева

• 1980-е
• Холст, масло, дерево. 68 х 56
• Восточно-Казахстанский областной архитектурно-этнографический и природно-ландшафтный музей-заповедник (Усть-Каменогорск, Казахстан)

Работы казахского художника Загрутдина Назырова хорошо узнаваемы по своему художественному почерку. Им присущ широкий живописный мазок и обобщенная манера лепки объемов.

Джамбул Джабаев (1846—1945) — казахский советский поэт-акын, лауреат Сталинской премии второй степени (1941). Долгожитель — 99 лет. Жамбыл занимает почетное место в истории Казахстана, оставил за собой очень ценное творческое наследие. Его творчество стало достоянием не только национальной, но и мировой литературы. В годы войны Джамбул Джабаев создал песню «Ленинградцы, дети мои».  Обращение поэта помогло жителям блокадного города пережить то страшное время. Сегодня в Санкт-Петербурге расположен переулок, носящий его имя. Народный акын Джамбул Джабаев был награжден орденом Ленина и орденом Трудового Красного Знамени. Его произведения много раз издавались на русском языке и языках других народов Советского Союза.

Портрет Карена Хачатуряна

• 1985
• Холст, масло. 73,0 х 65,0
• Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
• Ж-1142

Художник Сергей Тутунов и композитор Карен Хачатурян лично знали друг друга. Во время слежки за Тутуновым Хачатурян был вызван для написания доноса в Министерство государственной безопасности. Несмотря на шантаж, композитор отказался доносить на художника. Возможно, определённую роль сыграл тот факт, что их отцы были одноклассниками в Тифлисской гимназии.

Спустя несколько десятков лет уже признанный портретист Тутунов написал портрет Хачатуряна. В 1990 году этот портрет был передан в Астраханскую картинную галерею. 

По словам художника, одним из главных ориентиров в портретном искусстве для него были Рембрандт и Веласкес. Портрет Карена Хачатуряна выполнен в тёмных приглушённых тонах, как и многие портреты, созданные старыми мастерами.

К моменту написания портрета народный артист РСФСР К. С. Хачатурян был уже признанным советским композитором. Он был автором многочисленных камерно-инструментальных произведений. Художественные фильмы, музыку к которым написал Хачатурян («Дети Памира», «Семь нянек», «Вий», «Единственная дорога» и др.), стали классикой советского кинематографа также, как и мультипликационные фильмы («Лесные путешественники», «Чиполлино», «Тимошкина ёлка», «Футбольные звёзды» и др.).

Примечательно, что портрет Хачатуряна был написан не на заказ. Как и большинство других портретов, художник создал его для себя. В центре его внимания не выдающийся деятель эпохи, а прежде всего человек с его внутренним миром, переживаниями и жизненным опытом.

Портрет М. Ауэзова

• 1980-е
• Холст, масло, дерево, стекло. 68 х 56
• Восточно-Казахстанский областной архитектурно-этнографический и природно-ландшафтный музей-заповедник (Усть-Каменогорск, Казахстан)

Работы казахского художника Загрутдина Назырова хорошо узнаваемы по своему художественному почерку. Им присущ широкий живописный мазок и обобщенная манера лепки объемов.

Мухтар Омарханович Ауэзов — советский казахский писатель, драматург и учёный. Лауреат Ленинской (1959) и Сталинской премии первой степени (1949). Академик АН Казахской ССР (1946), председатель Союза писателей России. Его четырёхтомный роман «Путь Абая» вошёл в «Библиотеку всемирной литературы».

Портрет искусствоведа А. Каменского

• 1985
• Холст, масло. 104 х 80
• Сахалинский областной художественный музей
• Ж-78

«Портрет искусствоведа А. Каменского» создан азербайджанским художником Тогрулом Нариманбековым в 1985 году. Он построен на напряжённом, восходящем к национальным традициям азербайджанского искусства цветовом ритме, характеризуется энергичностью мазка и невероятной звучностью колорита с ярко живописно-пластическими акцентами на мимике лица и движении рук. В портрете передана точная передача психологически-эмоциональной характеристики искусствоведа.

Каменский Александр Абрамович (24 января 1922 – 1 августа 1992) – советский и российский искусствовед, художественный критик, теоретик и историк искусства. Известен как автор термина и идеолог сурового стиля и автор трудов, посвященных творчеству мастеров советского и русского искусства, в частности, Марка Шагала, Анны Голубкиной, Сергея Коненкова, Мартироса Сарьяна. Заслуженный деятель искусств Российской Федерации (1992).

Поэма о бессмертии. Триптих

• 1985
• Холст, масло. 254 х 112
• Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
• 4054-ж (а, б, в)

Еще в ранних произведениях казахского художника Амандоса Аканаева, последователя живописной школы шестидесятых-семидесятых, видится наполненность энергии жизни, патриотического духа.

В его творчестве период 1970-80-х годов стал предельно напряженным, художник искал истину, Истину о жизни человека на Планете Земля. В его триптихе «Поэма о бессмертии» идет беседа, активный диалог человека с вселенной, с миром. Поэт Олжас Сулейменов изображен декламирующим четкие строки своей поэмы о сохранении жизни на земле, о трагических событиях ХХ века, повлекших за собой череду страшных катастроф. Его поэма об истории, о пережитых народом в течение десятков лет и потрясших мир атомных взрывах и их последствиях.

Влияние блестящей плеяды европейских живописцев на творчество художника благотворно сказалось в поисках своего, собственного языка живописи. Композиция и колорит произведения говорят об этом. Выбор вытянутого по вертикали формата продуман заранее. Предстоящий перед зрителями герой показан во весь рост. Такой формат был излюбленным в творчестве испанских живописцев XVII–XVIII веков. Данный формат вносит некую настороженность и напряжение в картину.

Драматическое звучание полотна передано с помощью контраста света и тени, яркого света, бьющего на лицо и фигуру героя картины справа и глубокой, доведенной до черноты тени, а также выписанных клубов дыма на втором плане. Позади фигуры, по правую часть картины, почти под ногами людей, изображены сидящие в глубокой горечи и печали старушка-мать, ее лицо испещрено глубокими морщинами, безвыходность и упадок духа захватили все ее существо. В отвернувшейся от зрителя фигуре мальчика, по левую часть композиции, идет сказ о разрушенной молодости и несчастном детстве. Поэт будто спрашивает зрителя, за что страдают эти люди, неужто им уготована полная бед и разрушений жизнь.

Яркий свет на лицах героев и резко контрастирующий с плотной глубокой тенью фон отсылает нас к рембрандтовскому приему в живописи, благодаря которому, в отличие от Рембрандта, А. Аканаев усиливает экспрессивность характера портретируемой личности. Пафосность фигуры поэта с широко расставленными ногами дополнена жестами рук героя картины. Оттопыренные пальцы рук, жест возмущения, жест призыва в унисон с его речью, обращением к народу получают столь же ярко выраженную интерпретацию.

Левая часть триптиха, которую можно условно назвать «Память», посвящена теме Великой Отечественной войны. В ней изображена фигура теряющей сознание пожилой женщины, получившей «похоронку» на своего сына, падающий скошенный пулей боец, мерцающий вверху холста свет керосиновой лампы и лежащие рядом письма с фронта. Все это ‒ воплощение воспоминаний художника о тяжелых годах войны, страданиях матерей и героизме ушедших на фронт граждан советской страны.    

Правая часть триптиха говорит о современной художнику действительности. В ней мы видим парящего над Землей космонавта, счастливую мать, держащую над собой ребенка. Контрастом им выступает помещенная автором в нижней части холста фигура скорчившегося человека со связанными за спиной руками, в образе которого выражается трагическая сторона жизни человечества конца ХХ века.

Духовная интонация произведения А. Аканаева пронизана нотой экзальтированного нравственного, эстетического идеала и, конечно же, раздумий, мыслей о противоречиях эпохи.

Олжа́с Ома́рович Сулейменов (р. 1936, Алма-Ата, Казахская ССР). Поэт, литературовед, мыслитель, общественно-политический деятель, дипломат, народный писатель Казахской ССР (1990).

В 1954 поступил на геологоразведочный факультет Казахского госуниверситета, окончил его в 1959 году, инженер-геолог. Последние годы учёбы совмещал с работой в геологоразведочных партиях.

Литературной работой занялся в 1955 году. В 1959 году поступил в Литературный институт им. А. М. Горького в Москве на отделение поэтического перевода. Первая публикация стихов состоялась в «Литературной газете» в июне 1959 года. В 1962—1971 годах — литературный сотрудник газеты «Казахстанская правда», главный редактор сценарно-редакционной коллегии киностудии «Казахфильм», В 1971—1981 — секретарь правления Союза писателей Казахстана. 1984—1992 — первый секретарь Правления Союза Писателей Казахстана, секретарь правления СП СССР.

Писал стихи на русском языке и был поначалу известен только у себя на родине. Широкую известность получил весной 1961 года за поэму «Земля, поклонись человеку». Получил также известность как автор лингвистических исследований, в частности, посвящённых тюркским элементам «Слова о полку Игореве».

Портрет Заслуженной артистки РСФСР, народной артистки МАССР А. Александровой

• 1984
• Холст, масло. 120 х 85
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-159

Портрет Аллы Яковлевны Александровой – легенды Марийского балета – Заслуженный деятель искусств Марийской АССР Юрий Белков написал в середине 1980-х годов. 

Александрова Алла Яковлевна (р. 1948) – Заслуженная артистка РСФСР (1980), Народная артистка Республики Марий Эл (2004), Заслуженная артистка Республики Марий Эл (1973), лауреат Государственной премии МАССР (1973). балетмейстер-репетитор. В 1973 году исполнила главную партию Эрики в первом марийском балете А. Луппова «Лесная легенда».

Портрет пианиста Ж. Кисина

• 1984
• Холст, масло. 103 х 120
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-2066

Композиция представляет портрет пианиста-виртуоза Евгения Кисина в возрасте 12-ти лет, выступающего в Большом зале Московской консерватории. Подросток изображен за роялем в профиль, фигура развернута вправо. Голова высоко поднята.

Кисин Евгений Игоревич (род. 10 октября 1971). Родился в Москве, в семье инженера Игоря Борисовича Отмана и преподавателя игры на фортепиано Эмилии Ароновны Кисиной. В 6 лет поступил в музыкальную школу имени Гнесиных (педагог — Анна Павловна Кантор). В 10 лет впервые выступил с оркестром, исполнив 20-й концерт Моцарта. Год спустя дал свой первый сольный концерт. В 1984 году (в 12 лет) исполнил 1 и 2 концерты Шопена для фортепиано с оркестром в Большом зале Московской консерватории.

В 1985 году впервые выехал с концертами за рубеж, в 1987 дебютировал в Западной Европе на Берлинском фестивале. С 1991 года жил в Нью-Йорке, Лондоне и Париже, в настоящее время живёт в Праге.

Автопортрет

• 1983
• Холст, масло. 80 х 50
• Музей Чеченской Республики, Грозный
• 690

Саид (Саитхусейн) Элим-Султанович Бицираев — известный чеченский художник, с 1983 преподает на кафедре общей живописи Академии им. А. Л. Штиглица в Санкт-Петербурге.

Художнику одинаково хорошо удаются разножанровые произведения: тематические картины, портреты, натюрморты, пейзажи. Одной из основных линий его творчества является национальная тематика.

На автопортрете, выполненном в 1983 году, художник изобразил себя в интерьере в годы своей молодости (29 лет), когда он только начал преподавательскую деятельность. В центре композиции стоит художник в светлом шерстяном свитере, в темных брюках. В левой руке – кисть. Лицо обращено к зрителю, словно смотрит в глаза ожидающего его будущего. Картина написана в характерной для раннего периода творчества художника реалистичной манере.

Картина поступила в Музей Чеченской Республики в дар от автора в 2012 году в числе 80 подаренных Бицираевым произведений.

Портрет писательницы М. Глушко

• 1983
• Холст, масло. 80 х 90
• Симферопольский художественный музей
• Ж-1193

Валентин Бернадский написал портрет писательницы Марии Васильевны Глушко в 1983 году. Она была автором около 20 романов, повестей, рассказов и киносценариев. Основные темы ее произведений — социально-нравственные аспекты отношений личности и общества, высокие моральные качества советского человека, становление характера молодого рабочего. Писательница проявляет особый интерес к проблемам семьи, положению женщины в обществе. Ряд произведений направлен на осуждение войны, обрекающей на страдания женщин и детей.

М. В. Глушко ‑ участница Великой Отечественной войны, добровольцем пошла на фронт. О тех мытарствах, какие выпали на ее долю, позже написала в своих произведениях. В 1955 году окончила Крымский педагогический институт в Симферополе. Позже — Литературный институт имени А. М. Горького в Москве.

Жила и творила в Крыму. В 1960 году возглавляла редколлегию альманаха «Крым», затем 12 лет руководила Крымским отделением Союза писателей Украины (с 1980), была членом редколлегии журнала «Радуга». В последние годы участвовала в работе Крымского республиканского Фонда культуры.

Мария Васильевна Глушко́ (1922 года, Владивосток — 1993, Симферополь) — советская и украинская писательница, сценарист. Член Союза писателей Украины (с 1954). Ответственный секретарь, позднее — председатель Крымской организации Союза писателей Украины.

Корифей крымской литературы

Гости в мастерской художника

• 1982
• Холст, масло. 171 x 174
• Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
• Ж-2396

Работа «Гости в мастерской художника» написана живописцем Татьяной Федоровой после окончания учебы в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина. Увлеченность портретным искусством пришла к автору в годы студенчества. Молодому художнику хотелось отойти от государственной агитации, героических тем, поэтому она выбрала для сюжета встречу студентов, хотела создать дружескую атмосферу.

В интерьере своей мастерской Т. С. Федорова собирает молодежную компанию за чаепитием. Она тщательно воссоздает интерьер, детали комнаты и натюрморта выписаны практически до иллюзорности, используя приемы натюрморта-обманки. Персонажи показаны несколько отстраненно, каждый из них погружен в собственный мир.

На картине изображены студенты, друзья друзей, согласившиеся позировать, ранее они не встречались и не были знакомы друг с другом. По воспоминаниям автора, среди персонажей слева направо: младший брат одной из подруг; представительница богемы; Ирина Холмова (студентка, изучавшая в университете психологию); Таня Чередникова – экскурсовод, младшая сестра театральной художницы Ирины Чередниковой (художник-постановщик музыкальных театров), студент из Чехословакии, сын чешского коммуниста (изучал марксистско-ленинскую философию в Ленинградском университете).

Картина получила награды: III премия Союза художников СССР и ЦК ВЛКСМ на Всесоюзной молодежной выставке в Москве (ЦВЗ «Манеж», 1982); Золотая медаль и Гран-При на международной выставке «Традиции и поиск» (Гран-Пале, Париж, Весенний Салон, Франция; 1984). Работа экспонировалась на выставках в Болгарии, Франции, Финляндии ГДР.

О родной земле, на своем берегу

• 1982
• Холст, масло. 131 х 154
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• ЖК-518

Художник В. Ф. Добрынин, карел по национальности, размышляет о традициях своего народа, о национальных особенностях карел, обращается к образам литераторов, пишущих на карельском языке. Седовласые и умудренные опытом Ортьё Степанов (1920–1998), Яакко Ругоев (1918–1993), Матти Пирхонен (1908–1988) на картине ведут неспешную беседу «о родной земле». Для них, участников Великой Отечественной войны, тема родной земли, которую они защищали, – одна из основных в творчестве.

Судьбы этих известных карельских писателей впервые пересеклись в далекие 1930-е годы в Ухтинской школе (ныне поселок Калевала), где Яакко Ругоев и Ортьё Степанов учились, а Матти Пирхонен преподавал им финский язык и литературу. Эту дружбу они пронесли через лихолетья войны и полное творческих поисков и успехов мирное время.

Жилинские

• 1981
• Оргалит, масло. 71,5 х 70,5
• Государственный Русский музей
• Ж-11260

Изображены московские художники Д. Д. и Н. А. Жилинские. Портрет семьи. СПб., 2014. С. 134.

Жилинская Нина Ивановна (1926–1995) — скульптор, жена художника Д. Д. Жилинского. Портрет семьи. СПб., 2014. С. 211.

Композитор Г. А. Вавилов

• Из серии «Мои герои»
• 1981-1982
• ДВП, темпера, лак. 101 х 158
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• ЖК-488

Геннадий Алексеевич Вавилов (1932 г.р.) –  композитор, педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР, народный артист Республики Карелия. Он много и плодотворно работает как композитор в разных жанрах.

Портрет композитора Геннадия Вавилова, созданной в 1970-х годах петрозаводским художником Валентином Чекмасовым в серии «Мои герои», удался — и в сюжетной разработке, и в колористической. Музыкант запечатлен сидящим у рояля. Он весь охвачен творческим азартом. Энергичный, подвижный темперамент Вавилова подчинен только одной цели — сформулировать в нотных знаках ту мелодию, что пробивается к реальной жизни через сонмы других, мысленно слышимых композитором звуков. Среди повествовательных деталей есть очень характерная — в правой руке композитор держит карандаш, он как бы дирижирует им сам себе, отмеряя интервалы тактов, спешно записывая рождающуюся музыку. Левая рука поддерживает нотную тетрадь. Этому движению, подобно рефрену, вторит рука с книгой нот одного из ангелов в рельефе певчих флорентийского собора Санта-Мария-дель-Фьоре. Полиграфическое воспроизведение шедевра Луки делла Роббиа отсутствует в подлинном кабинете Вавилова, но художнику понадобилась красивая цитата, поскольку лучшие сочинения композитора созданы именно для детских хоров. Поскольку репродукция, висящая на стене, изображена композиционно между лицом Вавилова и листами нотной тетради на пюпитре рояля, то пространство холста приобретает двойную духовную насыщенность — оно пронизано взглядом композитора и исполняющими хорал ангелами Луки делла Роббиа.

Омские художники. Групповой портрет

• 1980–1982 гг.
• Холст, масло. 110 х 160
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-2188

Омский художник Тимофей Павлович Козлов в 1982 году написал новый групповой портрет художников Омска, продолжая тему своей известной работы «Творческий отчет» (1957). В этих, разделенных четвертью века картинах художник со свойственной реалисту точностью зафиксировал смену персонажей, их ролей в общем, психологически напряженном разговоре, появление новых лиц, модернизацию интерьера и необратимую работу времени, изменившего облик многих героев картины. Показательно, что изображенная группа людей, собравшихся на «производственное совещание», при всей колоритности отдельных фигур лишена романтического ореола.

Портрет Л. И. Бакеевой

• 1979
• Холст, масло. 106 х 73
• Удмуртский республиканский музей изобразительных искусств, Ижевск
• Ж-31

Лариса Кириллова – талантливая ленинградская художница, представительница позднесоветского живописного диалога с Возрождением. Перекличка с портретами эпохи Ренессанса чувствуется и в стилевом решении портрета Любови Бакеевой. Выразительный алый цвет кофточки доминирует в изображении молодой девушки, смотрящей в окно. На подоконнике – атрибуты искусства (кисти, репродукция картины «Юдифь» Джорджоне»), указывающие на то, что перед нами, вероятнее всего, художница. Ее спокойный и задумчивый взгляд устремлен вдаль. Тщательно прописаны тонкие пальцы рук, держащие книгу, и одухотворенное лицо.

Кордебалет (Светлана Брагина)

• 1978
• Холст, масло. 108 х 96
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• ЖК-364

Карельская художника Екатерина Пехова с юности интересовалась жизнью театра. Переехав после окончания учебы из Ленинграда в Петрозаводск она тесно общалась с артистами Музыкально-драматического театра. В ее творческом наследии, хранящемся в Музее изобразительных искусство Республики Карелия, много портретов артистов балета из этого театра, выполненных в 1970-е годы. Один из наиболее интересных – портрет Светланы Брагиной («Кордебалет»).

Первые балетные спектакли Музыкально-драматического театра Петрозаводска в 1959 году выявили большой потенциал немногочисленного поначалу коллектива. Для постановки полномасштабных балетов труппу пополнили выпускники хореографических училищ Москвы, Ленинграда, Перми. Репертуар ежегодно пополнялся одним-двумя балетами, от классики до современных произведений. В числе классических балетов появились «Жизель», «Дон Кихот», «Спящая красавица», «Баядерка» и др.

Обь – река-труженица

• 1978
• Бумага, акварель. 50 х 63,3
• Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
• ОФ-229

Акварельный пейзаж «Обь – река-труженица» тюменского художника Михаила Гардубея создан в конце 1970-х годов.

Обь – важнейшая инфраструктурная водная российская артерия, имеющая огромное экономическое значение. В бассейне реки сосредоточены богатейшие запасы газа, нефти, торфа, она соединяет богатый полезными ископаемыми север с другими участками страны, по ней суда осуществляют перевозку материалов и оборудования. Кроме того, Обь богата рыбой, более 50 видов являются промысловыми. Возросшее экономическое значение Оби в период активного становления Западно-Сибирского нефтегазового комплекса привлекло внимание общества и нашло отражение в документальных и художественных фильмах, литературе и изобразительном искусстве.

П. П. Бажов – сказочник Урала

• 1978
• Холст, масло. 80,0 х 60,0
• Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
• Ж-63

Творчество Павла Петровича Бажова (1879–1950)неразрывно связано с Уралом и его самобытной народной культурой. Произведения писателя – знаменитые уральские сказы – привлекают своей таинственной поэтичностью, изображенные в них события чудесны и необычны. Манера повествования завораживает и незаметно втягивает читателей в мир каменных рудников, полных необыкновенных явлений, малахита, прекрасных изделий и одержимых творцов.

Многие художники, прежде всего уральские, вдохновлялись творчеством Бажова. Кто-то иллюстрировал его сказы для различных изданий, кто-то создавал станковую графику по мотивам его произведений, кто-то работал над большими живописными полотнами.

Уральский художник Сергей Васильевич Волочаев посвятил писателю портрет-картину. В большой живописной композиции 1978 года «П.П. Бажов – сказочник Урала» художник изображает писателя на фоне знаменитых Каменных палаток – геологического и археологического памятника природы, который расположен рядом с озером Шарташ в городе Екатеринбург. Седобородый, в пальто и шапке-ушанке, с тросточкой в руке, Бажов предстаёт перед нами на переднем плане композиции, а за его спиной возвышаются гранитные скалы-останцы, полузанесенные снегом. Зимний заснеженный пейзаж отлично передаёт суровую и величественную природу Урала, которую писатель так любил описывать в своих сказах.

Портрет С. П. Кадышева

• 1978
• Холст, масло. 90 х 121
• Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
• ХНКМ КП-7935

Известный хакасский художник Андрей Топоев запечатлел на своем портрете первого хакасского драматурга, одного из крупнейших хакасских сказителей (хайджи) Семёна Прокопьевича Кадышева (1885—1977), играющего на национальном хакасском инструменте ‒ чатхане. На заднем плане изображены степь и каменные изваяния на фоне голубого неба.

Семья художника

• 1978
• Холст, масло. 179 х 151
• Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
• 3243-ж

Художественный образ – это образ-тип. Гульфайрус Исмаилова – художник из Казахстана, который может превратить портрет отдельного человека в образ. Творческий почерк Г. Исмаиловой, пройдя от эмоционального фейерверка первых портретов через сдержанную строгость образов второй половины 1960-х годов, обрел к семидесятым годам новые качества. Эмоциональное восприятие, передача чувств по-прежнему глубоки, но уже не так открыты. Всплеск эмоций уступает место философскому осмыслению человека, его внутренней жизни. И хотя модели Г. Исмаиловой красивы и обаятельны, предпочтение отдается именно духовной красоте, она любуется богатством и цельностью натур своих героев.

Особой теплотой пронизан «Автопортрет с семьей» (1978), раскрывающий любовь и сердечную общность членов маленькой семьи и вместе с тем подчеркнуты индивидуальность каждого характера, своеобразие духовного мира, передана атмосфера творчества. «Автопортрет с семьей» несет в себе высокую человеческую и документальную ценность.

Портрет кинооператора Нуртая Борбиева

• 1977
• Медь. 48,0 х 46,0 х 30,0
• Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
• Инв. №7509/420-с

Киргизский скульптор Альбек Мухутдинов работал в области станковой и монументальной скульптуры, используя в творчестве различные материалы (металл, дерево, шамот, пластмассу). В Москве его педагогами были известные, крупные мастера Д. Д. Шварц и Г. М. Манизер. Они сумели привить собственно сложившемуся уже как личность художнику качества, ставшие основой его дальнейшей эволюции: любовь к логически ясной и конструктивной объемной форме, четкость пластических моделировок, умение мыслить пространственно и в высшей степени композиционно. Герои Мухутдинова – деятели кыргызской науки и культуры, рабочие, колхозники.

Портрет кинооператора Нуртая Борбиева (1947–2019) создан в 1977 году Интеллектуал из мира кино будто «сел» в материал: металл дает необходимые блики, и лицо светится уверенностью в существовании ответов «на все актуальные вопросы современности». Поворот головы и плеча – форма пламенеющей энергии пионерского костра – обычный прием создания постамента под обобщенный образ молодого человека, комсомольца, спортсмена и просто убежденного строителя светлого будущего. Узнаваемая прическа – советский вариант длинноволосых хиппи; водолазка – униформа творческих работников; и даже усы –тоже примета, признак фронды против аккуратности тщательно выбритых партийных чиновников. Симпатичный художественный образ 1970-х и сейчас кажется недостижимым по уровню исполнения, интеллекта, романтической вдохновенной красоты.

Сопричастность

• Из серии «Ленинградские километры БАМа»
• 1977
• Холст, масло. 142 х 232
• Государственный Русский музей
• Ж-10349

В годы строительства Байкало-Амурской магистрали (БАМ) Яковлев долгое время жил и работал среди строителей, создал десятки портретов работавших в Сибири людей. Изображая себя беседующим с одним из создателей магистрали, художник подводит итог впечатлениям этого периода своей жизни. Анна Антонова. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 300.

Автопортрет

• 1976
• Картон, темпера. 77.5 х 58.7
• Удмуртский республиканский музей изобразительных искусств, Ижевск
• Ж-6

Фактический распад Советского Союза произошёл в 1991 году. Однако, ноты разочарования и ощущение фрустрации, связанные с существующим строем, возникают в советском обществе с конца 1970-х, и, особенно, в 1980-х годах. Поэтому в полотнах художников-восьмидесятников нет оптимизма прошлых лет, с которым смотрели в будущее представители соцреализма. Появляется чувство неудовлетворенности, смятения и неуверенности в завтрашнем дне, меняется и образ человека советского.

 «Автопортрет» Валерия Хабарова (1976) отличается особой психологической характеристикой персонажа. Благодаря контрастному свету, выделяющему половину лица молодого художника, создается ощущение напряжения, тревоги, взволнованности, внутренней динамики, делая образ отличным от типичных героев соцреализма.

Портрет Народного артиста КазССР Н. Тлендиева

• Из триптиха «Люди искусства Казахстана»
• 1976
• Холст, масло. 130 х 130
• Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
• Ж-3188

Заслуженный деятель искусств Казахстана Т. Тогусбаев вошел в историю национального культуры как автор произведений, в которых ярко проявляется культурная идентичность казахского этноса. В эпических образах, воскрешающих историческое  прошлое и откликающихся на современную автору действительность, Т. Тогусбаев прославляет красоту родной земли, воспевает героизм и духовное богатство своего народа. «Портрет композитора Н. Тлендиева» является частью триптиха «Люди искусства Казахстана», созданного художником в 1976 году. Эти репрезентативные по форме  произведения совмещают в себе условность пластической формы, декоративность колористического решения, предельно выразительную характеристику персонажей, каждый из которых обладает ярко выраженной индивидуальностью. В тоже время, все герои объединены идеей сопричастности с духовным наследием прошлого, стремлением выразить живое дыхание современной им действительности.

Портрет народной артистки РСФСР Чарковой К. С.

• 1976
• Картон, масло. 67 х 50,5
• Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
• ХНКМ КП-10703

Клавдия Семёновна Чаркова (1917–1995) — хакасская театральная актриса, народная артистка РСФСР (1979). В 1939—1942 годах в составе первой национальной хакасской актёрской студии училась в Ленинградском театральном институте. После эвакуации из Ленинграда в 1942 году вошла в труппу Хакасского национального драматического театра в Абакане. 

Клавдия Семеновна изображена в зелёном платье. Легкий поворот головы, приподнятая рука и книга Расула Гамзатова «Журавли» наводят на мысль, что актриса изображена в момент чтения стихов выдающегося советского поэта, уроженца Дагестана.

Автопортрет. (Трудовые будни)

• 1975–1977
• Холст, масло. 118,0 х 123,0 см
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-2595

Для выдающихся мастеров реалистической школы живописи послевоенных лет Сергея Петровича и Алексея Петровича Ткачевых Тверской край сыграл особую роль в развитии их искусства. В первые послевоенные годы братья Ткачевы учились в Московском художественном институте имени Сурикова у таких признанных классиков отечественного изобразительного искусства, как Игорь Грабарь, Георгий Ряжский и Дмитрий Мочальский. Сами братья Ткачевы отмечали, что на развитие их таланта значительное влияние оказали Сергей Герасимов и Аркадий Пластов, чьи пейзажи и пейзажно-жанровые полотна вдохновляли молодых художников.

Совместную творческую деятельность живописцы начали в начале 1950-х годов, когда однажды Алексей нарисовал эскиз, а Сергей раскрасил его акварелью. Это был этюд к их первой картине. Удивительно, но совместная работа не стерла индивидуальную живописную манеру братьев: каждому из них удалось сохранить свое творческое начало, обогатить и дополнить художественный метод друг друга. Созданию каждой картины предшествует огромная подготовительная работа – большое количество этюдов и рисунков. Работая над композиционным решением полотен, они пробуют разные варианты, особое внимание уделяя точности деталей изображаемого.

В собрании Тверской картинной галереи находится «Автопортрет. (Трудовые будни)» (1975–1977) кисти братьев Ткачевых, в котором художники изобразили себя за натурной работой во время уборки картофеля. Простые рутинные сцены в прочтении художников наполняются поэтическими образами и смыслами, а вдумчивая работа с композицией позволяет раскрыть авторский замысел.

Писатель Гарий Немченко

• Майкоп
• 1975
• Холст, масло. 95 х 115
• Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
• ИЗО 493

В равной мере мастерство Эдуарда Овчаренко реализуется в картинах, портретах, натюрмортах, пейзажах. Пройдя 60 лет творческой жизни, обладая удивительной восприимчивостью ко всему новому, что происходит в искусстве, художник в своем творчестве осуществляет диалог между традиционным старым искусством и современным. Основываясь на реализме, он создает свою изобразительную культуру.

Своим творчеством автор утверждает позитивные начала, идеалы добра и гуманизма. Его картины, привлекая пластичностью образов и изящностью цветовых решений, располагают к философским размышлениям.

Га́рий Лео́нтьевич Не́мченко (род.  1936) — советский и российский писатель, журналист, прозаик. Родился на Кубани. После окончания факультета журналистики МГУ в 1959 году приехал в Кузбасс и в течение 12 лет проработал в городе Новокузнецке Кемеровской области на строительстве Западно-Сибирского металлургического комбината, был сотрудником многотиражной газеты «Металлургстрой». После сосредоточился на литературном творчестве и в 1971 году переехал в Москву.

Подготовил литературную запись мемуаров выдающегося оружейного конструктора Михаила Калашникова «От чужого порога до Спасских ворот». Перевёл на русский язык получившие на Кавказе широкое признание романы народного писателя Адыгеи Юнуса Чуяко «Сказание о Железном Волке» и «Милосердие Чёрных гор, или Смерть за Чёрной речкой». Составитель сборников рассказов и повестей северокавказских писателей «Война длиною в жизнь». Автор сценариев документальных фильмов «Где Ложкин прячет золото» (об археологе М. Н. Ложкине, открывшем средневековое христианское городище на хуторе Ильич), «Хранитель» (о всемирно известном паремиологе С. Д. Мастепанове), «Казачий круг» (о возрождении казачества на Кубани).

Портрет Д. Д. Шостаковича

• 1975
• Холст, масло. 70,2 х 60
• ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
• Ж-2363 АОМИИ

В 1975 году Порет пишет портрет Дмитрия Шостаковича. В этот год знаменитый советский композитор, пианист, педагог ушел из жизни. Это произведение представляет собой глубокое философское размышление о реальности и вечности, о существовании и небытии. Горизонтальная черта разделяет композицию картины на две равные части, демонстрируя зрителю два портретных образа – фактическое изображение Шостаковича и его искаженное зеркальное отражение. Верхний портрет представляет образ пламенного, полного жизненных сил юноши с ясным решительным взором, устремленным вперед. Колорит этого портрета подчеркнуто мажорный, задний план напоминает мозаичное панно, разноцветные стекла которого походят на языки пламени, олицетворяя неукротимую творческую энергию. Зеркальный портрет практически лишен цвета.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (12 [25] сентября 1906, Санкт-Петербург — 9 августа 1975, Москва) — русский и советский композитор, пианист, педагог.

Портрет композитора Е. Туманян

• 1975
• Холст, масло. 70,5 х 50
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-2409

В творчестве Татьяны Назаренко сильно аналитическое начало. В каком бы жанре живописи она ни работала, главное содержание ее картин выражается не только и не столько через сюжет, сколько через общую духовную атмосферу, которая определяет и психологическое состояние героев, и эмоциональную окрашенность пейзажей, предметов, и пластический язык ее искусства. Эти качества проступают в портрете композитора Елизаветы Арташесовны Туманян (1928–2009 гг.). В 1955 году Туманян окончила Московскую консерваторию по классу композиции Н. И. Пейко и начала свою карьеру как музыкальный редактор Московской филармонии. Среди её музыкальных сочинений есть музыка к опере и балетам, концерты для фортепиано и струнного квартета, произведения для симфонического оркестра, романсы. Значительной частью её произведений была музыка для кино, телевидения, радио, театра. К фортепианной детской музыке Туманян обращалась не раз — ей принадлежат пьесы, созданные на материале русских народных детских песенок, а также цикл пьес, в основу которых положены армянские народные песни.

Портрет писателя З. Скуиня

• 1975
• Холст, масло. 114 х 130
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-2582

Улдис Земзарис был не только прекрасным художником, но и талантливым литератором, поэтому неудивительно, что в круг его портретируемых входили представители латышской культуры. Одним из таких был Зигмунд Янович Скуиньш (1926–2022) – советский и латвийский журналист, драматург, прозаик и переводчик. Родился в Риге в семье рабочих, учился в 7-й Рижской городской начальной школе, которая в 1937 году была переименована в Рижскую Спилвскую начальную школу. С 1941 года учился на строительном отделении Рижского государственного техникума. В августе 1944 года Скуиньш был мобилизован в немецкую армию, в январе 1945 года попал в госпиталь в Нижней Саксонии, затем в лагерь для интернированных латышских легионеров. Он бежал из лагеря и вернулся в Ригу, где учился в художественной школе имени Яниса Розенталса до 1946 года.

Работал в редакции газеты «Советская молодежь» (1946–1957), вступил в комсомол, работал в редакции журнала «Чертополох» (1957–1960). В 1980-х годах был одним из основателей Латвийского культурного фонда. В 1985 году ему было присвоено звание Народного писателя Латвийской ССР. В 1989 году вступил в Народный фронт. После восстановления независимости Латвии был первым председателем Латвийского совета радио и телевидения (1992–1995).

Зигмунд Скуиньш — самый переводимый писатель Латвии, его произведения изданы на других языках более чем в 7 миллионах экземпляров. Его первый рассказ появился в 1948 году, и с тех пор он опубликовал множество романов и сборников рассказов, а также несколько сборников эссе и воспоминаний. Его произведения часто адаптировались для сцены и экрана. Он также переведен на многие европейские языки (английский, французский, немецкий, русский, польский и многие другие). За роман «Kolumbamazdēli» («Внуки Колумба») получил Государственную премию СССР.

Народные писатели Якутии: Амма Аччыгыйа - Н. Е. Мординов, Кюннюк Урастыров - В. М. Новиков, Элляй - С. Р. Кулачиков, Суорун Омоллон - Д. К. Сивцев

• 1974
• Холст, масло. 145 х 253
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-1272

Для творчества якутского художника Афанасия Осипова характерно монументальное масштабное видение, широкая манера тонового письма, чистота и тональная согласованность цветов, жанровое разнообразие. В его полотнах впервые прозвучали многие темы: спорт, новостройки Якутии, проблема сохранения природы и другие.

Картина «Народные писатели» создана в 1970-х годах, когда в области портретного жанра на смену обобщенным характеристикам, исполненным социального пафоса, приходят более индивидуализированные и личностные образы. Работа представляет собирательный портрет или «хоровую» портретную композицию, где системообразующей темой является индивидуальная жизнь, но не отдельного человека, а группы, коллектива.

Амма Аччыгыйа, Кюннюк Урастыров, Эллэй и Суорун Омоллон изображены под кроной могучей лиственницы вокруг небольшого костра-дымокура. Долина реки Лены – Туймада, где стоит город Якутск, послужила фоном этого группового портрета. Здесь писатели ступили на широкую дорогу счастливой творческой судьбы, объединившись в крепкий союз. С колыбелью ассоциируется родная земля, сумевшая вскормить корни могучего древа национальной литературы. Чувство покоя рождает теплый и благородный колорит осеннего пейзажа.

Каждый из портретов в картине при безусловном внешнем сходстве наделен еще и своей живописной мелодией, убедительной пластической характеристикой, соответствующей основному складу его личности, творческой индивидуальности, темпераменту. В центре композиции изображены ведущие беседу Кюннюк Урастыров и Эллэй. Цветовая доминанта в живописной характеристике полотна принадлежит Эллэйу. Красный – символ боевой гражданственной поэзии, цвет новой эпохи. Эллэй ведет разговор, выразителен его жест рук. Поэту и олонхосуту Кюннюку Урастырову, чье творчество вырастает из корней народной культуры, художник отвел место у самого основания лиственницы, уподобленной Древу жизни. Диалог центральных героев обогащен характеристиками задумавшегося писателя Суорун Омоллона, ушедшего в свой внутренний мир, и внимательно, сосредоточенно смотрящего вдаль Амма Аччыгыйа. Пластические символы и метафоры не выглядят навязчивыми, они органичны для эпического по своему духу произведения.

Портрет Махмуда Эсамбаева

• 1974
• Бумага, литография. 90 х 69
• Музей Чеченской Республики, Грозный
• 1741

На картине представлен погрудный портрет известного чеченца Махмуда Алисултановича Эсамбаева (1924-2000).

Махмуд Алисултанович Эсамбаев (1924–2000) — советский чеченский артист балета, эстрадный танцовщик, хореограф, балетмейстер, актёр. Народный артист СССР и Киргизской ССР. Герой Социалистического Труда.

М. Эсамбаев изображен в костюме и в неизменной папахе на голове. По периметру изображены фигуры танцора в разных сценических образах.

Литография З-Б. Абоева «Портрет Махмуда Эсамбаева» была в числе других произведений, переданных в дар Музею Чеченской Республики в 2020 от Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» (более 200 произведений искусства: живопись, графика, скульптура и прикладное искусство).

Ранее работы принадлежали расформированному фонду Международной конфедерации союзов художников, все произведения искусств которого распределены среди российских музеев.

Портрет заслуженного работника культуры РСФСР, научного сотрудника Хакасского музея Альберта Николаевича Липского

• 1973
• Холст, масло. 105 х 95
• Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
• ХНКМ КП-4752

Альберт Николаевич Липский (1890–1973) - советский этнограф и археолог, специалист по этнографии коренных народов Дальнего Востока и археологии Южной Сибири, научный сотрудник Хакасского музея.

На картине хакасского художника Григория Хлебникова археолог изображен в профиль. С правой стороны изображено каменное изваяние с  личиной (это антропоморфное изображение лика, разделенного на 3 части, в верхней части – глаза, в средней – нос, и в нижней – рот, символизирует мир духов и людей). На заднем плане – стела «солнцеликое божество».  Стелу с изображением солнцеликого божества обнаружили при раскопках тагарского кургана недалеко от аала (поселения, стойбища) Анхаков Аскизского района Хакасии. Курган возвели примерно в VIII–II веке до нашей эры. Представленная каменная плита была частью его ограды. В Хакасский краеведческий музей ее доставил археолог и историк Альберт Липский в 1954 году.

В верхней части стелы изображено солнце с человеческими чертами лица, разделенное на две части горизонтальной линией. Поверхность лица книзу от этой черты выбита по всей плоскости мелким точечным узором. Оно схематично очерчено прямыми вертикальными линиями, в стороны расходятся 22 длинных луча с точками на концах. На туловище или одежде божества выбиты круги с точками в центре — символы вечного плодородия. Солнце считали создателем всего живого, защитником, оберегающим людей, особенно детей и женщин. Образ солнца был связан с женским началом, оно символизировало плодородие и богатство. Во время различных обрядов двигались «по солнцу», то есть по часовой стрелке. Богам молились, обязательно стоя лицом к солнцу.

Святослав Рихтер

• 1972
• Холст, масляно-восковая темпера. 214,0 х 130,0 см; 233,5 х 149,0 см (с рамой)
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-3148

Среди десятков портретов, запечатлевших в разные годы гения русского и советского исполнительского искусства Святослава Теофиловича Рихтера (1915–1997), полотно кисти Иосифа Серебряного, представленное сегодня в постоянной экспозиции Тверской областной картинной галереи, выделяется не только своей монументальностью, но и удивительным мастерством живописца, сумевшего передать страстный исполнительский темперамент маэстро.

За смелостью композиции и легкостью мазка скрываются долгие творческие поиски художника. Достичь портретного сходства для Серебряного – задача явно второстепенная. Гораздо важнее – уловить мгновение, в котором разом выразится вся суть рихтеровского дарования. Для этого нужно заставить портрет зазвучать. Но как это сделать? Художник работал над поиском решения не один год. Зная, что Рихтер не любит позировать, живописец наблюдал за ним издалека. Он старался не пропустить ни одного ленинградского концерта маэстро, собрал внушительную фонотеку его пластинок. Художник делает эскиз за эскизом, но не находит верного пути в создании образа. Пока однажды ему вдруг не представился случай увидеть игру Рихтера с необычного для простого зрителя ракурса – по ту сторону сцены филармонии.

Момент творческого озарения Серебряный вспоминает так: «... здесь вдруг увидел Рихтера необыкновенно собранным и мощным в своей монолитной компактности и какой-то особой скульптурной цельности. Так зародилась мысль портрета: черный силуэт фигуры на светлом фоне, экспрессивное движение, горизонтали сближенных «бронзовых» масс головы и рук – и под ними белая вертикаль клавиатуры».

Рихтер отрешен. Ничто не должно стоять между ним и музыкой. Отсюда низкий наклон головы, полузакрытые глаза, чрезвычайно напряженный, высокий, словно высеченный из камня лоб. Глядя именно на этот портрет выдающегося пианиста, вдруг понимаешь, что знаменитая цитата о нем из воспоминаний его учителя Генриха Нейгауза «... в его черепе, напоминающем куполы Браманте и Микеланджело, вся музыка, вся прекрасная музыка покоится, как младенец на руках рафаэлевской Мадонны» – здесь обретает настоящее визуальное воплощение.

Сознательно гиперболизируя образ музыканта, Серебряный уделяет особое внимание и изображению рук мастера. Чтобы передать точность исполнительского жеста пианиста, художник лепит из пластилина несколько объемных моделей и долго экспериментирует с ними, чтобы затем перенести на холст. Кажется, что музыка зарождается в кончиках пальцев маэстро еще до того, как они коснутся клавиш.

Это «портрет-мгновение», отразивший наивысшую степень мастерства Рихтера-интерпретатора, который, словно медиум, наполняет зал духом Шопена, Брамса или Вагнера и уносит слушателей за пределы концертной условности. Аскетичность колористического строя картины, быстрые и точные движения кистью – по живости и непосредственности манеры письма видно, что Серебряный был также глубоко захвачен процессом создания изображения, как и Рихтер моментом исполнения музыки. Нам кажется, что понять всю глубину замысла Серебряного-живописца можно, только слушая игру Рихтера-виртуоза. И сегодня у нас есть такая возможность. Достаточно сохранить в своем телефоне запись любого концерта маэстро, прийти в Восточную башню Тверского Императорского дворца, надеть наушники и смотреть, как оживает портрет под звуки музыки!

Портрет Саякбая Каралаева

• 1971
• Холст, масло. 123,5 х 99,5
• Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
• 4645-1439ж

Творческая личность Народного художника Киргизской ССР Суйменкула Чокморова развивалась в двух направлениях. Постоянно работая в различных жанрах живописи, он много и успешно снимался в кино. Как живописец, испытывал особый интерес к искусству портрета. Его модели – это в основном люди творчества. В портретах художник не только выразил характер человека, но и значительность его социальной судьбы. Самые близкие ему герои – это его родные, односельчане, друзья по искусству, люди, близкие ему по духу. Его произведения отличаются живописностью, изысканностью светлых, чистых цветов, оригинальной композицией.

Саякбай Каралаев (1894–1971) – кыргызский поэт-сказитель, Манасчы (сказитель киргизского эпоса «Манас»), Народный артист Киргызской ССР (1939), символ духовного величия кыргизского народа. (Подробнее см. статью в Википедии)

В творческом багаже художника несколько портретов выдающегося акына, сказителя Саякбая Каралаева, который охотно ему позировал. В портрете, написанном в 1971 году, Батыр сидит за столом в голубом чапане. Позади голубое небо и белые облака. Виден краешек скатерти с национальным узором. Но подробности не интересуют мастера – он работает над символом! Черты сказителя приобретают масштабность, и даже большой шрам на лбу начертан как печать избранности. Спокойный, величественный, устремленный вверх. Напряжение сжалось в кулак, в блеске глаз сквозит сакральное знание. Нечто невыразимое в облаках. Художник долго готовился к большой тематической картине. Искал, пробовал, работал дома у портретируемого. Этот портрет очень живописен, ярок. Чокморов убедительно воплотил внутренне наполненный поэтичный образ великого манасчи.

Портрет оперной и эстрадной певицы Р. Баглановой

• 1971
• Холст, масло. 150 х 120
• Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
• ИНВ 188

На картине известной казахской художницы Гульфайрус Исмаиловой изображена красивая молодая женщина, уже имеющая багаж жизненного опыта. Свет ее лучистых глаз и лучезарной улыбки преображает обстановку вокруг. Женщина по-царски грациозна и одновременно открыта.

Яркая, в богатом национальном костюме. Под камзолом шелковое платье с высокой горловиной. Голову украшает убор с соболиным отворотом. Густо украшенный перьями, он контрастирует с лицом и подчеркивает белизну кожи.

Завитки роскошных серег повторяют орнаменты на комзоле и создают детализацию на этом большом портрете. И завершает костюм красный прозрачный шарф. Он невесомо лежит на ее руках, составляя контраст сине-голубой палитре картины.

Полотно обрамляет декоративный элемент, напоминающий тканную ленту юрты. Он подобен арке и служит «второй рамой». Ее богатая цветовая гамма и сложная орнаментика дают щедрый объем и помещают портретируемую в камерную комнату.

Поэт П.А. Ойунский

• 1970
• Бумага, литография. 33 х 35
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• НХМ-10147

В среде якутских графиков Валериан Васильев оказался провозвестником литографии и, подарив ей пыл и вдохновение, за очень короткий срок сделал в этой новой для Якутии технике ряд превосходных эстампов. В литографии Васильев в еще большей степени, чем обычно, отталкивается от конкретных лиц, событий, фактов и сообщает им этико-философский поворот.

Не будет преувеличением сказать, что творчество основоположника якутской советской литературы Платона Алексеевича Ойунского и разносторонняя личность этого человека – поэта, ученого, видного общественного деятеля – красной нитью проходят через всю художественную судьбу Васильева. Еще до 1970 года художник не раз имел дело с иконографией Ойунского и создал его портрет для сборника «Песни свободы» и увенчавшийся удачей эскиз медали лауреата Якутской республиканской премии его имени (1966).

На литографическом портрете, как и в эскизе медали, художник изобразил Ойунского строго в профиль. Он создал своеобразный портрет поэта-гражданина, борца, в ком истово бьется нерастраченная сила духа. Нам передается как бы само движение его воли, его высоких сокровенных помыслов. Все это достигнуто автором без малейшей аффектации изображения. Скорее наоборот: в произведении внешне все выглядит очень сдержанно – и композиция с ее статичным квадратным форматом, и само изображение портретируемого, данное крупно на весь формат листа. Перед портретом поэта горит пламя вечной славы… Это портрет-памятник, торжественно поднятый над уровнем обыденности.

Платон Алексеевич Ойунский (Платон Алексеевич Слепцов;  1893 — 1939) — якутский советский писатель, учёный-филолог и общественный деятель, основоположник якутской советской литературы. Якутскую учительскую семинарию, которую окончил в 1917 году. В 1917—1918 годах учился в Томском учительском институте.

Член КПСС с марта 1918 года. В 1921 году председатель Губревкома Якутии, в 1922 году председатель Совнаркома, в 1923 году председатель Центрального Исполнительного Комитета Якутской АССР. В 1928—1931 годах — нарком просвещения и здравоохранения Якутии.

В 1935 году по его инициативе был создан НИИ языка и культуры при СНК Якутской АССР, где он был первым директором. В этом же году защитил в Институте национальностей (Москва) диссертацию на степень кандидата лингвистических наук. Член правления Союза писателей СССР в (1934—1938) годах Депутат Верховного Совета СССР 1-го созыва. Его рассказы, повести, драмы вошли в золотой фонд литературы народа саха.

В качестве этнографа собрал и подготовил к изданию якутские эпосы олонхо «Дьулуруйар Ньургун Боотур» (Нюргун Бо́тур Стремительный) и «Туналыйбыт ньуурдаах Туйаарыма Куо» (Прекрасная Туйа́рыма Куо). Переводил на якутский язык классику русской и мировой литературы.

Портрет Ш. Айманова

• 1969
• Холст, масло. 64 х 74,5
• Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы

В «Портрете Ш. Айманова» (1969) Народный художник Казахстана Сахи Романов изображает выдающегося национального актера и режиссера театра и кино Шакена Айманова (1914—1970), который работал в те годы над своим знаменитым фильмом «Земля отцов», ставшем одним из наивысших достижений всего казахского кинематографа XX века.

Основным принципом творчества Сахи Романова было достижение целостного живописного строя картины, в которой цветовой ритм является не вспомогательным, а ведущим средством выразительности, определяющим структуру всего произведения. В портрете, написанном Сахи Романовым, лицо человека будто сливается с окружающим его суровым ландшафтом обожженных солнцем скалистых гор. В полотне голубое небо с белыми летящими облаками вносит ощущение поэтичности и вечного движения жизни. В своих портретных произведениях Сахи Романов пытался выявить высокие нравственные и духовные качества в характерах своих персонажей. Подчеркнутая простота живописных средств, этюдность исполнения в портрете Ш. Айманова помогают выразить эпическое начало в личности выдающегося деятеля национальной культуры

Портрет режиссера Комиссаржевского В. Г.

• 1969
• Холст, масло. 120 х 140
• Музей Чеченской Республики, Грозный
• 1379

Картина Ростислава Вовкушевского «Портрет режиссера В. Г. Комиссаржевского» написана в 1969 году в типичной манере художника: декоративно, с четким силуэтом и локально насыщенным цветом.

На картине изображен Виктор Григорьевич Комиссаржевский (1912-1981) — советский и российский режиссёр театра и кино, театральный критик. Заслуженный деятель искусств РСФСР. С 1934 года — режиссёр Московского театра-студии под руководством Николая Хмелёва (с 1937 — театр имени Ермоловой).

Родственники и близкие портретируемого были тоже не менее известными: отец, Григорий Матвеевич Комиссаржевский, был оперным певцом, жена, Софья Ефимовна Сайтан, была актрисой театра и эстрады, заслуженной артисткой РСФСР.

Виктор Григорьевич Комиссаржевский изображен в интерьере, сидящим в кресле, с белым листом в руке. Художник мастерски передает творческое состояние режиссера с задумчивым взглядом, направленным вдаль,  размышляющим над новой работой.

Ростислав Иванович Вовкушевский относится к живописцам, которые в своем творчестве обращались к темам, созвучным советскому периоду, изображая деятелей  культуры и представителей интеллигенции не в парадных портретах, как веком ранее, а в более реалистичных образах, близких к народу.

Поэт Пичков

• 1968
• Картон, масло. 35,0 х 25,0
• Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
• Ж-160

Дмитрий Константинович Свешников в пятидесятые-шестидесятые годы ХХ века создает галерею замечательных портретов людей тундры. Свешников внимательно присматривается к своим героям. Как правило, он пишет их в привычной обстановке, находит выразительные ракурсы и позы, передающие настроение людей.

Перед нами портрет известного ненецкого поэта, писателя, журналиста Алексея Ильича Пичкова, который родился в Канинской тундре в 1934 году. В 1967 году был принят в члены Союза писателей РСФСР. Лауреат премии им. Н. М. Рубцова. Его имя в 2008 году присвоено Ненецкой центральной библиотеке. Поэтические произведения А. И. Пичкова отличаются тонким лиризмом, метафоричностью, глубоким знанием жизни, в них он постоянно воспевает просторы ненецкой земли.

Свешников  изобразил Алексея Ильича крупным планом, в задумчивой позе, свойственной для творческих людей. Художник специально не прорабатывает второй план, так как хочет, чтобы внимание зрителя было обращено на его гордый профиль, открытый лоб и взгляд, устремленный вдаль. Скорее всего, он в раздумьях о судьбе ненецкого народа, новых стихах, где героями его произведений будут простые охотники, рыбаки и оленеводы.

Портрет В. А. Пушкарева

• 1967
• Бумага, масло. 63 х 47,5
• Государственный Русский музей
• ЖС-1178

Пушкарев Василий Алексеевич (род. 1915) – искусствовед, музейный деятель, кандидат искусствоведения, директор ГРМ (1951–1977). Директор ЦДХ (1976–1986), ответственный секретарь МОСХ РСФСР (1987–1991), директор Музея современного искусства в Москве (с 1991). // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 32.

Портрет писателя Василия Белова

• 1967
• Холст, масло. 140,0 х 110,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-588

Белов Василий Иванович (1932–2012) – русский писатель, поэт, сценарист, один из крупнейших представителей «деревенской прозы». Жил и работал в Вологде. В 1966 году выходит в свет повесть «Привычное дело», принесшая ему широкую известность. С этого времени его считают одним из родоначальников и лидеров «деревенской прозы». Писатель и художник, автор портрета Николай Баскаков, были хорошо знакомы и разделяли взгляды на современную жизнь общества. Говорят, Белов слыл человеком со сложным характером, нелегко было терпеть его взрывной нрав. В вопросах творчества он был принципиален и жестко отстаивал свои взгляды, а вот в быту оставался неприхотлив и даже аскетичен. Именно эту простоту и прямоту выражает автор одного из ранних его портретов 1967 года и земляк – художник Николай Владимирович Баскаков.

Портрет поэта Александра Яшина

• 1966
• Холст, масло. 72,0 х 103,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-973

Яшин Александр Яковлевич (1913–1968) – известный советский прозаик, поэт, журналист, участник Великой Отечественной войны – был уроженцем Вологодской губернии и на протяжении всей своей жизни не забывал малую родину. Александр Яшин был одним из тех, кто стоял у истоков основания писательской организации в Вологде. По мнению его современника поэта Сергея Викулова, Яшин был самым вологодским среди всех вологодских поэтов. Не из-за того, что даже после переезда в столицу, «окал», а по той причине, что остался таким же доброжелательным, непосредственным и совестливым, каким может быть только житель русской северной деревни. Он опекал не только писателей Вологды, но был близок и дружен с вологодскими художниками. Дружеские отношения, в частности, связывали его с Владимиром Николаевичем Корбаковым.

Портрет поэта Александра Яшина (1966) художник писал с натуры, в один из приездов в Москву, когда тот был уже болен. 18 мая 1968 года, находясь в больнице в Москве, Александр Яшин послал письмо в Вологду своему другу, художнику Владимиру Корбакову: «Дорогой Владимир Николаевич. Спасибо за письмо. Я лежу, на этот раз очень всерьёз – нашли, наконец, мою болезнь. Было две операции, после чего со мной даже академик Блохин перестал быть доверчивым. Решаться ли сделать третью – неизвестно, у меня сил осталось мало. Спасибо тебе за дружбу, за счастье общения с тобой». Письмо это оказалось последним. 18 июня 1968 года поэт скончался в возрасте 55 лет от рака, в самом расцвете творческих сил. По завещанию, его тело перевезли в Блудново и похоронили на Бобришном Угоре, рядом с избой, которую он любил ещё и потому, что к её строительству приложил руки плотник и великий писатель Василий Белов.

Малевич Казимир Северинович

Живописец, график, художник театра, теоретик, педагог.

Родился в Киеве. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1904—1905) и студии Ф. И. Рерберга в Москве (1905–1910). Участвовал в выставках «Бубновый валет» (1910) и «Ослиный хвост» (1912). В 1910-х оформлял книги футуристов, принимал участие в постановке первой футуристической оперы "Победа над солнцем" (1913). Участвовал в организации общества «Супремус» (лат. — наивысший) и одноименного журнала (1916–1917). Был членом общества "Бубновый валет" (1911). В 1918 работал в Отделе ИЗО Наркомпроса. Преподавал в Государственных средних художественных мастерских в Москве (1918), директор Витебского художественно-практического института (1919–1922). В 1920 основал группу УНОВИС («Утвердители нового искусства»). Директор и профессор Государственного института художественной культуры в Ленинграде (1923–1927).

В 1927 совершил поездку в Варшаву и Берлин. В 1929–1930 преподавал в Киевском художественном институте. В 1932–1933 руководил экспериментальной лабораторией в Русском музее. Автор пейзажей, жанровых сцен, портретов, кубистических и беспредметных композиций, пространственных структур — «архитектонов» и «планит». Работал в области декоративно-прикладного искусства. Написал брошюры «От кубизма и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм» (1915), «Супрематизм» (1920), «Беспредметный мир» (1927) и другие теоретические исследования и статьи. Крупнейший представитель русского авангарда, основоположник теории супрематизма

Цыбасов Михаил Петрович

Живописец, график, иллюстратор, художник кино. Член объединения «Мастера аналитического искусства» (1926-1941). Участник выставок с 1927. С 1935 художник-постановщик киностудии «Ленфильм». Участник ВОВ. Жил и работал в Ленинграде. Родился в 1904 году в городе Великий Устюг Вологодской области. Здесь, на Русском Севере, прошли его детство и юность. В 1924 году приехал в Ленинград и поступил в Художественно-промышленный техникум, где учился у П. А. Мансурова и Н. И. Дормидонтова.

В 1926 году вошел в одно из крупнейших ленинградских объединений - «Мастера аналитического искусства» (Школа Филонова). На протяжении всех 15 лет пребывания в коллективе Цыбасов отличался особой преданностью учителю и неукоснительно следовал основным принципам системы аналитического искусства. Школу Филонова он признавал "единственной школой искусства". Но в отличие от Павла Филонова, для которого «анализ» был в основном самоцелью, Цыбасов использовал приемы аналитического искусства как средство достижения особой художественной выразительности своих работ.

В 1935 году, после исключения из Союза художников за «формализм», попробовал реализовать себя в качестве художника-постановщика на киностудии «Ленфильм». Совершил ряд творческих поездок в Карелию (1929-1931, 1934, 1936), на Северный Кавказ (1935), в Монголию (1940-1941). Принял участие в оформлении таких известных кинолент как «Музыкальная история» (1939-1940), «Антон Иванович сердится», «За Советскую Родину» (1937), «Год девятнадцатый» (1938). Со съемок кинофильма «Его зовут Сухэ-Батор» (1941) Михаил Цыбасов ушел на фронт.

Музею изобразительных искусств Республики Карелия принадлежит более восьмидесяти произведений художника, дающих представление о разносторонности и самобытности его творчества. Наряду с живописными полотнами в коллекции хранятся виртуозно исполненные по принципу «сделанности» акварели и рисунки, иллюстрации к книге «Калевала», вошедшие в первое советское издание 1933 года, а также работы, связанные с деятельностью художника на «Ленфильме».

Ефанов Василий Прокофьевич (Прокопьевич)

Живописец, график, педагог. Учился в 1917–1921 в Изостудии при Самарском университете, с 1919 в самарских ГСХМ; в 1921–1926 в Москве в «Студии на Тверской» у Д. H. Кардовского; в 1922 брал уроки у А. Е. Архипова. Участник выставок с 1927. Член СХ с 1932 (один из организаторов). Преподавал: 1948–1957 – МГХИ; 1959–1978 – МГПИ. В 1935–1938 участвовал в создании комплекса диорам и панорамы «Штурм Перекопа». Действительный член АХ СССР (с 1947). Профессор (с 1948). Народный художник СССР (1965). Лауреат Сталинских премий (1941, 1946, 1948, 1950, 1952). Серебряная медаль МК СССР (1958). Бронзовая медаль на Всемирной выставке в Брюсселе (1958).

Лактионов Александр Иванович

Живописец, график.

Учился: 1926-1929 - Ростовская ХШ у А. С. Чиненова; 1932 - 1938 - в ЛИЖСА у И. И. Бродского; 1939 - 1944 - там же в аспирантуре. Участник выставок с 1929. Преподавал: 1937 - 1938 - изостудия Дворца культуры им. С. М. Кирова; 193 - 1940 - ЛИЖСА; 1967 - 1970 - МГПИ (заочный). Профессор (с 1968). Народный художник РСФСР (с 1969), член-корреспондент В(Р) АХ (с 1949), действительный член В(Р) АХ (с 1958). Сталинская премия 1948 за картину "Письмо с фронта" (1947, ГТГ). Государственная премия РСФСР им. И. Е. Репина (1971) за портреты 1960-х годов.

Герасимов Александр Михайлович

Живописец, художник театра.

Учился в МУЖВЗ (1903–1915) у А. Е. Архипова и К. А. Коровина. Член АХРР (1925). Участник выставок с 1907: Товарищества независимых (1909–1911), "Свободное творчество“ (1911–1918), ТПХВ (1913–1915), АХРР (1925–1932), Всемирных в Нью-Йорке (1937), Брюсселе (1958 – золотая медаль) и других. Президент АХ СССР (1947–1957). Народный художник СССР, действительный член АХ СССР. От своих учителей, ведущих импрессионистов московской школы, он унаследовал любовь к широкой и темпераментной манере письма, к богатству золотистых охр, что соответствовало его импульсивной натуре.

Кончаловский Петр Петрович

Живописец, портретист, пейзажист, автор натюрмортов, картин бытового жанра.

Родился в Славянске (Харьковская губерния). Учился в Рисовальной школе в Харькове, в вечерних классах Строгановского центрального художественно-промышленного училища в Москве, в академии Р. Жюльена в Париже (1897–1898), затем в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств в Петербурге (1898–1905). Посещал занятия в мастерской К. А. Коровина в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (до 1909). Испытал влияние П. Сезанна.

В 1910-е годы художника привлекала грубоватая лаконичная живопись провинциальных вывесочников и яркие росписи трактирных подносов. Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой – вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах. И человека художник видел почти по-вывесочному огрубленно, цельно и мощно: «Портрет художника Г. Б. Якулова» (1910), «Семейный портрет» (1912), «Портрет матадора» (1913). 

Один из организаторов первой выставки «Бубновый валет» (1910), участник всех выставок одноименного общества (1912–1927). Член-учредитель общества «Московские живописцы» (1924–1925). В работах 1920-х исчезает «бубнововалетский» схематизм формы и цвета; живопись, оставаясь полнозвучной и яркой, обретает колористическую тонкость, сложное богатство переходов и внутренних контрастов холодного и жаркого цвета. Свой могучий живописный темперамент, радостное приятие жизни Кончаловский донес, сквозь все сложности жизни, до последних своих работ.

Во время Первой мировой войны в 1914-1917 годах находился на военной службе. В 1918-1921 годах преподавал в ГСХМ, которые были преобразованы во ВХУТЕМАС, затем во ВХУТЕИН в Москве, где был профессором в 1926-1929 годах. Был членом объединения «Бытие» (1921-1930). Действительный член АХ СССР (1947). За 60 творческих лет художник создал около двух тысяч полотен. Похоронен на Новодевичьем кладбище в Москве.

Корин Павел Дмитриевич

Российский и советский живописец, монументалист, мастер портрета, реставратор и педагог, профессор. Академик Академии художеств СССР (1958); Народный художник СССР (1962). Лауреат Ленинской (1963) и Сталинской премии второй степени (1952).

Будущий художник родился в семье потомственных иконописцев, учился в Палехской иконописной школе, после окончания которой был принят учеником в московскую иконописную палату Донского монастыря. Павел Корин окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, его учителями были Константин Коровин и Леонид Пастернак.

В послевоенные годы руководил реставрацией полотен Дрезденской галереи, возглавлял реставрационную мастерскую ГМИИ имени А. С. Пушкина. Во Владимирском соборе Киева реставрировал фрески и лично восстанавливал роспись Виктора Васнецова и Михаила Нестерова.

Рыбников Михаил Степанович

Родился и жил в Симферополе. Учился у Н. С. Самокиша. Работал художником артели «Крымхудожник». Во время Великой Отечественной войны находился в оккупации. В 1949 арестован и осуждён по обвинению в антисоветской деятельности. Приговорён к 25 годам исправительно-трудовых лагерей. Реабилитирован в 1999.

Работы находятся в Бахчисарайском историко-культурном и археологическом музее-заповеднике и в Симферопольском художественном музее.

Верейский Георгий Семенович

График, живописец; портретист, пейзажист. Учился на юридическом факультете в Харьковском университете (1904), в Санкт–Петербургском университете (1912); в студии Е.Е.Шрейдера в Харькове (1901–1905); в Новой художественной мастерской (1913–1916) у М.В.Добужинского, Б.М.Кустодиева, Е.Е.Лансере. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Действительный член АХ СССР (1949). В 1941 в Ленинграде участвовал в выпусках плакатов "Боевого карандаша", в 1942 создал серию портретов моряков Балтийского флота – Героев Советского Союза, рисовал на кораблях; за серию портретов деятелей советской культуры и науки (1944–1945) был удостоен Сталинской премии 2–й степени.

Николаев Ярослав Сергеевич

Живописец.

Учился: 1917 – студия К.К. Зеленевского, Томск; 1917–1918 – Томский университет, юридический факультет; 1925–1928 – ГХМ (студия И. Л. Копылова), Иркутск. Участник выставок с 1927. Член и экспонент: "общество иркутских художников" – 1920–1929; АХЗ – 1930–1932. Член ЛОСХ (с 1932, председатель правления – 1948–1951). Жил и работал в Ленинграде в годы блокады, создал ряд картин, посвященных героической обороне города. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1956), народный художник РСФСР (1975).

Серов Владимир Александрович

Живописец, график, педагог; автор историко–революционных и жанровых картин, портретов, пейзажей.

Учился в Весьегонской художественной студии у С.Я.Шлейфера; в Ленинграде во ВХУТЕИН–ИНПИИ (1927–1931) у И.И.Бродского, В.Е.Савинского, там же в аспирантуре (1931–1933) у И.И.Бродского. Председатель Ленинградского отделения Союза советских художников (1941—1948). Участник выставок с 1932. Академик АХ СССР (1954; член-корреспондент 1947). Народный художник СССР (1958). Лауреат Сталинских премий (1948, 1951). Первый секретарь правления Союза художников РСФСР (1960—1968).

В годы войны жил и работал в Ленинграде. Неоднократно выезжал на фронт и в прифронтовую полосу, сотрудничал в "Боевом карандаше". В 1943 году был эвакуирован в Самарканд.. 

Рянгина Серафима Васильевна

Живописец. Училась в мастерской Я. Ф. Ционглинского (1910–1912); ВХУ при АХ (1912–1918); ВХУТЕМАС (Петроград, 1921–1923) у Д. Н. Кардовского. Участник выставок с 1924.

Орешников Виктор Михайлович

Живописец, автор жанровых, историко-революционных картин, портретов, натюрмортов, пейзажей. Учился в Перми в 1918 в частной ХШ И. И. Туранского, в 1919–1924 в Высших свободных художественных мастерских; в Петрограде–Ленинграде в 1924–1927 на живописном факультете ВХУТЕИН, в 1933–1936 в аспирантуре ИНПИИ. Участник выставок с 1933. Член СХ с 1932. Кандидат искусствоведения (1943). Доктор искусствоведения (1948). Профессор (1949). Член-корреспондент АХ СССР (1948), действительный член АХ СССР (1954). Народный художник РСФСР (1956), народный художник СССР (1969), лауреат Государственных премий (1948 и 1950).

Сысоев Николай Александрович

Живописец. Заслуженный художник РСФСР (1983). Народный художник Российской Федерации (2000). Родился 21 декабря 1918 в селе Сланское Лебедянского уезда Тамбовской губернии (ныне Липецкая область) в крестьянской семье. В родном селе, окончил четыре класса начальной школы, а затем вместе с мамой Верой Епифановной (отец погиб в Гражданскую войну) переехал в Москву.

С детства талантливый мальчик мечтал стать художником. В 1938 успешно окончил Московское областное художественное педагогическое училище изобразительных искусств памяти восстания 1905 года, в 1948 – Московский государственный художественный институт имени В. И. Сурикова, был в числе выдающихся студентов. За отличную учёбу был награждён поездкой в Дом творчества «Академическая дача» имени И. Е. Репина и принят в Союз художников СССР.

С 1943 стал постоянным участником Всесоюзных, республиканских и московских художественных выставок, где его произведения вызывали неизменный интерес публики, а персональные выставки становились событием: Москва (1979, 1980, 1988, 2002), Ленинград (1981), Тверь (1981), Липецк (1990, 2001).

С 1980 он вместе с женой, художницей Ниной Васильевной Скорубской, стал регулярно приезжать на малую родину, продолжая творчески работать. Также вместе они занимались и общественной деятельностью. В 1987 основали в посёлке Лев Толстой народную картинную галерею, которая с 1997 носит имя художника.

Заслуженный художник РСФСР (1983). Народный художник Российской Федерации (2000). Почетный гражданин поселка Лев Толстой (1987). Картины художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном историческом музее, Центральном музее им. В. И. Ленина, Тверской картинной галерее, Тульском музее изобразительных искусств.

Денисовский Николай Фёдорович

Советский художник-живописец, график, сценограф, карикатурист, плакатист, член Союза художников СССР, заслуженный художник РСФСР. Автор портретов и пейзажей, плакатов Окна ТАСС. Выпускник Императорского Строгановского Центрального художественно-промышленного училища (Московская государственная художественно-промышленная академия имени С. Г. Строганова), ученик академика С. В. Ноаковского, живописца Д. А. Щербиновского, графика и сценографа Г. Б. Якулова (1911–1919). Стоял у истоков организации крупных творческих объединений московских художников: ОСТ («Общество станковистов») и ОМХ «Общество московских художников» (1919–1923).

Мирзезаде Беюкага Мешади оглы

Азербайджанский художник, профессор, Заслуженный деятель искусств Азербайджанской ССР (1960). Народный художник Азербайджанской ССР (1967).

Родился 21 февраля 1921 в Баку. В 1939 окончил Бакинский художественный техникум, где одним из его учителей был Азим Азимзаде. В 1940 поступил в Московский художественный институт, но не смог окончить обучение из-за начавшейся Великой Отечественной войны. В последующие годы учился в Азербайджанском государственном университете культуры и искусства. После окончания образования работал преподавателем в Бакинском художественном техникуме, а также художником. Был заведующим кафедрой в Азербайджанском государственном университете культуры и искусства и профессором Азербайджанской художественной Академии. Лауреат государственной премии Республики Азербайджан. Художник неоднократно выставлялся в Советском Союзе и за его пределами.

Произведения художника хранятся и экспонируются в Азербайджанском государственном музее искусств в музее Азербайджанской литературы имени Низами Гянджеви и в Бакинском музее современного искусства.

Работал как театральный художник, автор сценического оформления для 20 спектаклей. Лауреат государственной премии Азербайджанской республики. Художник неоднократно выставлялся в Советском Союзе и за его пределами.

Награды: Орден «Слава» (1998) — за заслуги в развитии изобразительного искусства;

Орден Трудового Красного Знамени (1981);

Орден «Знак Почёта» (1959).

Заслуженный деятель искусств Азербайджанской ССР (1960). Народный художник Азербайджанской ССР (1967).

Государственная премия Азербайджанской ССР имени Узеира Гаджибекова (1967).

Кузнецов Павел Варфоломеевич

Живописец, график, театральный художник, монументалист, педагог.

Родился в Саратове, в семье иконописца. В 1891–1896 занимался у В. В. Коновалова (Саратов). Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. А. Серова и К. А. Коровина (1897–1904). Испытал большое влияние В. Э. Борисова-Мусатова. Организатор выставок «Алая роза» (1904) и «Голубая роза» (1907). В 1906 по приглашению С. П. Дягилева ездил в Париж, где посещал частные художественные студии. Пожизненный член парижского «Осеннего салона». Совершил поездки в Заволжские степи (1911–1912) и  Среднюю Азию (1912–1913). 

Основная тенденция в ранний период творчества – от импрессионизма к символизму. Художник стремился обрести язык, который мог бы отобразить не столько впечатления зримого мира, сколько состояние души («Утро», «Голубой фонтан», обе 1905; «Рождение», 1906, и др.). Картины «Киргизской сюиты» знаменуют высший расцвет таланта художника («Спящая в кошаре», 1911; «Стрижка овец», «Дождь в степи», «Мираж», «Вечер в степи», все 1912). В те же годы создал ряд натюрмортов. Исполнил эскизы росписи Казанского вокзала в Москве («Сбор плодов», «Азиатский базар», 1913–1914, остались неосуществленными). В 1914 сотрудничал с А. Я. Таировым в первой постановке Камерного театра – спектакля «Сакунтала» Калидасы. Эти опыты повлияли на станковую живопись, которая все больше тяготела к стилистике монументального искусства («Гадание», 1912; «Вечер в степи», 1915; «У источника», 1919–1920; «Узбечка», 1920; «Птичница», начало 1920-х, и др.).
В годы революции принимал участие в оформлении революционных празднеств, в издании журнала «Путь освобождения», вел педагогическую работу. В этот период создал новые вариации восточных мотивов, отмеченные воздействием древнерусской живописи; к числу его лучших произведений относятся портреты Е. М. Бебутовой (1921–1922); тогда же им были изданы литографские серии «Туркестан» и «Горная Бухара» (1922–1923). Член общества «Мир искусства», председатель общества «Четыре искусства» (1924–1931).
Заведовал секцией живописи в отделе изобразительного искусства Наркомпроса (1919–1924), преподавал в художественных школах и институтах Москвы (1918–1948, с перерывами). В 1925–1929 совершил поездки художника в Крым и на Кавказ. В эти годы обращался к темам труда и спорта. В поздние годы преимущественно был занят пейзажем и натюрмортом.

Черкасский Абрам Маркович

Родился 8 июля 1886 года в г. Белая Церковь (Украина). В 1909 окончил Киевское художественное училище. В 1917 – Высшее художественное училище при Императорской Академии художеств, учился у Я. Ционглинского, Г. Залемана. 1935–1937 преподавал в Киевском художественном институте. Преподавал в Алматинском художественном училище им. Н. В. Гоголя в 1941-1958. Участник выставок с 1910. Член СХ СССР с 1934. Жил и работал в Алма-Ате с 1941. Народный художник КазССР.

Абдуллаев Микаил Гусейн

Азербайджанский, советский художник-живописец, график, монументалист, сценограф, педагог. Народный художник СССР (1963).

Родился 19 декабря 1921 года в Баку. В 1935‑1939 учился в Азербайджанском художественном техникуме (ныне Художественное училище имени Азима Азимзаде) у С. Б. Бахлулзаде, в 1939‑1949 ‑ в Московском художественном институте им. В. И. Сурикова у С. В. Герасимова, В. В. Фаворской, И. И. Чекмазова.

В 1941‑1943 годах преподавал в Азербайджанском художественном училище им. А. Азимзаде, с 1965 ‑ в Азербайджанском институте искусств им. М. А. Алиева. Профессор (1973). В 1970‑1975 годах руководил творческой мастерской живописи Академии художеств (Баку).

Работал в жанре пейзажа, портрета, натюрморта. В творчестве преобладают лирические темы. Автор картин «Вечер» (1947), «Огни Мингечаура» (1948), «Строители счастья» (1951), «Индийская серия» (1957—1960), «Столетний резчик А. Бабаев» (1961), «Девушки Хачмаса» (1982), серии рисунков «За рекой Аракс» (1950), иллюстраций к эпосу «Китаби Деде-Коркут» (1956) и поэме «Лейли и Меджнун» (1958).

Творчество было тесно связано с литературой. Создал портреты многих писателей, деятелей искусства. Среди них такие работы, как «М. Горький в 1928 году в Баку»(1950), «Узеир Гаджибеков» (1944), «Самед Вургун» (1944, 1959, 1975), «М. Ф. Ахундов»(1962), «Имадеддин Насими» (1973), «Пианист Ф. Бадалбейли» (1975).

Большой вклад внёс в книжную графику, создал иллюстрации к произведениям Низами, Физули, Вагифа, М. Ф. Ахундова, А. Алескера, М. Э. Сабира, Дж. Джаббарлы, С. Вургуна, Р. Рзы.

В 1956‑1971 путешествовал по Индии, Афганистану, Польше, Италии и другим странам. Создал портреты И. Ганди, Р. Гуттузо, М. Моравиа, Дж. Манцу. За живописный цикл «По Индии» в 1970 индийским правительством награжден золотой медалью и дипломом лауреата Международной премии имени Джавахарлала Неру.

Работал также в области монументального искусства и театрально-декорационной живописи. Оформил зал станции метро «Низами Гянджеви», где создал мозаичные панно на основе сюжетов произведений Низами и сам портрет Низами. Также оформил гостиницу «Апшерон» и дворец «Гюлистан».

Персональные выставки проходили в Дели, Лондоне, Монреале, Москве и ряде других городов мира. Работы экспонировались на зарубежных выставках в Праге (1957), Пекине (1958), Брюсселе (1958), Белграде (1959), Париже (1960), Берлин (1963).

Автор книг «Воспоминания об Италии» («Итальянские впечатления», Баку, 1958), «Глазами бакинца» (Баку, 1962).

Действительный член Академии художеств СССР (1988, член-корреспондент (1958)).

Нурмухаммедов Нагимбек Джелалэддинович

Живописец, Народный художник Казахской ССР.

Родился 6 ноября 1924 года в ауле Сайтанды Баян-Аулский района Павлодарской области. В 1942 окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя. Ушел добровольцем на фронт. После войны окончил  среднюю художественную школу при Всероссийской Академии художеств. В 1947—1953  учился в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина в Ленинграде под руководством профессора Р. Р. Френца, специализируясь на батальной живописи. 1961 – творческая аспирантура в мастерской А. Герасимова АХ СССР. Участник выставок с 1950. Член СХ СССР с 1954. Жил и работал в Алма-Ате с 1953. Лауреат Государственной премии КазССР им. Ч. Валиханова. Кандидат искусствоведения. Участник ВОВ. Награжден двумя орденами «Знак Почета» и медалями СССР.

Яр-Кравченко Анатолий Никифорович (Кравченко Анатолий Николаевич)

Живописец, график; автор жанровых картин, портретов, пейзажей, иллюстратор книг. «Яр» в фамилии художника появилось в конце 1920-х по предложению поэта Н. А. Клюева. Учился с 1921 у В. Ю. Рябчевского в с. Святошино на Украине; в середине 1920-х в студии Буравкова в Киеве; до 1925 на подготовительных курсах при Киевском художественном институте; в Ленинграде в 1931 в студии В. Е. Савинского; в 1932–1938 в ИЖСА. Участник выставок с 1936. С 1951 секретарь Оргкомитета СХ СССР. В 1972–1977 председатель правления Всесоюзного общества филателистов.

В годы ВОВ сотрудничал в газете «Атака», окончил войну в Берлине лейтенантом авиации. В 1943 организовал Творческое объединение ленинградских художников-фронтовиков, тогда же их выставка прошла в Ленинграде и в Москве. Награжден орденом ВОВ 2-й степени, двумя орденами Красной Звезды, медалями «За победу над Германией», «За оборону Ленинграда». В 1947 выпустил альбом литографий «Галерея советских писателей». Народный художник РСФСР (1969), заслуженный деятель искусств Литовской ССР. Сталинская премия 2-й степени (1947).

Летом 1941 ушёл добровольцем на фронт. Служил в авиации маскировщиком в летных частях, оборонявших Ленинград, стрелком-радистом на пикирующих бомбардировщиках, художником редакции армейской газеты, где печатались  рисунки художника, портреты Героев Советского Союза тиражировались в виде открыток.

После окончания войны при поддержке Государственного Литературного музея приступил к созданию портретного цикла выдающихся советских писателей (всего им было создано их более 300).

Апанович Виктор Антонович

Живописец, график, педагог. Заслуженный деятель искусств УССР. Член Союза художников СССР. В 1945 окончил Киевский государственный художественный институт. В 1950 -Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина (мастерская Б. Иогансона). Жил и работал в Симферополе. Преподавал в Крымском художественном училище им. Н.С.Самокиша. Иллюстрировал детские книги. Участник художественных выставок с 1953 года.

Козлов Тимофей Павлович

Живописец, педагог. Член Союза художников. Заслуженный художник РСФСР. В 1929–1932 учился в Омском художественно-промышленном техникуме им. М.А.Врубеля на живописно-педагогическом отделении у Е.А.Клодта, С.Я.Фельдмана, К.П.Трофимова, в 1933–1937 в Одесском художественном училище на живописном факультете у А.А.Шовкуненко, Д.К.Крайнева, Л.Е.Мучника, Ю.Р.Бершадского. Преподавал рисунок и живопись в Омском художественно-промышленном училище. В 1939–1943 – председатель правления Омской организации СХ. Директор Омского художественно-промышленного училища в 1940–1941. В 1941–1943 – заведующий мастерской по выпуску агитплакатов «Окна ТАСС» и «Окна ОмССХ. Работал в кооперативном товариществе «Художник», был уполномоченным ХФ СССР по Омской области. В 1953–1971 – художник Омского отделения ХФ СССР. Участвовал в организации ДХШ № 1 г. Омска. Участник выставок с 1939 года.

БАРАНЧЕЕВ Михаил Сергеевич 

Живописец, график. Член Союза художников СССР. Учился в изостудии Серпуховского Дома пионеров у А.А.Бузовкина; в 1946–1947 – в Московском художественном училище; в 1947–1953 – в Московском художественном институте им. В.И.Сурикова у профессоров Ф.А.Модорова и Д.К.Мочальского. Одновременно работал в студии военных художников им. М.Б.Грекова. Член СХ СССР с 1961. С 1953 года постоянно жил в Архангельске. В 1960–1962 один из организаторов и первый директор Архангельского областного музея изобразительных искусств. Участник художественных выставок.

Жилинский Дмитрий Дмитриевич

Живописец, монументалист, график.

Учился в Московском институте прикладного и декоративного искусства, далее МИПИДИ (1944–1946), в Московском институте изобразительных искусств, далее МГХИ им. В. И. Сурикова (1946–1951) у Н. М. Чернышева, С. А. Чуйкова, П. Д. Корина, В. Н. Яковлева, А. М. Грицая. Пользовался советами Фаворского. Участник выставок с 1954. Преподавал в МГХИ им. В.И. Сурикова (1951–1974), в МПИ (с 1974). Член Союза Художников с 1956. Состоял в редколлегии журналов «Творчество» (1965–1995), «Юный художник» (с 1990). Народный художник РФ (1987), действительный член Российской Академии художеств (1995).

Безумов Александр Николаевич

Живописец, график. Член Союза художников СССР (1962). Заслуженный деятель искусств Коми АССР (1976). Участник Великой Отечественной войны. Родился 26 сентября 1926 в с. Великовисочное Архангельской области. В 1933 переезжает в Нарьян-Мар. В 1943, не окончив школу, уходит добровольцем на фронт. Войну закончил в Берлине, был награжден семью медалями.

В 1950, после демобилизации, Безумов возвращается в Нарьян-Мар, работает инструктором Ненецкого окружного комитета ВЛКСМ (1950-1951). В 1951 становится студентом Ленинградского Высшего художественно-промышленного училища им. В. И. Мухиной. В 1958, написав дипломную работу – роспись павильона «Советский Север» – Безумов заканчивает факультет монументально-декоративной живописи по классу профессора П. Д. Бучкина. В июне 1958 работа экспонировалась в музее ЛВХПУ им. Мухиной на выставке произведений в честь Первого Ленинградского фестиваля искусств. Участник выставок с 1959. Член СХ СССР с 1962.

В коллекции Ненецкого краеведческого музея хранится 37 произведений А. Н. Безумова. Жил и работал в Сыктывкаре. Ушел из жизни 17 июля 1982 года.

Кириллов Алексей Игнатьевич

Живописец. Автор тематических картин, портретист, пейзажист, заслуженный художник России. В 1947 году окончил Московский Государственный Художественный Институт им. В. И. Сурикова.

Ильябаев Давид Ядидияевич

Родился в 1924 в Самарканде, в семье бухарских евреев. В 1930 семья переехала в новую столицу Таджикистана Сталинабад (с 1961 – Душанбе). В 1936 он стал победителем республиканской детской художественной олимпиады и с тех пор был незаменимым художником в своей школе. Отслужив в армии, в 1945 едет в Москву и поступает на художественный факультет Всесоюзного государственного института кинематографии (ВГИК) который оканчивает с отличием в 1951. Его учителями были такие выдающиеся мастера живописи как Богородский, Пименов, Шпинель, Мясников, Богданов и другие. В 1966 за выдающийся вклад в развитие искусства Таджикистана был удостоен почетного звания «Заслуженный деятель искусств». На протяжении всей творческой жизни его работы постоянно экспонировались на республиканских, всесоюзных и международных выставках в Душанбе, Москве, Монреале, Брюсселе, Улан-Баторе, Багдаде и Лейпциге.

Нечитайло Василий Кириллович

Живописец; автор жанровых картин, портретов, пейзажей. Учился в Краснодарском художественном техникуме (1931–1935) у Н. Д. Шарикова, М. В. Ружейникова; в МИИИ–МГХИ (1936–1942) у С. В. Герасимова, И. Э. Грабаря, Н. Х. Максимова, М. Ф. Шемякина. Участник выставок с 1939. Член МОСХ (с 1944).

Иогансон Борис Владимирович

Живописец, график, искусствовед. Народный худож­ник СССР (1943), действительный член Академии художеств СССР (1947), Герой Социа­листического Труда (1968). Вице-президент (с 1953), президент (1958–1962) Академии ху­дожеств СССР. 1-й секретарь правления Союза художников СССР (1965–1968). Учился: 1912–1913 – классы Келина; 1913–1918 в МУЖВЗ у Н.А.Касаткина, К.А.Коровина, А.Е.Архипова. Участник выставок с 1914. Преподавал в ЛИЖСА (1937–1961), МХИ (с 1964). Член АХРР (с 1922) . В 1949–1962 руководил творческой мастерской АХ СССР в Ленинграде, 1962–1968 – в Москве. Директор ГТГ (1951–1954); Лауреат Сталинской премии 1941, 1951. Один из ведущих представителей социалистического реализма в живописи.

Большая роль принадлежит Б.В. Иогансону в становлении и жизни Академии художеств. Уже в 1947, при организации Академии художеств СССР, он был избран ее действительным членом и вошел в Президиум. В 1953 году стал вице-президентом Академии, а с 1958 по 1962 занимал пост президента. Иогансон отдавал все силы этой работе, используя свой талант организатора, энергичность, жизненный опыт, решал множество вопросов, как кадровых, так и хозяйственных.

Попов Петр Макарович

Родился 22.01.1926 года в Тюмени. Участник Великой Отечественной войны.  В 1946 году окончил Алма-Атинское художественное училище имени Н. В. Гоголя, учился у А. Черкасского. В 1953 году окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, учился у И. Серебряного, Ю. Непринцева, Р. Френца. Участник выставок с 1950 года. С 1967 года член Союза художников СССР. С 1938 года жил и работал в Алма-Ате.

Порет Алиса Ивановна

Живописец, график, художник книги, автор монументальных росписей. Училась в Анненшуле (училище Св. Анны); 1917–1919 – Рисовальная шкаола ОПХ; 1921–1925 – ВХУТЕМАС (Петроград-Ленинград) у А. И. Савинова, К. С. Петрова-Водкина. Участник выставок с 1925. Член и экспонент: «Круг художников» – 1926; Мастера Аналитического искусства – 1926–1941.

Работала в Детском отделении Госиздата (под руководством В. В. Лебедева); в журналах «Чиж» и «Еж».

Около двух лет работала на ЛФЗ им. М. В. Ломоносова. В Торговой палате (книжные и торговые знаки) – с 1924. Принимала участие в коллективных работах филоновцев: создание панно для Дома печати («Нищие или Люмпен-пролетарий»; – 1927; оформление карело-финского эпоса «Калевала» (издательство «Academia») – 1932–1933; иллюстрировала детские книги (более 40) – с 1927; несколько совместных работ с Т. Н. Глебовой, в том числе 16 совместно оформленных книг – 1926–1933. Автор первых иллюстраций к русскому переводу «Винни-Пуха». Дружила с Д. И. Хармсом – 1928–1933; опубликовала «Воспоминания о Данииле Хармсе» – 1980. Жила в эвакуации в Свердловске – 1942–1945; в Москве с 1945. Живопись первой половины XX века (Н-Р). СПб, 2013. С. 111.

Китаев Ахмед Ибадуллович

Живописец, педагог. В 1940-1944 учился в МСХШ. В 1950 окончил МГХИ им. В.И.Сурикова по мастерской Г.Г.Ряжского. Участник художественных выставок с 1950, член СХ.

Корбаков Владимир Николаевич

Живописец. Наиболее яркий представитель изобразительного искусства Вологодской области XX века. В период своего становления он был близок живописи «сурового стиля» 1960-х. В 1970-1980-е сформировалась индивидуальная творческая манера художника, основанная на экспрессивно-романтическом видении мира в технике фактурной многослойной живописи.

Родился в деревне Казариново Сокольского района. Детство и юность художника прошли в Вологде, а первое знакомство с искусством – в школьные годы. После учебы знаменитый земляк трудился, воспитывался в студии при Союзе художников. Отточив навыки, молодой талант устроился на работу в мастерскую.

В период Великой Отечественной войны добровольцем ушел на фронт. Можно сказать, оформление армейской стенгазеты стало первым шагом на пути к насыщенной жизни. За боевые заслуги он получил ряд медалей и орденов. После тяжелого ранения вернулся домой. Страсть к творчеству привела его в Московское художественное училище инвалидов ВОВ. В трудных условиях послевоенного времени он наверстывал упущенное время: читал книги по искусству и философии и много работал. Свою разбитую на фронте правую руку художник разрабатывал волевой тренировкой. Неоднократно участвовал в местных выставках.

В этот же период поступил в МГАХИ им. Сурикова, который закончил с отличием. А в конце 1950-х, когда приехал в Вологду, вступил в ряды Союза художников. Новому поколению художников было суждено изменить творческую жизнь города.

Еще в студенческие годы был неизменным участником московских молодежных выставок. Во время Всемирного фестиваля молодежи и студентов в 1957 активно работал в международной студии художников. В этот период раскрылся колористический дар мастера.

Живопись для Корбакова, по словам его друга, искусствоведа и художника Льва Дьяконицына, – «нетерпеливое, взволнованное познание мира, азартная борьба с белой немотой холста, пока не разгорится и не зазвучит на нем красочная симфония».

Был инициатором и руководителем череповецкой творческой группы. Можно смело сказать, что он стал летописцем Череповецкого металлургического комбината, за что был удостоен звания Почетного металлурга. Его идея создания творческих бригад получила широкое распространение по стране. В 1972 присвоено звание Заслуженного художника РСФСР.

Спустя 26 лет получил еще один статус - Народного художника России. Работал почти во всех жанрах живописи, исходя, прежде всего, из желания выразить волнение души и передать яркие, необычные зрительные впечатления. Является почетным гражданином города Вологды и Сокольского муниципального района.

Творчество В. Н. Корбакова никого не оставляет равнодушным – о нем спорят, пишут и критикуют. Он всегда был смелым новатором, дерзким и страстным искателем новых путей обновления художественного языка современного искусства.

За семьдесят лет плодотворной работы мастер подарил миру множество картин. Творческие планы всегда были неразрывно связаны с событиями, происходящими в стране, будь то ее прошлое или настоящее. Художник работал в технике масляной живописи в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта, занимался графикой, рисунком, акварелью. Его произведения по сей день экспонируются на всех крупных выставках в России и за рубежом.

Баскаков Николай Владимирович

Советский живописец, педагог. Родился 23 июня 1928 в городе Кадникове Сокольского района Вологодской области. В 1945 уезжает учиться в Московское художественное училище «Памяти 1905 года». Затем учился в Московском государственном художественном институте имени В. И. Сурикова (1950–1956). По возвращении на родину, обосновался в Вологде, где возглавлял Вологодское отделение Союза художников РСФСР (1961–1964).  С 1961 член Союза художников СССР.

Основу творчества художника составляют портреты современников, пейзажи Вологды и ее окрестностей. Его работы находится в Вологодской областной картинной галерее, Вологодском государственном историко-архитектурном и художественном музее-заповеднике, в фондах Галереи современного искусства «Красный Мост» и в частных собраниях России.

Свешников Дмитрий Константинович

Живописец. Автор тематических и жанровых композиций, пейзажист, портретист. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР. Член-корреспондент Академии художеств СССР. Награжден медалями Министерства культуры СССР, Всемирной выставки в Брюсселе. Почетный гражданин г.Нарьян-Мара. В 1932–1937 учился в Ленинградском художественно-педагогическом училище. Председатель правления архангельского товарищества «Художник», Архангельского отделения Союза художников РСФСР, член редколлегии журнала «Художник», член правления Союза художников РСФСР. Участник выставок с 1940 года.

Вовкушевский Ростислав Иванович

Родился 1917 года в Полоцке. В 1925 году переехал в Ленинград, в 1936 году поступил на архитектурный факультет Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры. В 1949 году был принят в Ленинградский союз советских художников. Преподавал в Высшем художественно-промышленном училище имени В. И. Мухиной (1949 — 1959). 

Писал натюрморты, портреты, пейзажи, жанровые композиции, работал в технике станковой и монументальной живописи. Для творческой манеры Ростислава Вовкушевского характерно использование приемов декоративной живописи с присущей ей четкостью силуэта, локальным и насыщенным цветом, несколько условным рисунком и композицией. Большое внимание уделял ритмической организации холста, используя приемы легкой деформации объемов и пространства.

Романов Сахи Иванович

Казахстанский график, живописец, художник кино. Родился 1 августа 1926 года в Казалинском районе Кзыл-Ординской области, потерял родителей и два года воспитывался в детском доме. Учился в Московской художественной школе. В 1955 окончил художественный факультет ВГИК, учился у Ф. С. Богородского, Ю. И. Пименова, Г. М. Шегаля. Участник выставок с 1949. Член СХ СССР с 1958. Жил и работал в Алма-Ате с 1955. Народный художник Казахской ССР с 1981. Работал на студии Казахфильм, был художником-постановщиком многих кинокартин, что отразилось и на его станковых произведениях. Оформил фильмы: Крылатый подарок, 1957; Дорога жизни, 1961; И в шутку, и всерьез, 1963; Следы уходят за горизонт 1965; Крылья песни, 1967.

Награжден Орденом Знак почета, Орденом Трудового Красного Знамени и Орденом Парасат. Работы художника находятся в ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева и других музеях республики.

Живопись Романова энергична, многокрасочна и эффектна, отмечена печатью самобытности и образной яркости. Его портреты – это, прежде всего, выражение стремления человека к действию, воплощение внутреннего упорства, твердости характера. Даже в самых внешне спокойных по композиции изображениях человека он выделяет скрытую напряженность чувств. Творчество художника является значительным вкладом в сокровищницу изобразительного искусства Казахстана.

Васильев Валериан Романович

График. Лауреат Якутской республиканской премии в области литературы, искусства и архитектуры им. П. А. Ойунского. Член союза художников СССР с 1964 года.

Родился 23 июня 1938 года в Якутске. Окончил в 1962 году факультет промышленных искусств Московского высшего художественно-промышленного училища (бывш. Строгановское), где учился у В. Е. Егорова и Б. Н. Ланге. Участник выставок с 1963 года. Его работы в основном посвящены Якутии.

Умер 4 декабря 1970 года в Якутске. За свою короткую жизнь создал произведения, ставшие шедеврами якутского изобразительного искусства. Один из мастеров, кто закладывал основы книжной графики Якутии.

В 1999 году учреждена независимая общественная премия имени Валериана Васильева для молодых художников Якутии.

Исмаилова Гульфайрус Мансуровна

Казахстанский театральный художник и живописец, актриса кино, Заслуженный деятель искусств Казахстана (19б5), Народный художник Казахской ССР (1987).

Родилась 15 декабря 1929 года в Алма-Ате. В 1944 окончила Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя, училась в мастерской A. Черкасского. Окончила Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Репина, училась на театрально-декорационном отделении живописного факультета у М. Бобышова (1950–1956). Жила и работала в Алматы. Преподавала в художественном училище (1956–1957). Работала в области театрального искусства, станковой живописи, кино. Член Союза художников Казахстана (с 1957). 

Снялась в 7 полнометражных художественных фильмах. С 1958 трудилась в Казахском академическом театре оперы и балета, с 1971 по 1977 занимала должность главного художника. Художник-постановщик фильма Султана Ходжикова “Кыз-Жибек”, получившего на V Всесоюзном кинофестивале приз за лучшее художественное оформление. Автор около 100 портретных и живописных произведений.

Характерная особенность многих ее произведений – декоративность, столь созвучная традициям казахской художественной культуры. Участница выставок в Казахстане, России, ГДР, Англии, Югославии, Италии, Испании, Японии, Франции. Творчество Исмаиловой — одна из наиболее ярких страниц в развитии изобразительного искусства Казахстана. Произведения украшают коллекции ведущих казахстанских и российских музеев.

Лауреат Независимой Общенациональной премии «Тарлан». Награждена Орденами Дружбы народов, «Знак Почета», «Парасат».

Чокморов Суйменкул

Художник, портретист, актер кино. Народный артист СССР (1981). Народный художник Киргизской ССР (1990). Лауреат Государственной премии Киргизской ССР имени Токтогула Сатылганова (1980) – за актерские работы в кино.

Родился 9 ноября 1939 в селе Чон-Таш Кантского района Киргизской ССР. В 1958 окончил Фрунзенское художественное училище. В 1964 окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (мастерская Е. Е. Моисеенко и П. Ф. Фомина). После его окончания некоторое время проработал преподавателем живописи и композиции во Фрунзенском художественном училище.

С 1968 член Союза художников СССР. С 1971 член Союза кинематографистов СССР. Награждён Почётной грамотой Верховного Совета Кыргызской ССР.

Творческая личность художника развивалась в двух направлениях. Постоянно работая в различных жанрах живописи, он много и успешно снимался в кино. Как живописец, он испытывал особый интерес к искусству портрета. Его модели – это в основном люди творчества. В портретах художник не только выразил характер человека, но и значительность его социальной судьбы. Самые близкие ему герои – это его родные, односельчане, друзья по искусству, люди, близкие ему по духу. Его произведения отличаются живописностью, изысканностью светлых, чистых цветов, оригинальной композицией. Под впечатлением встреч и бесед с известными деятелями мирового кино, им написаны портреты японского кинорежиссёра Акиры Куросавы и итальянской актрисы Моники Витти.

Более 400 работ художника хранятся в Кыргызском национальном музее изобразительных искусств им. Айтиева. Большинство из них посвящены известным личностям – деятелям культуры и искусства, политикам и общественным деятелям.

Серебряный Иосиф Александрович

Живописец, график; автор пейзажей, портретов, натюрмортов, жанровых картин. Учился в Полтавской художественной   студии (1922–1923) у М.М.Гужавина; в ЛХТП (1924–1927) у А.А.Рылова, во ВХУТЕИН ИНПИИ (1927–1931) у В.В.Беляева, А.А.Рылова, М.П.Бобышова, В.Е.Савинского, Участник выставок с 1925. Во время войны жил и работал в Ленинграде. В январе–феврале 1943 был командирован на партизанскую базу в районе Ладожского озера и на один из прифронтовых аэродромов, где создал серию портретов летчиков и партизан.

Хлебников Григорий Семёнович

Родился в деревне Ново-Троицкая Ермаковской волости Енисейской губернии. Участник Великой Отечественной войны. Не имел специального художественного образования, однако с 1969 активно участвовал в художественных выставках разного уровня. В 1975 был принят в Союз художников РСФСР. Член Союза художников СССР. Работал в жанре портрета, пейзажа, натюрморта, тематической картины. 

Основной темой его живописных полотен были люди и природа Хакасии. Увлекался индустриальным пейзажем, изучением археологических древностей. В годы интенсивного строительства находился в гуще событий, тема новостроек находит отражение в его картинах, где показана человеческая общность труда.

Абоев Заур-Бек Петрович

Советский художник-график, иллюстратор, Член Союза художников СССР, Заслуженный деятель искусств России, Народный художник Северной Осетии. Родился в горном селении Зарамаг Горно-Алагирского района Северной Осетии. Окончив восемь классов, поступил на художественно-графическое отделение Осетинского педагогического училища и окончил его с отличием в 1951 году.

Стремление получить высшее художественное образование привело его в Цхинвальское художественное училище, где он более основательно подготовился к поступлению в институт. Поступив на пятый курс училища, Абоев окончил его с отличием и в 1952 году, успешно сдав приемные экзамены, поступил в Московский полиграфический институт, где его учителями стали – по рисунку и композиции профессор А. Д. Гончаров, по живописи профессор И. И. Чекмазов.

Заур-Бек Абоев сотрудничал с издательствами «Детская литература», «Молодая гвардия», «Советский художник»; иллюстрировал и оформлял книги; автор политического плаката «Пусть торжествуют идеи программы мира! 1975. Хельсинки» (1976; художники З. П. Абоев, Д. И. Агаян, Ю. И. Степанов).

Осипов Афанасий Николаевич

Живописец. Действительный член Российской академии художеств, народный художник СССР, заслуженный деятель искусств Якутской АССР, лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е.Репина, лауреат премии Ленинского комсомола Якутии, Президент, действительный член Академии духовности Республики Саха (Якутия). Член Союза художников России с 1956 года.

Родился 28 февраля 1928 года во Втором Эргитском наслеге Западно-Кангаласского улуса, впоследствии вошедшем в Горный улус. После окончания Московской средней художественной школы при Институте имени В. И. Сурикова, в 1949 году продолжил учебу в самом вузе, который завершил в 1955 году (мастерская профессоров П. П. Котова, Ф. П. Решетникова). В 1955-1957 годах преподавал в Якутском художественном училище. В 1994-2004 годах – профессор Якутского филиала Красноярского художественного института, ныне художественный факультет Арктического института культуры и искусства. В 1956-1991 годах – член правления Союза художников СССР. С 1968 года – председатель выставочного комитета региона «Дальний Восток». Награжден орденом Трудового Красного Знамени, орденом «Знак Почета» и многими медалями. Почетный гражданин Республики Саха Якутия). Участник выставок с 1955 года. Cкончался в 2017 году в Якутске.

Земзарис Улдис Екабович

Советский и латвийский художник, писатель и сценограф. Родился в Меллужи, дачном посёлке, входящем в состав города-курорта Юрмалы, в семье торгового работника и учительницы. Учился в Пумпурской школе, окончил Дубултскую гимназию (1945), Рижскую художественную школу им. Я. Розентала (1953) и художественное отделение Латвийской государственной академии художеств (1955).С 1952 года принимал участие в художественных выставках, в том числе проводил персональные в Москве, Риге, Сиднее, Оттаве, Нью-Йорке. Про Улдиса Земзариса снят документальный фильм «Человек входит в радугу» (режиссер А. Фрейманис, 1962). Был сценографом постановок пьес «По дороге китов» Гунара Приеде (1965), «Бидерман и поджигатели» Макса Фриша (1965) и «Снимается кино» Эдварда Радзинского (1966) в Государственном академическом художественном театре им. Я. Райниса.

Назаренко Татьяна Григорьевна

Заслуженный художник России, действительный член Академии художеств, профессор. 1962–1968  учеба в МГАХИ им. В.И. Сурикова (преподаватели: А.М. Грицай,  Д.Д. Жилинский). Занималась также в творческих мастерских Академии художеств СССР (1969–1972), где ее наставником был Гелий Коржев. Лауреат Государственной премии Российской Федерации (1994). 

Родилась в Москве в семье кадрового военного. Окончила Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова (1968), где училась, в частности, у Дмитрия Жилинского. Занималась также в творческих мастерских Академии художеств СССР (1969–1972), где ее наставником был Гелий Коржев. Лауреат Государственной премии Российской Федерации (1994). Живет в Москве.

Завоевала официальное признание произведениями, как будто вполне отвечающими традиционным представлениям об идеологически выдержанной «тематической картине», однако уже в них проявилась характерная для ее искусства театрализация и смысловая многослойность образов. Мотивы народного гуляния и «посиделок в мастерской» – лукаво-ироничны, либо поэтико-созерцательны. Это приметы «карнавализма» – стилистической тенденции 1970–1980-х годов, выразившей процесс размывания и, в конечном счете, исчезновения границ между «официальным» и «неофициальным» творчеством. С 1996 она часто придает своим образам трехмерность, дополняя или заменяя свои полотна комбинациями силуэтных фигур натурального размера, как бы вышедшими из картины в реальный мир.

Рельеф «Слава труду»

• 2007–2009
• Фарфор, формовка. диаметр – 32,5 см
• Егорьевский историко-художественный музей
• КС. 1423

Декоративная фарфоровая тарелка с рельефом «Слава труду» создана в московской мастерской Клименкова по мотивам рисунков Александра Самохвалова из серии «Девушки Метростроя», выполненной в 1930-е годы и посвященной строительству Московского метрополитена.

Рельеф «Слава труду»

• 2007–2009
• Фарфор, формовка. диаметр – 32,5 см
• Егорьевский историко-художественный музей
• КС. 1424

Декоративная фарфоровая тарелка с рельефом «Слава труду» создана в московской мастерской Клименкова по мотивам рисунков Александра Самохвалова из серии «Девушки Метростроя», выполненной в 1930-е годы и посвященной строительству Московского метрополитена.

В засолочной

• 1986
• Картон, масло. 80х100
• Приморская государственная картинная галерея (Владивосток)
• Ж-2047

Тематическое полотно художника Николая Волкова «В засолочной», посвященное рыбацкому труду, отличается оригинальной композицией, светлой, колоритной живописью и оптимизмом. Тема созидательного труда и человека труда была ведущей в советском изобразительном искусстве.

Земля

• 1985
• Алюминий, гранит, литье. 30 х 31 х 31
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• С-114

В композиции «Земля» марийского скульптора Анатолия Александровича Ширнина удачно найдена поза молодой крестьянки. Упругость фигуры и энергичные движения придают образу одухотворённость, поэтизируют труд.

Свидетельница веков

• 1985
• Холст, масло. 150 х 200
• Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
• ИНВ 283

Центральную часть картины казахского художника Сахи Романова занимает распаханное поле. Возле трактора вглядываясь вдаль стоит девушка – механизатор. В правой части работы художник изобразил каменного истукана – бал-бала и окраину молодого города. Город изображен на стыке слияния весеннего неба и поля. Живопись Романова энергична, многокрасочна и эффектна, отмечена печатью самобытности и образной яркости. Портрет девушки – это, прежде всего, выражение стремления человека к действию, воплощение внутреннего упорства, твердости характера. Даже в самых внешне спокойных по композиции изображениях человека художник выделяет скрытую напряженность чувств.

Здравствуй, Волга

• 1984
• Холст, масло. 146 х 188
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-287

Заслуженному деятелю искусств Марийской АССР Алексею Ивановичу Бутову поездки на Волгу дали материал для новых полотен. В картине «Здравствуй, Волга» мы видим с каким энтузиазмом рабочие исполняют свои обязанности. Элементы индустрии гармонируют с естественной природной средой.

Возрождение Сталинграда

• 1983
• Холст, масло. 223,5 х 165,0
• Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
• СЖ-1318

Центральной темой в творчестве волгоградского художника Александра Денисова была тема войны, исторической памяти, связи поколений. Произведения «Выстояли», «Весть о Победе», «Возвращение», написанные после окончания института, получили признание, участвовали в республиканских выставках. В последующие годы художник продолжал работать над серией полотен, посвященных событиям Великой Отечественной войны и Сталинградской битвы. В работах этой серии можно выделить документальную точность воспроизведения событий на фоне конкретных пейзажей, портретность персонажей, драматизм восприятия происходящего. При этом художнику удаётся создать общее романтически приподнятое и просветлённое звучание полотен. Через всё творчество Александра Денисова проходит тема женской красоты и молодости.

Уроженец волгоградской земли Денисов изобразил героями картины «Возрождение Сталинграда» мужественных тружеников, отстраивающих город. Через оконный проем нового здания зрителю видны городские руины и один из символов разрушенного Сталинграда – мельница Гергардта, которые вскоре скроются за фасадами новой жизни. Тема мирного труда очень близка художнику, так же как и военная тематика. «Возрождение Сталинграда» – произведение, которому автор придает и определённое символическое звучание.

Девушка хлебороб

• 1983
• Картон, масло. 122 х 80
• Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
• Ж-1194

Стремление Петра Оссовского раскрыть образы степного Алтая и людей, живущих на его территории, нашло отражение в триптихе художника «Алтай» (1983). Первая поездка Оссовского на Алтай состоялась в 1957 году. Тогда, находясь в Каменском районе Алтайского края, он впервые увидел бескрайние алтайские степи и могучую сибирскую реку Обь. Именно тогда им были сделаны этюды, которые затем, спустя годы, легли в основу триптиха «Алтай», занявшего центральное место на крупномасштабной республиканской выставке «Нивы Алтая» (Москва, Барнаул. 1983).
Избранная Оссовским тема «земля и люди» развивается художником в трех самостоятельных сюжетах триптиха, объединенных общей идеей и связанных единым пластическим решением.

Триптих Петра Оссовского посвящен алтайским полям, труженикам, возделывающим землю. Выполнен в специфике «сурового стиля».

Сварщики

• 1983
• Шамот. 44,0 х 36,0 х 20,0
• Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
• Инв. №9712-522-с

Советское искусство отличает внимание к простому народу. Тема рабочего и работницы – основа для декоративной, талантливо выполненной скульптурной композиции «Сварщики» (1983) работы киргизского скульптора Дуйшона Жолчуева. Сварщик в маске напоминает фантастическое существо, помощница без маски (нарушение правил техники безопасности) отвернула лицо, чтобы не повредить глаза. Две фигуры на ступеньках с двух сторон, посередине изгибается трубопровод. Здесь и суровый стиль 1970-х, и декоративность 1980-х.

Докеры Находки

• 1981
• Холст, масло. 108х160
• Приморская государственная картинная галерея (Владивосток)
• Ж-766

Картину «Докеры Находки» приморский художник Юрий Резниченко создал в начале 1980-х годов. В порту перевалкой грузов занимаются докеры; на полотне-ноктюрне «Докеры Находки» композиция из трёх мужских фигур заключена в треугольник. В трактовке народных типажей, высвеченных лучами прожектора, прослеживается аллегория трёх возрастов человека: в центре импозантный докер в самом расцвете сил, по сторонам от него – «матёрый» с папиросой в натруженной руке и выразительной улыбкой – и «зелёный», оттеснённый за спину центрального докера.

Печь

• Из серии «Атоммаш». Ростов-на-Дону
• 1981
• Бумага, цветная литография. 26,5 х 30,5
• Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
• 202 ИЗО

Художник из Ростова-на-Дону Николай Семенкин в 1981 году выполнил серию литографий, посвященных «Атоммашу» — крупнейшему в СССР производственному объединению атомного энергетического машиностроения. Предприятие, введенное в эксплуатацию в 1978 году, расположено в городе Волгодонск Ростовской области.  Оно является одним из основных поставщиков оборудования для предприятий атомной промышленности, нефтегазового комплекса, тепловой энергетики.  Строительство завода было объявлено Всесоюзной ударной комсомольской стройкой. В Волгодонск начали приезжать специалисты и молодёжь по комсомольским путёвкам, стали прибывать первые стройотряды.  Для производственной деятельности предприятия были построены автомобильные и железные дороги, создано авиационное сообщение. 

«В годы десятой пятилетки на Донской земле развернулась гигантская стройка уникального завода Атоммаш, который будет производить тепловые реакторы для атомных электростанций Советского Союза и братских социалистических стран. Осенним утром 1974 г. в степи близ Волгодонска были вбиты в землю первые колышки, оградившие 600 га площади будущего гиганта. … В канун открытия XXVI съезда партии, в феврале 1981 г., изготовлен корпус первого Донского реактора. Рядом с заводом на берегу Дона вырастет город-спутник.» Подробнее об «Атоммаше» см. статью в Википедии.

Термическая обработка

• Из серии «Атоммаш». Ростов-на-Дону
• 1981
• Бумага, цветная литография. 26,5 х 30,5
• Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
• 203 ИЗО

Художник из Ростова-на-Дону Николай Семенкин в 1981 году выполнил серию литографий, посвященных «Атоммашу» — крупнейшему в СССР производственному объединению атомного энергетического машиностроения. Предприятие, введенное в эксплуатацию в 1978 году, расположено в городе Волгодонск Ростовской области.  Оно является одним из основных поставщиков оборудования для предприятий атомной промышленности, нефтегазового комплекса, тепловой энергетики.  Строительство завода было объявлено Всесоюзной ударной комсомольской стройкой. В Волгодонск начали приезжать специалисты и молодёжь по комсомольским путёвкам, стали прибывать первые стройотряды.  Для производственной деятельности предприятия были построены автомобильные и железные дороги, создано авиационное сообщение. 

«В годы десятой пятилетки на Донской земле развернулась гигантская стройка уникального завода Атоммаш, который будет производить тепловые реакторы для атомных электростанций Советского Союза и братских социалистических стран. Осенним утром 1974 г. в степи близ Волгодонска были вбиты в землю первые колышки, оградившие 600 га площади будущего гиганта. … В канун открытия XXVI съезда партии, в феврале 1981 г., изготовлен корпус первого Донского реактора. Рядом с заводом на берегу Дона вырастет город-спутник.» Подробнее об «Атоммаше» см. статью в Википедии.

Новостройка Хакасии – ТЭЦ

• 1980
• Холст, масло. 70 х 110
• Хакасский национальный краеведческий музей имени Л. Р. Кызласова, Абакан
• ХНКМ КП-5130/23

На переднем плане картины Василия Новосёлова, много лет прожившего в Абакане, изображена степь, заросшая густой растительностью. Посреди степи – курганы с каменными плитами. На заднем плане запечатлен процесс строительства ТЭЦ. Изображены строительные вышки, краны и другая техника на фоне голубого неба.

Строительство Абаканской ТЭЦ началось в 1972 году с сооружения производственного корпуса котельной. В 1982 году ТЭЦ была введена в эксплуатацию.

Происхождение: Документы и подарки трудящимся Хакасии в честь 50-летия Хакасской автономной области.

Поднимем из руин наш родной Зугрэс!

• 1980
• Бумага, офорт. 49,0 х 76,5
• Художественный музей «Арт-Донбасс», Донецк

Офорт донецкого художника Григория Домненко, созданный в 1970-е годы прошлого века, изображает один из эпизодов восстановления Донбасса после освобождения от немецко-фашистской оккупации в годы Великой Отечественной войны. Название офорта художник вписал в свою графическую работу: на полуразрушенной стене промышленного здания мы видим красный плакат с призывом: «Поднимем из руин наш родной Зугрэс!». Это единственное цветовое пятно, акцент, направляющий внимание зрителя и не оставляющий сомнений в главной идее произведения.

Если говорить о технике, то офорт привлекал многих величайших мастеров, возможно, из-за того, что автором на всех стадиях остается сам художник. Здесь художник-график совмещает работу рисовальщика, гравёра и печатника, рисунок на металлической пластине в зеркальном виде точнейшим образом при печати переходит на бумагу. Не устоял перед магией офорта и прекрасный рисовальщик Григорий Домненко, выбрав эту лаконичную, но выразительную технику для большой серии работ, посвященной боевым и трудовым подвигам советского народа.

Зугрэс был построен как рабочий поселок в 1929–1932 годах, в связи со строительством там Зуевской ГРЭС. Ее возведение дополняло план ГОЭЛРО советского правительства. В конце августа 1943 года убегающие оккупанты взорвали часть объектов электростанции с оборудованием. Восстановление ГРЭС началось сразу же после освобождения Зугрэса советскими войсками. Первая турбина была запущена уже в 1944 году. Этот титанический труд с напряжением всех сил мастерски передает художник в двух фигурах на переднем плане. Люди с нечеловеческим усилием при помощи нехитрых подручных средств пытаются поднять огромный поверженный механизм. Ни у героев этой битвы с «железным титаном», ни у художника, ни у зрителя нет сомнений, что задача будет выполнена!

Бригада Л.П. Балахоновой, Лауреат премии Комсомола Мордовии

• 1979
• Холст, масло. 186 х 208
• Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
• Ж 1451

Творческий союз Народных художников Республики Мордовия братьев Шадриных получил раннее признание за создание картины «Бригада Л. П. Балахоновой» (1979), которая экспонировалась на нескольких выставках и была отмечена центральным телевидением (программа «Время»), в печати (газета «Советская Россия»), Дипломом Союза художников РСФСР. В «Бригаде Балахоновой» обозначаются черты, которые характеризуют дальнейшее творчество художников: нравственный пафос идеи, несущей в себе метафору гражданской и личностной миссии человека, реалистическая убедительность героев, трезвый анализ окружающего с неизменной лирической интонацией.

«Бригада Л. П. Балахоновой» — это групповой портрет в рамках сюжетной картины. На полотне изображена знаменитая в Мордовии бригада маляров СУ №4 Саранского домостроительного комбината. Холст еще сохраняет отдельные принципы картины 1960-х годов, что выражается в особом притчевом предстоянии героинь, в величавом течении времени, в «планетарности» пространства. Композиция строится по кругу: повторяющиеся круги группы стоящих девушек на первом плане и следов от машин на заснеженном поле второго плана подчеркнуты полусферой линии высокого горизонта с рядом домов и работающих людей и техники. Кажется, что маляры стоят на краю земного шара и по-деловому решают проблемы Вселенной. Центром группы является бригадир Л. П. Балахонова, энергично и бойко объясняющая девчатам задание на сегодня. Взгляды всех участниц сконцентрированы на ней, и лишь девушка, стоящая в центре полотна позади бригадира, смотрит прямо на зрителя. Таким образом, круг, очерченный взглядами героинь, замыкается на зрителе, вовлекая его в действие картины, делая его сопричастным происходящему. Сопричастность подчеркнута автопортретом Владимира Шадрина, позирующего в роли шофера слева у грузовика на втором плане. Авторы создают образ праздничности будничного труда, показывая природную силу и красоту человека, реализующегося в созидании. Полотно «Бригада Л. П. Балахоновой» производит впечатление фрески. В нем пластично воссоздана атмосфера гармонии и ясности отношений между людьми, утверждается определенный этический идеал современности. В образном строе картины все выверено и все поэтически преображено художниками. Их привлекают нюансы переживаний каждого отдельного персонажа и в то же время духовная общность этих людей. Мастера обращаются непосредственно к трудовому сюжету современности, но в нем сокрыта огромная эпическая сила.

В страдную пору. Жатва окончена

• 1979
• Холст, масло. 98,0 х 200,0
• Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
• Ж-134

Основным жанром в творчестве Олега Бернгарда стал живописный пейзаж. У него были достойные учителя, среди которых – Леонард Туржанский, признанный мастер пейзажа лирического направления. У него Бернгард учился понимать цвет, чувствовать природу, выбирать натуру. В 1979 году появляется живописная композиция «В страдную пору. Жатва окончена». В ней автор не ограничивается изображением природы. На фоне любимого им пейзажа он выводит на передний план образ главного героя картины – немолодого комбайнера. Сельскохозяйственный рабочий, занятый на уборке зерновых, изображен неподалеку от своей машины, на которой нарисованы пять красных звезд. В 60-х годах прошлого века в советских колхозах и совхозах существовала традиция таким образом отмечать передовиков производства. Так, каждая полученная тысяча тонн зерна обращалась в красную звезду на сельхозтехнике.

Художник героизирует образ комбайнера с помощью композиционных особенностей, подчеркивает значимость человека труда через масштаб его фигуры и уверенную позу хозяина земли. На втором плане художник изображает сам процесс уборки зерновых, его завершающую стадию, как следует из названия полотна. По золотистому полю двигаются комбайны, напоминающие СК-4 – без крытой кабины для водителя. Рядом едет ЗИЛ, в кузов которого сыплется зерно.

Красивый золотисто-охристый колорит полотна не только передает атмосферу погожего солнечного дня, но и символизирует результат единения созидательных сил человека и могучей природы – богатый урожай.

Судоверфь имени Парижской Коммуны

• 1979
• Холст, масло. 200 × 250
• Ярославский художественный музей
• Ж-1960

До сих пор остается загадкой, какое место изображено на полотне «Судоверфь имени Парижской Коммуны» азербайджанского художника Мирнадира Зейналова. В республиках СССР существовал один завод по строительству и ремонту кораблей с таким названием – на левом берегу Волги, в 70 км от Нижнего Новгорода. С другой же стороны, одноименное место находилась и в дружественной Польше. Гдыньская судоверфь имени Парижской коммуны строила танкеры и рудовозы для стран социалистического блока. В любом случае, работа над произведением шла не на месте событий, а, судя по надписи на обороте, в Баку.

Графично, угловато изображенная судоверфь похожа на конструктор из пирса и кораблей. Однако это не просто мир вещей. Перед зрителем открывается целый организм с особым биоритмом, а оборудование на переднем плане – его алеющее сердце с венами, клапанами. Жизнь судоверфи обеспечивает слаженная работа, в которой тоже есть свой ритм: пока рабочие-сварщики заняты, у матроса есть время для перекура.

Многими годами позже в интервью художник скажет: «Я всю жизнь пытаюсь уйти от предметности». Со временем любимым жанром Зейналова станет абстрактная живопись, из-под его кисти будут появляться работы совсем другого толка. Однако яркие светящиеся оттенки останутся фирменной карточкой работ мастера.

Уралмаш. Работает бригада Л. Н. Гречихина

• 1979
• Холст, масло. 63,5 х 75,5
• Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
• Ж-132

Небольшая живописная композиция уральского художника Александра Бурака «Уралмаш. Работает бригада Л.Н. Гречихина» принадлежит к циклу его работ, созданных на Уралмашзаводе (Уральском заводе тяжелого машиностроения, УЗТМ) – одном из крупнейших машиностроительных предприятий уральского региона.

Введенный в эксплуатацию в 1933 году, завод стал одним из главных производителей оборудования для горнодобывающего комплекса, металлургии, цементной промышленности, энергетической отрасли, производил подъемно-транспортное и другое оборудование. За трудовые достижения в разные десятилетия был награжден орденами Ленина, Октябрьской революции, Красного Знамени, Трудового Красного Знамени и другими.

Александр Бурак немало картин посвятил труженикам Уралмаша, запечатлев их в рабочих цехах за работой. Он пристально вникал в особенности изображаемых им производственных процессов, уделяя внимание каждой детали и при этом сохраняя умение видеть картину в целом. Законченные живописные полотна рождались на основе эскизов и этюдов, выполненных художником непосредственно на заводе.

В посвященной бригаде Гречихина композиции художник изображает сцену в заводском цехе. На переднем плане двое молодых рабочих в защитных касках склонились над конструкцией, установленной на металлической подставке. Далее, в том числе слева в глубине цеха, изображены работники цеха, занятые другими операциями. Художник внимательно и подробно воспроизводит внешний вид цеха и особенности заводского оборудования.

Вольск индустриальный

• 197
• Холст, масло. 133 х 100
• Вольский краеведческий музей
• ВКМ 13808

В городе Вольске с 1896 по 1914 годы было построено 4 цементных завода. Используя наличие природных ресурсов и удобное географическое положение, Вольск стал одним из центров цементной промышленности в России. Цемент нарекут «серым золотом», а цементное производство на многие десятилетия превратится для Вольска в градообразующее. Высокие дымящиеся трубы цементных заводов по сей день – неотъемлемая часть вольского пейзажа. Огромные самосвалы перевозят сырье для производства так нужного стране цемента.

На переднем плане изображена дорога, по которой двигаются большегрузные самосвалы, легковые и грузовые автомобили. По краям от дороги видны меловые откосы. В центре композиции открывается панорама цементного завода "Большевик" с дымящимися трубами. Вдали виднеются очертания меловых гор и серое небо над ними, а в ложбине за краем ближнего холма – расположен сам город.

Трудовые будни

• 1970-е (?)
• Холст, масло. 150 х 121
• Вольский краеведческий музей
• ВКМ 11999

Самый горячий интерес вызывали у вольского художника Николая Савельева земляки, люди, живущие рядом, занятые делом. У любого города есть своя главная профессия. Определяется она наиболее развитой отраслью народного хозяйства. В городе Вольске это цементные заводы.

Для искусства середины XX века характерен индустриальный пейзаж. Живописное полотно «Трудовые будни» посвящено этой теме. Цементный завод «Большевик» (бывший завод Санкт-Петербургского товарищества для производства Глухоозерского портландцемента) был заложен в 1896 году и в июле 1897 года пущен в эксплуатацию. Печи для обжига клинкера были шахтными. Мощность завода в период пуска составляла 150 тыс. бочек (24,6 тыс. тонн) цемента в год. В годы индустриализации и первых пятилеток цемент завода шел на крупнейшие в стране стройки – ДнепроГЭС, Кузнецкстрой, Магнитострой, Беломоро-Балтийский канал, Московский метрополитен, канал «Москва-Волга».

На картине изображены трубы завода «Большевик» с клубящимися парами белого дыма. На переднем плане изображена заводская обочина, заваленная строительным мусором и поросшей редкой травой. В центре композиции изображена группа рабочих, толкающих по рельсам небольшую платформу; за ними виден идущий по соседней железнодорожной ветке паровоз. Весь дальний план занимает панорама цементного завода, с силуэтами работающих людей.

Ночная вахта

• Из серии «Газопровод Надым – Пунга»
• 1977
• Бумага, линогравюра. 48,0 х 68,0
• Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И. С. Шемановского, Салехард
• ЯНМ-1137/1

Время активного освоения недр северной земли и строительства объектов нефтегазовой промышленности приходится на 1970-е годы.  Строительство газопровода Уренгой – Надым – Пунга – Ухта – Грязовец было самым масштабным проектом того времени.

На листе «Ночная вахта» (из серии «Газопровод Надым – Пунга») работы сибирского художника-графика Генриха Засекина изображен один из этапов этой стройки – монтаж труб, осуществлявшийся круглосуточно.

Рабочий день на БАМе

• 1977
• Холст, масло. 135х150
• Приморская государственная картинная галерея (Владивосток)
• Ж-719

Среди работ приморского художника Владимира Снытко есть множество пейзажей, жанровых композиций, портретов. Несколько наивные ранние этюды сменяются патриотичной серией о быте рыбаков на Чукотке и Курилах. Эти картины отличаются реалистичностью, суровым колоритом. Сюжеты произведений овеяны романтикой великих строек, научных открытий, созидательного труда, молодости, силы и энергии. Стремление к чётко сформулированному живописному высказыванию рождает впечатление завершённости и внутренней весомости.

Строительство Байкало-Амурской магистрали имело беспрецедентный общественный резонанс в 1960-е–1970-е годы. Великой стройке и строителям художники посвятили множество прекрасных произведений. Динамическая и экспрессивная композиция картины «Рабочий день на БАМе» тяготеет к монументальности, являет яркий и запоминающийся образ большого общего дела. Основной мотив и цветовая доминанта – разъезжающиеся в противоположные стороны невероятной мощи огромные самосвалы; на первом плане, справа, расположены четыре высокие сваи и фигуры рабочих.

Страда

• 1977
• Холст, масло. 124,0 х 100,0
• Вологодская областная картинная галерея
• Ж-760

Тема родной земли, бескорыстного крестьянского труда, сильных людей, связанных с землёй, веры отцов, отчего дома стала духовно-нравственным стержнем жизни и творчества Заслуженного художника РСФСР Джанны Таджатовны Тутунджан. 

Труд – подлинный герой картин автора, и секрет этого лежит в самом творческом методе художника. Ее композиции и портреты – плод глубокого и тщательного изучения натуры, знания и любви к выбранной теме, любви постоянной и верной. Особо примечательно, что в полотнах художника нет персонажей, скучающих и не занимающихся делом.

Ода труду пропета художником в работе «Страда» 1977 года, где острый, всепроникающий взгляд молодого человека с утрированно большими натруженными руками надолго остается в памяти зрителя. Картине присуща особая метафоричность образного воплощения замысла, которую не следует путать с иносказанием. Стиль мастера немногословен и адекватен мощной натуре, и именно поэтому произведение требуют вдумчивого, постепенного вглядывания и сопереживания. Работы, созданные художником на вологодской земле, исполнены благодарности простым труженикам, веры в их мужество и духовные силы.

Урожай

• 1977
• Холст, масло. 120,3 х 147,0
• Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
• 7210-2057ж

Для картины «Урожай» (1977) работы известного киргизского живописца Абдрая Осмонова характерна повышенная декоративность цвета. В ней сочетается как бы два жанра: пейзаж и тематический сюжет – широкое яркое поле и работающие люди. Вместе с тем главной темой композиции является не бытовой жанр – группа людей на первом плане, а тема летней природы, решенной с большой правдивостью благодаря точно найденным масштабным соотношениям всех планов картины.

На сплаве

• 1976
• Холст, масло. 81,5х89
• Национальная галерея Республики Коми, Сыктывкар
• Ж1690

Народный художник Республики Коми Анатолий Копотин родился в Вологодской области. После учебы в Ивановском художественном училище приехал в Сыктыквар. Работает  в жанре пейзажа, портрета, тематической картины. Для ранних работ художника характерна декоративная красочность.

Картину «На сплаве» художник Анатолий Капотин создал в 1976 году. В советское время лес, в большинстве своем, сплавляли по рекам – это самый дешевый способ транспортировки, а иногда и единственная возможность доставить лес с делянок к месту обработки. Лес мог сплавляться молевым способом, то есть россыпью, или в плотах и кошелях. Ниже по реке находились сплавные рейды, запани.

На картине мы видим сортировочную сетку запани, где женщины баграми распределяют разного рода древесину в отдельные воротца, обнесенные оплотником. По мере наполнения формировался кошель, который потом до лесозавода тянуло специальное судно-буксировщик. В восьмидесятые – девяностые годы лесосплав был признан вредным для окружающей среды и неэффективным. Однако сейчас опять заговорили о его возрождении.

Работа на сплаве была физически очень тяжелой, полностью ручной, однако зачастую именно женщины работали на сортировке. На картине женщины на заднем плане одеты в синие и красные платья, на их головах повязаны белые платочки. Это делает композицию звучной и даже праздничной. Мы не видим тяжести труда. Только профиль девушки на первом плане суров и серьезен. Лицо загорело от постоянного пребывания на открытом воздухе. Губы сжаты – человек не привык много говорить. Каштановые волосы заправлены под белый платок, чтоб не мешали работе. Но колорит живописного произведения напоминает фрески Раннего Возрождения, и это возвышает образ девушки до идеалов Ренессанса.

Перекрытие Енисея в Саянах

• 1976
• Холст, масло. 200 х 230
• Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова
• Ж 845

Тойво Васильевич Ряннель родился в 1921 г. в деревне Тозерово Ленинградской области в крестьянской семье, предки его были уроженцами области Саво в Финляндии. Пережив раскулачивание и ссылку семьи в Сибирь, будущий художник смог получить образование и стать крупным живописцем благодаря своему таланту и увлечению искусством.

Картину «Перекрытие Енисея в Саянах» Тойво Ряннель создал в 1976 году. Тема Енисейского гидростроя, вошедшая в искусство на рубеже 1950–1960-х годов и вобравшая себя практически все жанры, просуществовала следующие тридцать лет. Связана она была со строительством двух мощнейших в стране и мире гидроэлектростанций – Красноярской и Саяно-Шушенской. Художников не могло не привлекать сочетание монументальной красоты и величия сибирской природы и не меньшего величия и красоты, пусть и рукотворной, стройки. Плотины этих ГЭС, как символический образ победы человека над силами природы, возвышаются на полотнах Тойво Васильевича Ряннеля.

Восхищаясь пластическим взаимоотношением ритма сопок и скал с вертикалями ЛЭП, упругими изгибами громад самих сооружений на самой многоводной реке России, художник старался отразить в своих полотнах их изысканную красоту. По-разному художник изображал и сам кульминационный момент стройки — перекрытие.

Полотном, которое, пожалуй, лучше прочих смогло отобразить колоссальный энтузиазм строителей, перекрывавших Енисей, их отвагу, напряжение духовных и физических сил, является «Перекрытие Енисея в Саянах», в образах которого явно чувствуется «линия партии». Но вместе с тем живописная ткань холста пронизана искренним чувством радости, ощущением свершившейся победы, восхищением природной мощью и красотой. Многотысячная толпа людей, ритм строительных кранов на фоне Саян, бравурно поднятые кузова самосвалов, мощные всплески сопротивляющейся реки – образ холста предельно ясен: борьба с Природой закончилась безоговорочной победой Человека.

Тема полотна — актуальное в 1960–1970-х противостояние Техники и Природы, где Природа явно проигрывает,— решается за счет приближения и укрупнения того, что олицетворяет Технику (самосвалы, скидывающие каменные глыбы в Енисей), брызг возмущенного Енисея на первом плане, и лозунга: «Покорись, Енисей!». В основу картины лег готовый образ, тиражировавшийся на всех фотографиях о том событии — выразительное образное сочетание уходящих в небо скал, упрямившегося протестующего, бурлящего в узком проране Енисея и техники… Тем не менее, Ряннель умело использует выразительные средства живописи, при помощи которых превращает явления действительности в произведения искусства, где художественная правда не утрачивает правды жизненной и где так по-особенному остро ощутим пафос созидания.

Автопортрет. (Трудовые будни)

• 1975–1977
• Холст, масло. 118,0 х 123,0 см
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-2595

Для выдающихся мастеров реалистической школы живописи послевоенных лет Сергея Петровича и Алексея Петровича Ткачевых Тверской край сыграл особую роль в развитии их искусства. В первые послевоенные годы братья Ткачевы учились в Московском художественном институте имени Сурикова у таких признанных классиков отечественного изобразительного искусства, как Игорь Грабарь, Георгий Ряжский и Дмитрий Мочальский. Сами братья Ткачевы отмечали, что на развитие их таланта значительное влияние оказали Сергей Герасимов и Аркадий Пластов, чьи пейзажи и пейзажно-жанровые полотна вдохновляли молодых художников.

Совместную творческую деятельность живописцы начали в начале 1950-х годов, когда однажды Алексей нарисовал эскиз, а Сергей раскрасил его акварелью. Это был этюд к их первой картине. Удивительно, но совместная работа не стерла индивидуальную живописную манеру братьев: каждому из них удалось сохранить свое творческое начало, обогатить и дополнить художественный метод друг друга. Созданию каждой картины предшествует огромная подготовительная работа – большое количество этюдов и рисунков. Работая над композиционным решением полотен, они пробуют разные варианты, особое внимание уделяя точности деталей изображаемого.

В собрании Тверской картинной галереи находится «Автопортрет. (Трудовые будни)» (1975–1977) кисти братьев Ткачевых, в котором художники изобразили себя за натурной работой во время уборки картофеля. Простые рутинные сцены в прочтении художников наполняются поэтическими образами и смыслами, а вдумчивая работа с композицией позволяет раскрыть авторский замысел.

Газ Севера

• 1975
• Холст, масло. 120 х 130
• Сахалинский областной художественный музей
• Ж-391

На конвейере

• 1975
• Бумага, офорт. 72 х 54
• Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
• ОФ-81

В начале 1970-х годов художник-график Михаил Герасимов по заказу Министерства культуры РСФСР создаёт несколько серий офортов производственной тематики («Подводники», «Спорт», «Металлурги ЧМЗ»). Офорт «На конвейере» входит в серию «На фабрике им. В. Слуцкой», которая продолжает рассказ о человеке труда. Ситценабивная фабрика имени Веры Слуцкой располагалась на Васильевском острове в Ленинграде, в советское время она занималась отделкой и набивкой рисунков на хлопчатобумажных и штапельных тканях.

Сборщики

• 1975
• Холст, масло. 120 х 120
• Государственный Русский музей
• Ж-10680

С начала 1930-х годов на Ленинградском металлическом заводе постоянно работали питерские художники, создавая своего рода образную летопись индустриального гиганта и его тружеников. Активным этапом этой деятельности были 1970—1980-е годы. Среди других известных мастеров бывал здесь и Крестовский. Он всегда стремился найти необычный подход к сюжету, который бы не только фиксировал, но и в известной степени создавал символ происходящего. Люди кажутся маленькими рядом с огромной деталью рабочего колеса турбины, но они, словно волшебники, повелевают стальным гигантом. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 319.

Смена идет

• Из серии „Дни нашей жизни"
• 1975
• Бумага, цветная литография. И.: 52 x 70,4; л.: 60,1 х 80,4
• Государственный Русский музей
• С.Гр.-17057

„Дни нашей жизни" Вильнера и „Город Ленина — Трудовой Ленинград" Айзенштадта — серии, в которых представлена жизнь Ленинграда 1970-х годов. Художники создали узнаваемый и одновременно обобщенный, опоэтизированный образ города, красота которого раскрывается в его многоликости: в старинной архитектуре, в промышленном пейзаже, в воскресной прогулке по парку, в будничной толчее у проходной завода. Екатерина Климова // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 319.

Будни ЛДК

• 1974
• Холст, масло. 80х80
• Национальная галерея Республики Коми, Сыктывкар
• Ж633

Уроженец Ярославля Федор Вдовин работал в Сыктывкаре с 1972 по 1979 годы.  Его Картина «Будни ЛДК» – индустриальный пейзаж. Сыктывкарский лесопильно-деревообрабатывающий комбинат (ЛДК) – крупное деревообрабатывающее предприятие в г. Сыктывкаре. Основные и вспомогательные цеха и службы находятся на одной площадке и вместе с жилым массивом образуют микрорайон города под названием «Лесозавод». ЛДК – первое промышленное предприятие Сыктывкара. Строительство его началось в 1922. В 1926 были пущены 2 лесопильные рамы лесозавода и электростанция, давшая электрический свет городу и посёлку. В 1936 вступил в строй новый четырёхрамный лесопильный завод, 5 вспомогательных цехов и ТЭС. В 1961 году переименован в ЛДК.

Картина была написана для выставки «Коми – край мой северный» в 1974 году. Она стала первой тематической картиной из задуманной Федором Вдовиным серии «Золото республики». Вдовин – художник лаконичных, строго продуманных композиционных решений, раскрывающих пространство картины с высокой точки зрения. Его суховатая живописная манера отличается тщательностью письма и чрезвычайной детализацией.

Добытчики рыбы

• 1974
• Бумага, линогравюра. 50 х 64
• Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
• ОФ-89

В годы Великой Отечественной войны С. Т. Куксов был юнгой, а затем – матросом на кораблях дальнего плавания Владивостокского торгового флота, поэтому морская тематика была близка художнику. На линогравюре «Добытчики рыбы» изображён траулер «Альдерамин» (порт приписки – Калининград). Траулер относится к рыболовным морозильным траулерам типа «Тропик», которые строились на верфи в Штральзунде (ГДР) по проекту советских конструкторов и были предназначены для вылова рыбы тралом в тропических широтах и переработки её в мороженую продукцию. Название траулер получил по названию звезды Альдерамин – самой яркой в созвездии Цефея, которая используется в морской астронавигации. Траулер «Альдерамин» спущен на воду в 1964 г., списан в 1982 г.

Механизаторы

• Из серии «Труженики моего аула». Майкоп
• 1974
• Бумага, офорт. 32 х 24
• Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
• ИЗО 728

Художник из Адыгеи Аслан Куанов, родившийся в ауле Джамбечий, в начале творческого пути в 1970-е годы предпочитал работать в технике офорта. Ему свойственно пристрастие к мягким ритмам и тоновым переходам, как в его работах из серии «Труженики моего аула» – «На току», «Механизаторы», «Табунщики», в которых мы ощущаем непрерывную связь поколений в ее непременной национальной сути без стилизации.

На току

• Из серии «Труженики моего аула». Майкоп
• 1974
• Бумага, офорт. 32 х 24
• Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
• ИЗО 727

Художник из Адыгеи Аслан Куанов, родившийся в ауле Джамбечий, в начале творческого пути в 1970-е годы предпочитал работать в технике офорта. Ему свойственно пристрастие к мягким ритмам и тоновым переходам, как в его работах из серии «Труженики моего аула» – «На току», «Механизаторы», «Табунщики», в которых мы ощущаем непрерывную связь поколений в ее непременной национальной сути без стилизации.

Строительство моста

• Из серии „Дни нашей жизни"
• 1974
• Бумага, цветная литография. И.: 57,7 x 73,5; л.: 61,8 x 85,8
• Государственный Русский музей
• С.Гр.-16719

„Дни нашей жизни" Вильнера и „Город Ленина — Трудовой Ленинград" Айзенштадта — серии, в которых представлена жизнь Ленинграда 1970-х годов. Художники создали узнаваемый и одновременно обобщенный, опоэтизированный образ города, красота которого раскрывается в его многоликости: в старинной архитектуре, в промышленном пейзаже, в воскресной прогулке по парку, в будничной толчее у проходной завода. Екатерина Климова // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 319.

Табунщики

• Из серии «Труженики моего аула». Майкоп
• 1974
• Бумага, офорт. 32 х 24
• Государственный музей искусства народов Востока, Северокавказский филиал, Майкоп
• ИЗО 729

Художник из Адыгеи Аслан Куанов, родившийся в ауле Джамбечий, в начале творческого пути в 1970-е годы предпочитал работать в технике офорта. Ему свойственно пристрастие к мягким ритмам и тоновым переходам, как в его работах из серии «Труженики моего аула» – «На току», «Механизаторы», «Табунщики», в которых мы ощущаем непрерывную связь поколений в ее непременной национальной сути без стилизации.

Щедрая осень

• 1974
• Картон, масло. 70 х 100
• Сахалинский областной художественный музей
• Ж-552

Значительным самобытным явлением в культурной жизни Сахалина стало творчество заслуженного художника РСФСР Гиви Михайловича Манткавы. Выбор молодым выпускником Тбилисской Академии художеств места своей профессиональной реализации в пользу островной земли, сделанный в 1956 году, стал его судьбоносным шагом. Земле, которой он обязан своей творческой зрелостью и признанием, Гиви Манткава посвятил всю свою жизнь без остатка.

Творческая плодотворность Гиви Манткавы в 1970-х годах не случайно совпала с общим сахалинским культурно-экономическим подъёмом. Своими творческими достижениями художник отождествлял уровень успехов культурного строительства на Сахалине.

В 1972 году Манткава был принят в ряды Союза художников СССР. Это событие означало официальное признание художника, который на самых престижных выставках страны представлял профессиональный уровень сахалинского искусства.

В незаурядных по-сахалински бытовых сюжетах торжествует свободный и счастливый труд советского человека. Яркий, выразительный, импрессионистического характера пленэр в работах Манткавы, основанный на эффекте многослойно-мерцающей живописной системы, развитой в 1970-е годы, усиливает их оптимистическую мажорность. К данному периоду относится картина «Щедрая осень» (1974).

«Серп и Молот» (Вальцовщики)

• 1972
• Холст, масло. 180,0 х 200,0
• Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
• Ж-129

Живописное полотно московского художника Иосифа Гурвича «Серп и молот» (Вальцовщики)» посвящено знаменитому московскому металлургическому заводу «Серп и Молот» – одному из крупнейших на территории центральной России, основанному в 1883 году. Своё название завод получил 7 ноября 1922 года «по просьбе трудящихся». К 1928 году производство выходит на уровень 1913 года.

В первой половине 1930-х годов на заводе была создана техническая база с современным для того времени оборудованием и освоена новая технология производства продукции из качественной стали. Были построены корпуса фасонно-литейного, калибровочного и лентопрокатного цехов; установлены первые электропечи, волочильные станы, термические и травильные агрегаты. В 1932 году на новом стане холодной прокатки впервые в стране был освоен выпуск ленты толщиной 0,1—1,0 мм из нержавеющей стали.

Во время Великой Отечественной войны здесь изготавливали оружейную продукцию для фронта и башни для танков ИС-2. В 1949 году впервые в мире была разработана технология применения кислорода для интенсификации мартеновского производства стали, за что группе ученых и работников завода была присуждена Сталинская премия первой степени. Впоследствии эта технология получила широкое распространение как на отечественных, так и на зарубежных металлургических заводах. В 1950 году Сталинская премия была присуждена сталеварам завода, добившимся резкого сокращения продолжительности мартеновской плавки. За отличные показатели завод неоднократно был награждён почётными орденами.

В 1970-х предприятие прошло полную реконструкцию производства, мартеновские печи заменены на электропечи, введена комплексная механизация и автоматизация всех производственных операций.

В работе 1972 года Иосиф Гурвич изображает работу цеха ещё в старом технологическом режиме. Перед нами предстаёт процесс вальцевания раскалённых докрасна металлических труб рабочими, фигуры которых автор располагает диагонально на плоскости холста, чтобы передать напряжённость их физического труда. Труженики в рабочих перчатках большими клещами изгибают протянутые через цех заготовки.

Иосифа Гурвича называли «советским сезаннистом» за его увлечённость художественным методом француза Поля Сезанна. Характерные приемы можно увидеть и здесь – в игре контрастов тёплого и холодного цветов, в прочных и обобщённых геометрических формах, в отсутствии правильной перспективы.

В цехе автозавода имени Лихачева. Литейщики

• 1972
• Холст, масло. 145,0 х 222,0
• Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
• Ж-127

В творчестве московского художника Бориса Пархунова тематическая станковая картина была излюбленным жанром.

Героями его большой станковой композиции 1972 года «В цехе автозавода имени Лихачева. Литейщики» стали рабочие литейного цеха знаменитого московского автозавода, начало строительства которого связано с 1916 годом и именами братьев Рябушинских. Это первое предприятие по производству автомобилей в Российской империи и СССР. Основанный как «Товарищество на паях автомобильного Московского общества» (АМО), в 1956 году завод получил имя Ивана Алексеевича Лихачева, много лет бывшего его директором. С 1924 года здесь началось производство первых полуторатонных грузовиков АМО-Ф-15, значительно позже появились знаменитые ЗИЛы.

В диагональной полосе света художник изображает выполняющих различные производственные операции рабочих из молодежной бригады. Такие комсомольско-молодежные бригады создавались на предприятиях с целью повышения производительности труда в процессе социалистического соревнования и выявления победителей. Образы обнаженных до пояса двух юношей, а также мужчины на первом плане, укладывающего вручную заготовку на линию конвейера, свидетельствуют о тяжести выполняемой работы. Одновременно автор передает настроение слаженности, единой устремленности своих героев, лица которых портретно индивидуальны, в правдиво воссозданной атмосфере производственного процесса начала 1970-х годов, когда в нем только начинались процессы комплексной механизации и автоматизации.

На уборке табака

• 1972
• Холст, масло. 119 х 160
• Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
• 2487-ж

Абдрашит Сыдыханов – художник, заслуженный деятель искусств, лауреат Государственной премии РК, почетный кавалер ордена «Курмет», обладатель премии «Тарлан». Многим он известен как основатель «знаковой живописи», которой на самом деле был посвящен только один из периодов его творчества. В период 1960-1970 годов художник создает серию работ, принесших ему славу «молодого, талантливого живописца». Среди этих работ – «На уборке табака» (1972).

Плавные, изысканные линии женских фигур, локальное цветовое решение сближают работу с художественной традицией народного искусства. Декоративность полотна сродни национальному орнаменту. Мотив предстояния, некоторая обособленность женщин, пластическое решение придают картине характер монументальности, вызывая в памяти настенные фрески. Раскрывающаяся на втором плане панорама с полями почти сферической формы, серебристо-серыми горами сообщает полотну эпические интонации. Абдрашит Сыдыханов утверждает в своем произведении величие и гармонию жизни, незыблемость бытия.

Портрет молодого повара

• 1971-е
• Холст, масло. 77,0 х 96,0 см
• Калужский музей изобразительных искусств
• Ж-1051

Иван Захарович Пушкарев – советский живописец, график, работавший в стиле и традициях социалистического реализма. Его произведения пронизаны энергетикой изображаемой модели. Оптимизм с нотами экспрессии – вот, пожалуй, отличительные характерные черты его работ. Глубокий внутренний мир, душевное состояние очень разных людей, изображенных на портретах, – это вариативность на заданную тему, тему многогранности человека. Действительно, каждый художник видит что-то особенное в модели, желает эту уникальную черту перенести на холст. Пушкареву удается большее: он создает не типичный портрет современников, а передает уникальность и неповторимость образа.

В советское время большое значение уделялось становлению и профессиональному росту человека, его трудовым успехам и достижениям. Таким образом, многие художники писали произведения на эти темы. Не стал исключением и И. З. Пушкарев, который создал цикл замечательных работ на тему людей в профессии.

Произведение «Портрет молодого повара» создано в 1971 году, в разгар строительства социалистического общества в СССР. На картине зритель видит молодую женщину в белом халате и косынке, скрывающей высокую прическу. Повар представлена в рабочей обстановке. Перед ней на столе горка тарелок, которую она придерживает правой рукой. Слева в тарелке подготовленное к раздаче второе блюдо. На заднем плане – часть интерьера столовой или кафе в современном оформлении.

Год 30-й. На стройке

• Эскиз. Из цикла «Рубежи жизни Родины»
• 1969
• Картон, масло. 93 х 74
• Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
• СЖ-253

Пётр Оссовский – один из создателей «сурового стиля». Характерная особенность его творческого метода – работа над большими сериями, циклами. В этом проявилось его постоянное желание как можно шире и глубже «осмыслить» материал. Серийность позволяла художнику «высказаться», донести свою мысль о связи поколений, о преемственности ценных духовных, моральных качеств народа.

К циклам Оссовского относится и тетралогия «Рубежи жизни Родины» (1960–1969). Влечение к крупной мысли в искусстве, к значительности образов, к широким и цельным живописным построениям отразилось в эпическом повествовании о нерасторжимой связи поколений. Художник утверждает духовное единство советского народа: «Я сделал историю СССР – 20-е, 30-е, 40-е годы, 65-й – «Рубежи жизни Родины». Честно это делали Коржев в триптихе «Коммунисты», Моисеенко писал комиссаров. Но никто не делал историю».

Историко-революционная тематика с оттенком легендарности сообщает произведениям современную остроту. Эмоциональный строй определяется оттенками колорита каждой из четырех частей. Стремительные диагонали, рассекающие пространство, определяют его границы и усиливают динамическое восприятие всего цикла.

«Год 30-й. На стройке» повествует о послевоенной разрухе и восстановлении хозяйства, о напряженном человеческом труде и всенародном созидании. Труд воспринимается как бой, с полной отдачей физических сил. В ржаво-стальном колорите земли – драматическая напряженность.

Цикл «Рубежи жизни Родины» примечателен монументальным характером образов, подчеркнуто четким рисунком, крупными плоскостями одного цвета, обобщенными изображениями. Автор делает акцент не на деталях, а на формах изображенных предметов, колорите и композиции.

На шахтном дворе

• 1969
• Холст, масло. 240 х 299
• Государственный Русский музей
• Ж-8993

В период сотрудничества со Студией имени М. Б. Грекова произведения художника были посвященные тревожным армейским будням. Этот тематический круг как нельзя лучше соответствовал задачам, которые ставили перед собой художники „сурового стиля“, Именно в это время Окороков выработал свои характерные живописно-пластические приемы. Его картина „На шахтном дворе“ может быть рассмотрена в ряду произведений, связанных другой задачей — „монументализацией“ темы труда. Шахтерская тема не была случайной для Окорокова, потому что подлинный интерес вызывал жизненный материал, поиск правды. Задумываясь над нравственными, этическими и философскими категориями, художник создает образы серьезных и мужественных людей, донецких героев-шахтеров подчеркнуто плакатным изобразительным языком. // Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006.  С. 275.

Обед строителям

• 1969
• Бумага, литография. 59,5 × 74 (лист); 49,5 × 63 (оттиск)
• Череповецкое музейное объединение
• ЧерМО-5668/1

С 1957 года ленинградский график Владимир Ветрогонский постоянно приезжал в Череповец, где жил и творил среди металлургов «Северной Магнитки».  Сюда же позже стал привозить своих студентов на практику. Звание «Почетный гражданин города Череповца» присвоено художнику в 1983 году, в день открытия выставки «Дорогами мира», за большой вклад в дело воспитания населения, развития и пропаганды советского изобразительного искусства, за циклы художественных произведений, посвященных г. Череповец.

Свет в деревню

• Из серии «Урал первых пятилеток»
• 1969
• Бумага «верже», линогравюра. Л: 74,2 х 89,2; и: 57,8 х 72,5
• Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
• Г-9605

В конце 1920-х годов в Советском Союзе разрабатываются пятилетние планы развития, задача которых состояла в том, чтобы превратить страну из аграрно-индустриальной в индустриальную.

Но строительство различных заводов и предприятий было бы невозможно без строительства новых электростанций. Благодаря увеличению количества электростанций появилась возможность электрификации деревень, что стало важнейшей составной частью модернизации аграрного труда в Уральском регионе. Электричество сделало доступными для сельских жителей многие блага цивилизации и стало важнейшим фактором преобразования не только сельскохозяйственного труда, но и быта сельчан.

Именно к этому периоду истории СССР обращается Спартак Киприн в своём произведении 1969 года «Свет в деревню». Работа, выполненная в технике линогравюры, в которой Киприн был несомненным мастером, соответствует стилистике «сурового стиля».

Героем произведения, чей образ мощно выведен на первый план композиции, является рабочий-электрик, который закрепился на вершине опорного электростолба и тянет провода. Торс рабочего обнажён, из чего можно сделать вывод, что работа ведётся в летний период. На заднем плане художник изображает деревенские дома и ещё один столб, на котором трудится другой рабочий.

Черное золото

• 1969
• Холст, масло. 200 х 245
• Государственный Русский музей
• Ж-10312

Около семи лет автор работал над воплощением замысла картины „Черное золото“. Своего рода сюжетным, колористическим камертоном стал один из эскизов к полотну (находящийся в ГРМ), соответствующий определению самого автора: „В голове сразу же нарисовался холст, построенный на отношениях черного и золотого. Растяжка колористическая получилась богатейшая". Такое решение (вполне реальное по форме) несло в себе живописную метафору и одновременно вполне соответствовало цветовому взаимодействию сверкающей нефти с оранжевыми разводами и цвета природы в осеннем убранстве. Эти живописные качества эмоционально содержательны, выразительны, как и лица рабочих, дождавшихся свежей нефти, которой, по обычаю, можно и умыться. Нефть наряду с людьми — также значимый „персонаж“ картины. Ее сверкание на земле и в руках буровика словно подчеркивает радость тех, кто ее добыл.  // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006.  С. 274.

Дождь

• 1968
• Холст, масло. 50,0 х 64,5
• Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
• 5482-1781ж

Индустриальные полотна Народного художника Киргизской ССР Александра Илларионовича Игнатьева – это художественная летопись одной из значительных советских строек. Целую серию произведений он посвятил строительству крупнейшей в Средней Азии высокогорной Токтогульской гидроэлектростанции. Здесь ярко проявилась любовь художника к горному ландшафту, знание местности и людей, умение работать с натуры. Работы Токтогульской серии разнообразны, очень живописны, как, впрочем, все произведения художника.

Дождь в одноименной картине 1968 года позволил автору отвлечься от решения производственной темы «в лоб». Поверх изображения накладывается масса воды, льющейся сверху вниз по косой. Этот прием деформирует реальность, хорошо передает настроение и состояние природы. Можно сказать, что для создания соцреалистической работы были использованы находки импрессионистов. Это не суровый стиль – это узнаваемый авторский почерк. Люди приехали строить гидроэлектростанцию (эта тема станет доминирующей в творчестве мастера). В ущелье, возле моста через горную реку (мост виден вдали), расположились вагончики строителей, бытовки, склады, механизмы. Неба не видно, большую часть картины занимают крутые склоны, их мощную энергию надо использовать на благо людям. В небольшой картине «Дождь» художник мастерски передал непогоду, высокие горы, как бы размытые в потоках дождя, работающих, несмотря ни на что, людей.

Токтогульская ГЭС — гидроэлектростанция на реке Нарын, у г. Кара-Куль в Джалал-Абадской области в Киргизии. Подготовительные работы по строительству Токтогульской ГЭС были начаты в апреле 1962 года. Строительство велось в сложных условиях — к располагающемуся в узком горном ущелье створу вела только вьючная тропа, а ближайшая железнодорожная станция находилась в 80 км. В связи с этим потребовался большой объём работ подготовительного периода — строительство автодорог, двух мостов через Нарын, линии электропередачи, производственной базы и посёлка гидростроителей Кара-Куль. В марте 1963 года была начата проходка подходных штолен к правобережному строительному водопропускному тоннелю, а 22 июня 1963 года началась проходка самого тоннеля сечением 11,6×14 м и длиной 796 м. Проходка тоннеля была завершена в сентябре 1965 года, что позволило 6 января 1966 года осуществить перекрытие Нарына, на чем подготовительный этап строительства был завершён. 1966 году были начаты земельно-скальные работы по разработке котлована основных сооружений станции. Первый бетон в основания плотины был уложен 30 сентября 1968 года. На строительстве станции был внедрён новый «токтогульский» метод бетонирования — укладка бетона крупными, но относительно тонкими (толщиной 0,7-1 м) блоками, охлаждаемыми с поверхности водой. Это позволило отказаться от использования кранов, размещение которых в узком ущелье оказалось затруднительным. Официальной датой пуска первого гидроагрегата Токтогульской ГЭС считается 5 января 1975 года. Второй гидроагрегат был пущен 27 ноября 1975 года, третий и четвёртый — 10 января 1976 года. На проектную мощность станция была выведена в 1980 году, строительство Токтогульской ГЭС было завершено в 1982 году. Подробнее см. статью в Википедии.

Литейщицы

• Эскиз к памятнику героическим защитникам Ленинграда на площади Победы, установленному в 1975 году
• 1968
• Олово. 22 x 23 x 9
• Государственный Русский музей
• СО-1574

Беление холстов

• 1967
• Холст, масло. 160х138
• Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
• Ж-371

Главная тема творчества мордовского художника Виктора Андреевича Беднова – «Земля и люди» – раскрывается в жанре тематической картины. В масштабном полотне «Беление холстов» художник обращается к будничной ее стороне. Содержанием работы является жизнь мордовского села, культурные традиции народа. Автор хорошо знает уклад сельской жизни и стремится отразить ее характерные черты, т.к. с раннего детства познал все ее радости и тяготы. В. А. Беднов подсмотрел сюжет картины на своей родине, в селе Кочелаеве. На холсте воссоздана сцена утреннего беления холстов мокшанками. Это длительный процесс. Вытканный холст поначалу серого цвета. Чтобы сделать его белоснежным, холст выпаривали в щелоке, а потом на несколько дней расстилали на траве, причем делать это нужно было утром или вечером, потому что холстина все время должна быть влажной. На картине как раз изображен процесс расстилания холста.

Работа «Беление холстов» характеризуется поисками автора в передаче пространства. Персонажей произведения мы застаем за извечным занятием сельских женщин – отбеливанием вытканных за зиму холстов на весеннем солнце. На первом плане склон холма, у подножия которого как бы помещается сам зритель. На вершине холма группа женщин в национальных одеждах мирно беседует, расстелив на траве длинные холстины. Вытканное за зиму полотно, выдержанное на весеннем солнце, становится пригодным для шитья знаменитых мордовских рубах. Локальные цветовые пятна холстин выделяются на фоне заливного луга. Открытое пространство с буйством свежей зелени и длинные линии холстов, уходящие к деревне на вершине холма, формируют дороги, которые символизируют земной путь. Автор использует высокую линию горизонта, дабы усилить этот эффект. Домотканый холст имел для крестьян огромное значение, его использовали в самые важные моменты жизни. В полотенце оборачивали новорожденного, защищая от нечистой силы; оно же с иконой присутствовало при благословении молодых перед свадьбой; после смерти полотенце вешали над изголовьем постели завершившего земной путь (это, по поверьям, было необходимо для ангела, который вытирал о него свой меч).

Яркая, еще свежая от росы трава придает особую красочность сцене. Умело передано сияние солнечного дня, совпадающее с мажорным настроением персонажей. Горизонтали заднего плана подчеркивают состояние покоя, что царит в самом сюжете. Художник применяет прием перцептивной перспективы, усложняет трактовку пространства с целью придать большую масштабность изображаемому. Полотно поражает смелостью и сочностью цветовой палитры в незатейливом природном пейзаже, необычайной лиричностью и насыщенной экспрессивностью атмосферы. Творчество Беднова самым тесным образом связано с сельской жизнью. Отражая неразрывность человека, природы и труда, оно усиливается национальной компонентой.

Вобла

• 1967
• Холст, масло. 100,0 х 130,0
• Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
• Ж-894

В статье, посвящённой творчеству заслуженного художника России Константина Титова, астраханский журналист Б. Караванов писал: «К. А. Титов влюблён в наш край, хорошо знает его замечательных людей. И всё интересное стремится запечатлеть в памяти и сердце, чтобы потом перенести на полотно».

Художественное наследие Константина Титова – это жанровые сцены, морские пейзажи, удивительные по колориту натюрморты, в которых мастер передаёт богатую палитру астраханского края. 

Написанная в традициях социалистического реализма, сочно и натурально, картина «Вобла» в числе других работ демонстрировалась на выставке «Художники-маринисты – Дню рыбака» в 1968 году. Являясь частью богатой коллекции Астраханской картинной галереи, полотно регулярно экспонируется на фондовых выставках, проходящих в музее.

Кузнецы пятилетки

• 1967–1968
• Холст, масло. 206 × 225
• Донецкий республиканский художественный музей
• Ж-1003

В картине «Кузнецы пятилетки» Заслуженный деятель искусств Украины художник Евгений Жердзицкий обратился к теме трудового подвига комсомольцев и молодежи на новостройках довоенных пятилеток. Это одна из ярких страниц истории ВЛКСМ, борьбы советского народа за построение социализма в СССР.

Преодолевая огромные трудности внутреннего и внешнего порядка, советский народ в годы первых пятилеток под руководством партии вел титаническую борьбу за превращение СССР в передовую индустриальную державу. Вся страна – от края и до края – была охвачена пафосом строительства. И всюду в передовых шеренгах строителей шла молодежь и ее передовой отряд – комсомол, боевой резерв и верный помощник коммунистов. Комсомол с честью выполнял завет Ленина – «быть ударной группой, которая во всякой работе оказывает свою помощь, проявляет свою инициативу, свой почин».

Куйбышевская ГЭС

• 1967
• Холст, масло. 139 х 291
• ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
• Ж-1270 АОМИИ

Николай Андронов – один из ярких представителей «сурового стиля». Художники этого направления ощущали себя новаторами. С появлением их на художественной сцене стало очевидно, что в советской живописи начинается пора обновления, вызванная не только приходом молодых художников, но и требованиями времени.

Николай Андронов в своем творчестве периода «сурового стиля» сумел дать новую трактовку личности современника, рабочего человека. Ему удалось превратить рабочих в «типаж» и убрать индивидуальность образов. Художник приходит к необходимости утверждения ценности «просто» человека — не обязательно героя труда или выдающегося рационализатора.

Суровые люди, занятые негромким, но важным делом, предстают в работе «Куйбышевская ГЭС». Расположенная на Волге, Куйбышевская ГЭС на протяжении многих лет была крупнейшей гидроэлектростанцией в мире, художник был настолько потрясен масштабом строительства и людьми, отдававшими все силы ради общего дела, что ему захотелось передать это ощущение в своем полотне.

Живописный язык Андронова выверен и лаконичен. Образы героев подобны бронзовой скульптурной композиции,  внушительные и основательные, мужественные и надежные. Это не просто люди — это символы времени.

Сюжет как таковой почти отсутствует и не имеет значения. Мы видим, как люди идут на работу или с работы, как едет тяжелая техника, как человек спокойно проходит мимо собственных достижений. Герои картины размещены на почти нейтральном фоне, в упрощенном пространстве. Фигуры выглядят монументально, создается ощущение, что пространства полотна недостаточно, чтобы вместить их фигуры.  Художник сознательно использует такой прием, чтобы еще больше усилить ощущение значительности этих людей. В результате ему удается добиться героического ощущения, не развивая сюжета. Новизна этого произведения заключается в его аполитичности. Зритель оказывается с персонажами на равных. Это не выдающиеся личности, а обычные люди, каждый день совершающие свой трудовой и, на первый взгляд, невидимый подвиг. Но талантливая кисть художника заслуженно присваивает им статус героев.

Монтажники Нурека

• 1967
• Холст, масло. 114,0 х 211,5 см
• Национальный музей Таджикистана, Душанбе
• Ж 930

В картине «Монтажники Нурека» художника Андрея Михайловича Пономарева, жившего и работавшего в Душанбе, на фоне металлических конструкций работают монтажники. Один из них, стоящий спиной к зрителю, обнажен до пояса. Здесь же мотки троса, металлические детали. Справа внизу – панорама строительства и в глубине – проем ущелья. В картине преобладают серовато-охристые тона.

Нуре́кская ГЭС им. Турсуна Ульджабаева — гидроэлектростанция вблизи города Нурека, Хатлонская область, Таджикистан, на реке Вахш. Крупнейшая электростанция Таджикистана, самая мощная гидроэлектростанция в Средней Азии. Строительство станции было начато в 1961 году. Возведение станции было объявлено Всесоюзной ударной комсомольской стройкой. В 1962 году была начата проходка первого строительного тоннеля, в 1965 году была начата выемка грунта из здания ГЭС и был уложен первый бетон. 29 марта 1966 года был перекрыт Вахш, была создана переливная перемычка, сток реки направлен в строительный тоннель. В 1967 году началось бетонирование основания ядра плотины, первые кубометры суглинка были отсыпаны в ядро плотины в 1971 году. Первый гидроагрегат Нурекской ГЭС был пущен 15 ноября 1972 года, второй гидроагрегат — 20 декабря того же года. В 1973 году был пущен третий гидроагрегат, на чём строительство первой очереди станции было завершено. Подробнее см. статью в Википедии.

Лесорубы из Эргли

• 1965–1966
• Холст, масло. 125,0 х 190,0
• Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
• Ж-886

Творчество советского художника Константина Андреева неразрывно связано с Латвией. Первые серьёзные живописные работы Андреев писал уже в зрелом возрасте в 1950-х годах. В центре внимания художника были героические сцены из истории Советской России (революция, гражданская война) и труд простых людей, что обусловлено не только требованиями эпохи, но и неравнодушием художника.

В работе «Лесорубы из Эргли» из собрания Астраханской картинной галереи изображена группа тружеников из латвийского рабочего посёлка, возвращающихся с промысла сквозь вечернюю вьюгу. Их фигуры монументальны, румяные от мороза мужественные лица лесорубов источают уверенность и удовлетворение от выполненной работы.

Незадолго до создания этого монументального полотна художнику было присвоено звание Заслуженного деятеля искусств Латвийской ССР (1964). Работа К. Г. Андреева «Лесорубы из Эргли» была передана в Астраханскую картинную галерею по приказу Министерства культуры СССР в 1969 году.

Сахалинрыбпром

• 1960-е
• Холст, масло. 90 х 146
• Сахалинский областной художественный музей
• Ж/дв-1160

Тема картины сахалинского художника Юрия Степанова «Сахалинрыбпром» носила заказной характер и должна была демонстрировать успехи в рыбопромышленной отрасли, становление которой было сложным, но необходимой для послевоенной экономики страны.

Рыбная отрасль являлась доминирующей в Сахалинской области. Для решения ее проблем необходимы были люди. Правительство СССР принимает решение по переселению людей с материка поэтапно, с начала 1946 года по 1950 год. Только в 1947 году переселено 3500 семей для работы в предприятиях «Сахалинрыбпрома» и создаваемых рыболовецких колхозах.

Условия работы первые два-три года были тяжелыми – стопроцентный ручной труд. Это переноска, засолка рыбы, приготовление тузлука (раствор соли для засолки рыбы), мойка рыбы, ее укладка в тару, транспортировка. Рыба в основном выпускалась в соленом виде, и только незначительная часть реализовывалась в свежем виде на местах. Не было холодильных емкостей, что не позволяло расширять ассортимент выпускаемой продукции. Рыбу обрабатывали в неприспособленных помещениях, а нередко и под открытым небом. Текучесть людей была очень высокая.

Но уже в 60-е годы XX века всё меняется. На заводе произошли передовые изменения – замена ручных средств труда машинами и механизмами, что не только облегчило работу, позволив обеспечить рабочими местами молодых женщин, но и в разы увеличило выпуск рыбной консервной продукции.

Сахалинский художник Юрий Степанов с поставленной задачей справился – достижения социалистического труда отражены в его картине в благоприятных производственных условиях работы советского народа. Женский коллектив молод и красив. Девушки в белых халатах, в головных уборах теперь работают на производстве, где условия труда стали чистыми и комфортными.

Весенняя путина

• 1963
• Холст, масло. 105,0 х 200,0
• Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
• Ж-808

Рыбацкая тема являлась одной из любимых в творчестве астраханского живописца Константина Александровича Титова. Художник был хорошо знаком с радостями и тяготами жизни промыслового рыбака. Ещё обучаясь в художественном техникуме у П. А. Власова, будущий живописец вынужден был оставлять учёбу и отправляться в море, работать помощником моториста на рыбнице и помогать семье. 

«Весенняя путина» входит в число лучших произведений художника. Написанное в год 50-летнего юбилея живописца, оно стало своеобразным промежуточным итогом первых 25 лет творческой деятельности. Эта картина была одной из ключевых на Первой зональной тематической выставке «Большая Волга», в августе 1964 года в Куйбышеве.

В статье о творчестве Титова, помещённой в каталоге выставки 1965 года, искусствовед О. М. Рындина писала: «Холодом веет от бурых вод Волги. Это большая вода. Вдали рыбницы, реюшки и маленькая полоска земли с избами рыбачьего посёлка. На первом плане на нас движется невод. Его тянет дружная группа рыбачек и рыбаков. Ещё последние усилия. Притонение. И радость завершения нелёгкого труда, радость богатого улова. В лодке – рыбак в борьбе с большой рыбиной. Просто и убедительно дана эта сцена».

Над картиной «Весенняя путина» Константин Титов работал два года, часто подолгу жил и рисовал, наблюдая труд рыбаков на тоне «Белячья» в районе села Житное Икрянинского района Астраханской области. Помогали художнику и давние жизненные наблюдения. Этой картиной он не только воспел доблестный труд рыбаков Волжского понизовья, но и показал природное богатство и изобилие края.

Работа Титова в рыбацких сёлах и совхозах не ограничивалась созданием жанровых сцен из жизни рыбаков. Он принимал активное участие в открытии первой народной картинной галереи в селе Бахтемир Икрянинского района. В начале 1990-х годов К. А. Титов был одним из первых деятелей искусства Астрахани, открыто заявившем о необходимости возвращения Астраханской картинной галерее имени её основателя П. М. Догадина.

Мост строится

• 1963
• Картон, масло. 46 х 64
• ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
• Ж-2082 АОМИИ

Архангельский живописец Дмитрий Кузьмич Ширяев создал сотни произведений, на которых изображён любимый город Архангельск.

В 1958 году в Архангельске началось строительство моста через русло Северной Двины. Пятого ноября 1964 года железнодорожный и автомобильный мост был торжественно открыт, решив многие транспортные проблемы Архангельска. Он стал самым северным разводным мостом в мире, что позволило пропускать крупнотоннажные суда по реке.

Ширяева захватил процесс строительства моста и размах проводимых работ. На картине «Мост строится» (1963) изображена панорама реки. В воде виден мощный фундамент железобетонных колонн-опор, на которых закреплена большая металлическая конструкция будущего моста. На переднем плане широкая река, около берега видны части корпусов барж, буксиров. Справа, на палубе буксира, – маленькая фигурка мужчины в черной одежде. Слева, на берегу, стоит  высоковольтная вышка, различаются силуэты разных строений.

Вся композиция картины развёрнута по горизонтали и даёт ощущение основательности, масштаба стройки. Единственная вертикаль в работе – вышка – нарушает спокойный композиционный строй. Низкий горизонт позволил передать водную гладь и размеры будущего моста. Противопоставление огромной конструкции маленьким фигуркам людей на баржах ещё больше подчёркивает масштаб стройки. Общий светло-серый сдержанный колорит картины нарушает тяжёлый, ржавый цвет металлических конструкций.

В последующем картина «Мост строится» и натурные впечатления художника послужили написанию эпической работы «Новостройки Архангельска. Мост через Двину» (1963-1964).

Над Волгой

• Вариант авторский
• 1963
• Холст, темпера, масло. 210 х 160
• Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
• СЖ-117

Большой этап в жизни и творчестве Юрия Боско был связан с Волгоградом, где он жил и работал в 1960-х – первой половине 1970-х годов. Художник создал здесь ряд портретов и жанровых картин, в том числе: «Будни Волгоградской ГЭС» и «Над Волгой» (1960-е, ГТГ; в ВМИИ – авторский вариант), «Волжанка» (1967), «Волгари», «Долорес Ибаррури», «На площади павших борцов», «Сильные парни». Главная тема картины «Над Волгой» – тема труда, покорения природы; ее герои – брутальные строители.

На трудовой вахте

• 1961
• Бумага, линогравюра цветная. 62 × 84 (лист); 46 × 71 (оттиск)
• Череповецкое музейное объединение
• Гр-832

С 1957 года ленинградский график Владимир Ветрогонский постоянно приезжал в Череповец, где жил и творил среди металлургов «Северной Магнитки». Сюда же позже стал привозить своих студентов на практику. Звание «Почетный гражданин города Череповца» присвоено художнику в 1983 году, в день открытия выставки «Дорогами мира», за большой вклад в дело воспитания населения, развития и пропаганды советского изобразительного искусства, за циклы художественных произведений, посвященных г. Череповец.

Дейнека Александр Александрович

Живописец, график, скульптор, монументалист, плакатист.

Учился в харьковском ХУ (1914–1918) у Р. М. Пестрикова, А. М. Любимова, в ВХУТЕМАС (Москва, 1920–1925) на полиграфическом факультете у В. А. Фаворского и Н. И. Нивинского. Член-учредитель объединений ОСТ (1925), "Октябрь“ (1928), РАПХ (1931). Участник выставок с 1924: Первой дискуссионной выставки объединений активного революционного искусства (1924), ОСТ (1925–1928), "Октябрь“ (1928–1930), РАПХ (1931–1932). Руководил секцией ИЗО Губнаробраза (1918), художественной студией при Курском политуправлении (1919–1920). Работал в курском отделении РОСТА, оформлял массовые празднества. В 1930–1960-х участвовал в художественном оформлении станций Московского метрополитена, МГУ на Ленинских горах, Дворца съездов в Кремле. Преподавал в ВХУТЕИН (Москва, 1928–1930; профессор — 1940). Член президиума (с 1958), вице-президент АХ СССР (1962–1966), академик-секретарь отделения декоративных искусств АХ СССР (1968–1969). Герои произведений Александра Дейнеки — молодые люди, в образах которых отразились идеальные представления художника о строителях нового мира — гармонично развитых, сильных, красивых, жизненно активных. Выявить в человеке эти качества мастеру помогают традиции классического искусства с присущим ему культом красоты тренированного тела, подчеркнутой динамичными ритмами композиции.

Пакулин Вячеслав Владимирович

Живописец, график, художник театра. Учился в ЦУТР (1916–1917; 1920–1922); в АХ–ВХУТЕМАСе (1922–1925) у А. Е. Карева, А. И. Савинова. Участник выставок с 1922. Член и экспонент объединения "Круг художников“ (1926–1932, председатель). Член правления ЛОСХ (с 1932). Член бригады художников (1935) (руководитель А. Н. Самохвалов), работавшей над панно "Хлопок“ для ВСХВ.
Практически все пейзажи блокадного Ленинграда Пакулин писал с натуры. Трагические обстоятельства не помешали художнику проявить свой дар тонкого лирика, мастера со светлым поэтическим чувством.

Куприн Александр Васильевич

Живописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1956). Член-корреспондент АХ СССР.

Родился в семье преподавателя уездного училища. 1899–1901 гг. – учился в Воронежских вечерних классах рисования при Обществе любителей живописи у Л. Г. Соловьева и М. И. Пономарева. 1902–1904 гг. – учился в Санкт-Петербурге в студии Л. Е. Дмитриева-Кавказского. 1904–1906 гг. – учился в школе живописи и рисования К. Ф. Юона и Дудина в Москве. 1906–1910 гг. – учился в Московском училище живописи ваяния и зодчества у Н. А. Касаткина, С. Д. Милорадовича, А. Е. Архипова, К. А. Коровина.

С 1910 г. – был членом объединений: «Бубновый валет» «Московские живописцы» и «Общество московских художников». 1913–1914 гг. – посетил Италию и Францию. 1918–1922 гг. – преподаватель в Свободных художественных мастерских Москвы, Нижнего Новгорода, Сормово и других училищах.

1922–1930 гг. – преподаватель в Московском Высшем художественно-техническом институте. 1931–1939 гг. – преподаватель в Московском текстильном институте. 1946–1952 гг. – преподаватель в Московском Высшем художественно-промышленном училище.

1907 г. – впервые приехал в Крым. 1920–1930-е гг. – писал виды Бахчисарая. Самые значительные произведения Бахчисарайского цикла (1950-е гг.). 1950-е–1960-е гг. – создал большие панно: «Эски-Кермен», «Мангуп-Кале» и «Качи-Кальон» (совместно с московской художницей и искусствоведом Е. В. Нагаевской), устраивал выставки в Бахчисарае и окрестных селах.

Осолодков Петр Алексеевич

Живописец, график. Учился в художественной студии Пятой армии в Омске; в 1920–1924 в омском ХПТ; в 1924–1929 во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН в Ленинграде; в 1933–1934 вИЖСА (аспирантура); в 1934–1936 — на курсах повышения квалификации ВАХ. Участник выставок с 1927. Преподавал в изостудиях Ленинграда. Занимался оформлением улиц Ленинграда к праздникам, делал рисунки для журналов и различных ленинградских издательств (конец 1920-х — 1930-е).

Богаевский Константин Федорович

Живописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1933).

Учился у А. И. Фесслера и И. К. Айвазовского в Феодосии (1880-е), в ВХУ при ИАХ (1891–1897) у А. И. Куинджи. Участник выставок с 1898: "Мир искусства“ (1911–1915), "Жар-цвет“(1924–1928), русского искусства в Париже (1906, 1910), Берлине (1906); международных в Мюнхене (1903–1905, 1907), Венеции (1903, 1905, 1911, 1913, 1924), Брюсселе (1910), Риме (1911), Мальме (1914) и др. 

Постоянно жил в Феодосии. Автор романтических крымских пейзажей, изображений архитектурных памятников и вымышленных пейзажей, уводящих в прошлое Киммерии и Тавриды.

1900-е – член и экспонент объединений: «Новое общество художников», «Товарищество южнорусских художников», «Московское общество художников», «Союз русских художников», «Мир искусства» II. Его произведения были отмечены на международных выставках мюнхенского «Сецессиона» и парижского «Осеннего салона», в Венеции и Риме.

1920-е – сделал ряд зарисовок исторических и архитектурных памятников Крыма по заданию Крымского комитета по охране памятников искусства и старины (Крымохрис).

1923 – создание серии автолитографий «Пейзажи Киммерии». 1925 – работал в Алупке.

В 1933 году получил звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. В 1936—1939 году работал в Тарусе.

В 1941 году оказался в оккупации, погиб в 1943 году при бомбардировке Феодосии немецкой авиацией. 

Неизвестный художник

Хвостенко Василий Вениаминович

График, живописец-монументалист, возродивший технику энкаустики – живописи восковыми красками. Родился 15 августа 1896 в слободе Борисовка Грайворонского уезда Курской области в семье потомственных русских живописцев. Его прадед, дед и отец были иконописцами. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1910–1917), где его учителями были А. Е. Архипов, В. Н. Бакшеев, Н. А. Касаткин, К. А. Коровин, А. М. Корин, С. В. Малютин, Л. О. Пастернак и др. Член Ассоциации художников революционной России (АХРР). В 1919–1920 работал декоратором в 1-ой армии Туркфронта.

Участник художественных выставок объединения «Свободное творчество», Союза русских художников, АХРР и других. В 1920 был командирован в Главполитпросвет, где работал в «Окнах РОСТА» вместе с В. Маяковским, Н. Денисовским, М. Черемныхом. В 1927 в Париже на Всемирной выставке декоративного искусства получил Большую премию. В 1930-х выполнил большую серию графических рисунков, посвященную строительству угольных шахт и заводов на Урале. В 1941–1945 писал картины на тему ВОВ, в 1950-е работал над политическими плакатами. В последние годы одновременно с живописью работал в области скульптуры. Умер 13 августа 1960 в Москве. Похоронен в д. Конев-Бор.

Графические листы художника «Магнитка строится» (1931, бумага, гуашь. 19,5х28), «Разработка котлована» (1931, бумага, гуашь, тушь. 75х55), «Первые рабочие» (1931, бумага, тушь. 84х49), «Сверловщицы» (1931, бумага, тушь. 54х49), «Магнитогорский металлургический» (1933, бумага, гуашь. 48х69), «Осмотр двигателя» (1934, бумага, сангина, гуашь. 48х69) экспонировались на юбилейной выставке «50 лет Магнитогорску» (Магнитогорск. 1979). Работы художника находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Кемеровского областного музея изобразительных искусств, Государственного историко-краеведческого музея г. Борисовка, Магнитогорской картинной галереи, в других музеях и частных коллекциях России.

Сашин (Васькин) Андрей Тимофеевич

Живописец, график, театральный художник.

Родился в д. Четовицы Духовщинского уезда Смоленской губернии. Через некоторое время семья переехала в Смоленск. В 1915 призван в армию. После революции служил в РККА (1919-1922). Учился С 1924 по 1927 учился во ВХУТЕИНЕ в мастерской К.С. Петрова-Водкина. Член группы «Мастера аналитического искусства» (1926–1930), ученик П. Н. Филонова. Член АХР (1929–1932). Член Союза художников (с 1932). Художник в клубе медработников (1928–1929), руководитель кружка ИЗО при заводе «Красный путиловец» (1931). Работал в Ленизо (1929–1941). Преподаватель Нежинского педагогического института им. Н. В. Гоголя (1945). Работал в Ленинграде художником в Художественном фонде и Ленизо (с 1946). Ежегодно участвовал в выставках ЛОСХа (с 1953).

Строев Петр Феонович

Живописец.

Родился в Пензе. Детство и юность художника прошли в Сибири. В 1914–1918 учился в Иркутской учительской семинарии, а с 1922 по 1926 – в Иркутской государственной художественной мастерской. Продолжил обучение во ВХУТЕИНе, где был зачислен на 2-й курс живописного факультета, на следующий год был переведён на 3-й курс монументального отделения. В 1928 завершил обучение, после чего вернулся в Иркутск.

В 1928–1929 занимался педагогической деятельностью. Позднее переезжает в Ленинград, где в 1930-х ‒ начале 1940-х участвует в ряде ленинградских и московских художественных выставок. В 1935 стал членом Ленинградской областной организации Союза художников СССР. Пишет ряд жанровых картин: «В свиноводческом совхозе» (1932), «В совхозе птицетреста» (1934), «Текстильный комбинат в Кировобаде» (1937‑1938 гг.) и другие.

Лизак Израиль Львович

Живописец, график. Учился в 1916–1918 в РШ ОПХ; в 1919–1925 в ПГСХУМ–ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН, в 1922 посещал художественную студию А. Ф. Белого. Участник выставок с 1923. Член СХ с 1932. В 1946–1948 преподавал рисунок на скульптурном отделении в ЛХПТ. В 1930–1935 работал художником в газете «Смена»; в 1949–1951 сотрудничал с различными издательствами; в 1952–1956 работал в Научно-реставрационных мастерских, выполнял живописно-реставрационные работы в соборах и дворцах Ленинграда и пригородов.

Кастеев Абылхан

Народный художник Казахской ССР, Заслуженный деятель искусств СССР, Лауреат Государственной Премии КазССР. Является основоположником казахского изобразительного искусства.

Родился 10 января 1904 года в ауле Чижин Джаркентского уезда, Семиреченской области (ныне Алматинской). Рано оставшись без отца, в 8 лет нанялся в пастухи. В 1927 устроился рабочим на строительство Турксиба. В 1929–1931 учился в художественной студии Николая Гавриловича Хлудова в Алма-Ате. В 1934 участвовал в конкурсе, посвященном Абаю Кунанбаеву, был удостоен почетной грамоты и отправлен на учебу в Москву. В 1934–1936 учился в школе-студии им. Н. К. Крупской в Москве.

В 1930-е годы Кастеев написал целую серию картин «Старый и новый быт». В конце 1930-х выиграл конкурс на написание образного портрета Амангельды Иманова. Участник выставок с 1934. Член СХ СССР с 1940. В годы войны хотел отправиться на фронт, но на него пришла бронь, работал над плакатами на военную тематику. Общался со множеством культурных деятелей со всего Союза, приехавших в Алма-Ату в эвакуацию.

Жил и работал в Алма-Ате с 1929. Имя Абылхана Кастеева носит Государственный музей искусств Республики Казахстан. За серию акварелей «На земле Казахстана» награжден Государственной премией Казахской ССР имени Чокана Валиханова. Художник ушел из жизни в 1973 году, до последнего оставаясь верным своему творчеству.

Чугунов Сергей Александрович

Живописец; автор жанровых картин, портретов. Учился в Петрограде–Ленинграде в 1918 в РШОПХ, в 1918–1919 в Институте гражданских инженеров, в 1920–1925 в ПГСХУМ–ВХУТЕИН (с перерывом); был слушателем курсов повышения квалификации при АХ (1934–1935). Участник выставок с 1925. Член ЛОССХ с 1932. Умер в блокадном Ленинграде.

Мухина Вера Игнатьевна

Скульптор; мастер ДПИ и театрально-декорационного искусства; портретист.

Училась в ХШ К. Ф. Юона в Москве (1909–1911), в студии И. И. Машкова (1911), в скульптурной студии Н. А. Синицкой (1911–1912), в частных академиях Парижа — Ф. Коларосси, La Palette, La Grande Chaumière, у Э. А. Бурделя и в Академии изящных искусств (1912–1914). Участник выставок с 1920.

Попов Иван Васильевич

Народный художник Якутской АССР, родился 7 мая 1874 года в с. Черкёх Ботурусского, ныне Таттинского улуса. Художественное образование  получил  в Петербурге в частной студии художника-передвижника, профессора Педагогических курсов при Академии художеств А.В. Маковского (1903-1905; 1912-1913). Также учился в школе общества поощрения художеств (1903-1904). Умер 8 октября 1945 года в с. Ытык-КюёльТаттинского улуса. С именем первого профессионального живописца прочно связаны основы и становление изобразительного искусства Якутии начала ХХ века.

Веденеев Александр Никифорович

Живописец. Член Ярославского областного Союза советских художников (1934).
Родился и жил в Рыбинске Ярославской области.
Учился в рисовальной школе Общества поощрения художеств, Ленинград (1920-е). Участник выставок в Ленинграде (1926-1927), городских (Рыбинск), областных и республиканских выставок. Произведения художника находятся в собрании Рыбинского ИАиХМЗ, Ярославского художественного музея и в частных коллекциях.

Котов Петр Иванович

Живописец, график, монументалист; автор жанровых картин, портретов, пейзажей, натюрмортов.

Учился: 1903–1909 – художественное училище (Казань) у Г.А.Медведева, В.С.Скорнякова, с 1908 у Н.И.Фешина; 1909–1916 – ВХУ при ИАХ у Г.Р.Залемана, В.Е.Савинского, Я.Ф.Ционглинского, Ф.А.Рубо, Н.С.Самокиша. Участник выставок с 1916.  Член и экспонент: АХРР–АХР – 1923–1928; "Союз советских художников" – 1929–1932. Преподавал: 1919–1922 – Высшие государственные художественные мастерские (Астрахань); 1937–1941 – Киевский ГХИ; 1937–1953 – Харьковский ГХИ; 1944–1948 – ВГИК; 1949–1953 – МГХИ (с 1940 – профессор). Член СХ (с 1932). Лауреат Сталинской премии 1948 за портрет академика Н.Д.Зелинского (1947, ГТГ). Заслуженный деятель искусств РСФСР (с 1946), действительный член АХ СССР (с 1949).

Яковлев Василий Николаевич

Живописец, график, реставратор живописи, искусствовед, литератор. Учился в 1911–1916 на математическом факультете Московского университета; в1913–1914 в студииВ. Н. Мешкова; в 1914–1917 в МУЖВЗ. Участник выставок с 1917. В 1924–1927 работал в Центральных реставрационных мастерских; в 1927–1932 заведовал реставрационной мастерской ГМИИ. В 1938–1939, 1949–1950 был главным художником ВСХВ, в 1948 — Советского павильона на Международной сельскохозяйственной выставке в Праге. Лауреат Сталинских премий (1943, 1948). Народный художник СССР (1944). Действительный член АХ СССР (1947). Доктор искусствоведения (1951).

Голубчиков Николай Порфирьевич

Живописец, монументалист, график, иллюстратор.
Родился 10 декабря 1899 в Екатеринбурге.
В 1919 окончил Екатеринбургские Высшие свободные государственные художественные мастерские, в 1923 – 1930 учился во ВХУТЕМАСе ‑ ВХУТЕИНе у Н. Н. Купреянова, В. А. Фаворского в Москве.
Жил в Свердловске с1932. Иллюстрировал книги для издательства Москвы и Свердловска, работал как оформитель. Преподавал с 1922 года в Екатеринбургской художественной студии «Изо», в 1935–1950 (с перерывами) в Свердловском училище ИЗО – СХУ.
Участник выставок с 1934 ‑ городских, областных, ряд крупных советского искусства, зарубежных и международных.

Ефремов Борис Иванович

Живописец, педагог.

Окончил Омский художественно-педагогический техникум им. М. Врубеля (1931), Одесское художественное училище (1933–1938). Член Ярославского областного Союза советских художников (1939). Руководил Изостудией Ярославского дворца пионеров (1943–1962), подготовил немало профессиональных художников. Принимал участие в областных, межобластных, республиканских и всесоюзных выставках. Также в Ярославле проходили и персональные выставки художника (1957, 1959, 1960). Произведения художника хранятся в собрании Ярославского художественного музея, а также в частных коллекциях.

Кербель Лев Ефимович

Бачинин Николай Иванович

Живописец. Народный художник РСФСР. 1934-1938 гг. – занимался в изостудии Дома пионеров и Дома народного творчества г. Омска. 1938-1940 гг. – учеба в Омском художественно-педагогическом училище, у А. И. Козлова, М. К. Легчилова (не окончил), работал в омском товариществе «Художник», одновременно брал уроки у художника А. Н. Либерова. 1943-1946 гг. – учеба во Всероссийской Академии художеств у Б. А. Фогеля, П. П. Белоусова, М. Д. Берштейна (не окончил). В 1948 в качестве поощрения был отправлен в Москву в студию повышения квалификации, руководитель Б. В. Иогансон. Участник выставок с 1943 года. Член СХ СССР c 1948 года. С 1950 г. жил и работал в Кемерово. 1958 г. – стажировка в Доме творчества «Академическая дача» им. И. Е. Репина. В 1995 г. учреждена ежегодная кузбасская премия имени Николая Ивановича Бачинина за наиболее талантливые, отличающиеся новизной и оригинальностью произведения живописи, получившие общественное признание и являющиеся значительным вкладом в культуру Кузбасса. 

Горелов Гавриил Никитич

Живописец. Учился в Пензенском училище у К. А. Савицкого (1898–1903); ВХУ при ИАХ (1903–1911) у И. Е. Репина, Ф. А. Рубо, П. П. Чистякова; пенсионер ИАХ в Италии, Франции, Германии (1911–1912). Участник выставок с 1904. Член и экспонент: ТПХВ (1912–1916); ТЮРХ (1906–1909); Общество им. Репина (1924–1929); АХР(Р) (1924–1926). Член СОРАБИС (1918). Член СХ (с 1939). Преподавал: Харьковское училище (1914–1915); МХУ (1937–1938). Заслуженный деятель искусств РСФСР (с 1947). Действительный член АХ СССР (с 1953). Лауреат Сталинской премии (1950).

Теннисный корт

• 1985
• Холст, масло. 160,0 х 170,0
• Белгородский государственный художественный музей
• Ж-1931

В творчестве ленинградской художницы Веры Андреевны Мельниковой соединились традиции реализма с неустанными поисками новых пластических решений, глубокое эмоциональное звучание, экспрессия, многообразие цветовых решений.

В фондовом собрании Белгородского государственного художественного музея хранится произведение В. А. Мельниковой «Теннисный корт» (1985). Тема спорта увлекала художников в разное время, а в 1980-х годах к ней обращались мастера, вдохновлявшиеся недавно прошедшими в Москве ХХII Летними Олимпийскими играми (1980). Работа «Теннисный корт» представляет собой сюжетную композицию, в которой художница изображает играющих в теннис и наблюдающих за игрой девушек. Работа выполнена в характерной для автора живописно-пластической манере, она привлекает виртуозным владением цветом и формой. В картине преобладают различные оттенки зеленого с несколькими цветовыми акцентами белого, синего, красного. Обращает на себя внимание контраст динамично построенного основного сюжета с фигурами девушек в разных ракурсах и статичных городских многоэтажек и деревьев за ограждением корта.

Наш тренер

• 1983
• Холст, масло. 150 × 120
• Симферопольский художественный музей
• Ж-1140

Картина «Наш тренер» крымского художника Василия Гурина поступила в Симферопольский художественный музей в 1984 году из Дирекции выставок Союза художников УССР.

Сюжет картины свидетельствует об актуальности темы спорта в советском искусстве, от полотен А. А. Дейнеки 1930‑1950-х годов до многочисленных произведений, посвященных Летним Олимпийским играм 1980 года.

Воскресный день в горах Алатау

• 1982
• Холст, масло. 200 х 160
• Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
• ИНВ 307

На картине известного казахского художника Жанатая Шарденова мы видим горный зимний пейзаж. На первом плане изображены фигуры лыжников. Одни – поднимаются по лыжной тропе вверх, другие – катятся со склона вниз. Справа и слева от тропы – высокие голубые ели. На втором плане, в центре композиции, расположен небольшой деревянный домик. На третьем плане – высокие горы. На горах лежит снег и растут елки. Сверху – узкая полоска серо-синего неба. В правом нижнем углу – трое восходящих лыжников в белом, красном и синем костюмах. С противоположной стороны лыжной тропы, слева, около елки художник изобразил лыжницу в бирюзовом костюме. Она, присев, надевает лыжи. Двое лыжников катятся вниз. У всех в руках лыжные палки. На них специальная спортивная одежда – непромокаемые куртки и  штаны, вязаные шапки, перчатки, сапоги и защитные очки. В этой картине можно узнать особый почерк художника – это уникальная техника пастозной живописи, то есть работа плотными, непросвечивающими мазками. Картина «Воскресный день в горах Алатау» посвящена одному из самых  живописных и красивейших мест нашей страны.

Прыжки с трамплина на приз газеты «Советский Сахалин»

• 1981
• Картон, масло. 70 х 160
• Сахалинский областной художественный музей
• Ж-583

В конце 1970-х – начале 1980-х годов культурно-политическая ситуация в стране качественно меняется в сторону открытого и порой нелицеприятного диалога общества со своим гражданином. В сахалинском искусстве Манткава одним из первых чутко реагирует на проявление советского гуманистического кризиса. В своём творчестве художник отступает с переднего плана событий в их глубину. Его творческий анализ носит не столько оценочный, сколько созерцательный характер. От конкретных лиц и характеров художник уходит в сюжетную массовку, как в работе «Прыжки с трамплина на приз газеты "Советский Сахалин"» (1981), сохраняя пристрастие к сахалинскому пейзажу, благодаря чему картина носит пейзажный характер.

Вратари советского хоккея (Н. Пучков, В. Третьяк и В. Коноваленко)

• 1979
• Холст, темпера. 169 × 264,5
• Ярославский художественный музей
• Ж-1881

Знаменитые вратари, в разное время защищавшие ворота легендарной «красной машины» – сборной СССР по хоккею, – олицетворяют собой три десятилетия хоккейной истории. Слева изображен Николай Пучков (1950-е), справа – Виктор Коноваленко (1960-е), в центре – Владислав Третьяк (1970-е).

После грандиозных побед на Олимпийских играх, Чемпионатах мира, Николай Пучков являлся старшим тренером юниорской сборной страны, где в своё время воспитывался Владислав Третьяк. Виктор Коноваленко же, прозванный «русским медведем», по завершении карьеры в сборной передал свой свитер с № 20 молодому Владиславу. Символично, что фигуры «старших коллег» обращены к действующему вратарю сборной СССР. Произведение «Вратари советского хоккея», созданное представителем одесской школы живописи Валентином Григорьевичем Людвиком в 1979 году, демонстрировало преемственность поколений в советском спорте и выражало надежды на новые победы в преддверии предстоящих зимних Олимпийских игр 1980 года.

Советский спорт. Марафон

• 1979
• Холст, масло. 175 х 181
• Калининградский музей изобразительных искусств
• Ж-2570

Индулис Зариньш – латышский художник-живописец и педагог. Народный художник СССР (1986). Лауреат Ленинской премии (1980). Преподавал в Латвийской государственной академии художеств с 1958. С 1988 был ректором Академии. Для работ И. Зариньша характерны экспрессивный колорит, контрастные цвета. В 1960–1970-х годах особенно заметно влияние «сурового стиля», темами картин были преимущественно люди труда, строители социализма, деятели революции и участники гражданской войны.  В своих произведениях тяготел к строгой ритмической организации композиции и эмоциональной звучности цветового решения. 

В картине «Советский спорт. Марафон», написанной в 1979 году, изображены бегущие крепкие мускулистые спортсмены, выполненные достаточно монументально на фоне голубого неба и оранжево-красных флагов.

В. И. Постоянов – заслуженный мастер спорта

• Из серии «Мои герои»
• 1978-1979
• Плита твердая, темпера, лак. 100 х 142
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• ЖК-599

Портрет-картина «В. И. Постоянов – заслуженный мастер спорта» – одна из работ серии «Мои герои», созданной В. С. Чекмасовым в 1960-х – 1970-х годах. Ряд работ серии художник посвятил известным в Карелии и России спортсменам.

На данном холсте изображён Валерий Иванович Постоянов (1941–2018), заслуженный мастер спорта, мастер спорта СССР международного класса, судья международной и всесоюзной категорий, физик по образованию. Двенадцатикратный чемпион мира по пулевой стрельбе, восьмикратный серебряный призёр чемпионатов мира, победитель чемпионатов Европы, 25-кратный чемпион СССР в командном и личном зачётах, участник Летних Олимпийских игр 1972 и 1976 годов, Арбитр на Летних Олимпийских играх 1980 года.

Тренироваться он начал в стрелково-спортивном клубе ДОСААФ Петрозаводска. В 1967 году выполнил норматив мастера спорта СССР международного класса, вошёл в состав сборной команды СССР по стрельбе. В течение пяти лет являлся капитаном сборной команды СССР по стрельбе. В 1983–1989 годы возглавлял Спортивный комитет Карельской АССР.

Портрет спортсмена Хамслова

• 1977
• Холст, масло. 110 х 70
• Республиканский музей изобразительных искусств (Йошкар-Ола, Республика Марий Эл)
• Ж-85

Народный художник Мордовской АССР Владимир Дмитриевич Илюхин обозначил приоритеты своего творчества – увлеченность исторической и национальной темой, портретом и пейзажем. Он обратил особое внимание на образы людей – неизменных подвижников: крестьян и творческих личностей, своих земляков. Портрет спортсмена Хамслова – изображение человека нового типа, советского героя – человека сильного, уверенного в себе, красивого нравственно и физически.

Возле старых сараев

• 1975
• Холст, масло. 140 x 150
• Государственный Русский музей
• Ж-9347

Заслуженный тренер СССР Д. П. Коркин с учениками

• 1971 (?)
• Холст, масло. 195 х 211
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-1279

Для творчества якутского художника Афанасия Осипова характерно монументальное масштабное видение, широкая манера тонового письма, чистота и тональная согласованность цветов, жанровое разнообразие. В его полотнах впервые прозвучали многие темы: спорт, новостройки Якутии, проблема сохранения природы и др.

В результате стилистических поисков якутского живописца появилась картина «Заслуженный тренер СССР Д.П. Коркин с учениками (Чурапчинская школа)». Изображение спортсменов занимает всю нижнюю часть холста. Они написаны чуть сверху — такой ракурс создает эффект присутствия, будто зритель с трибун наблюдает за тренировкой. Мускулистые фигуры тела юношей в ярких трико, их золотисто-жёлтый цвет кожи на картине уравновешены светлым акцентом — белыми костюмами юных учеников.

В центре изображён Дмитрий Коркин – якутский советский тренер по вольной борьбе, заслуженный тренер СССР. В правом верхнем углу атлетические снаряды – подвесные кольца – смыкаются, напоминая пять колец олимпийской символики. Так Афанасий Осипов подчёркивает, что именно Дмитрий Петрович Коркин воспитал лучших мировых борцов первой половины 1970-х годов – олимпийских чемпионов Романа Дмитриева и Павла Пинигина.

Это одна из картин Осипова, созданных за очень короткий срок. Так, еще в феврале 1971 года, находясь в Чурапче, он только собирал натурный материал и разрабатывал первые варианты композиции, занимательные своей натурной достоверностью, но весьма далекие от окончательного варианта. А уже к концу апреля картина была завершена. Картина о буднях и романтике якутских спортсменов успешно экспонировалась на Всесоюзной и Международной художественных выставках, посвященных Мюнхенской олимпиаде 1972 года, в ходе которой газета «Советская культура» отметила, что произведение якутского художника – одно из лучших на выставке. Также в 1971 году это полотно с успехом было представлено на Всесоюзной художественной выставке «Физкультура и спорт в изобразительном искусстве».

Девушка с цветком

• (не окончена)
• 1970
• Холст, масло. 117,0 х 76,0 см
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-3263

Тема спорта, в частности, портрет девушки-спортсменки, проходит через все творчество Александра Самохвалова. Для него спорт – это жизнь, и его героини – всегда свежие, обаятельные и радостные девушки, являющие эталон красоты и здоровья, чистоты и молодости. В этих образах воплотилась идея «нового человека» советского времени, имеющего целостный характер и стремящегося к будущим свершениям.

Именно этот характер, созданный еще в 1932 году в картине «Девушка в футболке», воплотился в незаконченном произведении «Девушка с цветком» 1970 года. Модель стала более стройной и грациозной, более нежной и милой, что подчеркнуто цветком в руке, но все той же сильной и закаленной «строительницей жизни», о чем говорит ее волевая осанка.

Гимнасты СССР

• 1964–1965
• Оргалит, левкас, темпера. 270 x 215
• Государственный Русский музей
• Ж-8816

Творческие устремления художника более всего проявились в жанре портрета и его разновидности портрете-картине. Одна из особенностей искусства Жилинского заключается в том, что он выявляет в конкретном не сиюминутное, а главное, устойчивое, определяющее личность человека. Жилинский тяготеет к образам ясным, собранным, интеллектуальным, опираясь в создании их на искусство старых мастеров, прежде всего раннего итальянского Возрождения и древнерусскую живопись. Открытая обращенность к этому наследию в создании современных образов воспринимается как программа. «В искусстве люблю точность выражения, завершенность формы, в моем, конечно, понимании…» Произведения Жилинского красивы декоративностью чистых цветовых тонов, мелодичностью линий, пластикой силуэтов, гармонией композиции. Не вполне обычна и техника его письма. Художник нередко пишет темперой по левкасу, что придает повышенную колористическую звучность работам.

«Гимнасты СССР» — в сущности групповой портрет известных советских спортсменов, завоевавших командой и в индивидуальном зачете первые места на Олимпиадах, первенствах мира и Европы. Среди них — на дальнем плане Полина Григорьевна Астахова (1936–2005), трехкратная олимпийская и двукратная чемпионка мира, Борис Анфиянович Шахлин (1932–2008, «железный Шахлин», как его называли спортсмены и зрители за спортивное мужество и волю к победе), трехкратный олимпийский и двукратный чемпион мира, Юрий Евлампиевич Титов (род. 1935), олимпийский чемпион и абсолютный чемпион мира, впоследствии президент международной федерации гимнастики. Происходит своеобразная индивидуальная настройка мысли, воли, чувства. Это видно в лицах, ощутимо в выразительности жестов. Ясность и четкость композиции, острота ракурсов, чистота цвета, как и персонажи, по-своему психологичны. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 297.

Произведение отличается повышенным интересом к выражению индивидуальности каждого, что вполне соответствует духу времени середины 1960-х годов.

Гимнастика

• 1963 г.
• Холст, масло. 130,0 х 65,0
• Белгородский государственный художественный музей
• Ж-1284

Образы мастера московской школы живописи Бориса Тальберга – одно из наиболее ярких и последовательных выражений развития художественной концепции 1960-х в области монументальной живописи (борьба против неоакадемизма). Тальберг разрабатывал тему спорта.

В собрании Белгородского государственного художественного музея хранится картина «Гимнастика» (1963), которая была передана из Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» в 2007 году. К теме спорта обращались многие советские художники, и Тальберг – не исключение. В своей работе автор изображает юных гимнасток в перерыве между тренировками. Три девушки живо общаются, сидя на скамейке, справа виден рояль, под музыку которого, молодые спортсменки репетируют свои выступления. Одна гимнастка стоит на бревне, продолжая оттачивать свое мастерство. Художник выстраивает композицию по диагонали слева направо, останавливая ее ниспадающее движение жесткой ровной линией бревна. Зритель смотрит на происходящее сверху, и, благодаря такому сложному ракурсу, при минимальном количестве деталей картина выглядит динамичной и передает энергию спорта. Красный цвет пола также подчеркивает задор спортивного духа гимнасток и стремление к победе.

Хоккей

• 1961
• Холст, масло. 136,0 x 139,0
• Мурманский областной художественный музей
• Ж-235

Александр Александрович Дейнека – советский живописец, монументалист, график, педагог, профессор. Дейнека плодотворно работал над темой спорта, постоянно возвращался к ней в своих графических работах, картинах, эскизах мозаик.

Массовый интерес к спорту возник во всём мире в конце XIX -начале XX века. После Октябрьской революции спорт, как и другие сферы государственной жизни, получил централизованное управление. С первых лет Советской власти осуществляется программа массового развития физической культуры во всех районах страны. Занятия проводятся по государственным программам с оценкой знаний, умений и навыков. Были задействованы все, и художники отражали спортивную жизнь в своих полотнах.

Александр Дейнека не понаслышке знал, что такое спорт и как он дается, сам был спортсменом и любил наблюдать за другими.

Художник писал: «Я люблю спорт. Я могу любоваться часами на бегунов, пятиборцев, пловцов, лыжников. Мне всегда казалось, что спорт облагораживает человека, как все красивое».

В его архиве найдено множество натурных набросков, сделанных во время различных спортивных мероприятий (боксерские схватки, лыжные забеги, хоккей, футбол). Автор часто использовал фотографию для изучения мгновенных действий.

Сюжетная композиция «Хоккей» является подготовительной работой для мозаичного панно «Хоккеисты», вошедшего в серию мозаик «Люди Страны Советов». На картине изображен миг захватывающей борьбы, азарт спортивного соревнования. Фигуры хоккеистов динамичны, автору мастерски удалось запечатлеть их в движении. Спортсмены воплощают собой широкую идею молодости, борьбы, победы, испытания и веры в будущее.

В 1964 году Александр Дейнека был удостоен Ленинской премии за комплекс мозаик, среди которых и «Хоккеисты».

Лыжники

• 1956
• Бумага, литография. И.:58,5 х 44,5. Л.:81,8 х 59,3
• Государственный Русский музей
• С.Гр.-9229

Стадион в Егорьевске

• 1956
• Масло, холст. 29,5 х 49,5
• Егорьевский историко-художественный музей
• Ж 505

В начале ХХ века в Егорьевске, как и во всей стране, начал бурно развиваться футбол. В свое время большое влияние на этот процесс оказали инженеры-англичане, работавшие на текстильной мануфактуре братьев Хлудовых. В городе было несколько футбольных команд – «Хлудовцы», «Бардыгинцы», названные так по имени владельцев предприятий, работники которых были членами команд.

Еще одна егорьевская команда – «Касимовцы» получила имя от места тренировки на футбольном поле, расположенном недалеко от проходившего Касимовского тракта. Команда состояла, в основном, из офицеров Моршанского полка, квартировавшего в Егорьевске в 1892–1914 годах. В середине ХХ века Текстильное промышленное объединение Егорьевска, куда входило несколько фабрик, построило на месте этого поля благоустроенный стадион, который мы видим на картине Бориса Кузнецова «Стадион в Егорьевске» (1956). В разное время он носил названия «Красное знамя», «Меланжист», «Текстильщик», «Витязь». Ныне это стадион «Мещера», расположенный в центре Егорьевска, в его исторической части. 

На высокогорном катке

• 1955
• Холст, масло. 100 х 150
• Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
• Ж-812

Картина «На высокогорном катке», написанная основоположником казахского изобразительного искусства Абылханом Кастеевым в 1955 году, считается одним из наиболее известных и популярных произведений мастера, созданных в период его творческой зрелости. На ней запечатлен знаменитый на весь мир высокогорный каток Медео, расположенный в горах Заилийского Алатау, недалеко от Алма-Аты, бывшей в те годы столицей КазССР. Необыкновенный по красоте вид покрытых снегом высоких горных вершин, посреди которых расположена искрящаяся, словно изумруд в лучах солнца, «чаша» катка, создаёт величественную картину новой социалистической действительности, выражает идею всепобеждающей силы разума и воли советского человека.

А. Кастеев изображает пеструю толпу людей, пришедших посмотреть на это очередное «социалистическое чудо» и стать зрителями первых спортивных соревнований. Развевающиеся яркие флаги, пестрая масса окруживших каток горожан, величественные снежные вершины молчаливо взирающие на происходящее – все это создает необыкновенно радостную и торжественную атмосферу народного праздника. В этом полотне А. Кастеев демонстрирует свой уникальный дар пейзажиста, умение выразить широкую гамму эмоций, рожденных от созерцания удивительной по красоте картины родной природы.

Высокогорный каток Медео

• 1954
• Холст, масло. 71,5 х 80
• Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
• Ж-909

В середине 1950-х годов А. Кастеевым были созданы первые значительные произведения в жанре пейзажной живописи, которая в сталинское время занимала вторичное положение к тематической картине и портрету. Одним из них является небольшая по размеру картина «Высокогорный каток» написанная художником в 1954 году на основе сделанного с натуры акварельного этюда. Знаменитый на весь мир спортивный каток Медео, расположенный в одном из живописных ущелий Заилийского Алатау, недалеко от Алма-Аты был сдан в эксплуатацию в середине 1950-х годов и стал популярным местом отдыха горожан и гостей республики. Особенностью композиционного решения картины является то, что в ней мы не видим самого катка, а основную часть холста занимает изображение горного зимнего пейзажа. А. Кастеев  изображает огибающую холмы длинную вереницу людей, движущуюся и от нижнего края картины, в сторону виднеющегося вдали величественного спортивного сооружения, обозначенного рядом красных флагов. Колорит картины, построенный на соотношении холодных голубоватых оттенков, передает атмосферу морозного солнечного дня. Основное внимание Кастеев сосредотачивает на изображении эпического горного пейзажа, на фоне которого мы с трудом различаем удаленную в глубину картины стену катка и силуэты идущих по снегу людей. Целью создания Кастеевым серии  картин на тему высокогорного катка Медео явилось  его стремление показать безграничность мысли и воли человека, способного укротить природную стихию, заставить ее служить на благо людей.

На катке

• 1950
• Холст, масло. 118 х 131,5
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-497

Обращаясь к теме спорта, досуга, живописец Анатолий Никич-Крилический находит новые, более яркие черты своих молодых современников. На картине «На катке», написанной в 1950 году, фигуры катающихся даны крупным планом. Вся атмосфера и воздух картины буквально пропитаны духом 1950-х. Вытянутая по вертикали композиция, совмещение крупного первого плана с панорамным показом места, цветовое решение картины, позволили показать автору атмосферу зимнего городского пейзажа.

Работа полна светлого восприятия бытия. Воскресный город, яркие транспаранты и общий мажорный колористический строй – все это сообщает картине оптимистичность и жизнерадостность. Художник заставляет нас не только видеть, но и слышать свое полотно. Мастер включает зрителя в стремительное движение снующих по льду людей, в шумный ритм катка. Стальные лезвия с визгом режут лед под звучащую бравурную музыку. Аромат мандаринов в руках девушки смешивается с морозным воздухом и создает праздничное настроение. Живописец любуется красотой, силой и азартом своих героев, разрумянившейся девушкой, ее улыбкой... Вот сейчас она вздохнет поглубже и понесут ее коньки под звуки музыки сквозь снежинки навстречу счастью, любви и молодости!

Лыжная прогулка

• 1948
• Холст, масло. 160 х 200
• Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону

В своём творчестве Роман Васильевич Гершаник обращался к темам революционных событий, детства и спорта. В «Лыжной прогулке» художник через красивый, наполненный морозным воздухом зимний пейзаж, художник передал романтическое настроение молодых людей. Легкими движениями кисти Гершаник мастерски создал ощущение мягкого пушистого снега. Девушка и юноша с высоты холма, покрытого снегом первыми, прокладывают лыжню. Не выходя за рамки традиций соцреализма, живописец написал удивительно тонкое, светлое, наполненное дыханием жизни произведение.

Суворовцы на лыжах

• Конец 1940-х
• Цветная литография. И.:33,5х41,4. Л.:42,3х57,7
• Государственный Русский музей
• С.Гр.-16133

Хоккей на стадионе «Динамо»

• 1948
• Холст, масло. 87 х 117,5
• Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева

На картине Виктора Мидлера изображена игра в хоккей с мячом, на что указывают большое число находящихся на поле игроков (по правилам каждая команда должна состоять из 11  хоккеистов, включая вратаря), форма клюшек и необычно низкие ворота, которые видны слева и почти наполовину обрезаны краем холста. Стоящий перед ними вратарь в темной форме изображен, как и положено, без клюшки. Ворота такого типа действительно существовали в «русском хоккее» (являясь одной из особенностей, отличавших его от английского «хоккея-бенди») до середины 1950-х годов, когда была организована Международная федерация, разработавшая единые для всех национальных команд правила игры. С этого времени высота ворот в хоккее с мячом превышает два метра.

Композиция написана в раскованной импрессионистической манере в соответствии с основными принципами пленэрной живописи. Художник убедительно передал динамику спортивного состязания. Однако главной задачей для него всё-таки было запечатлеть красочное зрелище морозного зимнего дня: пробивающиеся сквозь облака солнечные лучи, зажигающие белизну снега и льда ярким золотистым свечением; игру цветных рефлексов на гладкой поверхности катка; влажную голубоватую дымку, окутывающую деревья и здания на дальнем плане; пестроту заполненной болельщиками трибуны. Сложное колористическое построение картины основано на гармоничном созвучии тончайших цветовых нюансов: основная холодная сиреневато-голубая красочная гамма смягчена теплыми охристыми, розовыми, красными, коричневатыми тонами.

Раздолье

• 1944
• Холст, масло. 204 x 300
• Государственный Русский музей
• Ж-4500

В последний год войны в суровой палитре Дейнеки появляются радостные краски. Летом 1944 года он завершил начатое еще до войны панно „Раздолье". Первоначальные поиски относятся к 1936 году, когда был выполнен графический лист „Бегунья". Тема картины с ее оптимистической идеей мирной жизни после победы была чрезвычайно актуальной. В обширном литературном наследии художника есть строки, эмоционально почти идентичные сюжету: „Бывает, когда вас охватывает задор <...>, когда человеку хочется куда-то бежать <...> со смехом и задором смотреть на жизнь".

Форма панно диктовала декоративность изобразительного языка, пластическую упрощенность форм. Резкое сопоставление планов придает одновременно стремительность движения фигурам молодых и сильных девушек-спортсменок и плавный „раздольный" ритм панорамному пейзажу. Картина воспринимается словно радостная песня-гимн необозримым просторам родной земли. Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006. С. 224-225.

Физкультурный парад

• Панно
• 1939
• Холст, масло. 916 х 1460
• Государственный Русский музей
• Ж-6804

Панно написано бригадой художников: Ю. И. Пименов (руководитель), В. А. Васильев, Е. С. Зернова, К. К. Купецио, И. Л. Пастернак, Т. А. Покровская, Б. А. Шатилов, И. Д. Штанге.

Панно „Физкультурный парад" экспонировалось в зале гра­достроительства советского павильона на Международной выставке в Нью-Йорке в 1939 году и служи­ло фоном для шестиметровой архитектурной модели Дворца Советов. Безусловно, это опре­делило и задачу живописного решения — создать нарядную и торжественную роспись, ком­позиционно гармонирующую с макетом Дворца. Поэтому ра­бота над произведением раз­вивалась от конкретного пей­зажа в первоначальном эскизе в сторону большей обобщен­ности и схематичности в боль­шом полотне, что привело к об­легчению центра и распреде­лению масс к богато разви­тым краям композиции. Работа над панно шла по бригадному принципу — раз­делению холста на части, пер­воначальному закреплению их за художниками, постепенно­му размыванию границ меж­ду частями и художниками и сглаживанию стилевого разно­боя. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006.  С. 202.

Сюжетной основой для произведения послужил парад физкультурников на Красной площади, который состоялся в 1939 году и был запечатлен в одной из первых советских цветных кинолент «Цветущая юность».

Высокоточная съемка панно (18 мая 2021)

Лыжники

• 1938
• Бумага, офорт. 58,8х71,2; 48,5х57,3
• Нижнетагильский музей изобразительных искусств
• Г-101

Офорт «Лыжники» создан ленинградским графиком Леонидом Овсянникова в 1938 году.

Появление темы спорта в изобразительном искусстве связано с развитием физической культуры как идеологии советского государства, когда понятие гармоничного человека прочно связалось с патриотизмом. Идея подготовки физически развитого человека была связана с воспитанием гражданина, готового к труду и обороне, к преодолению любых трудностей. Целенаправленное изображение темы спорта определило уже в 1920-е годы возникновение этических и художественно-пластических принципов представления этой темы, которая с1930-х годов более чем на полвека становится одной из ведущих в искусстве. «Здоровый дух в здоровом теле» связывался с оптимизмом, верой в будущее и желанием жить и творить – и это тоже была часть идеологической пропаганды.

Эстамп Леонида Овсянникова в точности отвечает идее вдохновения на подвиги и отражает представление о том, какими должны быть люди страны советской. Однако, художник сводит агитационность к минимуму и наполняет изображение проникновенным лиризмом. Он любуется природой и молодой упругой силой лыжников, умело передает ощущение легкой морозности зимнего дня. Сама композиция напоминает театральную сцену, со стоящим на дальнем плане зданием, замыкающим пространство, и высокими деревьями со сказочно заиндевевшими кронами первого плана. Деревья ‑ кулисы, особняк ‑ задник, а лыжники ‑ актеры, лишь рождающие ощущение веселья. В их искренность не очень верится, но потерянный сегодня нами дух бодрой молодости 1930-х годов сегодня ощущается как ностальгия по прошлому.

Водная станция

• 1937
• Холст, масло. 152 × 216,5
• Ярославский художественный музей
• Ж-2062

Тема занятия водным спортом развивалась Сергеем Лупповым в течение многих лет как в живописи, так и в тиражной печатной графике. «Водная станция» – заказное произведение, выполненное художником для клуба «Текстильщики» города Ногинска Московской области. Данное живописное полотно отличается графичностью, плакатной условностью, обобщенностью, соединяя в себе два подхода. В 1970 году картина была показана на персональной выставке художника в Москве, а впоследствии по решению Министерства культуры поступила в собрание Ярославского художественного музея.

В конце 1920-х – начале 1930-х годов для проведения тренировок и соревнований по водным видам спорта в СССР активно возводились специальные сооружения – комплексные водные станции и стадионы. Для демонстрации яркой спортивной жизни художником избираются крупный формат и сложная многоплановая композиция. Спортсмены являются отражением культа силы, здоровья, маскулинности, они созвучны с античными представлениями об идеалах красоты. В этих людях воплотилась мечта о новом советском человеке, готовом к неустанному труду и активному отдыху.

Кавголовский трамплин

• Эскиз
• 1936
• Холст, масло. 120 x 90
• Государственный Русский музей
• ЖС-1851