Выставка заняла второе место в главной номинации премии «Культура онлайн 2023» – «Лучший онлайн-проект 2023».
Виртуальная выставка подготовлена к 100-летию образования Союза Советских Социалистических Республик. В преддверии этой знаменательной даты Государственный Русский музей выступил с инициативой создания международной межмузейной виртуальной выставки, которую поддержали 56 музеев России и стран СНГ. В рамках виртуальной экспозиции можно увидеть более 1300 произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства из собраний Русского музея, музеев России и стран СНГ – Азербайджана, Беларуси, Казахстана, Кыргызстана и Таджикистана. В ней приняли участие художественные, а также некоторые краеведческие музеи – от Владивостока и Южно-Сахалинска на востоке до Калининграда и Минска на западе, от Мурманска и Салехарда на севере до Баку, Душанбе и городов Казахстана на юге. Выставка продолжает пополняться. 9 февраля 2023 года Русский музей провел онлайн-презентацию этого масштабного межмузейного проекта.
Подробнее
В виртуальной экспозиции, организованной в хронологическом порядке от наиболее ранних произведений 1920-х годов до картин начала 1990-х, выделены тематические разделы, в которых собраны произведения по определенной теме: семья, детство, труд, спорт, культура, праздники, индустриализация, сельское хозяйство, защита Отечества, флот, люди эпохи, события, руководители страны, космос. Советскому дизайну и архитектуре также посвящены отдельные блоки.
Большинство музеев через произведения из своих собраний представили жизнь каждого региона (или республики), показав как важнейшие исторические события, в том числе всесоюзные стройки – от первых гидроэлектростанций до Байкало-Амурской магистрали, так и своих земляков, руками которых в тяжелейших условиях происходило превращение СССР в передовую индустриальную державу. Значительное количество портретов людей созидательного труда, представленных на виртуальной выставке – существенная черта искусства советской эпохи. Это, в первую очередь, – результат государственной политики в сфере культуры, через заказы стимулировавшей художников создавать образы своих современников-тружеников. Именно благодаря этому теперь, в XXI веке, у нас есть счастливая возможность увидеть на картинах советских художников лица людей той эпохи, полные достоинства и уверенности в завтрашнем дне. Среди собранных на выставке произведений можно увидеть яркие и выразительные образы представителей различных профессий, созданные советскими живописцами, скульпторами, графиками в самых разных уголках Советского Союза. Среди них — металлурги Магнитки и шахтеры Донбасса, строители КАМАЗа и нефтяники Каспия, колхозники Кубани и рыбаки Приморья, стахановцы и ударники социалистического труда, геологи и пограничники, спортсмены, инженеры, учителя, врачи, выдающиеся деятели науки и культуры. Немало произведений посвящено героям Великой Отечественной войны, отдавшим свои жизни за мир на советской земле. И, конечно, гордость всей страны – советские космонавты.
Важное место среди собранных произведений занимают картины классиков советского искусства – Ф.С.Богородского, А.А.Дейнеки, А.М. и С.В.Герасимовых, В.П.Ефанова, Д.Д.Жилинского, Б.В.Иогансона, Г.М.Коржева, П.И.Котова, Ю.П.Кугача, А.И.Лактионова, П.П.Оссовского, К.С.Петрова-Водкина, Ю.И.Пименова, В.Е.Попкова, А.А.Пластова, Г.Г.Ряжского, А.Н.Самохвалова, А.П.и С.П.Ткачевых, Т.Н.Яблонской и других мастеров, хранящиеся во многих музеях России.
Именно в советский период происходило формирование региональных школ изобразительного искусства. Большинство музеев предоставили на выставку произведения наиболее ярких представителей региональных школ. Город на Неве представляют классики ленинградской школы живописи и графики – Е.Е.Моисеенко, Б.С.Угаров, Ю.М.Непринцев, А.А.Мыльников, В.Ф.Загонек, Л.В.Кабачек, А.А.Пахомов, Ю.С.Подляский, С.А.Ротницкий, Г.А.Савинов, И.А.Серебряный, А.А.Яковлев, В.А.Ветрогонский, В.С.Вильнер и многие другие авторы; Алтай – А.О.Никулин, В.Ф.Добровольский, Ф.С.Торхов, Г.И.Чорос-Гуркин, В.Н.Костин; Владивосток и Сахалин – Ю.И.Волков, И.А.Ионченков, Г.М.Манткава, Ю.С.Рачев, В.А. Ридель, И.В.Рыбачук, Ю.В.Степанов; Волгоград – И.И.Машков, Ю.И.Боско, А.И.Бородин; Вологду и Череповец – О.А.Бороздин, В.Н.Корбаков, М.А.Ларичев, Д.Т.Тутунджан, В.П.Шварков, Н.М.Ширякин; Красноярск – А.М.Знак, С.Е.Орлов, Т.В.Ряннель; Крым – Н.Я.Бут, В.Д.Бернадский, Ю.В.Волков, Н.Ф.Бортников, Н.С.Самокиш; Мордовию – В.Д.Илюхин, Е.А.Ноздрин, И.И.Сидельников, Ф.В.Сычков, А.П.и В.П.Шадрины, В.Ф.Якуторов; Омск – К.П.Белов, В.Р.Волков, Т.П.Козлов, В.В.Кукуйцев; Республику Марий Эл – А.И.Бутов, Ю.С.Белков, И.В.Ефимов, З.Ф.Лаврентьев; Самару – О.Н.Карташев, В.З.Пурыгин, В.Е.Панкратов; Татарстан – И.К.Зарипов, В.И.Куделькин, Б.И.Урманче, Л.А.Фаттахов, И.М.Халилуллов, Х.А.Якупов; Хакассию – А.М.и В.М.Новоселовы, А.А.Топоев, Г.С.Хлебников; Чеченскую республику – С.Э.-С.Бицираев, О.П.Клюкин, В.К.Мордовин, А.Ш.Шамилов; Якутию – В.Р.Васильев, М.М.Носов, А.Н.Осипов, П.П.Романов, Н.Н.Иннокентьев; Ярославль – А.Н.Веденеев, Г.А.Дарьин, Б.И.Ефремов, Ф.В.Новотельнов, А.Н.Мазитов и другие.
С произведениями художников Донбасса и Украинской ССР можно познакомиться благодаря материалам, которые предоставили Донецкий республиканский художественный музей и Художественный музей «Арт-Донбасс». Жизнь этого региона отразили в своих полотнах Б.И.Вакс, М.Т.Джарты, Г.А.Домненко, В.И.Зарецкий, А.А.Коккель, А.М.Лопухов, С.М.Прохоров, В.В.Терновых, Г.А.Тышкевич, В.М.Черников, В.С.Шендель.
Освоение Севера, его самобытную культуру и быт запечатлели художники из Мурманска, Ненецкого и Ямало-Ненецкого автономных округов, Республики Карелия и Республики Коми, – В.Г.Баранов, А.Н.Безумов, В.Н.Бубенцов, К.Л.Буторов, С.А.Добряков, И.Г.Истомин, В.Г.Игловиков, Э.В.Козлов, П.М.Митюшев, П.Н.Поморцев, Г.С.Райшев, Д.К.Свешников, Г.А.Семаков, Г.А.Стронк, С.А.Торлопов, М.П.Цыбасов, В.С.Чекмасов, Г.А.Шемякин, В.С.Шустов, а также художники, которые приезжали на Север работать, как, например, Ф.А.Модоров, который в 1925 по заданию Ассоциации художников революционной России (АХРР) отправился в Коми с целью изобразить, как народы северных окраин встретили Октябрьскую революцию.
Благодаря сотрудникам Калининградского музея изобразительных искусств, предоставившим на выставку 38 произведений из своей коллекции, можно не только увидеть произведения местных художников (А.Н.Грачева, А.П.Карякина, В.М.Михайловского, М.Г.Пясковского, И.С.Сорочкиной, А.А.Шевченко), воспевших жизнь приморского города и его тружеников, но и познакомиться с творчеством прибалтийских художников — У.Е.Земзариса, И.А.Зариньша, В.М.Вяли, В.Р.Дишлера, произведения которых хранятся в этом собрании.
Интересные произведения декоративно-прикладного искусства прислали Егорьевский историко-художественный музей и Магнитогорская картинная галерея.
Одна из целей выставки – познакомить интернет-пользователей (в первую очередь поколение, которое выросло после распада СССР) с изобразительным искусством республик, входивших в состав СССР, укрепление межнациональных и международных связей в сфере культуры.
Благодаря музеям из Алматы, Атырау, Караганды и Усть-Каменогорска на выставке представлено около семидесяти произведений из музеев Республики Казахстан, в том числе девять произведений основоположника казахского искусства Абылхана Кастеева, в которых прекрасно передан «дух эпохи». Интересные по сюжетам и по художественному воплощению, они отражают характерные явления и важные события тех лет – колхозы, гидроэлектростанции, Турксиб, новостройки Алматы, массовые катания на высокогорном катке Медео. В триптихе «Земля и Время. Казахстан» (1978) из собрания Государственного музея искусств им. А. Кастеева (Алматы) казахский живописец Камиль Муллашев лаконично и содержательно создал романтический образ своей эпохи. Амандос Аканаев в своем полном драматизма триптихе «Поэма о бессмертии» (1985) изобразил известного казахского поэта Олжаса Сулейменова, декламирующего строки своей поэмы о сохранении жизни на земле, о трагических событиях ХХ века, о пережитых народом в течение десятков лет и потрясших мир атомных взрывах и их последствиях.
Антивоенную тематику продолжают картины белорусских художников. Своим трагическим звучанием выделяется полотно И.О.Ахремчика «Защитники Брестской крепости», а также ставшая классикой советского искусства «Партизанская мадонна» М.А.Савицкого (Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск).
Азербайджанский Национальный Музей Искусств (г. Баку) представил произведения классиков азербайджанского искусства – М.Г.Абдуллаева, Б.М.Мирзезаде, Т.Т.Салахова. Чаеводы и ремонтники бакинских нефтепромыслов, деятели культуры и молодые колхозницы ярко и образно представляют жизнь АзССР в советские годы.
Среди произведений киргизского искусства можно выделить полотна его основоположников и первых профессиональных художников – С.А.Чуйкова («Счастливое материнство»), Г.А.Айтиева («На винограднике»), С.М.Акылбекова («На полях Киргизии»), Д.Кожахметова («В отряд к Фрунзе»), хранящимися в Кыргызском национальном музее изобразительных искусств им. Г. Айтиева (Бишкек).
Национальный музей Таджикистана (Душанбе) предоставил на выставку ряд полотен, связанных с важными историческими событиями в жизни республики – картины А.К.Хайдарова «Декрет о земле», «Снятие паранджи» «Физкультурное представление в день провозглашения Таджикской Автономной Советской Социалистической республики 15 марта 1925 г.», а также портреты пионеров и комсомольцев, жанровые произведения о строительстве гидроэлектростанций и уборке хлопка М.А.Абдурахманова, З.Н.Хабибуллаева и других художников.
Благодаря участию музеев из стран СНГ и РФ удалось более полно показать творчество ряда крупных советских художников, наследие которых теперь находится в разных странах. Так, на выставке можно увидеть произведения казахской художницы Г.М.Исмаиловой, которые хранятся в Музее искусств Республики Казахстан им. А.Кастеева (Алматы), Карагандинском областном музее изобразительного искусства, а также в Ярославском художественном музее.
Большинство произведений сопровождаются подробными аннотациями и биографиями художников, подготовленными сотрудниками музеев-участников выставочного проекта. Среди дополнительных материалов к онлайн-экспозиции – виртуальный тур по выставке «Для счастья народа», проходившей в испанском филиале Русского музея в Малаге, на которой были представлены лучшие произведения 1930–1950-х годов из коллекции Русского музея.
Русский музей выражает искреннюю признательность всем музеям, принявшим участие в данном проекте. Отдельная благодарность – музеям, которые предоставили произведения художников тех республик СССР, которые не смогли принять участие в данном проекте. Международная виртуальная выставка «100 лет СССР» продолжает пополняться, но она уже сейчас дает уникальные возможности для исследователей и для всех интересующихся изобразительным искусством этого периода увидеть объединенные в едином цифровом ресурсе произведения из разных уголков Советского Союза, лучше узнать культурное наследие этой уникальной во многих смыслах эпохи в истории не только стран, входивших в это союзное государство, но и всего мира.
1918 год был в творчестве Петрова-Водкина годом натюрморта. Его письма к матери той поры, полные отчетов о повышении цен на хлеб и дрова, – летопись разрушения привычного жизненного уклада. Видимо, пристальное внимание к предметному миру было попыткой фиксации его неудержимо расплывающихся контуров, сопротивления тотальной дематериализации. Автопортрет – пример одного из немногих обращений к другому жанру – итог напряженных размышлений о роли художника в апокалипсические времена, поиск стабильности в глубинах собственной личности. 30 января 1918 года Петров-Водкин был выбран профессором Академии художеств. «Как это ни почетно, ни лестно, но с большими колебаниями беру на себя эту большую задачу. И если бы не тяжелое время для Родины и не опасность, что искусство зачахнет среди всеобщего разрушения, я не имею права отказаться от возможности хотя бы попытки благоустроить нашу высшую школу…». Ответственность связывалась с осознанием открывающихся возможностей построения здания нового искусства новой России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. Такая позиция демиурга-хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета. В соответствии с выдвинутой художником концепцией нового, «планетарного» видения его строгое лицо возникает на пересечении «планетарных» измерений неба и тверди, образующих фигуру креста. Любовь Большакова //Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 159.
В Автопортрете 1918 года исчезла зачарованность, завороженность причастностью к иным мирам, нездешним законам бытия, присущая до сих пор множеству персонажей художника. В почти скульптурной лепке рельефа головы, в рубленности черт лица, в твердости и ясности взгляда художник чрезвычайно точно выразил основной пафос своей жизни той поры – приятие действительности без обманной идеализации ее, приятие мужественное и трезвое, с сознанием неизбежности самопожертвования и готовности к нему. При этом психологическое пространство портрета не ограничено сиюминутностью реального окружения, она включает в себя всю ширь зелено-голубых сфер мироздания, духа, истории… Планетарный принцип, положенный в основу этого произведения, удивительным образом сочетается с концепцией портрета эпохи кватроченто: человек в центре мироздания, возвышенный над миром, героический и одновременно трагически одинокий.
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) – живописец, график, теоретик искусства, писатель. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1930).
Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф.Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А.Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е. Архипова, Н.А. Касаткина и В.А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. С 1908 участник выставок "Золотого руна". Член обществ "Мир искусства" (1910–1922), "Четыре искусства" (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е.Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Автор жанровых композиций, портретов и натюрмортов. Прошел через увлечение символизмом, постимпрессионизмом (искусство П. Гогена и А. Матисса). В своем творчестве основывался на наследии Древней Руси.
Праздник в честь II Конгресса Коминтерна 19 июля 1920 года. Демонстрация на площади Урицкого
1921
ГРМ
Кустодиев Б. М.
Праздник в честь II Конгресса Коминтерна 19 июля 1920 года. Демонстрация на площади Урицкого
1921
Холст, масло. 133 х 268
Государственный Русский музей
Ж-6148
Послеоктябрьская реальность вносила свои коррективы в творчество Кустодиева... До 1917 года не писавший исторических картин, художник теперь время от времени обращался к темам революции и современных политических событий – «Степан Разин» (1918), «Большевик» (1920, ГТГ), «Праздник на площади Урицкого» (1921, ГРМ), «Ночной праздник на Неве» (1923), «Волжская красная флотилия под Астраханью в 1918 году» (1926), «Октябрь в Петрограде» (1927). Первые три вошли в золотой фонд советской живописи. Круглов В.Ф. Кустодиев: между лирикой и гиперболой // Борис Михайлович Кустодиев. К 125-летию со дня рождения. СПб, 2003. С. 17.
Работа над картиной была начата в 1920 году по заказу Петроградского Совета рабочих и солдатских депутатов.
Коминтерн или Коммунистический Интернационал представлял собой международную организацию, созданную для объединения мирового коммунистического движения. Второй Конгресс Коминтерна начал работу 19 июля 1920 года в Петрограде. В нем участвовали делегаты из 35 стран. Один из крупнейших художников объединения «Мир искусства», Борис Кустодиев, был привлечен И. Бродским к написанию полотна, посвященного одному из важнейших событий постреволюционного времени.
В картине с присущей художнику декоративностью, тщательностью характеристики народных типов передана атмосфера празднества представителей разных национальностей, прибывших на Конгресс. Лишенный из-за болезни возможности двигаться, художник на машине Петросовета ездил по городу, внимательно вглядываясь в необычные для него приметы нового в городской жизни, делал натурные зарисовки, проникаясь атмосферой торжества. Все эти наблюдения воплотились в свободной композиции, доминантой которой был разный по интонации красный цвет. Этот цвет в его модификациях наряду с трактовкой массы в целом и отдельных персонажей выражал идею праздника. «Ведь такой улицы надо было дождаться», - воспоминал живописец, убежденный, что «картина должна быть документом нашего потомства». Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 449.
Запечатлевая на холсте, казалось бы с документальной достоверностью конкретное событие, Кустодиев создает тот же, что и прежде собирательный образ массовых народных гуляний, вольно объединяя в одном картинном пространстве разнородные мотивы. Тут показаны десятки различных сценок, изображены все слои населения, люди разных профессий, возрастов, национальностей. Причем экзотические облики и одежды запечатленных здесь иноземных делегатов конгресса Коминтерна придают сверкающему торжеству картины особо широкий смысловой диапазон. Надо всей этой пестрой толпой развеваются красные знамена, подобные пламени радостного пожара, сыплется дождь листовок, мчится быстрый ветер, подгоняя разорванные облака, – ощущение праздника в итоге становится очень широким, масштабным и метафоричным.
Одноименный эскиз картины (1920, холст, масло) – ГРМ.
Рисунок „Международный митинг перед дворцом искусств (Международный праздник)“(1920, бумага, итальянский карандаш) – Музей-квартира И. И. Бродского, Петербург.
В Советской республике не должно быть больных и беспризорных детей! Здоровое физическое и духовно молодое поколение - верный проводник идей коммунизма!
1923
ГРМ
Неизвестный художник
В Советской республике не должно быть больных и беспризорных детей! Здоровое физическое и духовно молодое поколение - верный проводник идей коммунизма!
1923
Бумага, хромолитография. 61 х 102
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1307
Сварог В. С.
Все в общество рабочий патронат "Друг детей". На борьбу с беспризорностью
1923 (?)
ГРМ
Сварог В. С.
Все в общество рабочий патронат "Друг детей". На борьбу с беспризорностью
1923 (?)
Бумага, хромолитография. 92,5 х 69,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-752
Чернышев Н.М.
Пионерки двадцатых годов
1920-е
Нижнетагильский МИИ
Чернышев Н.М.
Пионерки двадцатых годов
1920-е
Холст, масло. 53,8 х 64,5
Нижнетагильский музей изобразительных искусств
Ж-878
В начале 1920-х годов в одном из московских детских домов Н. Чернышев познакомился с удивительной молодежью, которой с малых лет прививались замечательные качества: любовь к труду, к Родине, чувство коллективизма, уважение к товарищу. Вскоре после этого в творчестве художника появляются многочисленные портреты девочек-пионерок.
В работе «Пионерки 20-х годов» они предстают серьезными и сосредоточенными. Колорит картины, построенный на сочетании серых и защитно-зеленых негромких тонов, оживлен спокойным красным тоном пионерских галстуков и косынки, ставших ясными приметами того времени. Образы юных героинь картины значительны и по-своему лиричны. По приглушенной цветовой гамме и строгой простоте композиции работа восходит к древнерусским фрескам Дионисия, так любимого автором. Погружаясь в мир детских чувств и мыслей, здесь Чернышев прежде всего философ, размышляющий над судьбами детей.
Авилов М. И.
Портрет С. М. Буденного
1923
ГРМ
Авилов М. И.
Портрет С. М. Буденного
Этюд к портрету (1923, местонахождение неизвестно)
1923
Картон, масло. 42 х 27
Государственный Русский музей
Ж-6475
Буденный Семен Михайлович (1883–1973) овеян славой народного героя. Он родился на Дону в небогатой крестьянской семье. В 1903 году начал военную службу в качестве рядового. Участвовал в русско-японской войне в составе Донского казачьего полка и затем, как лучший наездник, был отправлен в Петербург в Офицерскую кавалерийскую школу на курсы для нижних чинов. В годы Первой мировой войны, будучи унтер-офицером, проявил незаурядную храбрость и был награжден солдатскими Георгиями всех 4-х степеней. После Октябрьской революции вернулся на Дон и создал кавалерийский отряд, который постепенно вырос в дивизию, успешно действовавшую против белогвардейцев под Царицыном. В 1919 году дивизия была переименована в Конный корпус, а затем — в Первую Конную армию, которая сыграла важную роль в военных операциях Гражданской войны. После ее окончания Буденный занимал различные высокие должности. В 1935 году ему в числе пяти крупнейших советских полководцев было присвоено звание маршала Советского Союза, в котором он участвовал в Великой Отечественной войне, проявив, впрочем, низкую компетентность в условиях современных боевых действий. Гражданская война навсегда осталась звездным часом Буденного. Надпись на этюде гласит, что этот живой и непосредственный образ легендарного героя Гражданской войны был исполнен всего за 50 минут. Художнику удалось точно схватить простодушный характер этого лихого кавалериста, говорившего: «Да по мне все равно, какой фронт, мое дело рубать». // Павел Климов, Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 394.
Суетин Н. М., ГФЗ
Сервиз с супрематической росписью
1923
ГРМ
Суетин Н. М., ГФЗ
Сервиз с супрематической росписью
Государственный фарфоровый завод
1923
Форма цилиндрическая, фарфор, роспись надглазурная.
Государственный Русский музей
СФ-13-18
Значительная часть творческой жизни Н. М. Суетина, одного из верных учеников и соратников Малевича, последовательного супрематиста, была связана с промышленным производством фарфора. В этой области художественного труда он оставил наследие, которое получило название „Супрематический фарфор“. В фарфоре супрематисты мечтали материализовать одну из романтических идей своей теории – идею преображения современного предметного мира и тем самым вывести супрематизм в объемно-пространственную среду.
На фарфоровый завод в Петрограде Суетин пришел вместе с Малевичем и Чашником. С декабря 1922 года, с перерывами, оставался там до последних дней жизни, работал художником-композитором, а в 1932 году занял пост художественного руководителя.
К моменту прихода группы Малевича на заводе сложилась благоприятная творческая атмосфера. По словам одного из современников, завод играл роль „опытного поля“ для всех, кто хотел перейти от „чистого“ искусства к производству, „деланию вещей“.
В сервизе 1923 года художник делает попытку связать в единую пластическую систему сразу несколько живописных композиций. В этом случае объединяющим началом становится движение, передаваемое, как по эстафете, от композиции к композиции. При демонстрации сервиза художник определил местонахождение каждого предмета, нарисовав на обороте круглого подноса план расстановки.
Черным: роспись 1923 Суетин; черный в рамке квадрат (знак УНОВИСа). На обороте дна подноса начертан план расстановки сервиза.
Марка подглазурная синяя от руки: серп и молот. ГФЗ
Поднос: Дм – 31
Чайник с крышкой. 14,7 х 18 х 10,3
Молочник с крышкой. 11,3 х 14 х 9,2
Сахарница с крышкой. 10,7 х 14,7 х 9,5
Две чашки с блюдцами. 6,6 х 8,6 х 6,4.
Дм блюдца – 14,4
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 154
Малевич К. С., ГФЗ
Чайник с крышкой
1923
ГРМ
Малевич К. С., ГФЗ
Чайник с крышкой
1923
Фарфор. 16 х 22,2 х 8,8
Государственный Русский музей
Сф-1344 а,б
Супрематический чайник - первая работа Малевича в фарфоре. По сути это пример объемного супрематизма в творческой практике художника. Одновременно Малевич воплощает здесь идею создания совершенно новых предметных форм, которые должны преобразить материальное окружение современного общества. Скомпанованный из контрастных геометрических объемов (цилиндр, куб, прямоугольники, шар) по принципу "динамического покоя", предмет получился пластически очень сложным для функционального сосуда. Открывший эпоху супрематизма в фарфоре, чайник Малевича остался олицетворением одной из романтических идей великого мастера.
Чашник И. Г., ГФЗ
Чашка (получашка) «Супрематизм»
1923
ГРМ
Чашник И. Г., ГФЗ
Чашка (получашка) «Супрематизм»
Форма Казимира Малевича
1923
Фарфор, роспись надглазурная. 7,2 х 12,5 (с ручкой) х 6
Государственный Русский музей
СФ-27
В творческом наследии Ильи Чашника фарфор занимает не последнее место. На ГФЗ художник проработал недолго, всего год (1923–1924), и по количеству созданных композиций уступает Николаю Суетину. Тем не менее обращение Чашника к фарфору нельзя рассматривать как случай или эпизод. Вхождение в этот материал, связанный с массовым производством, для него было органичным и естественным. Известно, что проблема изменения предметного мира была одной из актуальных в теории супрематизма.
„Получашку“ Малевича Чашник расписывал одновременно с Николаем Суетиным. Сопоставляя обе росписи, близкие по компоновке геометрических элементов и цвету, нетрудно увидеть разницу. Суетинская композиция пронизана движением, в то время как роспись Чашника, более статичная, как бы „зажимает“ форму предмета. Вообще композиции Чашника на фарфоре выглядят несколько тяжеловато. Всем краскам художник предпочитал черную, отсюда – резкая броскость его росписей на фарфоре. Более того, элементы его супрематических композиций всегда крупны, а черные широкие ленты по краю сосудов замыкают и так тесное пространство.
Марка черная, по бисквиту, от руки — серп, молот, часть шестерни и дата: 1923. На обороте черным по бисквиту: Супрематизм, изображение черного квадрата в рамке, По рис. Чашника и 474/587.
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 200.
Суетин Н. М., ГФЗ
Чернильница с крышкой «Супрематизм с „планитом“»
1923-1924
ГРМ
Суетин Н. М., ГФЗ
Чернильница с крышкой «Супрематизм с „планитом“»
1923-1924
Фарфор, роспись надглазурная. 12,7 х 16 х 14,1
Государственный Русский музей
СФ-29
Не исключено, что стремление хотя бы в миниатюре реализовать проекты супрематической архитектуры руководило Суетиным, когда он работал над фарфоровой чернильницей. Она представляет собою комбинацию разновеликих фарфоровых брусков, куба и вертикального диска, укрепленных на черном основании в форме сегмента.
Архитектура предмета восходит к графическим изображениям „домов будущего“, так называемым планитам, над проектами которых Суетин работал в ГИНХУКе. Описание планита, сделанное Малевичем на одном из рисунков, совпадает с тем, что представил Суетин в фарфоровом предмете.
„Планиты <дома> землянитов <людей> … Планит должен быть осязаем для землянита всесторонне, он может быть всюду на верху и внутри дома… Каждый его этаж низкорослый, по нем можно ходить и сходить как по лестнице“ (Казимир Малевич в Русском музее. СПб., 2000).
В чернильнице-планите последовательно проведен супрематический принцип сопряжения вертикали и горизонтали, крупных и малых, прямоугольных и круглых форм. В росписи использованы три основных супрематических цвета: черный, красный, белый, как и предполагалось раскрашивать „дома будущего“. Важной пластической и смысловой фигурой является крупный, по отношении к другим формам, вертикально поставленный диск, на который планит, собственно, и спроецирован. Его изображение уже в виде красной планеты повторяется в росписи.
Настольный прибор (чернильница), приняв облик планита, как бы приобретает статус архитектурной модели. Эту мысль подтверждает нераскрашенный экземпляр аналогичной композиции, поступившей в 1931 году в Русский музей от Суетина. Желая выявить приоритет архитектурного начала над функциональным, художник напрочь соединил крышку чернильницы с кубом, лишив тем самым предмет его изначального предназначения.
Без марки. на обороте черная надпись: Супрематизм форма и роспись Суетина 1923–1924 г. и изображение черного квадрата в рамке (эмблема УНОВИС).
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 155.
Бродский И. И.
В. И. Ленин. На Красной площади
1924
ГРМ
Бродский И. И.
В. И. Ленин. На Красной площади
1924
Бумага, акварель. 40 х 60,5
Государственный Русский музей
РС-19706
Бродский, в отличие от многих своих современников, никогда не искал новый живописный язык. Будучи учеником И. Е. Репина, он в 1910-е годы писал декоративные полотна-гобелены, отвечавшие вкусам буржуазных заказчиков. После Октябрьского переворота Бродский постарался сблизиться с новой властью. На II конгрессе Коминтерна в 1920 году он сделал свой первый карандашный набросок Ленина, который тому не понравился, но, посоветовавшись с товарищами, вождь этот рисунок подписал — с устным комментарием, что первый раз подписывает то, с чем не согласен. Так началась карьера художника, писавшего всех крупнейших деятелей Коминтерна и советского правительства. Бродскому удалось создать безупречную форму официального портрета: клишированное изображение встраивалось в любой желаемый фон, будь то Красная площадь, Смольный, гидроэлектростанция, массовый митинг и т. п. При этом художник широко использовал фотодокументы. На рисунке, созданном в год смерти Ленина, вождь изображен невдалеке от того места, где был воздвигнут его мавзолей. Композиция строится согласно актуальному плакатному принципу фотомонтажа, допускающему совмещение двух точек зрения — высокой, помогающей создать ощущение глубокой панорамы площади, и низкой, делающей фигуру Ленина монументальной. Ирина Арская, Наталья Звенигородская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 409.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Исаак Бродский создал обширную галерею изображений В. И. Ленина. В их основу легли воспоминания и натурные зарисовки. Художник видел Ленина выступающим на митингах в 1918 году и рисовал его на заседаниях II конгресса Коминтерна (1920). Многие из выполненных Бродским портретов Ленина многократно копировались и воспроизводились миллионными тиражами.
Комаров А. И., (?)
Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!
Первая половина 1920-х
ГРМ
Комаров А. И., (?)
Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!
Первая половина 1920-х
Бумага, хромолитография. 100,7 х 71,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1305
Плакаты этого времени обладают определенными объединяющими чертами. Характерной особенностью «детских» плакатов является то, что ребенок почти всегда изображен бодрым, крепким, здоровым и активным. Вне зависимости от того, ликвидации какой насущной проблемы посвящен плакат, дети выглядят так, как будто она уже решена. То есть изображение чаще всего формировало образ светлого и радостного будущего, к которому придет общество, искоренив обозначенную проблему. Исключение составляли плакаты, построенные на сравнении с «проклятым прошлым». Яркий пример такого решения — плакат Алексея Комарова (?) «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать», — пропагандирующий новые стандарты в уходе за ребенком. Каждый эпизод композиции состоит из двух клейм, интерпретирующих один сюжет c точки зрения «как было раньше» и «как сейчас».
Провозглашая строительство бесклассового общества, советская власть, тем не менее, сразу же стала создавать строгую иерархическую структуру, в которую были включены и дети. Атрибутов принадлежности к той или иной социальной группе в плакате не имеют, пожалуй, только младенцы. Все остальные наделены отличительными признаками: либо визуально (пионерский галстук, барабан, горн), либо вербально — в сопроводительном тексте (октябрята, пионеры, юные ленинцы, дети Ильича, всеобучники и т. д.). Ребенок, прежде всего, общественная единица: младенец — будущий октябренок, октябренок — будущий пионер, пионер — будущий комсомолец, а в конечном итоге — строитель коммунизма. Тема идейной преемственности поколений проходит красной нитью через все плакаты советского времени. Даже под образцы агитационной продукции, касающиеся вопросов гигиены, здоровья и воспитания детей, подведена идеологическая база.
Лозунг, сопровождающий плакат, как правило, строится по схеме причинно-следственной связи: ребенок должен быть здоров потому, что он будущий строитель коммунизма. Его жизнь и здоровье не самоценны, а рассматриваются с точки зрения социума, вкладывающего в него свои силы, с расчетом на дальнейшую отдачу.
Так, на плакате «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать» изображена шеренга малышей, несущих лозунги, среди которых призывные: «Мы требуем акушерок, а не бабок; сухих и чистых пеленок!..» и тут же мотивирующие: «Мы идем вам на смену», «Чем мы будем крепче, тем вам будет легче».
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.
Самохвалов А. Н.
Да здравствует комсомол! На смену старшим молодая рать идет
1924
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Да здравствует комсомол! На смену старшим молодая рать идет
1924
Типографский оттиск. 93,2 х 59,6
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-2327
Из книги Натана Стругацкого «Александр Самохвалов. Страницы книги»: «В 1925‒1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.
Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства — присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…
Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника — в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи».
Неизвестный художник
Красный флот - защита СССР от врагов
1924
ГРМ
Неизвестный художник
Красный флот - защита СССР от врагов
1924
Бумага, хромолитография. Л. 102,5х67,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1171
Векслер М. С.
Курорт
1924
ГРМ
Векслер М. С.
Курорт
Проект плаката
1924
Холст, гуашь. 107 x 71
Государственный Русский музей
ЖС-1836
Харламов М. Я.
Октябрина
1924
ГРМ
Харламов М. Я.
Октябрина
1924
Бронза. 30 x 19 x 17
Государственный Русский музей
СО-1237
Орден Боевого Красного Знамени
1924
ГРМ
Орден Боевого Красного Знамени
(учрежден в 1924)
1924
Серебро, эмаль, лента. 4,5 х 3,6 (с ушком, кольцом и колодкой)
Государственный Русский музей
Мед.А-4434
Андриянов А. Я.
Портрет В. И. Ленина
1924
МИИ РК (Петрозаводск)
Андриянов А. Я.
Портрет В. И. Ленина
1924
Холст, масло. 97,1 х 80,3
Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
ЖК-37
Искусствовед и исследователь карельского искусства В. И. Плотников публикует сведения, к сожалению, не указывая источник, о том, что А. Я. Андриянов в 1922 году вместе с В. Н. Поповым исполнял декоративный триптих для Дворца труда – здания Совета профессиональных союзов Карелии (ныне в этом здании располагается Музей изобразительных искусств Карелии).
В 1924 году художник написал портрет В. И. Ленина, который открыл, буквально, «Лениниану» в карельском искусстве. Портрет написан в год смерти Ленина и интересен своей композицией.
Фигура Владимира Ильича изображена художником на фоне колонны полускрытой яркой драпировкой. Эта строгая торжественность фона вступает в некоторое противоречие с задушевностью образа Ленина и пейзажным фоном на втором плане холста. Лицо Владимира Ильича написано художником нежно и трепетно, от него исходит доброта и человеческое обаяние, ощущение живого Ленина. Ленина-человека дополняет сельский пейзаж с домиками за спиной вождя. Этот необычный для ленинских портретов фон дан с большим художественным тактом и имеет вполне определенный северный адрес. Родной художнику пейзаж соединен на холсте с дорогим для него образом вождя.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Серебрякова З. Е.
Портрет М. А. Тройницкой
1924
ГРМ
Серебрякова З. Е.
Портрет М. А. Тройницкой
1924
Холст, масло. 76 х 66 (в свету)
Государственный Русский музей
Ж-8790
Серебрякова много времени отдавала портрету. Особенно выделяется своей завершенностью и тонкой передачей индивидуальных черт модели портрет М. А. Тройницкой, жены директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого. Портретируемая изображена за завтраком. Мастерски вылеплено лицо с живыми глазами, выразительны непринужденная поза и спокойно лежащие руки, что помогло созданию образа уравновешенной волевой женщины. С большой любовью, как у старых голландских мастеров, написаны расставленная на столе фаянсовая посуда, а также вишни и разрезанный ножом лимон. (В. Кн.).
Тройницкая Марфа Андреевна – жена директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого (1882– 1948, историк искусства, научный сотрудник с 1908, хранитель Галереи драгоценностей и директор Эрмитажа в 1917–1927, доктор искусствоведения).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 178.
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич
1878, Хвалынск Саратовской губ. – 1939, Ленинград
Живописец, график, теоретик искусства, писатель.
Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина и В. А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старых традиций (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения).С 1908 участник выставок «Золотого руна». Член обществ «Мир искусства» (1910–1922), «Четыре искусства» (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е. Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников.
Уже в ранний период творчество отмечено символистской ориентацией («Элегия», 1906; «Берег», 1908; «Сон», 1910). Принципиально важным рубежом стало «Купание красного коня» (1912), в котором прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций. В этот же период сформулировал принцип трехцветия, в котором принимал за основные цвета только синий, желтый и красный, считая остальные производными от их смешения друг с другом. Активно использовал этот принцип в картинах, посвященных материнству («Мать», 1915, «Богоматерь Умиление злых сердец», 1914–1915, «Петроградская мадонна», 1918). В 1910-х складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет, изображая натуру одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты» («Полдень. Лето», 1917, «Весна», 1935 и др.). По-своему «планетарны» его натюрморты («Селедка», «Утренний натюрморт», 1918). Космологический символизм сказывается и в портретах («Автопортрет», 1918; «Голова мальчика-узбека», 1921; «Портрет Анны Ахматовой», 1922, и др.). Искренне приняв революцию, художник создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны («После боя», 1923; «Смерть комиссара», 1928). На рубеже 1920-х и 1930-х, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, обратился к литературному творчеству. Именно тогда написаны автобиографические повести «Хлыновск» (1930) и «Пространство Эвклида» (1933).
Данько Наталья Яковлевна
1892, Тифлис – 1942, Ирбит
Скульптор. Училась в Строгановском центральном художественно-промышленном училище в Москве (СЦХПУ, 1900–1902), в виленской художественной школе и студии Я. Янсона (1906–1908), в мастерской М. Л. Диллон и Л. В. Шервуда (с 1908) в Петербурге. В 1909–1914 под руководством В. В. Кузнецова исполняла скульптурный декор для многих зданий Петербурга, Москвы и Киева. Участвовала в исполнении скульптур для павильонов России на выставках в Турине и Риме (1910–1911). С 1914 – помощница заведующего скульптурной мастерской Императорского фарфорового завода В. В. Кузнецова, с 1919 возглавляла скульптурную мастерскую Государственного фарфорового завода. Ответственная за выпуск скульптуры на экспорт (с 1931). В феврале 1942 эвакуировалась из блокадного Ленинграда с семьей в Ирбит, куда ранее был эвакуирован ЛФЗ. Золотая медаль Всемирной выставки в Париже (1925), почетный диплом и золотая медаль III Международной выставки в Монце-Милане (1927). Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 223-224.
Государственный фарфоровый завод
Кустодиев Борис Михайлович
1878, Астрахань – 1927, Ленинград
Живописец, график, театральный художник.
Академик Императорской Академии художеств (с 1909). Родился в Астрахани. Учился у П. А. Власова (Астрахань, 1890-е), в Высшем художественном училище при Академии художеств у В. Е. Савинского, И. Е. Репина (1896-1903). Преподавал в своей частной художественной школе ("Новая художественная мастерская", Петербург, 1913). Член "Союза русских художников" (1907-1910), "Мира искусства" (с 1911), Ассоциации художников революционной России и других. В 1907-1917 посетил многие европейские страны. В последние годы жизни, будучи прикован к инвалидному креслу, продолжал неутомимо работать. В 1910 удостоился чести дать автопортрет в галерею Уффици (Флоренция), где собраны автопортреты величайших художников за несколько столетий. Автор жанровых картин, портретов, книжных иллюстраций. Занимался также скульптурой. Особую известность завоевал картинами из жизни российской провинции.
Авилов Михаил Иванович
1882, Санкт-Петербург – 1954, Ленинград
Живописец, график, мастер батального жанра; педагог. С 1947 действительный член Академии художеств СССР. С 1948 народный художник РСФСР.
С 1893 обучался в Рисовальной школе Общества Поощрения художеств, в 1903 занимался в студии Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1903); учился в ВХУ при ИАХ у Ф. А. Рубо и Н. С. Самокиша (1904–1913). Участник выставок с 1908. Член и экспонент объединений: Общество имени Куинджи (1917–1930), участник Весенних выставок ИАХ (1908, 1915–1918), ОРА (с 1917), Иркутского общества художников (1920–1923), Ассоциации художников революционной России (1923–1928), Союза советских художников (1930–1932, с 1932 член СХ СССР) и др. Активно работал в области плаката во время Первой мировой и Гражданской войн. С 1918 сотрудничал с издательствами, театрами, преподавал в художественных школах Тюмени, Барнаула. В 1921 вернулся в Петроград, занимался преподавательской деятельностью. // Плакат эпохи революции. СПб. 2017. С. 115.
В 1918–1921 преподавал на курсах живописи и рисования (Тюмень); 1922–1930 – в Художественно-ремесленных мастерских; с 1930 – рисунок и живопись на Бронетанковых курсах (Ленинград); 1947–1954 – в Институте живописи, скульптуры и архитектуры.
Малевич Казимир Северинович
1879, Киев – 1935, Ленинград
Живописец, график, художник театра, теоретик, педагог.
Родился в Киеве. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1904—1905) и студии Ф. И. Рерберга в Москве (1905–1910). Участвовал в выставках «Бубновый валет» (1910) и «Ослиный хвост» (1912). В 1910-х оформлял книги футуристов, принимал участие в постановке первой футуристической оперы "Победа над солнцем" (1913). Участвовал в организации общества «Супремус» (лат. — наивысший) и одноименного журнала (1916–1917). Был членом общества "Бубновый валет" (1911). В 1918 работал в Отделе ИЗО Наркомпроса. Преподавал в Государственных средних художественных мастерских в Москве (1918), директор Витебского художественно-практического института (1919–1922). В 1920 основал группу УНОВИС («Утвердители нового искусства»). Директор и профессор Государственного института художественной культуры в Ленинграде (1923–1927).
В 1927 совершил поездку в Варшаву и Берлин. В 1929–1930 преподавал в Киевском художественном институте. В 1932–1933 руководил экспериментальной лабораторией в Русском музее. Автор пейзажей, жанровых сцен, портретов, кубистических и беспредметных композиций, пространственных структур — «архитектонов» и «планит». Работал в области декоративно-прикладного искусства. Написал брошюры «От кубизма и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм» (1915), «Супрематизм» (1920), «Беспредметный мир» (1927) и другие теоретические исследования и статьи. Крупнейший представитель русского авангарда, основоположник теории супрематизма
Неизвестный художник
Сварог Василий Семенович
1883–1946
Суетин Николай Михайлович
1897, п. Мятлевская (Калужская губерния) –1954, Ленинград
Живописец, график, художник по фарфору, дизайнер. Ученик К. Малевича по Витебскому художественно-практическому институту (1918—1922), член УНОВИСа (с 1920). Участвовал в работе по праздничному украшению Витебска, создавал проекты вывесок, оформления кафе, столовых, магазинов.
В 1922 году вместе с К. С. Малевичем переехал в Петроград. В 1923—1926 гг. участвовал в работе МХК и ГИНХУКа. В 1925 году возглавил Отдел материальной культуры ГИНХУКа. Занимался разработкой супрематизма, анализировал новые формы искусства. В 1925 — 26 гг. работал также в экспериментальной лаборатории Декоративного института (эскизы рисунков для тканей, оформление выставок, реклама), разрабатывая дизайн, основанный на методе супрематизма. С 1923 года работал на Петроградском фарфоровом заводе. В 1937 спроектировал (с соавторами) интерьеры павильона СССР на Международной выставке «Искусство и техника в современной жизни» в Париже (1937, архитектор Б. М. Иофан), получивший Гран-при выставки. В 1939 г. оформлял павильон СССР на Всемирной выставке «Мир завтрашнего дня» в Нью-Йорке.
Чашник Илья Григорьевич
1902, Люцин Витебской губернии (ныне – Лудза, Латвия) – 1929, Ленинград
Живописец, дизайнер. Учился в Витебске у И.М. Пэна, в Художественно-практическом иституте (1919-1922) у К. С. Малевича. Член группы УНОВИС (1920). Работал в ГИНХУК (1923-1926, Петроград-Ленинград), в экспериментальной лаборатории ДИ (1925-1926), Комитете художественной промышленности ГИИИ (1926-1927). Художник-композитор ГФЗ (1922-1924).
Чернышев Николай Михайлович
1885, село Никольское Тамбовской губернии (ныне Воронежская область) – 1973, Москва
Живописец, график; монументалист. Учился в воскресных и вечерних классах СЦХПУ (1900); МУЖВЗ (1901–1911) у В. А. Серова, С. А. Коровина, К. А. Коровина, А. Е. Архипова; в академии Жюльена (1910); ВХУ при ИАХ (1911–1915) у В. В. Матэ, Д. И. Киплика. Участник выставок с 1906: Союз художников-живописцев Москвы (1918–1919); Союз деятелей прикладного искусства и художественной промышленности (1919); «Московский салон» (1920); «Мир искусства» (1921); «Искусство – жизнь» (1921); «Маковец» (1922–1926, член-учредитель); «4 искусства» (1926–1931); ОМХ (1928–1929). Преподавал во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН, Москва (1920–1930, профессор); ИНПИИ (1930–1931); МХУ (1932–1933); МИИИ–МГХИ (1936–1948); ИЖСА (1942–1947). Сотрудничал в ежемесячнике «Млечный путь» (1914–1916), в журнале «Маковец» (1922). Участвовал в праздничном оформлении Москвы, в организации Государственной школы печатного дела ИЗО Наркомпроса при 1-й образцовой типографии (1918). Заместитель заведующего хранилищем произведений современного искусства в Моссовете (1918–1920). Работал в ГАХН (1927–1930). Участвовал в организации и работе мастерской монументальной живописи при Академии архитектуры (1935–1948). Народный художник РСФСР (1970).
Альтман Натан Исаевич
1889, Винница Подольской губ. – 1970, Ленинград
Живописец, график, скульптор, художник театра и кино.
Родился в Виннице. Учился живописи и скульптуре в Одесском художественном училище (1903–1907). В 1910–1912 работал в «"Свободной русской Академии"» (академия М. И. Васильевой) в Париже. В конце 1912 приехал в Петербург, где, своеобразно применяя в натюрмортах и портретах приемы недавно зародившегося во Франции кубизма, за короткое время стал одним из наиболее заметных живописцев.
Столь же успешными были его опыты в скульптуре, графике (цикл «Еврейская графика» по мотивам надгробных рельефов, 1914) и сценографии – пьеса «Чудо святого Антония» М. Метерлинка в петроградском литературно-артистическом клубе-кафе «Привал комедиантов» (1916). В 1915–1916 преподавал в Петрограде в студии М. Д. Бернштейна, в 1918–1920 – в Петроградских свободных художественных мастерских, в 1918–1921 работал в отделе изобразительных искусств Наркомпроса, в 1923 – в Институте художественной культуры. Принимал участие в праздничном оформлении Петрограда к первой годовщине Октябрьской революции (1918), в осуществлении плана монументальной пропаганды. Использовал приемы супрематизма в цикле беспредметных картин (1919– 1920). В последующие годы сосредоточил свои усилия на графике – станковой (серия портретов современных писателей, 1926–1927) и книжной. Особенно плодотворной была его деятельность в театре – спектакль Е. Б. Вахтангова по пьесе С. Анского «Гадибук» (театр-студия «Габима», 1921), сотрудничество с Государственным еврейским театром («Уриэль Акоста» К. Гуцкова, 1922; «Женитьба Труадека» Ж. Ромена, 1927). В 1928–1935 жил в Париже, где написал большое количество пейзажей и натюрмортов, в которых тонко и своеобразно возрождал традицию импрессионизма. С 1936 работал в Ленинграде. Среди его созданий той поры выделялись декорации к известным шекспировским пьесам, поставленным ленинградскими театрами – «Король Лир» (ГБДТ, 1941), «Отелло» (1944), «Гамлет» (Театр драмы им. А. С. Пушкина, 1954), эскизы костюмов к кинофильму «Дон-Кихот» (1955), иллюстрации к произведениям Шолом-Алейхема, В. Бласко Ибаньеса, Э. Кастро, Э. Золя и др. Работал в промышленной и книжной графике, сделал ряд росписей по фарфору. Публиковал статьи по вопросам искусства.
Андриянов Александр Яковлевич
1888, д. Басинская Толвуйской волости Олонецкой губернии – 1933, Петрозаводск
Живописец. Работал в жанре портрета и пейзажа. Родился 7 апреля 1888г. в д. Басинская Толвуйской волости Олонецкой губернии в семье бедного крестьянина-плотника. Учился в Петербурге в рисовальной школе Общества поощрения Художеств и в ВХУ при Академии Художеств (1907-1915) в мастерской Владимира Егоровича Маковского. Преподавал в художественной школе (1919-1921) и других учебных заведениях г. Петрозаводска.
Бродский Исаак Израилевич
1883 (1884), Софиевка Таврической губ. - 1939, Ленинград
Живописец, график, художник театра, педагог, автор статей, посвященных искусству.
В 1896-1902 учился в Одесском художественном училище (ОХУ); 1902-1908 в Высшем художественном училище (ВХУ при ИАХ). В 1909-1911 как пенсионер Академии художеств (ИАХ) посетил Германию, Францию, Испанию, Англию, Австрию, Италию. С 1904 участник выставок. Член и экспонент объединений: Новое общество художников (НОХ) - 1904, 1906; Общество им. Леонардо да Винчи (ОЛ) - 1907; Товарищество южно-русских художников (ТЮРХ) - 1907, 1910, 1912-1913; Союз русских художников (СРХ) - 1908-1918 (член с 1910); Московское общество любителей художеств (МОЛХ) - 1908-1909; "Группа художников" (ГХ) - 1909-1911; "Мир искусства" II-1911; Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) -1914-1916; Еврейское общество поощрения художеств (ЕОПХ) - 1915-1919; Общество им. Куинджи (ОбК; председатель правления) - 1917, 1920, 1924, 1929-1930; "Дом искусств" (ДИ) - 1920-1922; Общество художников-индивидуалистов (ОХИ) - 1921; Община художников (ОХ) - 1921-1922, 1924(?); "Шестнадцать" (ГХ 16) - 1922-1924, 1927; Ассоциация художников революционной России (АХРР) - 1925, 1926, 1928; Объединение художников им. И.Е. Репина (ОбР) - 1927-1928; Общество живописцев (ОЖ) - 1928-1930; "Цех художников" (ОЦХ) - 1930-1932; Объединение работников изобразительных искусств (ИССТР) - 1932. С 1932 член СХ СССР. С 1932 профессор. С 1934 директор Всероссийской академии художеств (ВАХ). С 1934 заслуженный деятель искусства РСФСР.
Векслер Михаил (Монаш) Соломонович (Шлемович)
1898-1976
Изенберг Владимир Константинович
1895–1969
Комаров Алексей Иванович
1918–1987
Самохвалов Александр Николаевич
1894, Бежецк Тверской губернии – 1971, Ленинград
Живописец, график, скульптор, художник театра.
Учился на архитектурном факультете АХ (1914–1917), на живописном факультете ПГСХУМ–АХ–ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1918–1923) в мастерской К. С. Петрова-Водкина. Участник выставок с 1917. Член и экспонент объединений: «Мир искусства» (с 1917), «Община художников» (с 1922), «Объединение новых течений в искусстве» (с 1922), «Жар-цвет» (с 1924), «Круг художников» (1926–1930), «Октябрь» (1930–1931). Занимался книжной графикой, сотрудничал с издательствами «Радуга», Детгиз. С середины 1930-х работал как сценограф. Выполнил оформление спектаклей «Бесприданница» А. Н. Островского в ГБДТ (Ленинград, 1935), «Горячее сердце» А. Н. Островского, «Стакан воды» Э. Скриба в Академическом театре драмы им. А. С. Пушкина (Ленинград, оба — 1943) и другие. В 1930-х сотрудничал с ГФЗ им. М. В. Ломоносова, создавал модели скульптуры и эскизы росписи фарфора. Преподавал в ЛВХПУ (1948–1951). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1967).
Люди эпохи
Большинство музеев через произведения из своих собраний представили жизнь каждого региона (или республики), показав как важнейшие исторические события, в том числе всесоюзные стройки – от первых гидроэлектростанций до Байкало-Амурской магистрали, так и своих земляков, руками которых в тяжелейших условиях происходило превращение СССР в передовую индустриальную державу. Значительное количество портретов людей созидательного труда, представленных на виртуальной выставке – существенная черта искусства советской эпохи. Это, в первую очередь, – результат государственной политики в сфере культуры, через заказы стимулировавшей художников создавать образы своих современников-тружеников. Среди собранных на выставке произведений можно увидеть яркие и выразительные образы представителей различных профессий, созданные советскими живописцами, скульпторами, графиками в самых разных уголках Советского Союза. Среди них — металлурги Магнитки и шахтеры Донбасса, строители КАМАЗа и нефтяники Каспия, колхозники Кубани и рыбаки Приморья, стахановцы и ударники социалистического труда, геологи и пограничники, спортсмены, инженеры, учителя, врачи, выдающиеся деятели науки и культуры.
1918 год был в творчестве Петрова-Водкина годом натюрморта. Его письма к матери той поры, полные отчетов о повышении цен на хлеб и дрова, – летопись разрушения привычного жизненного уклада. Видимо, пристальное внимание к предметному миру было попыткой фиксации его неудержимо расплывающихся контуров, сопротивления тотальной дематериализации. Автопортрет – пример одного из немногих обращений к другому жанру – итог напряженных размышлений о роли художника в апокалипсические времена, поиск стабильности в глубинах собственной личности. 30 января 1918 года Петров-Водкин был выбран профессором Академии художеств. «Как это ни почетно, ни лестно, но с большими колебаниями беру на себя эту большую задачу. И если бы не тяжелое время для Родины и не опасность, что искусство зачахнет среди всеобщего разрушения, я не имею права отказаться от возможности хотя бы попытки благоустроить нашу высшую школу…». Ответственность связывалась с осознанием открывающихся возможностей построения здания нового искусства новой России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. Такая позиция демиурга-хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета. В соответствии с выдвинутой художником концепцией нового, «планетарного» видения его строгое лицо возникает на пересечении «планетарных» измерений неба и тверди, образующих фигуру креста. Любовь Большакова //Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 159.
В Автопортрете 1918 года исчезла зачарованность, завороженность причастностью к иным мирам, нездешним законам бытия, присущая до сих пор множеству персонажей художника. В почти скульптурной лепке рельефа головы, в рубленности черт лица, в твердости и ясности взгляда художник чрезвычайно точно выразил основной пафос своей жизни той поры – приятие действительности без обманной идеализации ее, приятие мужественное и трезвое, с сознанием неизбежности самопожертвования и готовности к нему. При этом психологическое пространство портрета не ограничено сиюминутностью реального окружения, она включает в себя всю ширь зелено-голубых сфер мироздания, духа, истории… Планетарный принцип, положенный в основу этого произведения, удивительным образом сочетается с концепцией портрета эпохи кватроченто: человек в центре мироздания, возвышенный над миром, героический и одновременно трагически одинокий.
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) – живописец, график, теоретик искусства, писатель. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1930).
Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф.Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А.Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е. Архипова, Н.А. Касаткина и В.А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. С 1908 участник выставок "Золотого руна". Член обществ "Мир искусства" (1910–1922), "Четыре искусства" (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е.Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Автор жанровых композиций, портретов и натюрмортов. Прошел через увлечение символизмом, постимпрессионизмом (искусство П. Гогена и А. Матисса). В своем творчестве основывался на наследии Древней Руси.
В начале 1920-х годов в одном из московских детских домов Н. Чернышев познакомился с удивительной молодежью, которой с малых лет прививались замечательные качества: любовь к труду, к Родине, чувство коллективизма, уважение к товарищу. Вскоре после этого в творчестве художника появляются многочисленные портреты девочек-пионерок.
В работе «Пионерки 20-х годов» они предстают серьезными и сосредоточенными. Колорит картины, построенный на сочетании серых и защитно-зеленых негромких тонов, оживлен спокойным красным тоном пионерских галстуков и косынки, ставших ясными приметами того времени. Образы юных героинь картины значительны и по-своему лиричны. По приглушенной цветовой гамме и строгой простоте композиции работа восходит к древнерусским фрескам Дионисия, так любимого автором. Погружаясь в мир детских чувств и мыслей, здесь Чернышев прежде всего философ, размышляющий над судьбами детей.
Авилов М. И.
Портрет С. М. Буденного
1923
ГРМ
Авилов М. И.
Портрет С. М. Буденного
Этюд к портрету (1923, местонахождение неизвестно)
1923
Картон, масло. 42 х 27
Государственный Русский музей
Ж-6475
Буденный Семен Михайлович (1883–1973) овеян славой народного героя. Он родился на Дону в небогатой крестьянской семье. В 1903 году начал военную службу в качестве рядового. Участвовал в русско-японской войне в составе Донского казачьего полка и затем, как лучший наездник, был отправлен в Петербург в Офицерскую кавалерийскую школу на курсы для нижних чинов. В годы Первой мировой войны, будучи унтер-офицером, проявил незаурядную храбрость и был награжден солдатскими Георгиями всех 4-х степеней. После Октябрьской революции вернулся на Дон и создал кавалерийский отряд, который постепенно вырос в дивизию, успешно действовавшую против белогвардейцев под Царицыном. В 1919 году дивизия была переименована в Конный корпус, а затем — в Первую Конную армию, которая сыграла важную роль в военных операциях Гражданской войны. После ее окончания Буденный занимал различные высокие должности. В 1935 году ему в числе пяти крупнейших советских полководцев было присвоено звание маршала Советского Союза, в котором он участвовал в Великой Отечественной войне, проявив, впрочем, низкую компетентность в условиях современных боевых действий. Гражданская война навсегда осталась звездным часом Буденного. Надпись на этюде гласит, что этот живой и непосредственный образ легендарного героя Гражданской войны был исполнен всего за 50 минут. Художнику удалось точно схватить простодушный характер этого лихого кавалериста, говорившего: «Да по мне все равно, какой фронт, мое дело рубать». // Павел Климов, Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 394.
Андриянов А. Я.
Портрет В. И. Ленина
1924
МИИ РК (Петрозаводск)
Андриянов А. Я.
Портрет В. И. Ленина
1924
Холст, масло. 97,1 х 80,3
Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
ЖК-37
Искусствовед и исследователь карельского искусства В. И. Плотников публикует сведения, к сожалению, не указывая источник, о том, что А. Я. Андриянов в 1922 году вместе с В. Н. Поповым исполнял декоративный триптих для Дворца труда – здания Совета профессиональных союзов Карелии (ныне в этом здании располагается Музей изобразительных искусств Карелии).
В 1924 году художник написал портрет В. И. Ленина, который открыл, буквально, «Лениниану» в карельском искусстве. Портрет написан в год смерти Ленина и интересен своей композицией.
Фигура Владимира Ильича изображена художником на фоне колонны полускрытой яркой драпировкой. Эта строгая торжественность фона вступает в некоторое противоречие с задушевностью образа Ленина и пейзажным фоном на втором плане холста. Лицо Владимира Ильича написано художником нежно и трепетно, от него исходит доброта и человеческое обаяние, ощущение живого Ленина. Ленина-человека дополняет сельский пейзаж с домиками за спиной вождя. Этот необычный для ленинских портретов фон дан с большим художественным тактом и имеет вполне определенный северный адрес. Родной художнику пейзаж соединен на холсте с дорогим для него образом вождя.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Серебрякова З. Е.
Портрет М. А. Тройницкой
1924
ГРМ
Серебрякова З. Е.
Портрет М. А. Тройницкой
1924
Холст, масло. 76 х 66 (в свету)
Государственный Русский музей
Ж-8790
Серебрякова много времени отдавала портрету. Особенно выделяется своей завершенностью и тонкой передачей индивидуальных черт модели портрет М. А. Тройницкой, жены директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого. Портретируемая изображена за завтраком. Мастерски вылеплено лицо с живыми глазами, выразительны непринужденная поза и спокойно лежащие руки, что помогло созданию образа уравновешенной волевой женщины. С большой любовью, как у старых голландских мастеров, написаны расставленная на столе фаянсовая посуда, а также вишни и разрезанный ножом лимон. (В. Кн.).
Тройницкая Марфа Андреевна – жена директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого (1882– 1948, историк искусства, научный сотрудник с 1908, хранитель Галереи драгоценностей и директор Эрмитажа в 1917–1927, доктор искусствоведения).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 178.
Альтман Н. И.
Портрет В. И. Ленина
1920-е
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Альтман Н. И.
Портрет В. И. Ленина
1920-е
Картон, масло. 41,5 х 30
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Ж-1347 АОМИИ
В коллекции музея представлен достаточно редкий портрет В. И. Ленина, написанный при жизни основателя советского государства. В начале 1920-х Коллегия ИЗО Наркомпроса обратилась к Натану Альтману с предложением создать портрет В. И. Ленина. Альтман собирал материал для живописного портрета, дважды видел Ленина во время митинга на Марсовом поле в 1917 и 1918 годах. Хорошо известно, что Ленин не любил и никогда не соглашался позировать. Помог Альтману Луначарский, по просьбе которого Ленин разрешил ему работать в Кремлевском кабинете весной 1920 года. Он работал шесть недель, как впоследствии подсчитал художник, в целом, около 250 часов работы. На основе натурных рисунков и написан данный портрет. Неповторимость его в том, что это не образ, в котором что-то выделено, отредактировано. Он воспринимается с предельно краткой дистанции, точнее ее нет совсем. Нет исторической костюмировки, поверхностных политических ситуаций. Это Ленин, который близок каждому и каждый может почувствовать себя его собеседником, он полон внимания, изображен легко и непринужденно.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Портрет был написан в деревне Лигачево, где у Юона был дом-мастерская. Там он находил немало своих героинь — сельских девушек, мотивы своих пейзажей, там он в полной мере мог выявить возможности своей палитры. На портрете изображены Клава Зенина, Саша Перцова, Клава Борисова, Катя Шипова и Маруся Будкина. В произведении органично соединилось стремление к портретной точности и типическому обобщению. Портрет един крепостью своей композиции, ее цельностью, выразительностью расположения персонажей, четкостью плана, и, наряду с тем, образ каждой из девушек подчеркнуто индивидуален. Здесь взяты разные состояния — от задумчивости, нетерпеливого вопрошения, спокойной уверенности до трепетного романтического порыва. Есть своя режиссура и в цветовом решении, которое словно озаряется энергичным акцентом красной косынки. Фрагментарность композиции укрупняет изображение, еще больше усиливая динамизм образов. Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век.СПб, 2001. С. 194.
Кустодиев Б. М.
Портрет И. Б. Кустодиевой
1926
АГКГ им. П. М. Догадина
Кустодиев Б. М.
Портрет И. Б. Кустодиевой
1926
Холст, масло. 111,5 х 90,0
Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
Ж-919
Картина «пришла» в музей из первых рук: она была приобретена Астраханской картинной галереей в 1973 году у Ирины Борисовны Кустодиевой – дочери художника, его любимой модели. Специалисты иногда шутят, что Ирину Кустодиев писал так же часто, как восхищавший его Веласкес инфанту Маргариту. Целая галерея ярких образов дочери создана художником в работах «Портрет Ирины Кустодиевой с собакой Шумкой» (1907), «Японская кукла» (1908), «Дети в маскарадных костюмах» (1909) и других произведениях.
В 2011 году на аукционе Мак Дугалл в Лондоне с огромным интересом присутствующие наблюдали за торгами по работе «Портрет Ирины Кустодиевой», написанной в швейцарском городе Лейзене (1911), где художник находился на лечении. После триумфальной выставки русского искусства 1924 года в Америке она была продана в частное собрание и 90 лет нигде не экспонировалась.
От очаровательных детских портретов по мере взросления дочери Б. М. Кустодиев переходит к изображению симпатичного подростка (примером может служить картина «Девочка с цветами» (1917), Курская картинная галерея имени А. Дейнеки).
В последние годы жизни художника Ирина – красивая девушка с золотистыми волосами, голубыми глазами и чудесным цветом кожи. Именно такой она изображена на портрете 1926 года, который находится в собрании Астраханской картинной галереи. Эту работу иногда также называют «Портрет Ирины в синем платье», она считается очень удачной, хотя и нетипичной для Б. М. Кустодиева.
Это произведение широко известно. С момента написания портрет участвовал во многих выставках в Ленинграде, Москве, Астрахани. Как шедевр кустодиевской коллекции, он многократно воспроизведен в искусствоведческой литературе и художественных альбомах. Работа написана масляными красками на грунтованном холсте. Ирина изображена в эффектной, несколько театральной позе, в синем платье и шляпке в стиле «нэп» – настоящая кустодиевская красавица. В это время Ирина Борисовна постигает историю театра и азы актерской профессии, обучаясь в Институте сценических искусств в Ленинграде. Кустодиев-отец пишет портрет, любуясь дочерью, ее нежной кожей, покатыми плечами, выбившимися из-под шляпки локонами. Композиция работы проста и благородна, отличается четкостью и почти классической строгостью. Кустодиев-художник мастерски демонстрирует в этой работе всё, чего он достиг за годы творчества.
Вильямс П. В.
Портрет Н. П. Охлопкова
1926
СГХМ имени А.Н. Радищева
Вильямс П. В.
Портрет Н. П. Охлопкова
1926
Холст, масло. 250 х 143
Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
Ж-1002
«Портрет Охлопкова», написанный Петром Вильямсом в 1926 году, является одним из лучших портретов мастера. На пустынном просторном фоне изображена крупная фигура. Серое в клетку пальто спортивного покроя, твердый воротничок белоснежной сорочки, галстук. Энергичным движением правая рука сжимает перчатки, левая – опущена в карман. Щегольский костюм дополняют кепи, небрежно зажатая в зубах трубка и почти забытая сегодня деталь – краги – накладные голенища с застежками. Портрет создает впечатление монументальности и парадности, которое складывается благодаря значительным размерам вертикального холста, устойчивой постановке модели, монолитности силуэта, ясно читаемого на пустом фоне. Графически четкий рисунок лица, освещенного направленным лучом света. Подчеркнуты морщины, складки у носа, волевое выражение светло-голубых глаз. С портрета на нас смотрит решительный и целеустремленный человек, участник строительства нового мира.
Николаю Охлопкову к моменту создания портрета было 25 лет. Он, как и Вильямс, принадлежит к «штурмующему» поколению 1920-х годов. Уже два года Охлопков, перебравшийся в Москву из Иркутска, играет в театре Мейерхольда, осваивает знаменитую биомеханику, пробует сниматься в кино. Вильямс использует при написании портрета яркую типажность, запоминающуюся «фактуру». Использует то, что в полной мере соответствовало человеческому идеалу, который стремились утвердить художники ОСТ. В Охлопкове соединились энергичность и спортивность, физическая сила и уверенность в себе.
Остовские портреты Вильямса – замечательная страница в истории отечественного искусства. Вильямсу и Охлопкову суждено было стать крупными деятелями советского театра, их судьбы еще не раз пересекались, а портрет остался прекрасным символом молодости поколения двадцатых.
ОСТ (Общество художников-станковистов) — художественная группировка, основанная в 1925 году в Москве группой выпускников ВХУТЕМАСа во главе с Давидом Штеренбергом. Среди основных участников ‑ П. Вильямс, А. Дейнека, А. Лабас, Ю. Пименов.
Охлопков Николай Павлович (1900, Иркутск — 1967, Москва) — советский актёр театра и кино, режиссёр и педагог.
Родился в Иркутске в небогатой дворянской семье. В 1917 году устроился в Иркутский городской театр в качестве мебельщика-декоратора, а в 1918 году стал актёром этого театра, где служил до 1921 года. Будучи поклонником творчества Владимира Маяковского декламировал стихи Маяковского на площадях.1 мая 1921 года после освобождения города от Колчака поставил на городской площади массовое действо «Борьба труда и капитала» с участием войск. В 1919 году стал одним из организаторов Иркутского Молодого театра, где в 1922 году поставил «Мистерию-буфф», после чего был отправлен на обучение в Москву. В 1922‑1923 годах учился в ГИТИСе и параллельно играл в Московском театре Революции. С 1923 по 1926 играл в Театре имени Мейерхольда (ТиМ). Одновременно занимался в мастерской при театре (ГЭКТЕМАС) под руководством Всеволода Мейерхольда.
Главный режиссёр Реалистического театра (1930‑1937) и Московского театра имени Маяковского (1943‑1966). В 1947 году поставил «Молодую гвардию» А. А. Фадеева. За этот спектакль был удостоен Сталинской премии первой степени, а в 1948 году ему было присвоено звание Народного артиста СССР. Имя Н. П. Охлопкова с 1967 года носит Иркутский драматический театр.
Голополосов Б. А.
У мавзолея Ленина (Траурный день памяти Ленина)
1926
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Голополосов Б. А.
У мавзолея Ленина (Траурный день памяти Ленина)
1926
Холст, масло. 145,5 х 178
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Ж-2009 АОМИИ
Одной из самых интересных и самобытных фигур в советском модернизме двадцатых-тридцатых годов был Борис Александрович Голополосов. Его творчество всегда отличало высокое живописное мастерство и яркая индивидуальность.
Как и у экспрессионистов, главным инструментом художественной выразительности для Голополосова был цвет. Колорит его живописных работ всегда узнаваем и решается нехарактерными цветовыми сочетаниями. В своей палитре он использует смелые цветовые контрасты, создающие эмоциональное напряжение и придающие картине внутреннюю энергию, но, несмотря на экспрессивный накал, его картины всегда остаются светоносными и гармоничными.
Темы произведений художника в большинстве своем социальны и отражают заказ того времени. Но они лишены присущего советскому искусству героического пафоса. Его герои – рыбаки, моряки, строители, простые люди – носители обычных человеческих эмоций, вызывают сочувствие и сопереживание.
Художник сам был полноценным персонажем своих картин, в полном смысле слова автобиографических. Автор тематических и жанрово-бытовых картин, он был мощным фиксатором и выразителем эпохи. Картина «У мавзолея Ленина (Траурный день памяти Ленина)» 1926 года, посвящена второй годовщине со дня смерти Владимира Ильича, отмечавшейся в стране 21 января 1926 года. Само название «Траурный день» уже задает полотну трагическое звучание, которое художник передает за счет свойственной ему экспрессивной манере. Картина вызывает смешанное чувство тревоги и торжественности.
Все полотно проникнуто непрерывным действием. Действие здесь не только в цвете, но и в каждой детали: многочисленные персонажи – участники митинга – тоже находятся в движении. Об этом говорит положение их ног и рук, даже поворот головы рабочих, стоящих в первом ряду у нижней кромки холста. Задают динамику и виднеющиеся повсюду яркие треугольники знамен, направленные в стороны под разными углами. И даже краснокирпичный цвет кремлевской стены чем-то напоминает движущиеся языки пламени.
Динамична здесь и сама композиция. Голополосов как будто выхватывает кадр из движущегося потока, потому оказываются обрезанными и Спасская башня Московского Кремля, и часть его стены, и участники военного оркестра, и простые зрители на первом плане, среди которых, по всей видимости, находимся и мы, и сам художник. Даже группа из трех рабочих со знаменами, прописанная наиболее четко, и само деревянное здание Мавзолея оказываются не в центре полотна, а в его левой части, создавая иллюзию того, что поток людей движется, оставляя позади те или иные объекты.
Художник сознательно не делает акцент на психологическом состоянии своих героев. Рассмотреть эмоции кого-либо из участников траурной процессии невозможно. Неслучайно у персонажей, расположенных к нам ближе других, мы видим лишь затылки и спины, а не лица. Все чувства и эмоции очень точно и явно мастер передает через композицию, колорит, ритм, ракурс, движение. Напряжением, тяжелыми и гнетущими мыслями проникнута каждая деталь полотна. Кажется, еще мгновение, и оркестровые трубы донесут до нас печальные звуки траурного марша.
Борис Голополосов был непосредственным участником событий, которые стали основой для многих его сюжетов. «Полстраны объездил, исходил пешком – охотился, не раз плавал матросом на Каспии. И писал не иначе как от первого лица. Он сам – один из персонажей своих картин, автобиографичных в прямом смысле слова», – писала о нем известная исследовательница Ольга Ройтенберг.
Грабарь И. Э.
В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)
1927
Симферопольский ХМ
Грабарь И. Э.
В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)
1927
Холст, масло. 118,5 х 98
Симферопольский художественный музей
Ж-2
Произведение И. Э. Грабаря «В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)» было написано в поселке Магарач близ Ялты в августе–сентябре 1927 г., о чём свидетельствует авторская подпись в левом нижнем углу. Сверкающие краски, блики солнца передают ощущение жаркого полдня и свежести древесной тени.
На портрете изображена Валентина Михайловна Грабарь (1892–1959), супруга художника.
В книге «Моя жизнь. Автомонография» 1937 года И. Э. Грабарь подробно описывает события, сопутствующие созданию картины: «В июле моя семья уехала в Крым; я последовал за нею в начале августа. Мы поселились на даче И. Т. Сливы, в Магараче, между Ялтой и Никитским садом <...>
Я начал большой портрет жены, стоящей у чайного стола, покрытого скатертью, с серебряным кофейником, чайной посудой, тарелкой с персиками и виноградом на нём. Все это происходило в тени большого дуба, бросавшего на стол и фигуру густую тень, разреженную лишь солнечными пятнами. Картина была наполовину закончена, когда в ночь началось землетрясение. Писание пришлось прекратить. Когда толчки несколько смягчились, я начал продолжать портрет к ужасу жены, которая всё ещё не могла придти в себя от пережитого потрясения. Он однако не давался: позировать надо было с улыбкой, а какая уж улыбка, когда толчки всё время продолжались».
Гринберг В. А.
М. В. Фрунзе на коне
Около 1927
ГРМ
Гринберг В. А.
М. В. Фрунзе на коне
Около 1927
Холст, масло. 197.5 x 173.5
Государственный Русский музей
ЖБ-2008
Фрунзе Михаил Васильевич (1885–1925) — революционер, один из ведущих военачальников Красной армии времен Гражданской войны, позднее — теоретик и организатор военного дела в СССР.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 80.
Лебедев-Шуйский А. А.
По комсомольской путевке
1927
Омский ОМИИ им. М. А. Врубеля
Лебедев-Шуйский А. А.
По комсомольской путевке
Из цикла "Комсомолия"
1927
Холст, масло. 87 х 75,5
Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
Ж-2171
Памятные образы молодежи тех лет оставил нам московский художник Анатолий Лебедев-Шуйский, создавший не просто портреты, а «современный тип», собирательный образ. Один их них – портрет «По комсомольской путевке» из цикла "Комсомолия".
Начиная с VII съезда ВЛКСМ (1926) комсомол становился «ударной бригадой социализма». По путевке обкома партии комсомольцы участвовали в строительстве колхозов, выводили на поля первые тракторы, строили шахты, фабрики, заводы, возводили Днепрогэс, Магнитку, Волховстрой, Метрострой, Турксиб. Жизнь первых поколений комсомольцев была трудной, но романтичной. Герои нового времени привлекали внимание художников.
Пахомов А. Ф.
Работница (Портрет в голубом)
1927
ГРМ
Пахомов А. Ф.
Работница (Портрет в голубом)
1927
Холст, масло. 133,5 х 77
Государственный Русский музей
ЖБ-1325
«Работница» Алексея Пахомова занимала одно из центральных мест в экспозиции выставки молодежного объединения «Круг художников» в 1927 году (ГРМ). Моделью Пахомову послужила его жена, работница табачной фабрики. Однако совершенно очевидно, что образ более тяготеет к типажности, нежели характеризует индивидуальность. Для этого Пахомов избирает определенные приемы, которые позволяют ему подчеркнуть монументальность, возвышенность образа. Русоволосая молодая женщина изображена поколенно. Пропорции ее тела несколько увеличены в сравнении с натурой, отчего создается впечатление, что персонажу «тесно» в рамках холста. Динамичный поворот головы и торса плавно «останавливается» торжественными ритмами складок одежды, отдаленно напоминающей одеяния персонажей фресок раннего Возрождения. Позднее Пахомов вспоминал: «Душевная ясность и чистота юности, ее стремление к благородству и возвышенному безмерно привлекательны, и я невольно подчеркивал широкий открытый взгляд, стройность и бодрость осанки, готовность к действию. Я чаще стал всматриваться в античное искусство и искусство Высокого Возрождения и все больше ценить их». (О. Ш.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 198.
Луппов С. М.
Физкультурные игры на стадионе
1927
ГРМ
Луппов С. М.
Физкультурные игры на стадионе
1927
Холст, масло. 166 x 249
Государственный Русский музей
ЖС-93
Самохвалов А. Н.
Кондукторша
1928
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Кондукторша
1928
Холст, масло. 130 x 127
Государственный Русский музей
Ж-9186
В 1920-х годах Самохвалов, как и многие художники той поры, был увлечен поисками характерных явлений современности. Стремительность перемен особенно ярко виделась ему в образах женщин, осваивавших новые социальные роли, новые профессии, стиль поведения, одежду.
Кондукторша, героиня картины, показанной в 1928 году на выставке объединения «Круг художников», – это не просто женщина, продающая билеты и следящая за порядком в трамвае. Она представляется Самохвалову новой богиней, повелительницей электричества. И хотя сам автор выводил пластическое решение образа из византийской иконографии Богоматери Оранты, предстающей в древних изображениях в полный рост с поднятыми и раскинутыми в стороны руками, его Кондукторша более походит на языческого идола. Пропорции ее колоссальной фигуры восходят к образам архаических каменных баб. Она господствует в футуристически динамичном пространстве с грохотом несущегося по рельсам трамвая. Половина лица озарена зелено-голубым светом электрической вспышки, и это сияние разливается по ее могучей груди, откликаясь в очертаниях открытой ладони. Кондукторша с ее слепым взором и поднятой рукой Немезиды есть образ влекущей и карающей власти.
Поясняя суть произведения, Самохвалов подчеркивал, что хотел заставить зрителя почувствовать, как простая работница, дающая энергичным жестом сигнал хода, управляет грозной и страшной силой – электричеством, в прошлом подвластной лишь Зевсу-громовержцу и Илье-пророку. «Если бы ей навстречу попалась Афина в своей колеснице, то удивлена была бы не кондукторша, а Афина. Так я думал тогда. Мне казалось все ясным. Пафос «Кондукторши» остается пафосом той эпохи», – комментировал свое произведение художник.
Картина "Кондукторша" создавалась художником в период расцвета его творческого дарования. Среди работ Самохвалова, созданных в 1920-е гг., "Кондукторша" выделяется остротой пластического решения, повышенной экспрессией цветовых сочетаний и одновременно своей подчеркнутой величаво-торжественной интонацией. Отталкиваясь от случайно запечатленной в его памяти сцены и сохраняя в повествовательном строе произведения отдельные жанровые подробности, Самохвалов стремится возвысить образ до значения символа эпохи, использовать язык монументальной живописи. Картина написана темперой, имитирующей фактуру фрески, в плоскостной манере, где лишь отдельные части изображения приобретают объемность. В это время, отталкиваясь от достижений своего учителя Петрова-Водкина, Самохвалов ищет собственные формы обобщения. В "Кондукторше" наиболее откровенно проявилось увлечение древнерусской фреской, которую художник изучал во время поездок в Новгород в 1925 г. и в Старую Ладогу в 1926—1928 гг.
Самохвалов А. Н.
Молодая работница
1928
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Молодая работница
1928
Холст, темпера. 65 x 50,5
Государственный Русский музей
Ж-7562
По справедливому утверждению современников, Самохвалов был натурой универсальной. Он успешно работал в разных художественных системах – от посткубизма до романтического реализма, испытал плодотворное влияние русских и мировых художественных традиций, сохранив при этом самобытность почерка и чувство современности, особенно в 1920–1930-е годы. Социальность его не была конъюнктурой, а отражала искреннее представление об идеалах своего времени, воплощенных, в частности, в женщинах-работницах, предстающих, по словам Самохвалова, в «ореоле романтики». В «Молодой работнице» есть своеобразное сочетание извечно женского, возвышенно духовного, сокровенного с аскетичной строгостью и напряженностью. Портрет поражает композиционной четкостью, благородством цветовых отношений, характерной «фресковостью» фактуры. Не случайно Самохвалов вспоминал об особенном влиянии древнерусских традиций на его творчество в то время... // Анатолий Дмитренко.Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 203.
Лабас А. А.
На Дальнем Востоке. Красноармеец
1928
ГРМ
Лабас А. А.
На Дальнем Востоке. Красноармеец
1928
Холст, масло. 98 х 78
Государственный Русский музей
Ж-8392
В 1919 году Александр Лабас оставил Государственные свободные художественные мастерские, организованные на базе Строгановского училища, и ушел добровольцем на фронт. «Впереди неизвестное, новые события, новые впечатления. Мне было восемнадцать лет». Эта запись объясняет поступок молодого художника как романтический порыв физически ощутить, измерить пространство «взвихренной» страны, присутствовать при рождении будущего. Вместе со своими товарищами по бригаде художников Политотдела 3-й армии Восточного фронта Лабас писал плакаты, транспаранты, оформлял агитпоезда.
Позднее, в 1928 году, он напишет картину «На Дальнем Востоке. Красноармеец», лирический портрет своего поколения. Хрупкий, интеллигентный еврейский юноша в пыльном шлеме-буденовке темным силуэтом замер на фоне заснеженных туманных далей. Кинематографическим наплывом приближена к зрителю плотная, замкнутая в себе фигура. Она кажется врезанной, вмонтированной в пробегающий вдали почти бесплотный пейзаж. В направленном внутрь себя взгляде, в позе юноши, скованного грубой шинелью, словно спрятанного в ней, – завороженная отстраненность. Он не столько присутствует, сколько грезит, вспоминает, видит внутренним взором строящихся в колонны людей, дома, устремленные вдаль дороги, кружащие в белесом, словно тоже заснеженном небе аэропланы. Образ «книжного мальчика», мечты которого обрели живую красочную плоть, – своего рода манифест художника. В нем он собрал основные образы своего творчества и утвердил себя создателем собственного мира, материалом для которого служит пропущенная через себя реальность. Сегодня перипетии гражданской войны на Дальнем Востоке поражают нас жестокостью и трагизмом. Художник был их свидетелем, но в его творчестве мы не найдем их отражения. «Мы вглядывались пристально в настоящее и представляли фантастику будушего», – слова, сказанные Лабасом, отражают мироощущение молодого поколения творцов постреволюционной эпохи.
Серебрякова Зинаида Евгеньевна
1884, с.Нескучное, Белгородский уезд, Курская губерния – 1967, Париж, Франция
Живописец.
Родилась в с. Нескучное Курской губернии в семье скульптора Е. А. Лансере. Училась в школе-мастерской М. К. Тенишевой у И. Е. Репина (1901), в мастерской О. Э. Браза в Петербурге (1903-1905), в Академии "Ля Гран Шомьер" в Париже (1905-1906). Член объединения "Мир искусства" (1912-1917). В 1917 вместе с А. П. Остроумовой-Лебедевой, О. Л. Делла-Вос-Кардовской и А. П. Шнейдер была выдвинута в академики (первыми из женщин), но баллотировка не состоялась из-за революционных событий и упразднения Академии художеств. Путешествовала по Швейцарии, Италии (1914), Марокко (1928, 1952). Работала в Харькове (1918-1920), с 1920 поселилась в Петрограде, в 1924 уехала во Францию. Представитель младшего поколения "Мира искусств". Писала в основном портреты, в том числе детские, и многофигурные композиции. Автор картин и рисунков на темы балета и театра, эскизов росписей и декоративных панно. За рубежом исполнила множество жанровых и пейзажных зарисовок. Много работала в технике акварели и пастели.
Государственный фарфоровый завод (ГФЗ) / Ленинградский фарфоровый завод им. М.В. Ломоносова/ Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ)
1918, Петроград - 2005, Санкт-Петербург
Создание в Санкт-Петербурге фарфоровой мануфактуры, которая первоначально именовалась «Невской порцелиновой мануфактурой», было начато при императрице Елизавете Петровне в 1744 году. В 1765 мануфактура переименована в Императорский фарфоровый завод. В 1918 году предприятие национализировали.
С 1918 — Государственный фарфоровый завод (ГФЗ — аббревиатура клейма). В 1925 году заводу было присвоено имя М. В. Ломоносова; предприятие получило официальное наименование — Государственный фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова. С 1957 по 1993 год — Ленинградский фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова, наряду с которым имела употребление краткая форма — Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ — аббревиатура клейма). С 1993 — Ломоносовский фарфоровый завод.
С 2002 года завод является собственностью главы «Уралсиба» Николая Цветкова. В 2005 году по решению акционеров был вновь переименован в «Императорский фарфоровый завод».
С 1909 учился у В.Н. Мешкова (Москва); 1918–1923 – в свободных художественных мастерских (ГСХМ – ВХУТЕМАС). С 1924 участник выставок. Член и экспонент объединений: «Конкретивисты» (ГХК) – 1924; Общество станковистов (ОСТ; член-учредитель) – 1925–1931; Ассоциация художников революции (АХР) – 1928; «Изобригада» (ОИ) – 1931–1932. С 1932 член СХ СССР. В 1922 – 1923 директор Музея живописной культуры (МЖК). С 1941 главный художник Большого театра (ГАБТ СССР). В 1946–1947 преподавал в Московском институте прикладного и декоративного искусства (МИПИДИ). С 1944 заслуженный деятель искусств РСФСР. С 1946 профессор. В 1943, 1946, 1947 лауреат Сталинских премий.
Голополосов Борис Александрович
1900, Архангельск – 1983, Москва
Родился в Архангельске в 1900 году в семье дворянина, железнодорожного инженера. В 1905 году его отец принял активное участие в революционных событиях, был арестован, что сказалось на судьбе и творчестве сына. С 1908 Голополосов жил в Москве, поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Сергея Малютина и Василия Яковлева. После революции Училище было преобразовано во II Государственные свободные художественных мастерские (ВХУТЕМАС), где с 1919 Голополосов учился у Александра Шевченко, поклонника творчества Сезанна. Голополосов вдумчиво и внимательно изучал творчество Поля Гогена и Ван Гога, но особенно близки были ему экспрессионисты. Они отражали дух времени, и это было созвучно его собственным настроениям.
Юон Константин (Вильгельм-Теодор) Федорович
1875, Москва — 1958, Москва
Живописец, график, театральный художник, теоретик искусства; педагог. Учился в МУЖВЗ (1892–1900) у А. Е. Архипова и В. А. Серова. Член СРХ (1903), Пожизненный член Осеннего салона в Париже (1906), член АХРР (1925), СХ СССР (1932; с 1957 — первый секретарь Правления). Участник выставок с 1894: МТХ (1898–1902, 1912), "Мир искусства“ (1903, 1906), СРХ (1903–1923), "Салон [С. К. Маковского]“ (1909), АХРР (1925–1929), "Художники РСФСР за XV лет“ (1933), "Художники советского театра за XVII лет (1917–1934)“ (1935); международных в Дюссельдорфе (1904), Венеции (1907, 1924), Мюнхене (1909), Брюсселе (1910), Риме (1911), Лейпциге (1914), Мальме (1914), Питтсбурге (1925); русского искусства в Париже (1906), Берлине (1906, 1922), Нью-Йорке (1924). Преподавал в совместной с И. О. Дудиным студии (1900–1917), в ИЖСА (1934–1935), МХИ (1952 –1955). Сотрудник ГАХН (с 1921). Народный художник СССР (1950), действительный член АХ СССР (1947), Лауреат Государственной премии СССР (1943).
Грабарь Игорь Эммануилович
1871, Будапешт, Венгрия – 1960, Москва
Живописец; историк искусства, художественный критик, музейный работник, реставратор, педагог.
Родился в Будапеште. Окончил юридический и историко-филологический факультеты Петербургского университета (1889–1896). Учился в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств (1894–1896) у И. Е. Репина, в школе А. Ашбе (1896–1898) в Мюнхене. На протяжении 1896–1900 изучал мировое искусство по Европе. В Италии его потрясли творения мастеров Возрождения, а в Париже – работы импрессионистов и постимпрессионистов. В 1900 возвращается в Россию. В Подмосковье, учитывая достижения французских импрессионистов, пишет на открытом воздухе пейзажи «Февральская лазурь», «Мартовский снег» (1904) и натюрморты «Хризантемы» (1905), «Неприбранный стол» (1907).
Член «Мира искусства» (1901, 1910), Союза русских художников (1903), пожизненный член Осеннего салона в Париже (1906). Участник выставок с 1898: «Мир искусства» (1902–1906, 1912–1922), СРХ (1903–1909), «Московские живописцы» (1925); Международных в Дюссельдорфе (1904), Венеции (1907, 1924), Риме (1911), Мальмё (1914). Преподавал в совместной школе Ашбе — Грабаря (1898–1901) в Мюнхене. 1910–1923 — период увлечения архитектурой, историей искусства, музейной деятельностью, охраной памятников. Осуществил издание первой «Истории русского искусства» в шести томах (1909–1916), написал для нее важнейшие разделы, опубликовал монографии о В. А. Серове и И. И. Левитане. В 1913–1925 возглавлял Третьяковскую галерею, значительно изменив принципы музейной работы. После революции многое сделал для защиты памятников культуры от разрушения. В 1918 по его инициативе созданы Государственные центральные художественные реставрационные мастерские (1918–1930, директор). С 1924 и до конца 1940-х вновь много занимался живописью, особенно увлекался портретом. Крупнейший русский импрессионист, автор множества классических произведений, оказавший существенное влияние на развитие этого течения. В 1910-х Грабарь на время оставляет импрессионистическую манеру в поисках звучности и декоративности целого с тем, чтобы вновь вернуться к ней в своих пейзажах и натюрмортах 1920–1950-х. Свои импрессионистические по чувству портреты и жанры советского времени художник писал, используя приемы „классического наследия“, что тоже было характерным проявлением „двойных стандартов“.
Гринберг Владимир Ариевич
1896, Ростов-на-Дону – 1942, Ленинград
Живописец, график, скульптор, акварелист, иллюстратор, педагог. Учился в 1905–1914 в Коммерческом училище в Ростове-на-Дону, одновременно занимался живописью и рисунком; с 1915 в Политехническом институте и Новой мастерской в Петербурге. Участник выставок с 1914. Член СХ с 1933. Преподавал в 1919–1922 в ХШ и рабфаке Донского университета; 1926–1927 в ЛХПТ; 1928–1941 в ЛИИКС; 1932–1933 в ИЖСА.
Лебедев-Шуйский Анатолий Адрианович
1896, Шуя – 1978, Москва
Живописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Член Московского отделения Союза художников. 1916–1918 гг. – обучение в студии П. И. Келина в Москве. С 1918 г. – участник художественных выставок. 1921–1930 гг. – член и один из основателей художественного объединения «Бытие». 1924 г. – окончил ВХУТЕМАС. Учился у А. Е. Архипова, И. И. Машкова и П. П. Кончаловского.
Луппов Сергей Михайлович
27.08(03.09).1893, город Слободской, Вятская губ. – 26.10.1977, Москва
Живописец, график, педагог.
Родился 27.08 (03.09).1893 в городе Слободской Вятской губернии. Окончил Вятское Александровское реальное училище. В 1912–1917 учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, А. М. Васнецова, К. А. Коровина, Н.Касаткина. В 1917 за дипломную работу – картину «Купальщица», сделавшую его знаменитостью, – получил звание художника первой степени и право на пенсионерскую поездку. Не имея возможности воспользоваться этим правом из-за условий времени, в 1918 вернулся в Слободской, где начал преподавать рисование в гимназии. Активно занимался в родном городе культурно-просветительской и художественно-педагогической работой до 1923 года.
Основал художественную студию, через которую за четыре года её существования прошли более ста учеников. Привез из Москвы коллекцию произведений русского авангарда (30 картин, подаренных городу Наркомпросом), которая через год легла в основу созданного им местного художественного музея.
С 1923 жил и работал в Москве, преподавал графические искусства в 1-й Советской Объединенной военной школе Рабоче-крестьянской Красной Армии имени ВЦИК. В том же году стал членом Ассоциации художников революционной России и постоянным участником выставок ассоциации, а в 1932 – членом Союза художников СССР и Московского союза художников.
Был участником всех выставок АХРР (АХР) и Союза художников СССР. Персональные выставки состоялись в 1969, 1993 (Москва), 1994 (Киров). Создавал монументальные полотна на историко-революционную тему и, вместе с тем, писал глубоко лиричные портреты и проникновенные пейзажи. Всегда оставаясь певцом человеческого тела и поклонником «бурного» цвета, много картин посвятил становлению физкультурного движения в стране.
Пахомов Алексей Федорович
1900, деревня Варламово Вологодской губернии — 1973, Ленинград
Живописец, график, иллюстратор. Блестящий рисовальщик и признанный мастер литографии. Занимался также монументальным искусством, плакатом, скульптурой.
Учился в ПУТР барона А. Л. Штиглица—СВОМАС (1915–1917, 1920–1922) у М. В. Добужинского, В. И. Шухаева, С. В. Чехонина, Н. А. Тырсы, В. В. Лебедева, А. Е. Карева; в ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1922–1925) у А. И. Савинова. Участник выставок с 1921. Участник "Объединения новых течений в искусстве“ (1926–1932). Член правления ЛОССХ с 1932. Работал в журналах, иллюстрировал детские книги (1920–1930-е). Преподавал в ИЖСА (1948–1973). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1945), Лауреат Сталинской премии второй степени (1943) и Государственной премии СССР (1973), Народный художник РСФСР (1963), Действительный член АХ СССР (1964), Народный художник СССР (1971). Сталинская премия (1946) за серию литографий "Ленинград в дни войны и блокады“ (1941–1944). Золотая медаль Международной выставки в Париже (1937) за панно "Дети Страны Советов“ для Советского павильона. Жил и работал в Ленинграде.
Волков Илья Васильевич
1875, г. Кадом Тамбовской губернии – 1938, пос. Железнодорожный, Коми АССР
Живописец. Родился в 1875 в г. Кадом Тамбовской губернии. Окончил Кадомское городское приходское училище в 1886. Занимался в Московской иконописной мастерской (1891–1893). С 1893 работал мастером по росписи зданий, посещал вечерние курсы рисунка и живописи при Строгановском училище. Учился в Пензенском художественном училище на живописном отделении (1899–1904) у К. А. Савицкого. Преподавал рисование в учебных заведениях Омска: епархиальном женском училище, на художественных курсах ОХЛИИСК, 2-й женской гимназии (1907–1936), ХПТ им. М. А. Врубеля (1921–1934, с перерывами). Работал в кооперативном товариществе «Омхудожник» (с 1932). Действительный член ТОЛХ, член-учредитель и член правления ОХЛИИСК. Член Омского отделения АХР с 1925. Член ССХ с 1937. Награжден орденом Св. Станислава 3-й степени (1913). Репрессирован, скончался в Северном железнодорожном лагере НКВД СССР. Реабилитирован в 1939.
Лабас Александр Аркадьевич
1900, Смоленск – 1983, Москва
Живописец, график; художник театра, монументалист. Жил в Риге (с 1910), в Москве (с 1912). Учился в СЦХПУ (1912–1917) у Ф. Ф. Федоровского, С. А. Ноаковского, Д. А. Щербиновского; в ХШ Машкова (1916); ГСХМ (1917–1919) у П. П. Кончаловского; ВХУТЕМАС (1921–1924) у Д. П. Штеренберга. Доброволец Красной армии (Третья армия Восточного фронта, 1918–1921). Участник выставок с 1921. Член и экспонент: ОСТ (член-учредитель, 1925–1932). Преподавал живопись и цветоведение на графическом факультете во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1924–1927). С конца 1920-х принимал участие в оформлении различных архитектурных сооружений и выставок, в том числе для Международной выставки (1937, Париж); Всемирной выставки (1939, Нью-Йорк); ВСХВ (1939, 1940). С 1932 эпизодически работал художником-постановщиком в различных московских театрах. Много путешествовал по стране. Член СХ (с 1932). Заслуженный художник РСФСР (с 1976).
Рубанов Иосиф Менделевич
1903, Новозыбков – 1988
Живописец, педагог. Член Союза художников СССР. С отличием закончил в 1922 Красноармейский университет (Изо отделение) в Могилеве. Переехал в Москву. В 1925 окончил Художественный Рабфак им. Похрова. Окончил ВХУТЕМАС в 1930 году. Член МОСХа с 1933. С началом Отечественной войны добровольцем уходит в народное ополчение. Из-под Волоколамска его возвращают как полностью негодного по болезни. Эвакуирован с семьей в Чувашию. В 1943 году вернулся в Москву. Преподавал в Студии инвалидов Великой Отечественной войны, в студии повышения квалификации КДОИ, изостудии ДК завода «Каучук» и др. Участник московских, республиканских, всесоюзных выставок с 1927 года.
1918 год был в творчестве Петрова-Водкина годом натюрморта. Его письма к матери той поры, полные отчетов о повышении цен на хлеб и дрова, – летопись разрушения привычного жизненного уклада. Видимо, пристальное внимание к предметному миру было попыткой фиксации его неудержимо расплывающихся контуров, сопротивления тотальной дематериализации. Автопортрет – пример одного из немногих обращений к другому жанру – итог напряженных размышлений о роли художника в апокалипсические времена, поиск стабильности в глубинах собственной личности. 30 января 1918 года Петров-Водкин был выбран профессором Академии художеств. «Как это ни почетно, ни лестно, но с большими колебаниями беру на себя эту большую задачу. И если бы не тяжелое время для Родины и не опасность, что искусство зачахнет среди всеобщего разрушения, я не имею права отказаться от возможности хотя бы попытки благоустроить нашу высшую школу…». Ответственность связывалась с осознанием открывающихся возможностей построения здания нового искусства новой России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. Такая позиция демиурга-хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета. В соответствии с выдвинутой художником концепцией нового, «планетарного» видения его строгое лицо возникает на пересечении «планетарных» измерений неба и тверди, образующих фигуру креста. Любовь Большакова //Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 159.
В Автопортрете 1918 года исчезла зачарованность, завороженность причастностью к иным мирам, нездешним законам бытия, присущая до сих пор множеству персонажей художника. В почти скульптурной лепке рельефа головы, в рубленности черт лица, в твердости и ясности взгляда художник чрезвычайно точно выразил основной пафос своей жизни той поры – приятие действительности без обманной идеализации ее, приятие мужественное и трезвое, с сознанием неизбежности самопожертвования и готовности к нему. При этом психологическое пространство портрета не ограничено сиюминутностью реального окружения, она включает в себя всю ширь зелено-голубых сфер мироздания, духа, истории… Планетарный принцип, положенный в основу этого произведения, удивительным образом сочетается с концепцией портрета эпохи кватроченто: человек в центре мироздания, возвышенный над миром, героический и одновременно трагически одинокий.
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) – живописец, график, теоретик искусства, писатель. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1930).
Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф.Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А.Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е. Архипова, Н.А. Касаткина и В.А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. С 1908 участник выставок "Золотого руна". Член обществ "Мир искусства" (1910–1922), "Четыре искусства" (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е.Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Автор жанровых композиций, портретов и натюрмортов. Прошел через увлечение символизмом, постимпрессионизмом (искусство П. Гогена и А. Матисса). В своем творчестве основывался на наследии Древней Руси.
Серебрякова З. Е.
Портрет М. А. Тройницкой
1924
ГРМ
Серебрякова З. Е.
Портрет М. А. Тройницкой
1924
Холст, масло. 76 х 66 (в свету)
Государственный Русский музей
Ж-8790
Серебрякова много времени отдавала портрету. Особенно выделяется своей завершенностью и тонкой передачей индивидуальных черт модели портрет М. А. Тройницкой, жены директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого. Портретируемая изображена за завтраком. Мастерски вылеплено лицо с живыми глазами, выразительны непринужденная поза и спокойно лежащие руки, что помогло созданию образа уравновешенной волевой женщины. С большой любовью, как у старых голландских мастеров, написаны расставленная на столе фаянсовая посуда, а также вишни и разрезанный ножом лимон. (В. Кн.).
Тройницкая Марфа Андреевна – жена директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого (1882– 1948, историк искусства, научный сотрудник с 1908, хранитель Галереи драгоценностей и директор Эрмитажа в 1917–1927, доктор искусствоведения).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 178.
Цыбасов М. П.
Автопортрет
1933-1934
МИИ РК (Петрозаводск)
Цыбасов М. П.
Автопортрет
1933-1934
Холст, масло. 93 х 66
Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
Ж-568
Михаил Цыбасов в своем творчестве много внимания уделял созданию автопортретов, а также портретов своих современников. Представленные в коллекции МИИ РК автопортреты художника выполнены в разные периоды, начиная с 1924 года и заканчивая 1950-ми годами. Всматриваясь в каждый из них, убеждаешься, что они совпадают с определенными вехами жизни художника, в каждом запечатлелись новые поиски, новый круг интересов, ощущение определённого исторического отрезка времени.
Работа над автопортретом в 1933–1934 годах велась художником почти ежедневно. В своём дневнике Михаил Цыбасов пишет:
« 29 ноября 1933. С утра работал портрет. Идёт как-то туго, не выверены, как следует, силовые отношения.
14 декабря 1933. С утра автопортрет, выверял всё время пропорции, нужно писать всё кругом. А к лицу придется всё равно вернуться после того, как напишу кругом.
19 декабря 1933. Утро работал <…> .
20 декабря 1933. Портрет начинает вырабатываться (доличное).
2 января 1934. День работал автопортрет…»
И вот художник решается показать ещё не законченную работу учителю, Павлу Филонову:
21 февраля 1934. «С утра неожиданно решил поехать к П<авлу> Н <иколаевичу> показать портрет, не долго думая собрался и поехал. Сделали тщательный разбор и нашли немало слабых пунктиков. Сделать табуретку, писать шею, руки, галстук, воротник, прорисовать и проследить форму ног. Писать всё лицо, вводя цвета живописных элементов. Работу вести только лессировкой. Пузырек с тушью, работать границы и выверить силу отношений клеенки, рубашки, край палитры, некоторые куски на дверях (линия, щель)».
Судя по дневниковым записям, портрет был готов к декабрю 1934 года. Одно из лучших произведений Михаила Цыбасова, в котором строгость, напряженность позы сочетаются с мягким, лиричным взглядом, тёмная цветовая гамма одежды, нехитрых предметов быта – с тёплым цветом румяного лица. Этот цвет подчёркивает и северное происхождение художника, и незапятнанность его души, и радостное мироощущение. И лишь слегка обозначенная горькая складка у губ говорит об испытаниях, что уже выпали и ещё выпадут на долю живописца. «Впереди ещё предстоит много испытаний, – писал М. Цыбасов во время работы над портретом, – и необходимо быть во всеоружии и языка, и пера, и кисти» (3 декабря 1933).
Малевич К. С.
Автопортрет (Художник)
1933
ГРМ
Малевич К. С.
Автопортрет (Художник)
1933
Холст, масло. 73 x 66
Государственный Русский музей
ЖБ-1516
В поздних работах художника очевидно нарастающее тяготение к фигуративности, на первый взгляд, вынужденное, на самом же деле не противоречащее мироощущению Малевича, который, как он сам написал, «в глубине души всегда оставался классиком». В «Автопортрете» Малевич изображает себя в костюме итальянского дожа. Живописные приемы адресуют нас к фрескам Ренессанса и иконным традициям Древней Руси. Художник подчеркивает сдержанное выражение лица, величественность позы и непривычный жест руки, более естественный в изображении иконописного святого, нежели в автопортрете. Все эти детали преднамеренны, они возвеличивают образ. Не случайно Малевич на обороте холста сделал надпись — «Художник». Русский музей. Отиконыдосовременности. СПб. 2015. С. 340.
На «Автопортрете» 1933 года с авторским названием«Художник» Малевич изобразил себя в костюме итальянского дожа — одеяние Реформатора с геометричной структурой и характерным чередованием белого, чёрного, красного и зелёного цветов. Жест руки, словно удерживающей на ладони невидимый геометрический объем, — завет потомкам, ключ к пониманию супрематизма, признающего опорожнённый от предметов мир как подлинную реальность.
«Художник открывает мир и являет его человеку… быть художнику среди вещей необходимо, ибо через него открывается новое видение, новая симметрия природы, он находит (как принято называть) красоту…» , — провозгласил Малевич в торжественных строках своей оды «Художник», написанной в начале 1920-х годов.
Именно так он изображает себя в последнем автопортрете — Творцом, носителем высшего знания и высшей воли, Демиургом, диктующим миру свой закон, Художником, неподвластным неразумным силам исторического времени, выпавшего на его земную долю. Он, словно наперекор внутренним творческим сомнениям и противоречиям, человеческому несовершенству и жизненным бедам, утверждает свое право на посмертный, обращенный к потомкам миф.
Малевич ушел из жизни в мае 1935 года. Прощание и похороны, организованные его учениками и друзьями, представляли собой последнюю публичную акцию супрематизма в Советской России. В зале Ленинградского Объединения Союза Советских Художников во время прощания была организована выставка, и Хармсом были прочитаны стихи. По Невскому проспекту (тогда проспекту 25 Октября) прошло траурное шествие: на открытой платформе грузовика с Черным квадратом на капоте был установлен супрематический саркофаг. После кремации в Москве, урну с прахом Малевича погребли в деревни Немчиновка, вблизи одинокого дуба.
Над захоронением «Казимира Великого», «Председателя Мирового Пространства» был установлен памятник, спроектированный Николаем Суетиным, — куб с Черным квадратом.
Малевич К. С.
Портрет Н. Н. Пунина
1933
ГРМ
Малевич К. С.
Портрет Н. Н. Пунина
1933
Холст, масло. 69 х 57
Государственный Русский музей
ЖБ-1517
Портрет, созданный в 1933 году, сближается с серией известных „ренессансных" портретов художника.
Пунин Николай Николаевич (1888—1953) — искусствовед, музейный деятель, идеолог новейшего искусства. Сотрудник ГРМ (1913— 1933), хранитель и заведующий организованным им отделом новейших течений (1926—1931). Ольга Шихирева // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 398.
Созданный в 1933 году «Мужской портрет» сближается с серией известных «ренессансных» портретов художника. Есть в нем будоражащая неестественность, логика несоответствий, соединившая реальное, написанное в реалистической манере лицо и полуфантастические «супро-ренессансные» головной убор и одеяние персонажа. В совокупности всех составляющих изображение Малевич достигает ощущения недоговоренности, граничащей с абсурдом двойственности образа. (О. Ш.).
Пунин Николай Николаевич (1888–1953) – искусствовед, музейный деятель, идеолог новейшего искусства. Сотрудник ГРМ (1913– 1933), хранитель и заведующий организованным им отделом новейших течений (1926– 1931). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 220.
Грабарь И. Э.
Портрет композитора С. С. Прокофьева
1934
АГКГ им. П. М. Догадина
Грабарь И. Э.
Портрет композитора С. С. Прокофьева
1934
Холст, масло. 92,0 х71,0
Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
Ж-148
«Я давно уже считал себя по преимуществу портретистом. В детские годы, в лицее, в университете, в академии, в Мюнхене – всюду больше всего занимался портретом, который давался мне легко и выходил лучше всего другого», – писал о своём портретном искусстве Игорь Эммануилович Грабарь.
Период наиболее активного увлечения портретом у И. Э. Грабаря пришёлся на 1920-е – 1930-е годы. В этот период он создал яркие и выразительные портреты своих современников – К. И. Чуковского, академика С. А. Чаплыгина, членов семьи.
Композитора Сергея Сергеевича Прокофьева (1891–1993) художник писал неоднократно. Грабаря привлекали одухотворённость и внутренняя энергия, исходившие от этого талантливого человека. Художника и композитора роднило стремление служить искусству. Грабарь с одинаковым успехом работал во всех жанрах живописи, и Прокофьев писал оперы, балеты, симфонии, концерты для инструмента с оркестром, сонаты.
В 1930-х годах С. С. Прокофьев был уже всемирно известным русским советским композитором. К этому времени состоялись триумфальные постановки его опер «Игрок» в Брюсселе, «Любовь к трём апельсинам» в Чикаго, «Огненный ангел» в Венеции, балетов «Шут» и «Стальной скок» в Париже, «Трапеция» в Готе.
В 1934 году Прокофьев вернулся из-за границы, где с большим успехом проходили его фортепианные концерты. Его портреты, для которых он позировал в одной и той же куртке, писали И. Э. Грабарь и П. П. Кончаловский. «Во всем облике Сергея Прокофьева – внутреннем и внешнем – есть ярко выраженная динамичность. Я искал передать это в самой позе – поднятой вверх голове, движении левой руки, положении плеч, устремленности взгляда», – писал И. Э. Грабарь о своей работе над портретом композитора.
Ефанов В. П.
Встреча артистов театра имени Константина Станиславского со слушателями Военно-воздушной академии имени Николая Жуковского
1938
ГРМ
Ефанов В. П.
Встреча артистов театра имени Константина Станиславского со слушателями Военно-воздушной академии имени Николая Жуковского
1938
Холст, масло. 297,5 x 375,5
Государственный Русский музей
Ж-5602
Картина написана для выставки „ХХ лет РККА и ВМФ“, также выставлялась на Всемирной выставке 1939 года (Нью-Йорк).
Среди гостей изображены: слева от К. С. Станиславского — Герой Советского Союза Н. П. Каманин, солисты балета М. И. Шарова и П. И. Макеев. Справа от К. С. Станиславского — старший лейтенант А. Н. Полосухин, народная артистка РСФСР М. Л. Мельтцер, заслуженный артист РСФСР М. Н. Жуков, актриса театра А. Т. Васильева. Напротив К. С. Станиславского — народная артистка РСФСР М. С. Гольдина. На первом плане в кресле сестра К. С. Станиславского — 3. С. Соколова.
Обращение к групповому портрету театральных деятелей не случайно в творчестве Ефанова — длительное время художник был увлечен театром, сам был актером, женой его стала актриса театра им. К. С. Станиславского. И хотя в середине 1930-х годов Ефанов отошел от сцены, театр оставался ему по-прежнему дорог.
Событие, послужившее сюжетом для картины, произошло 22 декабря 1935 года в квартире-студии К. С. Станиславского. Начал работать над картиной художник в 1937, закончил через год, когда великий режиссер уже умер. В композиции изображено тридцать восемь персонажей, портреты которых художник писал с натуры. В автобиографии Ефанов вспоминает: „Артисты и летчики — были мною написаны прямо с натуры. Позировали долго, подчас по ночам. Все детали картины — натюрморт на столе, стулья, огромный ковер — написаны также с натуры“. Не раз Ефанов встречался и со Станиславским, изучая его характер, манеры, позы и жесты делая многочисленные наброски, рисунки, этюды.
Многофигурная композиция удачно скомпонована, интерьер и праздничный застольный натюрморт написаны свободно, широко, не отвлекая, однако, внимания от происходящего. Смысловым центром композиции стала фигура: стоящего режиссера — все присутствующие обращены к нему. Театр, руководимый К. С. Станиславским, шефствовал над Высшей военно-воздушной академией им. Н. Е. Жуковского, и темой картины стали новые отношения разных социальных групп, их взаимопонимание и искреннее уважение друг другу. Полностью отвечая идеологическим требованиям времени, картина призвана проиллюстрировать идею красоты и благородства людей нового времени, подчеркнуть возможность подобного союза только в условиях социалистического общества. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 251.
Лактионов А. И.
Портрет И. И. Бродского
1938
ГРМ
Лактионов А. И.
Портрет И. И. Бродского
1938
Холст, масло. 120 х 90
Государственный Русский музей
Ж-5685
Лактионов писал портрет своего учителя в пору тяжелой болезни мастера. Это произведение своеобразно завершило период ученичества Лактионова и одновременно явилось определенной вехой, обозначившей начало его творческого пути. По воспоминаниям автора, портрет Бродского писали несколько его учеников одновременно: „Каждый старался как можно лучше и вернее передать черты <...> любимого учителя". Лактионов в полной мере воспринял живописный метод своего педагога. Портрет весьма выразителен своей строгостью, композиционной точностью, пространственной режиссурой. По словам Лактионова, Бродский остался портретом доволен, о чем свидетельствует, быть может, и грустная его фраза, сказанная в шутливо-дружеском тоне: „Теперь можно, пожалуй, и умирать". Портрет, действительно, оказался последним изображением художника. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 399.
Бродский Исаак Израилевич (1883 (1884), Софиевка Таврической губ. — 1939, Ленинград) — живописец, график, художник театра, педагог, автор статей, посвященных искусству.
В 1896—1902 учился в Одесском художественном училище (ОХУ); 1902-1908 в Высшем художественном училище (ВХУ при ИАХ). В 1909-1911 как пенсионер Академии художеств (ИАХ) посетил Германию, Францию, Испанию, Англию, Австрию, Италию. С 1904 участник выставок. Член и экспонент объединений: Новое общество художников (НОХ) — 1904, 1906; Общество им. Леонардо да Винчи (ОЛ) — 1907; Товарищество южно-русских художников (ТЮРХ) — 1907, 1910, 1912—1913; Союз русских художников (СРХ) — 1908—1918 (член с 1910); Московское общество любителей художеств (МОЛХ) — 1908—1909; "Группа художников" (ГХ) — 1909—1911; "Мир искусства" II-1911; Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) —1914—1916; Еврейское общество поощрения художеств (ЕОПХ) - 1915-1919; Общество им. Куинджи (ОбК; председатель правления) — 1917, 1920, 1924, 1929—1930; "Дом искусств" (ДИ) — 1920—1922; Общество художников-индивидуалистов (ОХИ) — 1921; Община художников (ОХ) — 1921—1922, 1924(?); "Шестнадцать" (ГХ 16) — 1922—1924, 1927; Ассоциация художников революционной России (АХРР) — 1925, 1926, 1928; Объединение художников им. И.Е. Репина (ОбР) — 1927—1928; Общество живописцев (ОЖ) — 1928—1930; "Цех художников" (ОЦХ) - 1930-1932; Объединение работников изобразительных искусств (ИССТР) — 1932. С 1932 член СХ СССР. С 1932 профессор. С 1934 директор Всероссийской академии художеств (ВАХ). С 1934 заслуженный деятель искусства РСФСР.
Герасимов А. М.
Портрет А. К. Тарасовой
1939
ГРМ
Герасимов А. М.
Портрет А. К. Тарасовой
1939
Холст, масло. 126 х 98
Государственный Русский музей
Ж-5939
Кончаловский П. П.
А. Н. Толстой в гостях у художника
1940–1941
ГРМ
Кончаловский П. П.
А. Н. Толстой в гостях у художника
1940–1941
Холст, масло. 142 х 168
Государственный Русский музей
Ж-8647
Впервые портрет экспонировался в марте 1941 года на выставке XXXV лет творческой деятельности П. П. Кончаловского под названием «А. Н. Толстой у меня в гостях». Живописец писал Алексея Николаевича Толстого у себя в гостях на даче в Буграх. Обоих мастеров связывала давняя дружба, и общение их было постоянным. В увлекательных рассказах ученого, писателя, артиста – Ираклия Луарсабовича Андронникова, звучавших в 1970–1980-х годах на концертах и с экранов телевизоров, живо передана атмосфера встреч у писателя, в том числе и с Петром Кончаловским. Надо полагать, подобное гостеприимство проявлял и художник. Вообще радушие, хлебосольство в полной мере было присуще обоим. Роскошный натюрморт, развернутый перед гостем и зрителем, поражает не только гастрономическим, но и эстетическим изыском. Сочные яства, сочная палитра, где каждый предмет не только веществен, но входит в колористическое созвучие холста – и старинный штоф, и млеющее в бокале вино, и золотистый окорок, и свежие фрукты. Все это хорошо увязано в цвете с охрой стены, кажется, пахнущей деревом, моделирующей плотную фигуру Алексея Николаевича Толстого. // Анатолий Дмитренко.Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 261.
Толстой Алексей Николаевич (1882/1883– 1945) – писатель, общественный деятель, академик АН СССР (1939), лауреат Сталинских премий (1941, 1943, 1946). // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 260.
Корин П. Д.
Портрет А. Н. Толстого
1940
ГРМ
Корин П. Д.
Портрет А. Н. Толстого
1940
Холст, масло. 105 x 98
Государственный Русский музей
Ж-5605
С писателем Павел Корин познакомился весной 1932 года у Горького в Капо-ди-Сорренто. В ту пору были сделаны первые зарисовки с Толстого, другие — у Горького же в подмосковных Горках. Сам портрет был написан на даче Алексея Николаевича в Барвихе, в течение месяца, очевидно, в феврале (о чем свидетельствует фотография, запечатлевшая художника, модель и почти законченный портрет). Портрет был одним из заказанных в 1939 году Комитетом по делам искусств изображений видных деятелей советской культуры. Прекрасно вылепленная голова, породистое лицо, высокий лоб, осанистая фигура, взгляд, обращенный в себя. Темный силуэт рельефно моделируется цветом горячих тонов стены. Край книжного шкафа с корешками книг за стеклом — лишь намек на профессию. Неторопливый, но строгий ритм организует композицию. Холст фрагментарен, что позволяет укрупнить фигуру. Все здесь значительно – и стать, и интеллект.
Толстой Алексей Николаевич (1882/1883– 1945) – писатель, общественный деятель, академик АН СССР (1939), лауреат Сталинских премий (1941, 1943, 1946). // Анатолий Дмитренко.Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 260.
Рыбников М. С.
Портрет заслуженного деятеля искусств, лауреата Сталинской премии Н. С. Самокиша
Конец 1930-х - начало 1940-х (?)
Симферопольский ХМ
Рыбников М. С.
Портрет заслуженного деятеля искусств, лауреата Сталинской премии Н. С. Самокиша
Конец 1930-х - начало 1940-х (?)
Холст, масло. 26 х 31,5
Симферопольский художественный музей
Ж-55
Художник Михаил Рыбников изобразил своего учителя — выдающегося художника, педагога, академика батальной живописи, действительного члена Императорской Академии художеств, заслуженного деятеля искусств РСФСР, лауреата Сталинской премии II степени, автора статей, монографий и книг по искусству Николая Семёновича Самокиша (1860–1944). Н. С. Самокиш создал художественную студию в Симферополе, на базе которой основано Крымское художественное училище (1937). Именем Н. С. Самокиша названа улица и художественное училище в Симферополе, переулок в Харькове. В Симферополе на доме, где он жил, установлена мемориальная доска.
На полотне Николай Семёнович изображён таким, каким его знал М. С. Рыбников: худощавый, седой, в очках, хоть и в преклонном возрасте, но бодрый и деятельный, в тёплый весенний день на улице увлечённо работает над картиной.
Полотно находится в Симферопольском художественном музее, где долгое время был консультантом и большим другом музея Н. С. Самокиш, где многие годы работала дочь М. С. Рыбникова — Леонарда Михайловна, где сохраняется большая коллекция работ, фотографий и документов обоих художников.
Кончаловский П. П.
Портрет писателя К. А. Тренева
1941
Луганский ХМ
Кончаловский П. П.
Портрет писателя К. А. Тренева
1941
Холст, масло. 119 × 110
Луганский художественный музей
Полотно «Портрет писателя К.А. Тренева» живописец Пётр Кончаловский создал в суровом 1941 году. В лице писателя чувствуется тревога и сосредоточенность. За внешним спокойствием – напряжение чувств и мыслей. Портрет отличается глубоким проникновением во внутренний мир творчески одаренного человека, тонко нюансированным колоритом фиолетовых и желтых тонов, крепкой фактурной лепкой формы, присущей этому мастеру.
Константин Андреевич Тренёв (1876–1945) – советский писатель. Учился в Петербургском археологическом институте (1901–1903). Был известным драматургом. Спектакли по его произведениям пользовалась успехом, их нередко ставил В. И. Немирович-Данченко («Любовь Яровая», «Пугачевщина»). В спектакле К. А. Тренёва «На берегу Невы» впервые в драматургии был показан образ В. И. Ленина. Тесно дружил с писателем Максимом Горьким. Лауреат Сталинской премии первой степени (1941).
Николаев Я. С.
Автопортрет
1942
ГРМ
Николаев Я. С.
Автопортрет
1942
Холст, масло. 62 х 48
Государственный Русский музей
Ж-7940
Трудно переоценить значение образной панорамы блокадного города, созданной Ярославом Николаевым в годы войны. В ней отразились страдания людей в осажденном Ленинграде и одновременно не сломленное их достоинство, воплотился увиденный с особой остротой облик города («я никогда так отчетливо не ощущал его красоту, проступающую сквозь боль, не чувствовал так цвет,» — говорил художник). Это отражало способность автора увидеть красоту сквозь трагедию — в лицах, поступках людей, в городских пейзажах. Исповедальной силой отражается и автопортрет художника. В нем воплотилось не только переживание автора, но и тех, среди которых жил художник. Портрет был создан после пребывания Николаева в стационаре для истощенных. Это произведение, хранящее печать времени, поражающее своей образной выразительностью, было написано на холсте, случайно найденном им в Союзе художников, и осталось впечатляющим художественным документом. // Анатолий Дмитренко.Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 268.
Верейский Г. С.
Портрет И. А. Орбели в кабинете в Эрмитаже
1942
ГРМ
Верейский Г. С.
Портрет И. А. Орбели в кабинете в Эрмитаже
1942
Литография. 56,5 х 61,5
Государственный Русский музей
С.Гр.-9749
Иосиф Абгарович Орбели (1887, Кутаиси — 2 февраля 1961, Ленинград) — советский востоковед и общественный деятель, академик Академии наук СССР (1935), в 1934—1951 — директор Эрмитажа.
В годы Великой Отечественной войны, оставаясь во время блокады в Ленинграде, вёл большую работу по сохранению музейных ценностей. В 1941—1942 годах руководил охраной и эвакуацией Эрмитажа и ленинградских учреждений Академии наук СССР. В 1944 году участвовал в работах Чрезвычайной комиссии по обследованию ленинградских пригородных дворцов с целью установления ущерба, нанесённого немецкими фашистами и участвовал в работах по восстановлению Зимнего дворца и экспозиций Эрмитажа.
Ефанов В. П.
Портрет скульптора В.П. Акимова
1942
Самарский ОХМ
Ефанов В. П.
Портрет скульптора В.П. Акимова
1942
Холст, масло. 70,0 × 90,5; в раме 80 × 98 × 6.
Самарский областной художественный музей
Ж-472
Скульптор В. П. Акимов, творчество и жизнь которого непосредственно были связаны с Самарой и Куйбышевом, запечатлён художником в процессе работы над бюстом А. С. Пушкина. В. П. Ефанов большое значение придает изображению рук, точности и уверенности их движений. "Руки, – говорил Василий Прокофьевич, – помогают и дополняют характеристику личности. Они как бы его второй портрет. Я по своей практике знаю, если не уделить должного внимания рукам, то самый хороший портрет окажется неглубоким, поверхностным".
Акимов Василий Петрович (1894 – 1977) – скульптор, заслуженный художник РСФСР. Участник Первой мировой войны.
Родился в селе Елховка Самарской губернии. Впервые на 21-й выставке картин самарских художников в 1914 году представил свои живописные работы, тогда же начал работать как скульптор. В 1918–1919 годах оформлял революционные праздники, клубы, кинотеатры, красноармейские красные уголки. С 1924 года – член Самарского общества пролетарских художников (АХРР). С 1930 года работал над монументальными скульптурными произведениями. В 1941–1952 годах – председатель Куйбышевского отделения Союза художников. Основные произведения: скульптурные композиции «Песнь о Соколе» (1939, СХМ), «Алексей Пешков – грузчик» (1939, Лит. музей им. Горького в Самаре), «В. В. Маяковский» (1945, музей Маяковского в Москве), «Бюст Горького» (1951, театр драмы в Самаре); монументальные композиции: «Рабочий», «Физкультурница» (1938, фасад ДК им. Куйбышева), «Конная фигура М. В. Фрунзе» (1942, завод им. Фрунзе) и др.
Серов Вл. А.
Портрет художника А. А. Блинкова
1942
ГРМ
Серов Вл. А.
Портрет художника А. А. Блинкова
1942
Холст, масло. 103 х 70
Государственный Русский музей
Ж-4426
Блинков Александр Александрович (1911-1995) – советский живописец и график.
Портрет написан 23 марта 1942 года.
В годы блокады Ленинграда Владимир Серов возглавлял Ленинградское отделение Союза художников, не прерывая при этом активной творческой деятельности. Создавал плакаты, портреты, картины (в частности, вместе с А. А. Казанцевым и И. А. Серебряным — «Прорыв блокады Ленинграда», «Встреча Ленинградского и Волховского фронтов»). Портрет Александра Александровича Блинкова — один из лучших в творчестве художника. Блинков был поистине человеком героической судьбы; сражаясь вместе с партизанами на юго-западе Ленинградской области в местах, получивших название Партизанского края, он создал своеобразную летопись событий. Он писал из-за линии фронта Серову: «На этой многострадальной земле я нахожусь четыре месяца. И я в отчаянии — не хватает времени! Вечно в дороге — отряды, группы, новые люди, заботы, чтоб не подмокли рисунки. Не замечаю времени, дней, часов. Иной раз и страху наберешься по горло, и в болоте по горло вязнешь, и по три дня клюкву по кочкам собираешь, наподобие глухаря. Ко мне привыкли как-то сразу. Считают своим. Живу, как все, делаю, что положено каждому партизану, да еще хорошо стреляю, да еще рисую, за чужие спины не прячусь». А здесь, на портрете — он с кистью в руках перед чистым холстом, сосредоточен, погружен в себя. Это состояние словно исподволь передает в строгой, почти аскетичной гамме автор портрета, написанного, очевидно, зимой 1942 года, ибо в марте Блинков был командирован во 2-ю партизанскую бригаду. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 271.
Блинков Александр Александрович (1911, Лозовая, Харьковская губ. – 1995, Санкт-Петербург) — советский живописец, график, педагог, автор диорам и панорам. В 1939 окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры по мастерской батальной живописи Р. Р. Френца. Участник Великой Отечественной войны и обороны Ленинграда. Писал жанровые и батальные картины, портреты, пейзажи, анималистику, участвовал в создании диорам и панорам. Автор картин «Взятие Выборга советскими войсками 12 марта 1940 года» (1941), «На зимние квартиры», «Взятие Тихвина» (обе 1942, ГРМ). Исполнил панораму «Оборона Петрограда» для Государственного Музея революции (совместно с Р. Р. Френцом), диорамы «Штурм Зимнего дворца» для музея Великой Октябрьской революции в Ленинграде (1957, совместно с Л. Я. Рубинштейном), «Сталинградская битва» для Центрального Военно-Морского музея в Ленинграде (1962) и другие.
Кончаловский П. П.
Портрет писателя Сергея Владимировича Михалкова с сыном
1943
НХМ РС (Якутия)
Кончаловский П. П.
Портрет писателя Сергея Владимировича Михалкова с сыном
1943
Холст, масло. 158 х 130,5
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-490
На портрете, созданном живописцем Петром Кончаловским в 1943 году, писатель Сергей Михалков предстает в военной форме, с сыном Андреем на коленях. Картина была написана, когда Андрюше было 5 лет. Он держит в руках фуражку отца с характерным синим околышем летчика. Сергей Михалков во время войны был призван в армию в качестве военного корреспондента от газеты "Сталинский сокол" и действительно носил летную форму, поскольку газета была авиационная. Он писал патриотические очерки и стихи, а также сатиру на фашистов. Написал также сценарии к двум фильмам, за сценарий "Фронтовые подруги" был удостоен Сталинской премии. Кроме того, в 1943 году он принял участие в конкурсе на текст гимна СССР, для чего объединился с Эль-Регистаном. Как известно, именно их текст был призван лучшим. Две последующие редакции текста гимна Михалков уже делал сам.
Михалков Сергей Владимирович (1913–2009) – советский и российский писатель, поэт, драматург, публицист, баснописец, сценарист, общественный деятель, военный корреспондент. Герой Социалистического Труда (1973), заслуженный деятель искусств РСФСР (1967), лауреат Ленинской премии (1970), трёх Сталинских премий второй степени (1941, 1942, 1950), Государственной премии СССР (1978) . кавалер четырёх орденов Ленина (1939, 1963, 1973, 1983). Член ВКП(б) с 1950 года. С 1970 по 1990 год — председатель Союза писателей РСФСР. Отец кинорежиссёров, сценаристов, продюсеров, киноактёров, народных артистов РСФСР Никиты Михалкова и Андрея Кончаловского. Является соавтором текста гимна СССР и автором текста гимна России. Принадлежит к дворянскому роду Миха́лковых, Наибольшую известность писателю принесли его произведения для детей. В 1935 году вышло первое известное произведение, ставшее классикой советской детской литературы — «Дядя Стёпа».
Герасимов А. М.
Портрет Н. С. Ханаева
1945
ГРМ
Герасимов А. М.
Портрет Н. С. Ханаева
1945
Холст, масло. 155 х 114
Государственный Русский музей
Ж-5578
Ханаев Никандр Сергеевич (1890-1974) — русский оперный певец, солист Большого театра (1926-1954), народный артист СССР (с 1951).
Ефанов В. П.
Портрет Народного артиста СССР С. Я. Лемешева
1946
Нижнетагильский МИИ
Ефанов В. П.
Портрет Народного артиста СССР С. Я. Лемешева
1946
Холст, масло. 90,0 х 70,0
Нижнетагильский музей изобразительных искусств
Ж-293
В послевоенные годы неослабевающее внимание к театру приводит художника Василия Ефанова к созданию портретной галереи выдающихся мастеров искусства ‑ актеров, певцов, композиторов. Среди них интересен портрет любимого народом певца Сергея Лемешева, изображенного в период своего творческого расцвета, в то время выступавшего на сцене Большого театра.
Талант и незаурядность натуры поняты автором, стремящимся подчеркнуть в облике певца высокое артистическое начало. Лемешев представлен сидящим в несколько расслабленной позе, взгляд его выразительных голубых глаз устремлен вдаль. Знаменитый тенор словно погружен в мир образов, которые он создавал на сцене, и кажется, что он мысленно «пропевает» очередную партию. Внутренняя наполненность образа актера, словно погруженного в творческие раздумья, приподнимает его над мирской суетой. Артист остается загадкой.
Лемешев Сергей Яковлевич (1902—1977) — советский оперный певец (лирический тенор), оперный режиссёр, педагог. Народный артист СССР (1950). Лауреат Сталинской премии второй степени (1941).
Родился в селе Старое Князево (ныне в Калининском районе Тверской области) в бедной крестьянской семье. Рано потерял отца.
В 1914 году окончил церковно-приходскую школу, в зимнее время занимался сапожным делом в Санкт-Петербурге. Учился пению по граммофонным записям. Азы нотной грамоты и пения освоил в художественно-ремесленной школе, где участвовал в самодеятельных спектаклях и концертах. Во время учёбы на Тверских образцовых курсах комсостава РККА (1920) получил направление на учёбу в консерваторию.
В 1921—1925 годах учился в Московской консерватории.
С 1925 года пел в Оперной студии Большого театра под руководством К. С. Станиславского (ныне Московский музыкальный театр имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко), где, среди других, исполнял партию Ленского в опере П. И. Чайковского «Евгений Онегин»). Именно эта роль принесла певцу широкую известность и любовь зрителей.
1904, Великий Устюг Вологодской области – 1967, Ленинград
Живописец, график, иллюстратор, художник кино. Член объединения «Мастера аналитического искусства» (1926-1941). Участник выставок с 1927. С 1935 художник-постановщик киностудии «Ленфильм». Участник ВОВ. Жил и работал в Ленинграде. Родился в 1904 году в городе Великий Устюг Вологодской области. Здесь, на Русском Севере, прошли его детство и юность. В 1924 году приехал в Ленинград и поступил в Художественно-промышленный техникум, где учился у П. А. Мансурова и Н. И. Дормидонтова.
В 1926 году вошел в одно из крупнейших ленинградских объединений - «Мастера аналитического искусства» (Школа Филонова). На протяжении всех 15 лет пребывания в коллективе Цыбасов отличался особой преданностью учителю и неукоснительно следовал основным принципам системы аналитического искусства. Школу Филонова он признавал "единственной школой искусства". Но в отличие от Павла Филонова, для которого «анализ» был в основном самоцелью, Цыбасов использовал приемы аналитического искусства как средство достижения особой художественной выразительности своих работ.
В 1935 году, после исключения из Союза художников за «формализм», попробовал реализовать себя в качестве художника-постановщика на киностудии «Ленфильм». Совершил ряд творческих поездок в Карелию (1929-1931, 1934, 1936), на Северный Кавказ (1935), в Монголию (1940-1941). Принял участие в оформлении таких известных кинолент как «Музыкальная история» (1939-1940), «Антон Иванович сердится», «За Советскую Родину» (1937), «Год девятнадцатый» (1938). Со съемок кинофильма «Его зовут Сухэ-Батор» (1941) Михаил Цыбасов ушел на фронт.
Музею изобразительных искусств Республики Карелия принадлежит более восьмидесяти произведений художника, дающих представление о разносторонности и самобытности его творчества. Наряду с живописными полотнами в коллекции хранятся виртуозно исполненные по принципу «сделанности» акварели и рисунки, иллюстрации к книге «Калевала», вошедшие в первое советское издание 1933 года, а также работы, связанные с деятельностью художника на «Ленфильме».
Ефанов Василий Прокофьевич (Прокопьевич)
1900, Самара— 1978, Москва
Живописец, график, педагог. Учился в 1917–1921 в Изостудии при Самарском университете, с 1919 в самарских ГСХМ; в 1921–1926 в Москве в «Студии на Тверской» у Д. H. Кардовского; в 1922 брал уроки у А. Е. Архипова. Участник выставок с 1927. Член СХ с 1932 (один из организаторов). Преподавал: 1948–1957 – МГХИ; 1959–1978 – МГПИ. В 1935–1938 участвовал в создании комплекса диорам и панорамы «Штурм Перекопа». Действительный член АХ СССР (с 1947). Профессор (с 1948). Народный художник СССР (1965). Лауреат Сталинских премий (1941, 1946, 1948, 1950, 1952). Серебряная медаль МК СССР (1958). Бронзовая медаль на Всемирной выставке в Брюсселе (1958).
Лактионов Александр Иванович
1910, Ростов-на-Дону - 1972, Москва
Живописец, график.
Учился: 1926-1929 - Ростовская ХШ у А. С. Чиненова; 1932 - 1938 - в ЛИЖСА у И. И. Бродского; 1939 - 1944 - там же в аспирантуре. Участник выставок с 1929. Преподавал: 1937 - 1938 - изостудия Дворца культуры им. С. М. Кирова; 193 - 1940 - ЛИЖСА; 1967 - 1970 - МГПИ (заочный). Профессор (с 1968). Народный художник РСФСР (с 1969), член-корреспондент В(Р) АХ (с 1949), действительный член В(Р) АХ (с 1958). Сталинская премия 1948 за картину "Письмо с фронта" (1947, ГТГ). Государственная премия РСФСР им. И. Е. Репина (1971) за портреты 1960-х годов.
Герасимов Александр Михайлович
1881, Козлов Тамбовской губ. (с 1932 - Мичуринск) – 1963, Москва
Живописец, художник театра.
Учился в МУЖВЗ (1903–1915) у А. Е. Архипова и К. А. Коровина. Член АХРР (1925). Участник выставок с 1907: Товарищества независимых (1909–1911), "Свободное творчество“ (1911–1918), ТПХВ (1913–1915), АХРР (1925–1932), Всемирных в Нью-Йорке (1937), Брюсселе (1958 – золотая медаль) и других. Президент АХ СССР (1947–1957). Народный художник СССР, действительный член АХ СССР. От своих учителей, ведущих импрессионистов московской школы, он унаследовал любовь к широкой и темпераментной манере письма, к богатству золотистых охр, что соответствовало его импульсивной натуре.
Кончаловский Петр Петрович
1876, г. Славянск Харьковской губ. – 1956, г. Москва
Живописец, портретист, пейзажист, автор натюрмортов, картин бытового жанра.
Родился в Славянске (Харьковская губерния). Учился в Рисовальной школе в Харькове, в вечерних классах Строгановского центрального художественно-промышленного училища в Москве, в академии Р. Жюльена в Париже (1897–1898), затем в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств в Петербурге (1898–1905). Посещал занятия в мастерской К. А. Коровина в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (до 1909). Испытал влияние П. Сезанна.
В 1910-е годы художника привлекала грубоватая лаконичная живопись провинциальных вывесочников и яркие росписи трактирных подносов. Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой – вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах. И человека художник видел почти по-вывесочному огрубленно, цельно и мощно: «Портрет художника Г. Б. Якулова» (1910), «Семейный портрет» (1912), «Портрет матадора» (1913).
Один из организаторов первой выставки «Бубновый валет» (1910), участник всех выставок одноименного общества (1912–1927). Член-учредитель общества «Московские живописцы» (1924–1925). В работах 1920-х исчезает «бубнововалетский» схематизм формы и цвета; живопись, оставаясь полнозвучной и яркой, обретает колористическую тонкость, сложное богатство переходов и внутренних контрастов холодного и жаркого цвета. Свой могучий живописный темперамент, радостное приятие жизни Кончаловский донес, сквозь все сложности жизни, до последних своих работ.
Во время Первой мировой войны в 1914-1917 годах находился на военной службе. В 1918-1921 годах преподавал в ГСХМ, которые были преобразованы во ВХУТЕМАС, затем во ВХУТЕИН в Москве, где был профессором в 1926-1929 годах. Был членом объединения «Бытие» (1921-1930). Действительный член АХ СССР (1947). За 60 творческих лет художник создал около двух тысяч полотен. Похоронен на Новодевичьем кладбище в Москве.
Корин Павел Дмитриевич
1892, Палех, Вязниковский уезд, Владимирская губ. – 1967, Москва
Российский и советский живописец, монументалист, мастер портрета, реставратор и педагог, профессор. Академик Академии художеств СССР (1958); Народный художник СССР (1962). Лауреат Ленинской (1963) и Сталинской премии второй степени (1952).
Будущий художник родился в семье потомственных иконописцев, учился в Палехской иконописной школе, после окончания которой был принят учеником в московскую иконописную палату Донского монастыря. Павел Корин окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, его учителями были Константин Коровин и Леонид Пастернак.
В послевоенные годы руководил реставрацией полотен Дрезденской галереи, возглавлял реставрационную мастерскую ГМИИ имени А. С. Пушкина. Во Владимирском соборе Киева реставрировал фрески и лично восстанавливал роспись Виктора Васнецова и Михаила Нестерова.
Рыбников Михаил Степанович
1905, Симферополь 1951
Родился и жил в Симферополе. Учился у Н. С. Самокиша. Работал художником артели «Крымхудожник». Во время Великой Отечественной войны находился в оккупации. В 1949 арестован и осуждён по обвинению в антисоветской деятельности. Приговорён к 25 годам исправительно-трудовых лагерей. Реабилитирован в 1999.
Работы находятся в Бахчисарайском историко-культурном и археологическом музее-заповеднике и в Симферопольском художественном музее.
Верейский Георгий Семенович
1886, Проскуров Подольской губернии – 1962, Ленинград
График, живописец; портретист, пейзажист. Учился на юридическом факультете в Харьковском университете (1904), в Санкт–Петербургском университете (1912); в студии Е.Е.Шрейдера в Харькове (1901–1905); в Новой художественной мастерской (1913–1916) у М.В.Добужинского, Б.М.Кустодиева, Е.Е.Лансере. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Действительный член АХ СССР (1949). В 1941 в Ленинграде участвовал в выпусках плакатов "Боевого карандаша", в 1942 создал серию портретов моряков Балтийского флота – Героев Советского Союза, рисовал на кораблях; за серию портретов деятелей советской культуры и науки (1944–1945) был удостоен Сталинской премии 2–й степени.
Николаев Ярослав Сергеевич
1899, Шавли (Шауляй), Ковенская губерния – 1978, Ленинград
Живописец.
Учился: 1917 – студия К.К. Зеленевского, Томск; 1917–1918 – Томский университет, юридический факультет; 1925–1928 – ГХМ (студия И. Л. Копылова), Иркутск. Участник выставок с 1927. Член и экспонент: "общество иркутских художников" – 1920–1929; АХЗ – 1930–1932. Член ЛОСХ (с 1932, председатель правления – 1948–1951). Жил и работал в Ленинграде в годы блокады, создал ряд картин, посвященных героической обороне города. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1956), народный художник РСФСР (1975).
Серов Владимир Александрович
1910, село Эммаус Тверской губернии– 1968, Москва
Живописец, график, педагог; автор историко–революционных и жанровых картин, портретов, пейзажей.
Учился в Весьегонской художественной студии у С.Я.Шлейфера; в Ленинграде во ВХУТЕИН–ИНПИИ (1927–1931) у И.И.Бродского, В.Е.Савинского, там же в аспирантуре (1931–1933) у И.И.Бродского. Председатель Ленинградского отделения Союза советских художников (1941—1948). Участник выставок с 1932. Академик АХ СССР (1954; член-корреспондент 1947). Народный художник СССР (1958). Лауреат Сталинских премий (1948, 1951). Первый секретарь правления Союза художников РСФСР (1960—1968).
В годы войны жил и работал в Ленинграде. Неоднократно выезжал на фронт и в прифронтовую полосу, сотрудничал в "Боевом карандаше". В 1943 году был эвакуирован в Самарканд..
«Работница» Алексея Пахомова занимала одно из центральных мест в экспозиции выставки молодежного объединения «Круг художников» в 1927 году (ГРМ). Моделью Пахомову послужила его жена, работница табачной фабрики. Однако совершенно очевидно, что образ более тяготеет к типажности, нежели характеризует индивидуальность. Для этого Пахомов избирает определенные приемы, которые позволяют ему подчеркнуть монументальность, возвышенность образа. Русоволосая молодая женщина изображена поколенно. Пропорции ее тела несколько увеличены в сравнении с натурой, отчего создается впечатление, что персонажу «тесно» в рамках холста. Динамичный поворот головы и торса плавно «останавливается» торжественными ритмами складок одежды, отдаленно напоминающей одеяния персонажей фресок раннего Возрождения. Позднее Пахомов вспоминал: «Душевная ясность и чистота юности, ее стремление к благородству и возвышенному безмерно привлекательны, и я невольно подчеркивал широкий открытый взгляд, стройность и бодрость осанки, готовность к действию. Я чаще стал всматриваться в античное искусство и искусство Высокого Возрождения и все больше ценить их». (О. Ш.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 198.
Дейнека А. А.
Текстильщицы
1927
ГРМ
Дейнека А. А.
Текстильщицы
1927
Холст, масло. 171 х 195
Государственный Русский музей
ЖБ-988
Картина "Текстильщицы" явилась результатом поездки Дейнеки по заданию журнала "Безбожник", с которым художник сотрудничал. Одновременно он был одним из лидеров Общества станковистов, где велись разработки метода синтетического отражения реальности.
С тем, что изменилась жизнь, настало время других героев, согласны были все – и создатели радикального авангарда, и последователи фигуративной линии. «Нельзя сейчас в позе купца или фабриканта, – замечает Александр Дейнека, – писать нашего ударника. У него <…> другая стать <…> и художник должен увидеть эту стать и суметь показать ее». «Жизнь выдвигала новое – прежде всего нового, социалистического человека, новую молодежь, комсомольцев, <…> рабфаковцев <…>». «И именно это новое время, – утверждали молодые художники, – надо втащить на холст». Такими персонажами становятся у Дейнеки «Текстильщицы» — женщины-работницы, наравне с мужчинами управляющие огромными станками-механизмами.
В картине художник применяет характерный для фотографии и кино принцип монтажной композиции. Он писал: «Я увлекался кружевом заводских конструкций, но они только фон. Я всегда изображал человека большим планом, в сильных типичных движениях». Фигуры ткачих решены на контрасте масштаба, объема и цвета, они будто противопоставляются фону. Изображенные в сложных ракурсах, объемные фигуры выделяются на фоне графически четкого рисунка деталей фабричного оборудования, что придает композиции особую динамику. Господствующие в картине радостно-мажорные интонации дают новое осознание не только внешних обстоятельств труда, но и его психологии, его духовного смысла. Основное здесь – чувство свободы и достоинства.
Художник удивительно чутко ощущал пульс времени и отражал его в своих полотнах. Он мастерски выстраивает композицию в смежных разновременных планах, ритмы работающих ткацких станков объединяются в своего рода орнаментальное пространство, почти монохромный серебристо-белый колорит придает картине четкость и графичность авторской пластической манеры, которая приобретает публицистическую заостренность и убедительность.
Пакулин В. В.
Женщина с ведрами
1928
ГРМ
Пакулин В. В.
Женщина с ведрами
1928
Холст, темпера. 185 x 150
Государственный Русский музей
Ж-10265
Основные три выставки «Круга художников» прошли в Русском музее (1927, 1928, 1929) и Киевской картинной галерее (1930). Поиски декларируемого «стиля эпохи», монументального по форме и емкого по содержанию, воплотились в создании серии программных живописных произведений. Пожалуй, самое известное из них — «Жница» (1926–1927), показанная на первой выставке общества. Оглядываясь на «крестьянский цикл» Малевича, Пакулин создал свою версию реализма. Он написал огромное полотно, добиваясь внешнего сходства с фреской, лишь отдаленно напоминающее о первоначальных натурных зарисовках и этюдах, и некоторые из них, представленные на выставке, об этом ясно свидетельствуют. Тот же путь «очищения» мотива от суетной будничности прослеживается и в другой программной работе художника «Женщина с ведрами». Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.10.
Юон К. Ф.
Сбор яблок
1928
Калужский МИИ
Юон К. Ф.
Сбор яблок
1928
Холст, масло. 94,0 х 120,0 см
Калужский музей изобразительных искусств
Ж-699
Константин Федорович Юон – один из известнейших русских и советских художников. Его полотна отличает яркий, звучный колорит, четкое композиционное построение, а также жизнерадостные сюжеты из жизни простых людей. На протяжении всей творческой деятельности, Юон не изменял своим принципам – писал правдиво и с большой достоверной точностью.
В произведении «Сбор яблок», написанном в 1928 году, художник изобразил группу людей за сбором урожая. Вечер теплого августовского дня, раскидистая яблоня, изобилующая яркими плодами, и женщины с детьми, занятые работой. Произведение написано в теплых чистых тонах. Мирное занятие, как порождение человеческого бытия. Позади – годы невзгод революционных преобразований, разрухи и голодного времени, а теперь – налаживание мирной жизни, как основа будущего спокойствия каждой семьи и каждого человека.
В центральной части картины «Сбор яблок» доминантой выступает возвышающаяся фигура женщины, которая стоит на стуле и тянется за высоко растущими яблоками. Правая часть полотна отведена под изображение раскидистого дерева, слева – фигуры детей и сидящей женщины, что зрительно уравновешивает композицию. Силуэт деревьев и фигур людей, красота уходящего дня в вечерних сумерках, создают лирическое настроение произведения.
Волков И. В.
Стройка (Стройка совхоза)
1928 г.
Омский ОМИИ им. М. А. Врубеля
Волков И. В.
Стройка (Стройка совхоза)
1928 г.
Фанера, масло. 71 х 116,2
Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
Ж-410
Будучи по природе своего дарования пейзажистом, Илья Васильевич Волков исполнил в конце 1920-х годов несколько произведений на тему труда. На выставке АХРР «Жизнь и быт народов СССР» (1928) омский художник представил жанровую композицию «Стройка совхоза», выполненную маслом на фанерной основе. Ее сюжет, выхваченный «из новой жизни» с наивной правдой, воплощает подмеченные художником бытовые реалии. Пронизанное солнечным светом, произведение наполнено оптимизмом, чувством «новой, счастливой эпохи».
Самохвалов А. Н.
Эскиз плаката «Молодежь иди в соцсоревнование и ударничество»
1928
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Эскиз плаката «Молодежь иди в соцсоревнование и ударничество»
1928
Бумага, чёрная акварель, гуашь. 43,6 x 30,2
Государственный Русский музей
РС-6307
Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":
"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.
Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…
Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".
Самохвалов А. Н.
Женщина с напильником
1929
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Женщина с напильником
1929
Холст, масло. 107 х 70
Государственный Русский музей
Ж-7564
Наиболее значительное произведение серии изображений работниц, созданных Самохваловым в 1928–1930-х годах. Своих героинь он встретил в типографии «Печатный Двор» в Ленинграде, где печатались его плакаты. В них он увидел живое воплощение образа новой женщины, способной заменить мужчину даже в тяжелом физическом труде: «Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения, придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка». Поиск этого нового идеала женственности был лейтмотивом творчества художника. (Л. Б.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 202.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Я художник, живущий взволнованной эмоциональной жизнью, современностью. Ничто не проходит мимо моего внимания. В особенности то, что обладает чертами, смыслом и значением сегодняшней действительности. Чувство современности – очень сложное чувство. И в пейзаже, хотя он просуществовал столетия, все же проявляются в конце концов те черты, которые примут на себя выражение современности. И они уловятся, эти черты.
Кроме объективно существующего явления, есть ещё профессиональные особенности отражения этого явления в современной живописи. Современный язык. Попытки игнорировать эту сторону творческого процесса приводят к отсутствию воздействия произведения на зрителя.
Поэтому поиск современности, современных ритмов, современного цветосложения и цветовыражения обязательны для художника.
Это не означает отчуждения от традиций, от достижений искусства в фазы высшего выражения современной ему эпохи. Наоборот. Качества, добытые искусством, в лучших его произведениях, должны и могут развиваться, оживать под толчком современности.
Тот лаконизм, ясность цветового замысла, ясность направленности цветосложения, которые свойственны лучшим образцам древнерусской живописи, воздействовали и на меня и отразились в моих работах того времени с особенной силой.
Основой же становился образ – то есть современность.
В те годы на Печатном дворе печатались мои агитационные плакаты, и я там, в цехах, встретился с совершенно новыми для меня образами советской женщины-работницы.
Они казались мне настолько новыми, иногда поражающими, что я в течение нескольких лет работал над образами женщин-работниц двадцатых годов. Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка.
Вот я вижу женщину, на лице её суровость и тревога. В её руках напильник. На секунду она отвлеклась, опираясь на него. Она встала у тисков и подгоняет детали станков, она взяла в руки напильник, потому что её муж – рабочий взял в свои руки винтовку и там, на фронтах гражданской войны сражается с врагом.
Черные от чугуна руки и исполненные тревоги глаза завершают этот образ женщины первых революционных лет».
Самохвалов А. Н.
Ткацкий цех
1929
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Ткацкий цех
1929
Холст, масло, темпера. 68 х 98
Государственный Русский музей
Ж-8149
В конце 1920-х годов для многих советских художников, в том числе и для Александра Самохвалова, становится актуальной индустриальная тема. Художники командируются на различные предприятия для обретения «знания жизни». Картина «Ткацкий цех» явилась результатом поездки Самохвалова в город Иваново, славящийся ткацким производством. Художника поразила «ярко-белая архитектоника ткацкого цеха». «Две-три юные ткачихи спокойно, как няни, ходили среди станков <...>, как бы одобряя их довольно буйный ритм и с той же человеческой ласковостью исправляя возможные неполадки»,— вспоминал художник. Его ткачихи — обычные девушки своего времени. Ритм деталей станков, окрашенных в дополнительные красный и зеленый цвета, перекликается с розовыми косынками девушек и усиливает декоративные качества картины. Русскиймузей. Отиконыдосовременности. СПб. 2015. С. 345.
В Иваново-Вознесенск Самохвалов был командирован Изогизом на ткацкие фабрики для создания картины о ткацком производстве. (В автобиографии художник указывает дату «1931» — РГАЛИ, ф. 78, оп. 3, д. 49, л. 25). Был собран материал в виде 9 акварельных этюдов работниц и 2 картин — «Ткацкий цех» (1929, ГРМ) и «Печатный цех» (местонахождение не установлено). Александр Самохвалов. СПб, 2014. С. 207.
Белкин В. П.
В модельном цехе
1930-е гг.
Омский ОМИИ им. М. А. Врубеля
Белкин В. П.
В модельном цехе
1930-е гг.
Холст, масло. 151 х 221
Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
Ж-2202
Творческая командировка художника Вениамина Павловича Белкина на крупнейшее предприятие отечественного машиностроения – Ленинградский металлический завод имени И. В. Сталина была не случайна: в 1920-е годы на заводе были созданы первые гидравлические машины, обеспечившие выполнение почти трети плана ГОЭЛРО, изготовлены первые турбины по собственным проектам. Действие на картине происходит в модельном цехе завода: рабочие применяют колеровку на готовой к отливке формы турбины отечественного производства.
ГОЭЛРО - (сокр. от Государственная комиссия по электрификации России) — государственный план развития электроэнергетической отрасли в Советской России после Октябрьской революции 1917 года. Часто расшифровывается как Государственный план электрификации России. Разработан Государственной комиссией по электрификации России по заданию и под руководством В. И. Ленина. К работе комиссии, которой руководил Г. М. Кржижановский, было привлечено около двухсот учёных и инженеров.
План ГОЭЛРО с рядом замечаний и дополнений был принят Советом Народных Комиссаров, который принял 22 декабря 1920 г. постановление «О плане электрификации России».
ГОЭЛРО был планом развития не одной энергетики, а всей экономики. В нём предусматривалось строительство предприятий, обеспечивающих эти стройки всем необходимым, а также опережающее развитие электроэнергетики. И всё это привязывалось к планам развития территорий. План ГОЭЛРО, рассчитанный на 10—15 лет, предусматривал строительство 30 районных электрических станций (20 ТЭС и 10 ГЭС) общей мощностью 1,75 млн кВт. В числе прочих намечалось построить ГЭС — Нижегородскую, Волховскую (1926), Днепровскую, две станции на реке Свирь и др. В рамках проекта было проведено экономическое районирование, выделен транспортно-энергетический каркас территории страны. Параллельно велось развитие транспортной системы страны (строительство новых железнодорожных линий, сооружение Волго-Донского канала).
Проект ГОЭЛРО положил основу индустриализации в СССР. План, в основном, был перевыполнен к 1931 году. Выработка электроэнергии в 1932 году по сравнению с 1913 годом увеличилась почти в 7 раз: с 2,0 до 13,5 млрд кВт•ч.
Вавилин А. Г.
В начальной школе (Всеобуч)
Начало 1930-х годов
Самарский ОХМ
Вавилин А. Г.
В начальной школе (Всеобуч)
Начало 1930-х годов
Холст, масло. 85 × 93
Самарский областной художественный музей
Ж-2055
Занимаясь преподаванием живописи в Пензенском художественном училище им. К. Савицкого, Алексей Григорьевич Вавилин проблему обучения молодежи, которая на тот момент остро стояла в стране, можно сказать, хорошо знал «изнутри». Модернизация производства, проводившаяся в стране, требовала все большее число грамотных рабочих. В школах, наряду с общеобразовательными предметами, были обязательными уроки труда, где школьникам прививались начальные навыки столярных, слесарных работ, техники безопасности обращения с элементарными инструментами: рубанком, киянкой, продольной ручной пилой. Девочки постигали основы производства наряду с мальчиками и с не меньшим энтузиазмом.
На картине «В начальной школе (Всеобуч)» лица прописаны художником довольно условно, они практически сливаются по цвету с деревянными верстаками, однако хорошо передана трудовая атмосфера, царящая на уроке, призванном формировать трудовые резервы страны. Перед нами не просто небольшая жанровая картинка, а определенный временной срез истории начальной школы СССР в 1930-е годы.
Куприн А. В.
Выплавка стали
1930
ГРМ
Куприн А. В.
Выплавка стали
1930
Холст, масло. 143 x 176,5
Государственный Русский музей
ЖБ-1830
Картина была написана во время командировки художника в Днепропетровск на металлургический завод имени Г. И. Петровского. «Громадный металлургический завод дышал паром, дымами и огнями,— записал в 1930 году художник в дневнике.— Внутри, в цехах, пришлось много наблюдать, изучать последовательность различных трудовых процессов, делать зарисовки фигур в движении. Один светоцветовой эффект сменялся другим. То человеческие фигуры и механизмы, фермы, скрепления, блоки, краны, как вуалью, закрывались дымами, то тонули во мраке, то фантастически освещались расплавленным металлом. Картина менялась, как хамелеон» (Кравченко К. С. А. В. Куприн. М.: Советский художник, 1973. С. 202).
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 28.
Осолодков П. А.
Литейщики
Начало 1930-х
ГРМ
Осолодков П. А.
Литейщики
Эскиз
Начало 1930-х
Холст, темпера. 108 x 146
Государственный Русский музей
ЖС-2000
В начале 1930-х годов Осолодков пишет несколько композиций на тему «Литейщики», а также отдельные фигуры рабочих. В данной картине художник концентрируется на сакральности трудового процесса, таинстве обращения с огнем, световых эффектах. Судя по расчерченным клеткам, эта работа предназначалась для переноса на стену, что вполне соответствовало требованиям времени, но мало кем было осуществлено.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 32.
Штеренберг Д. П.
Откатчица
1930-е
Тверская ОКГ
Штеренберг Д. П.
Откатчица
1930-е
Холст, масло. 178,5 х 128,8 см; 179,4 х 129,8 см (после реставрации).
Тверская областная картинная галерея
Ж-1759
Давид Петрович Штеренберг – русский и советский художник, один из ярких представителей отечественного искусства первой половины XX века родился, родился в 1881 году. Сын бедного еврейского ремесленника из Житомира, которому судьба уготовила интереснейший, полный творческих исканий и крутых поворотов путь художника. Начинающий фотограф из Одессы, вынужденный эмигрировать из-за своих революционных убеждений, он становится настолько успешным студентом Парижской академии Витти, что его освобождают от платы за обучение. В первое десятилетие XX века Давид Штеренберг, будучи представителем когорты радикально настроенных молодых и амбициозных художников, стремится к преобразованию традиционных художественных систем и не без успеха покоряет Париж, выставляясь на Весеннем и Осеннем салонах 1912 года наравне с А. Матиссом.
В годы первой революционной пятилетки, благодаря знакомству с А. В. Луначарским, именно он определяет политику в области изобразительного искусства молодого советского государства, будучи заведующим отделом ИЗО Накомпроса. В 1925 году Штеренберг основал «Общество художников-станковистов» – художественную группировку выпускников ВХУТЕМАСа, которая использовала приемы немецкого экспрессионизма для воспевания индустриализации и других примет советской действительности, просуществовавшую до 1931 года. В конце 1930-х годов, не избежав обвинений в формализме, он, тем не менее, не был преследуем властью, но его независимый стиль, не отвечавший конъюнктуре, перестал пользоваться спросом, и работы были постепенно изъяты из поля зрения общественности.
В постоянной экспозиции Тверской областной картинной галереи представлено живописное полотно Давида Штеренберга «Откатчица». Пастельные тона, прозрачность перспективы, изящество линий – все здесь призвано передать легкую красоту модели, которая, несмотря на свою трудную профессию заводской откатчицы, идущую вразрез с хрупкостью и незащищенностью представительницы «слабого пола», сохраняет главные черты женской натуры – таинственность и шарм.
Моравов А. В.
Постройка железной дороги
1930-е
НХМ РС (Якутия)
Моравов А. В.
Постройка железной дороги
1930-е
Холст, масло. 109 х 159
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-30
В 1930-е годы отличительной особенностью искусства Александра Моравова стало внимание к социальным преобразованиям. Действие в большинстве сюжетно-тематических картин этого времени выносится на улицу, стройку, завод, в поле. Значительность событий, массовость изображаемых сцен обусловили создание многофигурных композиций.
В двадцатые-тридцатые годы прошлого столетия многие литературные произведения, художественные полотна обращались к железнодорожной тематике, передав первые впечатления от движущегося «парохода» на колесах. Изобразительная метафора XX века вкладывает новый смысл в образ железной дороги как символ прогресса и построения нового будущего советской страны.
У живописца возникает идея написания большого полотна, посвященного строительству железной дороги. Внимательно изучает автор отдельные участки работы и весь объём строительства в целом. С большим вниманием отражает художник величие стройки и энтузиазм людей. Каждый персонаж полон уверенности, сосредоточенности.
Живописец показал, что в то нелегкое время строительство железных дорог осуществлялось практически вручную, механизация была развита слабо. Основной объём земляных работ выполнялся конными и тракторными скреперами. В картине есть ощущение простора, а, соответственно, и ощущение размаха строительства. На полотне Александра Моравова запечатлена не просто стройка, а созидание, стремительная динамика жизни.
Штеренберг Д. П.
Бригада во время перерыва
1931
ГРМ
Штеренберг Д. П.
Бригада во время перерыва
1931
Холст, масло. 123 x 99
Государственный Русский музей
ЖБ-1727
Богаевский К. Ф.
Днепрострой
1931–1932
Донецкий РХМ
Богаевский К. Ф.
Днепрострой
1931–1932
Холст, масло. 49 × 111
Донецкий республиканский художественный музей
Ж-216
Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.
Кузнецов П. В.
Ковровщицы
1931
ГРМ
Кузнецов П. В.
Ковровщицы
1931
Холст, масло, темпера. 66 x 79
Государственный Русский музей
Ж-9800
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Там же появились два холста «Ковровщицы» (Ж-9076, Ж-9800). Бессюжетные, запечатлевшие характерные позы и жесты мастериц, они передают ритм трудового процесса и светлую атмосферу свободного творчества. Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
*В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Кузнецов П. В.
Ковровщицы
1931
ГРМ
Кузнецов П. В.
Ковровщицы
1931
Холст, масло. 83,5 х 88
Государственный Русский музей
Ж-9076
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Там же появились два холста «Ковровщицы» (Ж-9076, Ж-9800). Бессюжетные, запечатлевшие характерные позы и жесты мастериц, они передают ритм трудового процесса и светлую атмосферу свободного творчества. Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
*В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Пахомов А. Ф.
Портрет Прониной Пелагеи – премированной ударницы коммуны «Красивая Меча»
1931
МИИ РК (Петрозаводск)
Пахомов А. Ф.
Портрет Прониной Пелагеи – премированной ударницы коммуны «Красивая Меча»
1931
Холст на картоне, масло. 55 х 39
Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
Ж-691
Начало 1930-х годов – время огромных перемен, происходивших в стране. Этот период явился важным этапом развития советского искусства. Перемены происходили и в творчестве Алексея Пахомова. От связанных с проблематикой «Круга художников» опытов и «лабораторных исканий», как их называл сам художник, был осуществлен поворот к более широкому и решительному изучению всего нового, что открывалось в трудовых буднях страны, строившей социализм.
В пору уборки урожая в 1931 году Пахомов был направлен в коммуну «Красивая Меча» в средней полосе России (Липецкая область). И в этом глубинном крае, описанном когда-то Тургеневым (вспомним его Касьяна с Красивой Мечи), оказался живописец, который пришел к естественному выводу – необходимо показать тех, кто самоотверженно работал в трудных условиях. Алексей Пахомов показывал колхозников в привычной для них трудовой обстановке. А в ряде холстов развернута целая панорама колхозной жизни. Вместе с ударницей Пелагеей Прониной изображены ее бригада и обоз с зерном. В портрете механика художник словно разрабатывал замыслы монументальных росписей, столь выразительно их композиционное построение.
Пахомов сумел проникновенно подойти к трактовке образов. Живописное решение портретов чуждо какой-либо фальши. Подчеркнутая простота колорита, правдивый до суровости рисунок способствовали жизненности характеристик, их искренности. В этой галерее не было показного оптимизма и улыбок, здесь отразились суровые трудовые будни советской деревни, переходившей на новый путь хозяйственного развития. «Во всех портретах крестьян из «Красивой Мечи», – объяснял Пахомов, – нет праздничности, и это не случайно. Тогда коллективизация была в полном разгаре. Я участвовал во всех выездах в соседние деревни для агитации за вступление в колхозы... Другого не было пути к России социалистической, однако я очень остро чувствовал, как трудно крестьянину решиться на такой шаг, как вступление в колхоз. И эта озабоченность крестьянства нашла свое отражение в этих моих портретах, они лишены той праздничной приподнятости, что светилась в моих прежних портретных холстах. Во всех портретах из «Красивой Мечи» сосредоточенная озабоченность».
Холсты, написанные с натуры на Орловщине, очень правдиво и своеобразно передают сочетание в деревне нового с обычным укладом крестьянских будней. Этим обусловлена и творческая манера художника. В его произведениях есть некоторая перекличка с искусством примитива, с народной картинкой.
Воспоминания А. Пахомова о поездке в коммуну «Красивая Меча».
Во второй половине лета 1931 года я поехал в коммуну «Красивая Меча» на реке Красивая Меча, в тургеневских местах.
Организация коммуны пока еще мало изменила внешний облик жизни и труда. Я решил писать портреты людей, которые из патриархального, крестьянского хозяйства перешагивали в коммунизм, а, проще говоря, из большой нужды и бедности хотели найти выход к лучшей жизни.
Портреты крестьян из «Красивой Мечи» сделаны неторопливо, каждый предмет неподвижен в своей детальной законченности. Лица тщательно выписаны, выведены волоски бровей и бороды. Я всегда старался выведать, как простые люди воспринимают искусство и, в частности, мою работу. Мне очень запомнился один разговор с отцом. Когда я учился у Штиглица и нарисовал свою освещенную вазу (о чем я писал выше), я, после этой удачи, стал безудержно употреблять светотень. Мой отец, глядя на написанный мной портрет, с огорчением спросил: «Почему же под носом черно и одна щека черная?» Я объяснил, что это тени. «Лучше бы весь лик был виден без затенения», – сказал отец и, наверно, не случайно сказал лик, а не лицо. Обыкновенное, будничное лицо, в понимании отца, на портрете должно освободиться от случайности и обыденности, стать праздничным ликом и быть видимым целиком, «без затенения».
Зверев В. А.
Портрет ударника завода им. К. Маркса И. И. Гирьята
1931
ГРМ
Зверев В. А.
Портрет ударника завода им. К. Маркса И. И. Гирьята
1931
Холст, масло. 96,5 х 79
Государственный Русский музей
ЖС-1209
Как гласят авторские надписи на холсте и подрамнике, «Портрет Гирьята Иосифа Ивановича — рабочего кузнеца ударника завода имени К. Маркса» «писан на производстве худ[ожником] В. Зверевым».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 35.
Учился в харьковском ХУ (1914–1918) у Р. М. Пестрикова, А. М. Любимова, в ВХУТЕМАС (Москва, 1920–1925) на полиграфическом факультете у В. А. Фаворского и Н. И. Нивинского. Член-учредитель объединений ОСТ (1925), "Октябрь“ (1928), РАПХ (1931). Участник выставок с 1924: Первой дискуссионной выставки объединений активного революционного искусства (1924), ОСТ (1925–1928), "Октябрь“ (1928–1930), РАПХ (1931–1932). Руководил секцией ИЗО Губнаробраза (1918), художественной студией при Курском политуправлении (1919–1920). Работал в курском отделении РОСТА, оформлял массовые празднества. В 1930–1960-х участвовал в художественном оформлении станций Московского метрополитена, МГУ на Ленинских горах, Дворца съездов в Кремле. Преподавал в ВХУТЕИН (Москва, 1928–1930; профессор — 1940). Член президиума (с 1958), вице-президент АХ СССР (1962–1966), академик-секретарь отделения декоративных искусств АХ СССР (1968–1969). Герои произведений Александра Дейнеки — молодые люди, в образах которых отразились идеальные представления художника о строителях нового мира — гармонично развитых, сильных, красивых, жизненно активных. Выявить в человеке эти качества мастеру помогают традиции классического искусства с присущим ему культом красоты тренированного тела, подчеркнутой динамичными ритмами композиции.
Пакулин Вячеслав Владимирович
1900, Рыбинск – 1951, Ленинград
Живописец, график, художник театра. Учился в ЦУТР (1916–1917; 1920–1922); в АХ–ВХУТЕМАСе (1922–1925) у А. Е. Карева, А. И. Савинова. Участник выставок с 1922. Член и экспонент объединения "Круг художников“ (1926–1932, председатель). Член правления ЛОСХ (с 1932). Член бригады художников (1935) (руководитель А. Н. Самохвалов), работавшей над панно "Хлопок“ для ВСХВ. Практически все пейзажи блокадного Ленинграда Пакулин писал с натуры. Трагические обстоятельства не помешали художнику проявить свой дар тонкого лирика, мастера со светлым поэтическим чувством.
Белкин Вениамин Павлович
1884, Верхотурье, Екатеринбургская губ. – 1951, Ленинград
Живописец, график, художник книги. Автор пейзажей, портретов. Учился в Томском технологическом институте (1902), школе-студии А.П. Большакова в Москве (1904–1905) у М.М. Шестёркина, В.Э. Борисова-Мусатова, в Париже в частной академии (1907–1909) у Ж.-О. Девальера, Ш. Герена, Ш. Коттэ, М. Детома. Участник выставок с 1906 (Петербург). Член объединений и экспонент выставок: Общества им. Леонардо да Винчи (1906), Кружка русских художников в Париже «Монпарнас» (1907–1909), «Союз молодежи», «Мир искусства» (1909), «Община художников» (1921–1928), «Шестнадцать» (1922–1928), «Общество живописцев» (1928–1930). Член СХ с 1932. Преподавал во Вхутемасе-Вхутеине в Петрограде (1921–1923), в Ленинградском архитектурном техникуме (1924–1927), ИЖСА ВАХ в Ленинграде (1928–1946). Совершил творческую поездку в Крым в 1939.
Вавилин Алексей Григорьевич
1903, Пенза –1978, там же
Советский живописец, педагог, председатель Пензенской областной организации Союза художников (1942, 1953–1954); директор Пензенской картинной галереи (1957–1958).
Родился и жил в Пензе. Окончил Пензенское художественное училище (1926), высшее художественное образование получил во ВХУТЕИНе (1930). Учился у И. С. Горюшкина-Сорокопудова, А. А. Рылова. Почти четверть века преподавал в Пензенском художественном училище (1930–1954), а с 1960 и в Пензенском педагогическом училище. Участник выставок с 1928.
В годы Великой Отечественной войны активно сотрудничал с «Агитокнами». Автор ряда портретов, значимых для истории Пензенской земли, и жанровых картин.
Куприн Александр Васильевич
1880, Борисоглебск, Воронежская губ. – 1960, Москва
Живописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1956). Член-корреспондент АХ СССР.
Родился в семье преподавателя уездного училища. 1899–1901 гг. – учился в Воронежских вечерних классах рисования при Обществе любителей живописи у Л. Г. Соловьева и М. И. Пономарева. 1902–1904 гг. – учился в Санкт-Петербурге в студии Л. Е. Дмитриева-Кавказского. 1904–1906 гг. – учился в школе живописи и рисования К. Ф. Юона и Дудина в Москве. 1906–1910 гг. – учился в Московском училище живописи ваяния и зодчества у Н. А. Касаткина, С. Д. Милорадовича, А. Е. Архипова, К. А. Коровина.
С 1910 г. – был членом объединений: «Бубновый валет» «Московские живописцы» и «Общество московских художников». 1913–1914 гг. – посетил Италию и Францию. 1918–1922 гг. – преподаватель в Свободных художественных мастерских Москвы, Нижнего Новгорода, Сормово и других училищах.
1922–1930 гг. – преподаватель в Московском Высшем художественно-техническом институте. 1931–1939 гг. – преподаватель в Московском текстильном институте. 1946–1952 гг. – преподаватель в Московском Высшем художественно-промышленном училище.
1907 г. – впервые приехал в Крым. 1920–1930-е гг. – писал виды Бахчисарая. Самые значительные произведения Бахчисарайского цикла (1950-е гг.). 1950-е–1960-е гг. – создал большие панно: «Эски-Кермен», «Мангуп-Кале» и «Качи-Кальон» (совместно с московской художницей и искусствоведом Е. В. Нагаевской), устраивал выставки в Бахчисарае и окрестных селах.
Моравов Александр Викторович
1878 – 1951
Русский советский художник, член Товарищества передвижников, действительный член Академии художеств СССР (1949). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Моравов вошел в историю искусства как мастер бытовой и историко-революционной картины, как портретист и один из основоположников советского индустриального пейзажа. Воспитанник киевской художественной школы Н. И. Мурашко, а затем Московского училища живописи, ваяния и зодчества, ученик прославленных русских художников А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, К. А. Коровина и В. А. Серова, он глубоко усвоил демократические взгляды на искусство.
Осолодков Петр Алексеевич
1898, Рыбинск — 1942, Ленинград
Живописец, график. Учился в художественной студии Пятой армии в Омске; в 1920–1924 в омском ХПТ; в 1924–1929 во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН в Ленинграде; в 1933–1934 вИЖСА (аспирантура); в 1934–1936 — на курсах повышения квалификации ВАХ. Участник выставок с 1927. Преподавал в изостудиях Ленинграда. Занимался оформлением улиц Ленинграда к праздникам, делал рисунки для журналов и различных ленинградских издательств (конец 1920-х — 1930-е).
Штеренберг Давид Петрович
1881, Житомир – 1948, Москва
Живописец, график, театральный художник, книжный иллюстратор. Учился в частной студии в Одессе (1905), затем в академии Витти в Париже (1907–1912). Участник выставок с 1912, в том числе: Весеннего и Осеннего салона и Салона независимых в Париже (1912–1917). Член объединения «4 искусства» (1924). Комиссар по делам изобразительных искусств в Петрограде (1917–1919), заведующий Отделом изобразительных искусств Народного комиссариата просвещения (1918–1920). Преподавал в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте (Москва, 1920–1930). Один из организаторов и председатель Общества станковистов (1925–1930). Директор русского раздела Международной выставки художественно-декоративных искусств (1925, Париж). Член-корреспондент Союза немецких художников книги (1928). Первый заместитель председателя Правления Московского отделения Союза советских художников (1932–1937). Заслуженный деятель искусств Российской Советской Федеративной Социалистической Республики (1930).
Богаевский Константин Федорович
1872, Феодосия — 1943, Феодосия
Живописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1933).
Учился у А. И. Фесслера и И. К. Айвазовского в Феодосии (1880-е), в ВХУ при ИАХ (1891–1897) у А. И. Куинджи. Участник выставок с 1898: "Мир искусства“ (1911–1915), "Жар-цвет“(1924–1928), русского искусства в Париже (1906, 1910), Берлине (1906); международных в Мюнхене (1903–1905, 1907), Венеции (1903, 1905, 1911, 1913, 1924), Брюсселе (1910), Риме (1911), Мальме (1914) и др.
Постоянно жил в Феодосии. Автор романтических крымских пейзажей, изображений архитектурных памятников и вымышленных пейзажей, уводящих в прошлое Киммерии и Тавриды.
1900-е – член и экспонент объединений: «Новое общество художников», «Товарищество южнорусских художников», «Московское общество художников», «Союз русских художников», «Мир искусства» II. Его произведения были отмечены на международных выставках мюнхенского «Сецессиона» и парижского «Осеннего салона», в Венеции и Риме.
1920-е – сделал ряд зарисовок исторических и архитектурных памятников Крыма по заданию Крымского комитета по охране памятников искусства и старины (Крымохрис).
1923 – создание серии автолитографий «Пейзажи Киммерии». 1925 – работал в Алупке.
В 1933 году получил звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. В 1936—1939 году работал в Тарусе.
В 1941 году оказался в оккупации, погиб в 1943 году при бомбардировке Феодосии немецкой авиацией.
Богородский Федор Семенович
1895, Нижний Новгород — 1959, Москва
Живописец, график; художник театра, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946), член-корреспондент АХ СССР (1947).
Родился в Нижнем Новгороде в семье адвоката, учился в губернской мужской гимназии. С 12 лет обучался рисунку — сначала у местных художников В. А. Ликина и в частной студии Л. М. Диаманта. В 1914 году, закончив гимназию, уезжает в Москву. Учился на юридическом факультете Московского университета (окончил в 1917) и занимался в студии М. В. Леблана (1914–1916). Увлекся футуризмом, дружил с Велимиром Хлебниковым, Николаем Асеевым и Владимир Маяковским. В годы учебы параллельно выступал на эстраде танцором, а также в цирке, писал стихи. В 1916 году оказался на военной службе — сначала как балтийский матрос, потом как летчик. В 1917 году вступил в коммунистическую партию.
После революции работает в ВЧК в Москве. В 1918 году его направляют на родину, в Нижний Новгород, где он работает товарищем председателя следственной комиссии в ЧК, затем в политотделе Волжской военной флотилии. В 1919 году оказался на фронте, был комиссаром матросского отряда Донской и Волжско-Каспийской военных флотилий. Сражается на Волге, под Царицыном. После контузии в 1920 его направили в Нижний Новгород возглавить Художественный отдел.
В 1922 году переехал в Москву и поступил во ВХУТЕМАС в мастерскую Абрама Архипова (1922−1924). Защитил диплом в 1927 во Вхутеине, получив право на пенсионерскую поездку за границу.
Участник выставок с 1916. Член художественных объединений "Бытие" (1922), "Жар-Цвет" (1925). Член АХРР (Ассоциации Художников Революционной России). С 1928 по 1930 жил в Италии и Германии (пенсионерская поездка), в том числе у М.Горького в Сорренто (земляки по Нижнему Новгороду). Вернулся в Россию. В 1931—1937 часто бывал на Черноморском флоте, вдохновляясь бытом и натурой.
Профессор (с 1939), заведующий кафедрой живописи и рисунка ВГИК (1938–1959). Первый Председатель Правления МОССХ (1955—1958).
Зверев Василий Александрович
1883, село Сима Владимирской губернии— 1942, Ленинград
Живописец. С 1898 учился в Петербурге в РШ ОПХ, в 1906–1912 в ВХУ при ИАХ (вольнослушатель). Участник выставок с 1911. Член СХ с 1931. В 1913–1915 преподавал в студии Я. С. Гольд блата в Петрограде; в 1926–1928 в студии АХРР в Ленинграде.
Кузнецов Павел Варфоломеевич
1878, Саратов – 1968, Москва
Живописец, график, театральный художник, монументалист, педагог.
Родился в Саратове, в семье иконописца. В 1891–1896 занимался у В. В. Коновалова (Саратов). Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. А. Серова и К. А. Коровина (1897–1904). Испытал большое влияние В. Э. Борисова-Мусатова. Организатор выставок «Алая роза» (1904) и «Голубая роза» (1907). В 1906 по приглашению С. П. Дягилева ездил в Париж, где посещал частные художественные студии. Пожизненный член парижского «Осеннего салона». Совершил поездки в Заволжские степи (1911–1912) и Среднюю Азию (1912–1913).
Основная тенденция в ранний период творчества – от импрессионизма к символизму. Художник стремился обрести язык, который мог бы отобразить не столько впечатления зримого мира, сколько состояние души («Утро», «Голубой фонтан», обе 1905; «Рождение», 1906, и др.). Картины «Киргизской сюиты» знаменуют высший расцвет таланта художника («Спящая в кошаре», 1911; «Стрижка овец», «Дождь в степи», «Мираж», «Вечер в степи», все 1912). В те же годы создал ряд натюрмортов. Исполнил эскизы росписи Казанского вокзала в Москве («Сбор плодов», «Азиатский базар», 1913–1914, остались неосуществленными). В 1914 сотрудничал с А. Я. Таировым в первой постановке Камерного театра – спектакля «Сакунтала» Калидасы. Эти опыты повлияли на станковую живопись, которая все больше тяготела к стилистике монументального искусства («Гадание», 1912; «Вечер в степи», 1915; «У источника», 1919–1920; «Узбечка», 1920; «Птичница», начало 1920-х, и др.). В годы революции принимал участие в оформлении революционных празднеств, в издании журнала «Путь освобождения», вел педагогическую работу. В этот период создал новые вариации восточных мотивов, отмеченные воздействием древнерусской живописи; к числу его лучших произведений относятся портреты Е. М. Бебутовой (1921–1922); тогда же им были изданы литографские серии «Туркестан» и «Горная Бухара» (1922–1923). Член общества «Мир искусства», председатель общества «Четыре искусства» (1924–1931). Заведовал секцией живописи в отделе изобразительного искусства Наркомпроса (1919–1924), преподавал в художественных школах и институтах Москвы (1918–1948, с перерывами). В 1925–1929 совершил поездки художника в Крым и на Кавказ. В эти годы обращался к темам труда и спорта. В поздние годы преимущественно был занят пейзажем и натюрмортом.
Вариант-повторение картины того же названия и того же года, находящейся в Муромском краеведческом музее
1929
Холст, масло. 82,5 х 63,5
Государственный Русский музей
Ж-6379
Прототипом послужила П. А. Иванова – ткачиха, секретарь комсомола фабрики Мурома, впоследствии секретарь горкома комсомола. Произведение может считаться ярким примером обращения художника старой репинской школы к актуальной для советского искусства тематике. Одной из знаковых примет новой жизни стало радикальное изменение образа женщины: ее внешнего облика, стиля поведения, социальной роли. Олицетворением этих перемен стали девушки-физкультурницы, воспетые живописцами, скульпторами и киномастерами конца 1920–1930-х годов. (Л. Б.). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 231.
Петрушин Б.
Лыжная вылазка
1930
ГРМ
Петрушин Б.
Лыжная вылазка
Оригинал
1930
Бумага, хромолитография. 37,2 х 52,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1975
Луппов С. М.
Спорт
1930 (?)
Вятский ХМ имени В.М. и А.М. Васнецовых, Киров
Луппов С. М.
Спорт
1930 (?)
Бумага на фанере, масло, аппликация. 90 x 76
Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
Ж-175
Во второй половине 1920-х годов вятский художник Сергей Луппов разрабатывает тему советского спорта. Он создает множество этюдов и крупных полотен. Среди них картина «Спорт» (1930), посвященная женским спортивным состязаниям на воде. Изображение спортсменов водных видов спорта особенно привлекало живописца. Можно было открыто показать гармонично сложенное, обнаженное тело, пластичное, совершенное, готовое к борьбе и победе, символизирующее мощь и силу молодого социалистического государства.
На картине ясно видно, как люди радовались новой жизни и хотели построить новый светлый счастливый мир. Девушки, как птицы, парят в воздухе, кажется, что они не падают вниз, а стремятся в высоту. В диагональном построении композиции, динамичной ритмике фигур чувствуется, как советская молодежь заряжается неукротимой всепобеждающей энергией, чтобы потом направить ее на строительство великих строек коммунизма. Водные процедуры и солнце должны были укреплять здоровье и дух советского человека, вселять оптимизм.
Спортивная тема позволяла художнику показывать красоту человеческого тела и его возможности. Художественно-эстетические и этические принципы, сформировавшие ее, определились в 1920-е годы, когда с понятием о человеческом совершенстве начали связывать образы развитого, тренированного тела, олицетворяющие, как и в Древней Греции, здоровые основы сильного государства.
Самохвалов А. Н.
На стадионе
1931
ГРМ
Самохвалов А. Н.
На стадионе
1931
Бумага, акварель. 43,8 x 63,5
Государственный Русский музей
РС-1608
Самохвалов А. Н.
Девушка в футболке
1932
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Девушка в футболке
1932
Холст, масло. 102 x 64
Государственный Русский музей
Ж-4419
Прообразом послужила Адамова Евгения Петровна (1907–1977) — учительница.
Портрет, экспонированный в 1937 году на Международной выставке в Париже и отмеченный золотой медалью, принадлежит к числу наиболее известных в советском искусстве, является вехой в творчестве его автора. «Особой радостью для меня представлялось осуществление в живописи образов моих современников тех лет», — вспоминал Самохвалов. Возгласом «брависсимо» приветствовал произведение И. Э. Грабарь, известный критик А. Эфрос считал изображенную «великолепной».
На «Экспо» во французской столице героиню портрета называли «советской Джокондой». Художник изобразил учительницу-активистку Евгению Петровну Адамову, сохранившую до конца своих дней удивительную душевность и увлеченность. В ее облике воплощены и типические черты человека своего времени — с его непосредственностью, энтузиазмом, целеустремленностью. Не только самой моделью, но и живописью, строгой, лаконичной и одновременно изысканной, Самохвалов утверждал своего рода идеал простой красоты. Приметы монументальности отличают ясную архитектонику композиции, широту письма, «фресковость» фактуры, динамизм образа. «Девушка в футболке» — произведение, в котором воплотилось представление об эпохе, «прекрасной современнице, девушке, каких не было раньше». Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век.СПб, 2001. С. 230.
Ряжский Г. Г.
Лыжница
1932
Луганский ХМ
Ряжский Г. Г.
Лыжница
1932
Холст, масло. 135 × 110
Луганский художественный музей
Творчество молодого художника-портретиста Григория Ряжского в 1930-е годы явилось олицетворением молодости новой страны. В картине «Лыжница» отображены важнейшие черты человека нового времени – свободного, ответственного, активно вмешивающегося во все общественные процессы того времени.
Дейнека А. А.
Бег
1932–1933
ГРМ
Дейнека А. А.
Бег
Вариант одноименной картины (1930, галерея Ка’Пезаро, Венеция)
1932–1933
Холст, масло. 229 х 259
Государственный Русский музей
Ж-7741
В искусстве начала 1930-х, когда было создано это произведение, художники воспевали совершенный тип нового человека, создавали собирательный портрет целого поколения, сильного и физически выносливого.
А. А. Дейнека с детства был увлечен спортом. Художник вспоминал: "Бывает, вас охватывает задор, прилив энергии, мышцы пружинятся, по телу проходит холодок бодрости. Вы как бы только что поутру вышли из холодной реки. Вам хочется бежать, сбросить запасы лишней энергии, растрачивать ее большими пригоршнями, со смехом и задором смотреть на жизнь…".
Творчество Александра Дейнеки отражает устремление к новым формам изображения общественной жизни — труда, индустрии города, спорта, облика нового человека. В картине «Бег» сфокусированы основные формальные черты дейнековского стиля — монтажно-ритмический строй композиции, колористический лаконизм, жесткий, графичный живописный язык. Дейнека игнорировал индивидуальные черты личности, наделяя свои персонажи признаками культивируемого им некоего "молодеческого" военно-спортивного типа. В «Беге» есть и конкретность и обобщенность, романтический дух и лиричность, человек в картине олицетворяет свободу и целеустремленность. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 55.
Работа написана в новый для художника период творчества, когда колорит его работ становится светлее, мягче, пейзажи обретают лирическую тональность, формируется культ силы и красоты.
Самохвалов А. Н.
Девушка с мячом
1933
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Девушка с мячом
1933
Холст, масло. 55 х 46,5
Государственный Русский музей
Ж-9187
Как и многие произведения Самохвалова, эта камерная работа производит впечатление фрагмента утраченной фрески. По убеждениям художника, современность следовало изображать в монументальных формах, вдохновляясь искусством античности, Ренессанса и Древней Руси. Именно так он стремился встроить изображенное мгновение в историческую перспективу, подчеркнуть его значительность, окутать его романтической аурой. Его моделями были в основном молодые люди, олицетворявшие прекрасное райское будущее, которое им предстояло строить и населять. В образе мечтательной юной физкультурницы Самохвалов изобразил свою старшую дочь Марию.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 62.
Тема спорта была одной из самых популярных в советском искусстве середины 1920–1930-х годов. Художники, призванные формировать идеал нового человека, видели его прообраз в физкультурниках – молодых и красивых людях, которые, совершенствуя тело, закаляют дух. В это время спортсмены становятся основными персонажами произведений Самохвалова. Он мечтал объединить их в грандиозной монументальной композиции. Возможно, поэтому многие его картины тех лет кажутся фрагментами большой многофигурной фрески. Это относится и к «Девушке с мячом», моделью для которой послужила дочь художника Мария. Однако из общего ряда эту работу выделяет полное отсутствие риторики, особый, почти интимный лиризм, трогательная нежность, с которой художник прикасается к чистому миру подростка. (Л. Б.).
Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 240.
Данько Н. Я., (автор модели), ГФЗ/ ЛФЗ
Чернильница с крышкой «Физкультурницы»
1933-1934
ГРМ
Данько Н. Я., (автор модели), ГФЗ/ ЛФЗ
Чернильница с крышкой «Физкультурницы»
Ленинградский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова (г. Ленинград)
Основоположницей спортивной тематики на фарфоровом заводе имени М. В. Ломоносова стала «главный скульптор советского агитационного фарфора», заведующая скульптурным отделением Наталья Данько, в пластике которой эти мотивы получили наиболее яркое воплощение. На волне большой популярности шахматного спорта в 1922 году она создает снискавшие широкую известность шахматы «Красные и белые»… В 1930-е годы Данько продолжила работу над темой, исполнив множество моделей, посвященных спорту. Все они отвечали государственной идеологической программе и были рассчитаны на массовый тираж. Романтикой революционного времени овеяны скульптуры из серии «Девушки-физкультурницы»: «Физкультурница с мячом», «Девушка с мячом», «Теннисистка», «Купальщица». Они демонстрируют разнообразные поиски пластического движения женского тела. Другую группу работ составляют оригинальные предметы, в которых геометрические объемные формы постаментов объединены с реалистически трактованной скульптурой (чернильницы «Физкультурницы» и «Игра в шашки»). Наталья Щетинина. Ода спорту. Спортивно-художественная хроника Ленинградского фарфорового завода имени М. В. Ломоносова. // Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 19.
Девушка справа одета в характерный костюм спортсменок и физкультурниц 1930-х, состоящий из майки с эмблемой спортивного общества «Динамо» и высоких трусов-шортов. Подобную форму можно встретить, например, на картине А. Н. Самохвалова «Девушка с ядром» (1933, ГТГ). Известны другие варианты росписи чернильницы, выполненные Т. С. Зайденберг и М. П. Кирилловой. Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 201.
Примечательно, что пересечение авангарда, получившего широкое распространение в это же время, и темы физической культуры, более тяготевшей к реалистической изобразительности, в области керамики дало относительно мало произведений. Так, в чернильном приборе Натальи Данько «Физкультурницы» видны намеки на супрематические поиски Казимира Малевича и Николая Суетина. Леонид Матвеев. Спорт в советской керамике // Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 12.
Самохвалов А. Н.
На стадионе
1934–1935
ГРМ
Самохвалов А. Н.
На стадионе
1934–1935
Холст, масло. 121 х 140,5
Государственный Русский музей
ЖБ-1723
Тема спорта была одной из самых популярных в советском искусстве середины 1920–1930-х годов. Художники, призванные формировать идеал нового человека, видели его прообраз в физкультурниках — молодых и красивых людях, которые, совершенствуя тело, закаляют дух. В это время спортсмены становятся основными персонажами произведений Самохвалова. Он мечтал объединить их в грандиозной монументальной композиции. Возможно, поэтому многие его картины тех лет кажутся фрагментами большой многофигурной фрески. Сам художник отзывался о физкультуре как о «радости бытия», помогающей преодолеть трудности «в борьбе за построение новой жизни» и «воспитать любовь к человеку». «Я любил физкультуру именно как культуру здорового человека, жизнелюбивого и жизнерадостного… Меня привлекал здоровый творящий дух в здоровом теле».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 63.
Самохвалов А. Н.
Советская физкультура
1935
Нижнетагильский МИИ
Самохвалов А. Н.
Советская физкультура
Эскиз панно для заключительного зала советского павильона Международной выставки в Париже в 1937 году
1935
Холст, масло. 121,0 х 121,0
Нижнетагильский музей изобразительных искусств
Ж-683
Давняя мечта «о большой монументальной многофигурной композиции» была реализована А. Самохваловым в 1935‑1937 годах, когда художнику предложили создать панно на тему физкультуры для советского павильона на Всемирной выставке в Париже. Триптих, выполненный художниками А. Дейнекой, А. Пахомовым и А. Самохваловым, явился логическим дополнением величественного сооружения, построенного по проекту архитектора Б. Иофана и увенчанного монументальной композицией «Рабочий и колхозница» скульптора В. Мухиной, ставшей символом эпохи.
По мысли Самохвалова ‑ композиция, так точно найденная уже в эскизе, «изображает спортсменов, как бы готовящихся к параду», и обладает архитектонической ясностью. Колорит, построенный на сочетании чистых белых, красных и голубых тонов, напоминает своей матовой фактурой фреску. И хотя в эскизе проявилась зависимость от диктата общей композиции триптиха, задающей фрагментарность и неполную самостоятельность решения, но уже был найден сплав символико-синтезирующего и реалистического начал, позволивших на звонких эмоциональных нотах с такой искренностью передать оптимизм страны, верящей в светлое будущее социализма. Жюри выставки, высоко оценив триптих советских художников, удостоило его наградой Гран-при.
_________________
Проект советского павильона Международной выставки в Париже, подготовленный под руководством архитектора Б. М. Иофана, был готов в 1935 году. По итогам просмотра правительственной комиссией был утверждён вариант внутреннего оформления, представленный ленинградцами во главе с Суетиным, который стал главным художником.
По проекту в последнем зале павильона должны были располагаться три громадных панно, в центре — «Лучшие люди Страны Советов» А.Дейнеки, слева — «Советская физкультура» А.Самохвалова, справа — «Советские дети» А.Пахомова.
Район Токсово–Кавголово около Петербурга (Ленинграда) — настоящая лыжная столица Карельского перешейка. Здесь расположено множество спортивных баз, знаменитые Кавголовские трамплины, многочисленные лыжные трассы международного стандарта. Естественный склон высотой около 40–50 м, протянувшийся на несколько километров, стал основой для горнолыжных трасс. По европейским меркам это совсем небольшие холмы, но на них обучались азам катания и совершенствовались на горных лыжах тысячи ленинградцев разного возраста, поднимаясь к вершинам мастерства.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 65.
Луппов С. М.
Водная станция
1937
Ярославский ХМ
Луппов С. М.
Водная станция
1937
Холст, масло. 152 × 216,5
Ярославский художественный музей
Ж-2062
Тема занятия водным спортом развивалась Сергеем Лупповым в течение многих лет как в живописи, так и в тиражной печатной графике. «Водная станция» – заказное произведение, выполненное художником для клуба «Текстильщики» города Ногинска Московской области. Данное живописное полотно отличается графичностью, плакатной условностью, обобщенностью, соединяя в себе два подхода. В 1970 году картина была показана на персональной выставке художника в Москве, а впоследствии по решению Министерства культуры поступила в собрание Ярославского художественного музея.
В конце 1920-х – начале 1930-х годов для проведения тренировок и соревнований по водным видам спорта в СССР активно возводились специальные сооружения – комплексные водные станции и стадионы. Для демонстрации яркой спортивной жизни художником избираются крупный формат и сложная многоплановая композиция. Спортсмены являются отражением культа силы, здоровья, маскулинности, они созвучны с античными представлениями об идеалах красоты. В этих людях воплотилась мечта о новом советском человеке, готовом к неустанному труду и активному отдыху.
Овсянников Л. Ф.
Лыжники
1938
Нижнетагильский МИИ
Овсянников Л. Ф.
Лыжники
1938
Бумага, офорт. 58,8х71,2; 48,5х57,3
Нижнетагильский музей изобразительных искусств
Г-101
Офорт «Лыжники» создан ленинградским графиком Леонидом Овсянникова в 1938 году.
Появление темы спорта в изобразительном искусстве связано с развитием физической культуры как идеологии советского государства, когда понятие гармоничного человека прочно связалось с патриотизмом. Идея подготовки физически развитого человека была связана с воспитанием гражданина, готового к труду и обороне, к преодолению любых трудностей. Целенаправленное изображение темы спорта определило уже в 1920-е годы возникновение этических и художественно-пластических принципов представления этой темы, которая с1930-х годов более чем на полвека становится одной из ведущих в искусстве. «Здоровый дух в здоровом теле» связывался с оптимизмом, верой в будущее и желанием жить и творить – и это тоже была часть идеологической пропаганды.
Эстамп Леонида Овсянникова в точности отвечает идее вдохновения на подвиги и отражает представление о том, какими должны быть люди страны советской. Однако, художник сводит агитационность к минимуму и наполняет изображение проникновенным лиризмом. Он любуется природой и молодой упругой силой лыжников, умело передает ощущение легкой морозности зимнего дня. Сама композиция напоминает театральную сцену, со стоящим на дальнем плане зданием, замыкающим пространство, и высокими деревьями со сказочно заиндевевшими кронами первого плана. Деревья ‑ кулисы, особняк ‑ задник, а лыжники ‑ актеры, лишь рождающие ощущение веселья. В их искренность не очень верится, но потерянный сегодня нами дух бодрой молодости 1930-х годов сегодня ощущается как ностальгия по прошлому.
Пименов Ю. И.
Физкультурный парад
1939
ГРМ
Пименов Ю. И.
Физкультурный парад
Панно
1939
Холст, масло. 916 х 1460
Государственный Русский музей
Ж-6804
Панно написано бригадой художников: Ю. И. Пименов (руководитель), В. А. Васильев, Е. С. Зернова, К. К. Купецио, И. Л. Пастернак, Т. А. Покровская, Б. А. Шатилов, И. Д. Штанге.
Панно „Физкультурный парад" экспонировалось в зале градостроительства советского павильона на Международной выставке в Нью-Йорке в 1939 году и служило фоном для шестиметровой архитектурной модели Дворца Советов. Безусловно, это определило и задачу живописного решения — создать нарядную и торжественную роспись, композиционно гармонирующую с макетом Дворца. Поэтому работа над произведением развивалась от конкретного пейзажа в первоначальном эскизе в сторону большей обобщенности и схематичности в большом полотне, что привело к облегчению центра и распределению масс к богато развитым краям композиции. Работа над панно шла по бригадному принципу — разделению холста на части, первоначальному закреплению их за художниками, постепенному размыванию границ между частями и художниками и сглаживанию стилевого разнобоя. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 202.
Сюжетной основой для произведения послужил парад физкультурников на Красной площади, который состоялся в 1939 году и был запечатлен в одной из первых советских цветных кинолент «Цветущая юность».
В последний год войны в суровой палитре Дейнеки появляются радостные краски. Летом 1944 года он завершил начатое еще до войны панно „Раздолье". Первоначальные поиски относятся к 1936 году, когда был выполнен графический лист „Бегунья". Тема картины с ее оптимистической идеей мирной жизни после победы была чрезвычайно актуальной. В обширном литературном наследии художника есть строки, эмоционально почти идентичные сюжету: „Бывает, когда вас охватывает задор <...>, когда человеку хочется куда-то бежать <...> со смехом и задором смотреть на жизнь".
Форма панно диктовала декоративность изобразительного языка, пластическую упрощенность форм. Резкое сопоставление планов придает одновременно стремительность движения фигурам молодых и сильных девушек-спортсменок и плавный „раздольный" ритм панорамному пейзажу. Картина воспринимается словно радостная песня-гимн необозримым просторам родной земли. Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006. С. 224-225.
Гершаник Р. В.
Лыжная прогулка
1948
РОМИИ, Ростов-на-Дону
Гершаник Р. В.
Лыжная прогулка
1948
Холст, масло. 160 х 200
Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
В своём творчестве Роман Васильевич Гершаник обращался к темам революционных событий, детства и спорта. В «Лыжной прогулке» художник через красивый, наполненный морозным воздухом зимний пейзаж, художник передал романтическое настроение молодых людей. Легкими движениями кисти Гершаник мастерски создал ощущение мягкого пушистого снега. Девушка и юноша с высоты холма, покрытого снегом первыми, прокладывают лыжню. Не выходя за рамки традиций соцреализма, живописец написал удивительно тонкое, светлое, наполненное дыханием жизни произведение.
Матюх В. Ф.
Суворовцы на лыжах
Конец 1940-х
ГРМ
Матюх В. Ф.
Суворовцы на лыжах
Конец 1940-х
Цветная литография. И.:33,5х41,4. Л.:42,3х57,7
Государственный Русский музей
С.Гр.-16133
Мидлер В. М.
Хоккей на стадионе «Динамо»
1948
СГХМ имени А.Н. Радищева
Мидлер В. М.
Хоккей на стадионе «Динамо»
1948
Холст, масло. 87 х 117,5
Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
На картине Виктора Мидлера изображена игра в хоккей с мячом, на что указывают большое число находящихся на поле игроков (по правилам каждая команда должна состоять из 11 хоккеистов, включая вратаря), форма клюшек и необычно низкие ворота, которые видны слева и почти наполовину обрезаны краем холста. Стоящий перед ними вратарь в темной форме изображен, как и положено, без клюшки. Ворота такого типа действительно существовали в «русском хоккее» (являясь одной из особенностей, отличавших его от английского «хоккея-бенди») до середины 1950-х годов, когда была организована Международная федерация, разработавшая единые для всех национальных команд правила игры. С этого времени высота ворот в хоккее с мячом превышает два метра.
Композиция написана в раскованной импрессионистической манере в соответствии с основными принципами пленэрной живописи. Художник убедительно передал динамику спортивного состязания. Однако главной задачей для него всё-таки было запечатлеть красочное зрелище морозного зимнего дня: пробивающиеся сквозь облака солнечные лучи, зажигающие белизну снега и льда ярким золотистым свечением; игру цветных рефлексов на гладкой поверхности катка; влажную голубоватую дымку, окутывающую деревья и здания на дальнем плане; пестроту заполненной болельщиками трибуны. Сложное колористическое построение картины основано на гармоничном созвучии тончайших цветовых нюансов: основная холодная сиреневато-голубая красочная гамма смягчена теплыми охристыми, розовыми, красными, коричневатыми тонами.
Куликов Иван Семенович
1875, Муром, Владимирская губ. — 1941, Муром, Владимирская обл.
Живописец, график.
В 1891 работал в качестве помощника художника А. И. Морозова. Учился: 1893–1896 — РШОПХ у Э. К. Липгарта; 1896–1902 — ВХУ при ИАХ в мастерских В. Е. Маковского и И. Е. Репина. В 1901–1903 участвовал в работе над картиной „Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года в день его столетнего юбилея“ под руководством И. Е. Репина. 1903–1905 — пенсионер ИАХ в Германии, Италии, Франции. Участник выставок с 1898. На Весенней АХ в 1906 — Первая премия им. А. И. Куинджи; на Международной в Льеже в 1905 — серебряная медаль. Член и экспонент: Общество русских акварелистов — 1907–1917; ТПХВ (экспонент) — 1908; Общество им. А.Куинджи — 1910-е. Академик (с 1915). В 1919 основал Муромский музей местного края, куда передал свои живописные работы и собранную им коллекцию костюмов прикладного и декоративного искусства. С этого года руководил там Рисовальной школой. Член Горьковского отделения СХ СССР (с 1935). С 1936 организовал промышленный музей в Павлове. В 1938 возглавил группу художников по росписи пригородного зала Ярославского вокзала в Москве.
Петрушин Б.
Биографические данные отсутствуют
Ряжский Георгий Георгиевич (Егор Егорович)
1895, с. Игнатьево, Серпуховский район, Московская губерния – 1952, Москва
Живописец, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1944). Действительный член АХ СССР (1949).
Учился: 1910–1914 – Пречистенские вечерние рабочие курсы у А. С. Голубкиной и Н. Н. Комаровского; в студии М. В. Леблана (Москва, 1912–1914), в мастерской А. С. Голубкиной (1917); 1918–1920 – ГСХМ–ВХУТЕМАС у К.С.Малевича; изостудия московского Пролеткульта. Член и экспонент: НОЖ (один из организаторов) – 1922–1923; АХРР–АХР – 1923–1932; РАПХ (один из учредителей, член секретариата) – 1930–1932. Член СХ СССР (с 1932).
Преподавал: 1934–1952 – ВХУТЕИН–МИИИ–МГХИ (с 1940 – профессор). Работал в политотделах РККА, Самара и в Самарском Пролеткульте – 1919–1921. Творческая командировка в Италию и Германию – 1929–1930.
С 1929 по 1931 год – во ВХУТЕИНе, работал в Училище памяти 1905 года. В 1949–1952 годах – академик-секретарь Президиума Академии Художеств СССР. В 1937 году работы Г.Г. Ряжского «Делегатка» и «Председательница» были удостоены большой золотой медали на Международной выставке в Париже. Произведения Г.Г. Ряжского хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Киевском музее русского искусства, Красноярском государственном художественном музее им. В.И. Сурикова, Ростовском музее изобразительных искусств, собраниях других крупных музеев России.
Павлов Семен Андреевич
1893, Санкт-Петербург – 1941, Ленинград
Живописец, график. Учился в РШ ИОПХ (1912–1917); в ВХУ при ИАХ – Свободной ХШ – ПГСХУМ–ВХУТЕМАС (1917–1922, Петроград) у В. И. Шухаева, К. С. Петрова-Водкина, Д. Н. Кардовского, В. И. Козлинского. Участник выставок с 1918. Член и экспонент: «Община художников» (1922–1927); «Шестнадцать» (1923–1924); АХР(Р) (один из членов-учредителей ленинградского филиала, 1924, 1923–1932); «Общество живописцев» (1928–1930); «Цех художников» (1930–1932). Преподавал в ЛИИКС (1930–1932); в (Л)ИЖСА ВАХ (с 1932).
Овсянников Леонид Федорович
1880, с Юрино, Нижегородская губерния – 1970, Ленинград
График, педагог, теоретик. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1960).
Родился 25 мая 1880 в селе Юрино Нижегородская губернии. В 1900 окончил Казанское художественное училище (граверный класс Ю. И. Тиссена). Учился в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге у Д. Н. Кардовского (1901‑1904), у В. В. Матэ (1904-‑1909); в 1910-х ‑ в Париже в мастерской Ф. Кормона.
Занимался станковой графикой, работал в технике цветного офорта, литографии, линогравюры.
Член и экспонент «Общества художников им. А. И. Куинджи». С 1932 член ЛССХ.
Участник крупнейших выставок советского изобразительного искусства 1920‑30-х годов в СССР и за рубежом. Персональные выставки в Ленинграде в 1941 и 1945.
Преподавал в Киевском архитектурном институте (1918—1922), Ленинградском художественно-промышленном техникуме, ЛИЖСА имени И. Е. Репина (1938—1960).
Автор статей и воспоминаний о И. Е. Репине, 1950-е учебных пособий.
Участник ВОВ, награжден медалями «За оборону Ленинграда», «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941‑1945 гг.»
Доцент. Профессор с 1942. Награжден орденом «Знак Почета» в 1957.
Произведения находятся в Русском музее, Третьяковской галерее, в других музеях и частных собраниях в России и за рубежом.
Пименов Юрий (Георгий) Иванович
1903, Москва – 1977, Москва
Живописец, график, театральный художник, педагог, работал в театрально-декорационном искусстве, занимался иллюстрацией книг, монументально-декоративными работами (панно). Мастер рекламного киноплаката, в котором использовал элементы станкового искусства. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР (1962). Народный художник СССР (1970). Член-корреспондент АХ СССР. Действительный член АХ СССР (1962). Член Союза Художников СССР с 1932. В 1941–1945 работал в «Окнах ТАСС». Лауреат Государственной премии СССР. Лауреат Сталинских (1947, 1949) и Ленинской (1967) премий.
Родился в Москве. В 1920–1925 учился в Москве во ВХУТЕМАСе у В. А. Фаворского, С. В. Малютина, Д. Н. Кардовского, В. Д. Фалилеева, М. Ф. Шемякина. Один из организаторов ОСТа (1925–1928), общества «Изобригада» (1931). В 1936-1937 преподавал в институте повышения квалификации художников живописцев. В 1945–1972 – во ВГИКе на художественном факультете. Профессор (1947). Участник выставок с 1924 года.
Гершаник Роман Васильевич
1898 – 1983
Живописец, график. Автор жанровых композиций, портретист. Заслуженный деятель искусств Узбекской ССР.
Матюх Вера Федоровна
1910, Берлин, Германия – 2003, Санкт-Петербург
Литограф, рисовальщик, иллюстратор. Училась в харьковской ХШ (1924–1926), в Харьковском ХИ (1926–1931) у В. Д. Ермилова. Участник выставок с 1938. Сотрудничала с издательствами, с журналом «Ёж» и «Чиж». Занималась литографией под руководством Г. С. Верейского, офортом под руководством Е. С. Кругликовой. Работала в Экспериментальной литографской мастерской (с 1938). Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 227.
Мидлер Виктор Маркович
1888, м. Томашполь, Подольская губ. – 1979, Москва
Живописец, график, искусствовед.
Родился в местечке Томашполь Подольской губернии. Учился в Одессе у А. М. Нюренберга, Г. А. Ладыженского; в Одесском высшем художественном училище (1908–1913) у К. К. Костанди; во ВХУТЕМАСе в мастерских А. В. Куприна, И. И. Машкова, Р. Р. Фалька.
В 1919 участвовал в оформлении Одессы к годовщине революции. В 1920-е с энтузиазмом приняв происходившие в стране перемены, активно включился в культурное строительство советской республики: по заданию наркома просвещения А. В. Луначарского инспектировал работу региональных художественных секций, в 1918–1923, живя в Средней Азии, добивался реставрации самаркандских памятников, а возвратившись в Москву стал организатором и хранителем отдела новейшей русской живописи Государственной Третьяковской галереи. В 1927–1928 жил и работал во Франции.
Член и экспонент объединений: «Товарищество независимых художников» (1918, Одесса), «4 искусства» (1926–1929, Москва). Участник выставок с 1917: в 1933, 1935 и 1936 в Москве; в 1932 в Ленинграде; зарубежных – в 1929 в Нью-Йорке, Филадельфии, Бостоне, Детройте, в 1930 в Вене, в 1934 в Филадельфии. Один из организаторов Московского отделения Союза художников, член правления (1930-е).
С конца 1930-х годов верность собственным художественным принципам, нежелание подстраиваться под требования идеологии соцреализма, обрекли его на долгие годы творческой изоляции. Он продолжал работать, но как «формалист» практически не имел возможности участвовать в выставках, был лишен отклика на свое искусство. Прожив долгую жизнь, так и не дождался персональной выставки.
События
В этом разделе можно увидеть наиболее масштабные произведения, посвященные важным историческим событиям советской эпохи. Среди них такие полотна как «Подписание Декрета об образовании Татарской АССР» Х.А.Якупова и Л.А.Фаттахова, «Провозглашение Марийской Автономной области» В.Д.Курочкина, «Декрет о земле» Н.Н.Никитина, «Выступление М.В.Фрунзе перед ополченцами в Самарканде» Н.Д.Нурмухамедова, «На Крымской конференции» Д.А.Налбандяна, «Нюрнбергский процесс» Кукрыниксов, «Подписание договора о дружбе, союзе и взаимопомощи между Советским Союзом и Китайской Народной Республикой» (написано бригадой художников под руководством В.И.Вихтинского), картина А.Ф.Полозова «Спасибо, Москва», посвященная 12-му Всемирному фестивалю молодежи и студентов, проходившему в Москве.
Первое появление В. И. Ленина на заседании Петросовета в Смольном 25 октября 1917
1927
ГРМ
Юон К. Ф.
Первое появление В. И. Ленина на заседании Петросовета в Смольном 25 октября 1917
1927
Холст, масло. 132 x 191
Государственный Русский музей
ЖС-1981
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Днем 25 октября в Актовом зале Смольного под председательством Л. Д. Троцкого открылось экстренное заседание Петроградского совета рабочих и солдатских депутатов. На нем был выслушан доклад Троцкого о свержении Временного правительства. С докладом о задачах Советской власти выступил В. И. Ленин, который произнес знаменитую фразу: «Товарищи! Рабочая и крестьянская революция, о необходимости которой все время говорили большевики, совершилась». Картина была написана Юоном по заказу Комиссии Совнаркома и экспонировалась в январе 1928 года на Выставке художественных произведений к десятилетнему юбилею Октябрьской революции. Добиваясь правдивости изображения, художник с большим вниманием отнесся к воссозданию исторической обстановки и подлинного облика участников тех событий. Так, Ленин на картине предстает без бороды и усов, только что снявшим парик и освободившимся от грима. За его спиной в президиуме изображены присутствовавшие на заседании В. А. Антонов-Овсеенко, Л. Б. Каменев, В. П. Милютин, Н. И. Подвойский, Л. Д. Троцкий, Г. И. Ломов (Оппоков), А. И. Рыков, Л. М. Карахан и другие. Почти все они позднее погибли в годы сталинских репрессий. Судьба героев полотна повлияла на его судьбу в 1930-е годы оно было изъято в спецхран.
Картина написана после смерти Ленина (1924) и посвящена теме его популярности в революционно настроенной среде. // Алиса Любимова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 365.
Богаевский К. Ф.
Днепрострой
1931–1932
Донецкий РХМ
Богаевский К. Ф.
Днепрострой
1931–1932
Холст, масло. 49 × 111
Донецкий республиканский художественный музей
Ж-216
Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.
Эпопея ледокола «Челюскин», за спасением экипажа которого в начале 1934 года следил весь Советский Союз, нашла широкое отражение в разных видах искусства. В собрании Русского музея она представлена образцами скульптуры (этюд Веры Мухиной к скульптуре «Борей» для проекта памятника челюскинцам), графики (ксилография Федора Смирнова «Встреча челюскинцев» С.Гр.-4090; иллюстрация Василия Кобелева к книге «Как спасали Челюскинцев», С.Гр.-1836), декоративно-прикладного искусства (чайный сервиз «Поход „Челюскина“», выполненный на Ленинградском фарфоровом заводе имени М.В.Ломоносова), а также работами народных мастеров. Руслан Бахтияров. К берегам Антарктиды и Арктики || К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С.7.
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
Самокиш Н. С.
Переход Красной армии через Сиваш
1935
Симферопольский ХМ
Самокиш Н. С.
Переход Красной армии через Сиваш
1935
Холст, масло. 150 х 300
Симферопольский художественный музей
Ж-492
Картину «Переход Красной армии через Сиваш» русский и советский художник-баталист Николай Самокиш создал в 1935 году.
Перекопско-Чонгарская наступательная операция Рабоче-крестьянской Красной армии на Русскую армию генерала П. Н. Врангеля 7‑17 ноября 1920 года была последней крупной битвой Гражданской войны. В итоге в Крыму была окончательно установлена советская власть, а белогвардейцы и значительное число гражданского населения эвакуировались.
Академик Н. С. Самокиш в то время жил в Крыму, был очевидцем многих событий. «Участники перекопской эпопеи... помогали художнику правдиво изобразить один из героических моментов истории нашего народа». Искусствовед А.И. Полканов считал, что «вершиной творчества Самокиша стала картина «Переход Красной армии через Сиваш», за которую он был удостоен Сталинской премии второй степени в 1941 году.
На полотне бойцы Красной армии в бушлатах, шинелях, полушубках, папахах, фуражках и будённовках, а то и в гражданской одежде, в ледяную стужу, под ураганным огнём противника по топкому илистому дну «Гнилого моря» переходят с 8 на 9 ноября 1920 года на Литовский полуостров Крыма. На берегу слева изображены члены штаба во главе с М. В. Фрунзе – он на коне и смотрит на зрителя. Спускаются в воды Сиваша эскадроны 7-й кавалерийской дивизии. Полки отмечены красными потрёпанными в боях знамёнами. Представление о том, что в битве задействованы мощные орудия, дают взрывы на полотне. Основу противоборствующих сил составляли пехота и кавалерия, вооруженные винтовками и саблями.
Картина отличается точностью и детализацией. В живописи использованы графические приёмы – контуры, локальный цвет, что придаёт полотну эффектность, экспрессию, чёткость.
Савинов А. И.
Принятие декрета о создании Рабоче-крестьянской Красной Армии
1935
ГРМ
Савинов А. И.
Принятие декрета о создании Рабоче-крестьянской Красной Армии
1935
Холст, масло. 256,5 х 390
Государственный Русский музей
Жб-1987
Работа большевиков в солдатской и офицерской среде накануне Октябрьского переворота была направлена на разложение старой армии, которую, согласно идее Карла Маркса, после победы революции должно было заменить всеобщее вооружение народа. Однако надежды на лояльность народных масс и их способность к самоорганизации оказались преувеличенными. Уже совсем скоро правительство большевиков, чтобы удержать власть, было поставлено перед необходимостью создания регулярных войск. Для руководства созданием Рабоче-Крестьянской Красной Армии Совнарком учредил Всероссийскую коллегию из партийных работников и известных военспецов.
Картина Савинова являлась правительственным заказом к выставке «15 лет РККА». Работая над сложной, многофигурной композицией, художник тщательно изучал документальный и иконографический материал, встречался с Н. И. Подвойским, одним из участников исторического заседания, и даже соорудил специальный макет. В результате получилось монументальное произведение, абсолютно чуждое официальной парадности и исполненное суровой правды жизни.
Среди изображенных, помимо предсовнаркома В. И. Ленина, И. В. Сталин — нарком по делам национальностей, А. В. Луначарский — нарком просвещения, П. Е. Дыбенко — нарком по морским делам, К. Е. Ворошилов — председатель ЧК по охране Петрограда, Н. Е. Подвойский — нарком по военным делам, Н. В. Крыленко — член Комитета по военным и морским делам, Р. С. Землячка — член ЦК ВКП(б), В. А. Аванесов — секретарь ВЦИК, П. П. Прошьян — нарком почт и телеграфа, Я. М. Свердлов — председатель ВЦИК, Г. К. Орджоникидзе — временный чрезвычайный комиссар на Украине и другие. Состав участников заседания, скорее всего, был отчасти скорректирован заказчиком в соответствии с текущей политической ситуацией. (А. Д., Е. Л., В. У.)
Гражданская война
Захватив власть в России, большевики не собирались ею ни с кем делиться. Это предопределило неизбежность Гражданской войны (1918–1922/23), которая представляла собой цепь вооруженных конфликтов между различными политическими, этническими и социальными группами на огромной территории бывшей Российской империи. При этом основная борьба за власть велась между Красной Армией большевиков и вооруженными силами Белого движения, потерпевшими в конечном итоге поражение. Днем создания Рабоче-крестьянской Красной Армии принято считать 23 февраля 1918 года, когда перед лицом немецкого наступления было опубликовано воззвание «Социалистическое отечество в опасности» и началось ускоренное создание боеспособных отрядов. В основе формирования РККА, согласно декрету Совнаркома О Рабоче-Крестьянской Красной армии от 15/28 января, подписанному В. И. Лениным, лежал добровольческий принцип. Но уже 29 мая, когда Гражданская война в России стала суровой реальностью, вышло Постановление ВЦИК о принудительном наборе в армию, и началась всеобщая мобилизация.
Справа внизу: А. Савинов Ленинград 21/IV 1935 г. // Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 391.
Декрет о создании Рабоче-Крестьянской Красной Армии был принят 15 (28) января 1918 г. в Петрограде. См. текст документа на Викитеке.
Герасимов С. В.
В. И. Ленин на II съезде Советов среди делегатов-крестьян
1935–1936
ГРМ
Герасимов С. В.
В. И. Ленин на II съезде Советов среди делегатов-крестьян
1935–1936
Холст, масло. 236 х 186
Государственный Русский музей
Ж-6149
Картина Герасимова изображает исторический съезд, провозгласивший переход всей власти в стране к Советам рабочих и крестьянских депутатов, утвердивший декреты о мире и земле. Ленин беседует с делегатами о передаче помещичьей земли крестьянам. Значительность происходящего выражена в глубокой серьезности, с какой слушают Ленина крестьяне. Скупые краски овчинных тулупов, солдатских шинелей, матросских бушлатов в огромном светлом зале Смольного звучат своеобразной мужественной гармонией.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 68.
II Всероссийский съезд Советов рабочих и солдатских депутатов состоялся 25—27 октября (7—9 ноября) 1917 года в Смольном, Петроград.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Шегаль Г. М.
Вождь, учитель и друг (И. В. Сталин в президиуме II Съезда колхозников-ударников в феврале 1935 года)
1936–1937
ГРМ
Шегаль Г. М.
Вождь, учитель и друг (И. В. Сталин в президиуме II Съезда колхозников-ударников в феврале 1935 года)
1936–1937
Холст, масло. 340 x 260
Государственный Русский музей
Ж-5613
Картина впервые экспонировалась на грандиозной выставке «Индустрия социализма», приуроченной к XVIII съезду ВКП(б). Второй съезд колхозников-ударников, которому она посвящена, проходил в феврале 1935 года. Съезд принял устав сельскохозяйственной артели и знаменовал собой «полную победу социализма в деревне». Художник изобразил реальный эпизод работы съезда, выбранный по газетным публикациям. Как первый среди равных, Сталин общается с простой колхозницей Евдокией Федотовой, заведующей машинно-тракторной станцией колхоза «Возрождение» Ленинградской области, портрет которой делала также Софья Дымшиц-Толстая. В этот день она председательствовала на заседании. На трибуне — ударница хлопковых полей Узбекистана Ташланова. Ее фигура в колоритной национальной одежде, а также обрамляющие композицию изображения молодой туркменки в белом платке и узбека Ага-Юсуп-Али,— дань художника излюбленной теме.
Шегаль много и увлеченно работал в творческих командировках в азиатских республиках Советского Союза. Таким образом, содержание полотна обогащается темой дружбы народов. Не случайно и столь акцентированы в картине женские образы. Среди делегатов II съезда отмечался рекордный процент женщин-ударниц колхозного труда. Так художник констатирует успехи страны в укреплении женского равноправия.
Критика отмечала некоторое однообразие в решении верхней части композиции, которую занимает плоскость стены. Однако именно там помещается скульптурное изображение Ленина, осеняющее происходящее в нижнем ярусе картины. Особенности убранства зала позволили художнику реалистическими средствами выявить незримое присутствие на съезде основоположника советского государства. Значительность места, которое фигура Ленина занимает в этой крупномасштабной картине, давала современникам почву для рассуждений о распределении ролей в троичной формуле «вождь, учитель, друг».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 82.
Ефанов В. П.
Встреча артистов театра имени Константина Станиславского со слушателями Военно-воздушной академии имени Николая Жуковского
1938
ГРМ
Ефанов В. П.
Встреча артистов театра имени Константина Станиславского со слушателями Военно-воздушной академии имени Николая Жуковского
1938
Холст, масло. 297,5 x 375,5
Государственный Русский музей
Ж-5602
Картина написана для выставки „ХХ лет РККА и ВМФ“, также выставлялась на Всемирной выставке 1939 года (Нью-Йорк).
Среди гостей изображены: слева от К. С. Станиславского — Герой Советского Союза Н. П. Каманин, солисты балета М. И. Шарова и П. И. Макеев. Справа от К. С. Станиславского — старший лейтенант А. Н. Полосухин, народная артистка РСФСР М. Л. Мельтцер, заслуженный артист РСФСР М. Н. Жуков, актриса театра А. Т. Васильева. Напротив К. С. Станиславского — народная артистка РСФСР М. С. Гольдина. На первом плане в кресле сестра К. С. Станиславского — 3. С. Соколова.
Обращение к групповому портрету театральных деятелей не случайно в творчестве Ефанова — длительное время художник был увлечен театром, сам был актером, женой его стала актриса театра им. К. С. Станиславского. И хотя в середине 1930-х годов Ефанов отошел от сцены, театр оставался ему по-прежнему дорог.
Событие, послужившее сюжетом для картины, произошло 22 декабря 1935 года в квартире-студии К. С. Станиславского. Начал работать над картиной художник в 1937, закончил через год, когда великий режиссер уже умер. В композиции изображено тридцать восемь персонажей, портреты которых художник писал с натуры. В автобиографии Ефанов вспоминает: „Артисты и летчики — были мною написаны прямо с натуры. Позировали долго, подчас по ночам. Все детали картины — натюрморт на столе, стулья, огромный ковер — написаны также с натуры“. Не раз Ефанов встречался и со Станиславским, изучая его характер, манеры, позы и жесты делая многочисленные наброски, рисунки, этюды.
Многофигурная композиция удачно скомпонована, интерьер и праздничный застольный натюрморт написаны свободно, широко, не отвлекая, однако, внимания от происходящего. Смысловым центром композиции стала фигура: стоящего режиссера — все присутствующие обращены к нему. Театр, руководимый К. С. Станиславским, шефствовал над Высшей военно-воздушной академией им. Н. Е. Жуковского, и темой картины стали новые отношения разных социальных групп, их взаимопонимание и искреннее уважение друг другу. Полностью отвечая идеологическим требованиям времени, картина призвана проиллюстрировать идею красоты и благородства людей нового времени, подчеркнуть возможность подобного союза только в условиях социалистического общества. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 251.
Самохвалов А. Н.
Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов
1940
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов
1940
Холст, масло. 385 х 355
Государственный Русский музей
Жб-1947
Созданная накануне войны картина Самохвалова явилась выражением духа сталинской эпохи, образным воплощением новой коммунистической мифологии.
Впечатляющее своей масштабностью произведение изображает исторический момент: вскоре В. И. Ленин произнесет: совершилась рабочая и крестьянская революция, о которой долго мечтал народ. Ликующая толпа людей приветствует Вождя, стремительно направляющегося к президиуму зала Смольного. В свое время художник видел Ленина в коридоре Штаба Революции - это было в 1917 году, в разгар октябрьских событий. По словам самого художника, позднее „эпизод превратился в событие“, а образ Великого вождя и Спасителя народов в соответствии с идеологическими требованиями приобрел определенно мессианский характер.
В противоположность юным годам, когда Самохвалов проявил склонность к экспериментам в живописи, в 1930-е он становится все большим поклонником искусства Возрождения и античности, а среди его кумиров оказываются А. А. Иванов, В. И. Суриков и И. Е. Репин. Вряд ли есть сомнение, что знаменитое полотно „Явление Христа народу" А. А. Иванова подсказало художнику образное и композиционное решение картины „Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов“, в итоге явившее собой пример художественного воплощения „религии“ своего времени. // Ольга Мусакова. Большая картина. СПб., 2006. С. 237.
Вечером 25 октября 1917 года, когда отряды Красной гвардии еще продолжали методично занимать стратегические объекты столицы, в Смольном открылся II Всероссийский съезд Советов, на котором большевики имели подавляющее число делегатов. Среди важнейших документов, утвержденных съездом, были Декреты о мире, земле и «Декларация прав народов России». Съезд также сформировал высшие органы власти — ВЦИК и СНК, которые возглавили соответственно Я. М. Свердлов и В. И. Ленин. Масштабное произведение Самохвалова изображает ликующую толпу, которая приветствует своего вождя, стремительно направляющегося к президиуму. Вскоре с трибуны съезда Ленин произнесет исторические слова о победе социалистической революции.
В 1930-е годы Самохвалов, ранее проявлявший склонность к живописным экспериментам, постепенно становится все большим поклонником классического искусства. Среди его кумиров оказываются А. А. Иванов, В. И. Суриков и И. Е. Репин. «Появление В. И. Ленина…», представляющее собой пример художественного воплощения «религии» своего времени, сегодня можно рассматривать как своего рода советскую аналогию «Явлению Христа народу» Иванова. // Ольга Мусакова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 367.
Дейнека А. А.
Оборона Севастополя
1942
ГРМ
Дейнека А. А.
Оборона Севастополя
1942
Холст, масло. 200 x 400
Государственный Русский музей
ЖБ-954
Картина была написана в 1942 году, самом тяжелом для России. Художник рассказывал: «Я был на войне, видел бои, много тяжелых, героических эпизодов — а почему-то решил написать «Оборону Севастополя», хотя не видел, как обороняли этот город, а только слышал рассказы об этой обороне. Почему я сделал эту вещь? Я люблю Севастополь, до войны там часто бывал, плавал на катерах, на крейсерах… Любил севастопольских моряков. И вот, когда я увидел фотографии разбитого города, я понял, что должен это написать. Когда я работал, я по-настоящему все это переживал, волновался, вложил в эту работу свое сердце». Русскиймузей. Отиконыдосовременности. СПб. 2015. С. 353.
К началу Великой Отечественной войны Дейнека — признанный мастер советского искусства. Главной характеристикой его творчества была современность; созвучность его образов типическому и новому в социалистической действительности. Начало войны художник переживал чрезвычайно остро, одним из первых активно включился в художественную работу над военной темой. Уже в конце 1941 года появляются его первые картины по фронтовым впечатлениям.
Импульсом к созданию картины «Оборона Севастополя» послужили фотографии разрушенного Севастополя, которые Дейнека увидел в начале 1942 года. Снимки потрясли его. При осмотре своих материалов, альбомов и рисунков по Севастополю, где пришлось много работать до войны, у художника родился замысел картины. Дейнека остро почувствовал любовь к городу, к его жителям и морякам, защищавшим любимый город, и непримиримую ненависть к врагам, разрушившим его. В основу композиции была положена яростная схватка, противопоставление человеческих устремлений, в отдельном эпизоде была сфокусирована основная идея борьбы за Отечество. Зимой 1942 года Дейнека привез из фронтовых поездок многочисленные зарисовки, которые были использованы в работе. Но этого было недостаточно: мастер делал в пластилине скульптурные наброски, раз за разом, проверяя правильность ракурсов, писал обнаженную натуру, чтобы избежать неточностей. Ему пришлось пригласить знакомую спортсменку для позирования, так как сильной мужской модели в Москве было не отыскать — все ушли на фронт. Своей «Обороной Севастополя» Дейнека вписал страницу в историю мировой батальной живописи. // Альфия Низамутдинова. Большая картина. СПб., 2006. С. 222-223.
«Памяти героической обороны Севастополя посвящается» Мультимедийный фильм участников конкурса мультимедийных ресурсов "Герои и победы в русском искусстве"
Участники: Беляев Тимофей, 11 лет, Беляев Андрей Владимирович (папа) Руководитель: Лучко Ирина Анатольевна ИОЦ: Школа № 45 Приморского района Санкт-Петербурга
Серов Вл. А., Серебряный И. А., Казанцев А. А.
Прорыв блокады
1943
ГРМ
Серов Вл. А., Серебряный И. А., Казанцев А. А.
Прорыв блокады
1943
Холст, масло. 299 х 464
Государственный Русский музей
Ж-5563
В картине запечатлен кульминационный эпизод операции под кодовым названием „Искра“, когда в 9 часов 30 минут в районе рабочих поселков № 1 и № 5 у южного побережья Ладожского озера, прорвав глубоко эшелонированную оборону противника, встретились 1-й отдельный стрелковый батальон 123-й стрелковой бригады Ленинградского фронта и 1-й стрелковый батальон 1240-го стрелкового полка 372-й стрелковой дивизии Волховского фронта.
Трудно было переоценить значение этого события для судеб города, его исстрадавшихся жителей, судьбы войны. В этот знаменательный момент прозвучали удивительные слова писателя, драматурга В. В. Вишневского: «...Душа не может вместить всего потока мыслей, чувств, эмоций, переживаний, которые нахлынули на каждого ленинградца: На каждого, где бы он ни был...» Тогда же к горожанам обратилась О. Ф. Берггольц, поэт сражающегося города: «Ленинградцы! Дорогие соратники, друзья! Блокада прорвана! Мы давно-давно ждали этого дня, мы всегда верили, что он будет...».
Спустя год, уже после снятия блокады города в Почетной грамоте Ленинграду с восхищением и благодарностью о дате прорыва вражеского кольца писал горожанам Ф. Д. Рузвельт: „От имени Соединенных Штатов Америки я вручаю эту грамоту городу Ленинграду в память о его доблестных воинах и его верных мужчинах, женщинах и детях, которые будучи изолированными захватчиками от основной части своего народа <...>, несмотря на несказанные страдания, <...> успешно защищали свой город в течение критического периода от 8 сентября 1941 года до 18 января 1943 года...".
За один месяц Серов, Серебряный, Казанцев создали свою картину и показали ее 23 февраля 1943 года на выставке к 25 годовщине Красной Армии. Каждый из авторов имел опыт работы с многофигурными композициями, основанными на развернутом драматургическом сюжете. В данном случае точность факта, достоверность изображенного места действия соединились в историческом полотне с радостью и воодушевлением советских воинов, одержавших трудную, замечательную победу, открывшую путь к полному освобождению города. // Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 230.
Грубе А. В.
Крымская конференция / На Крымской конференции руководителей трех великих держав
1945
ГРМ
Грубе А. В.
Крымская конференция / На Крымской конференции руководителей трех великих держав
1945
Бронза. 24,5 х 29,5 х 59
Государственный Русский музей
СО/ПФ-69
Композиция, выполненная Александром Грубе по одной из многочисленных фотографий тех лет и изображающая сидящих в кресле союзников, является эскизом к так и не осуществленному памятнику. Картины военной жизни в отечественном искусстве XVI–XX веков. СПб, 2022. С. 175.
Ялтинская (Крымская) конференция союзных держав — вторая по счёту (после встречи в Тегеране в 1943 г.) многосторонняя встреча лидеров трёх стран антигитлеровской коалиции — СССР, США и Великобритании — во время Второй мировой войны, посвящённая установлению послевоенного мирового порядка.
Конференция проходила 4–11 февраля 1945 г. в Ливадийском (Белом) дворце в посёлке Ливадия недалеко от Ялты (Крым) и стала последней конференцией лидеров антигитлеровской коалиции «большой тройки» в доядерную эпоху. Союзники понимали, что у них уникальный шанс распорядиться историей Европы по-своему, поскольку впервые в истории практически вся Европа находилась в руках всего трёх государств. Требовалось провести новые государственные границы на территории, ещё недавно оккупированной Третьим рейхом. Одновременно нужно было установить неофициальные, но общепризнанные всеми сторонами демаркационные линии между сферами влияния союзников. Рузвельт, Черчилль и Сталин, пойдя на взаимные уступки, пришли к соглашению практически по всем пунктам. В результате конфигурация политической карты мира претерпела существенные территориальные изменения.
Картина Налбандяна представляет эпизод встречи глав трех великих держав — Великобритании, СССР и США, состоявшейся 4–11 февраля 1945 года в Ливадийском дворце города Ялты и получившей название Крымской конференции. Она проходила в период, когда военные действия уже велись на территории Германии и на повестку дня стал вопрос о послевоенном устройстве мира. В неформальной обстановке перерыва между заседаниями изображены: в центре группы — председатель СНК СССР И. В. Сталин и премьер-министр Англии У. Черчилль. Слева, вполоборота к зрителю, сидит президент США Ф. Рузвельт. Рядом с ним по левую руку стоят народный комиссар иностранных дел СССР В. М. Молотов и посол СССР в Англии И. М. Майский. Справа изображены (слева направо) министр иностранных дел Англии А. Иден, государственный секретарь США Э. Стеттиниус и посол США в СССР А. Гарриман. Тамара Чудиновская// Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 470.
4–11 февраля 1945 года в Крыму проходила встреча глав трех стран антигитлеровской коалиции – Великобритании, СССР и США. Она состоялась в Ливадийском дворце города Ялты и получила название Крымской (Ялтинской) конференции. Она проходила в период, когда военные действия уже велись на территории Германии и на повестку дня стал вопрос о послевоенном устройстве мира. В конференции участвовали председатель СНК СССР Иосиф Сталин, премьер-министр Англии Уинстон Черчилль и президент США Франклин Рузвельт. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 113.
В неформальной обстановке перерыва между заседаниями изображены: в центре группы — председатель СНК СССР Иосиф ВиссарионовичСталин (1879–1953) и премьер-министр Англии Уинстон Черчилль (1874–1965). Слева, вполоборота к зрителю, сидит президент США Франклин Делано Рузвельт (1882–1945). Рядом с ним по левую руку стоят народный комиссар иностранных дел СССР Вячеслав МихайловичМолотов (1890–1986) и посол СССР в Англии Иван МихайловичМайский (1884–1975). Справа изображены (слева направо) министр иностранных дел Англии ЭнтониИден (1897–1977), государственный секретарь США ЭдвардСтеттиниус (1900–1949) и посол США в СССР Уильям АвереллГарриман (1891–1986).
Пшеничников В. С.
Парад Победы
1946
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Пшеничников В. С.
Парад Победы
1946
Холст, масло. 138,5 х 184,2
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Ж-2532 АОМИИ
Большая часть живописного наследия Василия Семеновича Пшеничникова, участника трех войн, посвящена героическим страницам советской и русской истории. Работа «Парад Победы» в их числе. Она была написана в 1946 году.
9 мая 1946 года в нашей стране был выходным днем, однако парад в этот день не проводился. Второй парад, посвященный Великой Победе, состоялся лишь через 20 лет после первого. Таким образом, Василий Пшеничников, ушедший из жизни в 1957-м, был свидетелем лишь одного, самого первого Парада Победы 1945 года. По всей вероятности, картина написана по впечатлениям от него.
Довольно интересно, как изображение действительности здесь переплетается с художественным вымыслом автора.
24 июня 1945 года в Москве было облачно и пасмурно, а за несколько минут до самого парада начался дождь. В связи с погодными условиями даже пришлось отменить воздушную часть парада. Однако у Пшеничникова мы видим совсем иную картину: Красная площадь залита солнечным светом, а на почти безоблачном небе намечены темно-голубые линии самолетов. Эти, казалось бы, незначительные детали создают атмосферу и помогают зрителю проникнуться праздничным настроением.
С точки зрения композиции на картине можно выделить три основных плана. На первом – вдоль нижней кромки полотна – мы видим участников парада, военных-победителей (для участия в Параде были сформированы 12 сводных полков). Образы бойцов написаны аккуратными темными мазками, но черты их лиц невозможно рассмотреть, они лишь слегка намечены. Однако это и не нужно: ведь среди них нет главного персонажа, все они равны, все они – герои, благодаря которым этот День оказался возможен. Кроме того, художник расположил бойцов спиной к нам, за счет чего создается впечатление, будто в следующей шеренге за ними идем мы – зрители, мы тоже становимся в ряды победителей.
Изображая участников парада, Пшеничников находит интересное цветовое решение: внимание к себе притягивают не маленькие темные фигуры людей, а большие полковые оранжево-красные знамена, украшенные орденскими лентами.
С одной стороны, в силу традиций, красный давно стал для нас символом праздника и радости. С другой, это яркое цветовое пятно на первом плане вызывает тревогу и становится символом кровавых сражений, пожаров и смерти, напоминая о том, сколько жизней унесла с собой война.
Красный цвет знамен здесь противопоставлен бело-голубому небу. В центральной части картины, где эти планы соприкасаются, контраст наиболее заметен. Светлое и чистое небо олицетворяет собой конец войны, небо – это воплощение мира, покоя и гармонии. Неслучайно именно небо занимает практически половину полотна.
На втором плане художник поместил главные архитектурные приметы Красной площади: Спасскую башню Московского Кремля и храм Василия Блаженного. Исторические символы России, написанные в пастельных тонах, как будто проступают из далекого прошлого. Слева, на фоне храма, хорошо просматривается скульптурный монумент – памятник Минину и Пожарскому, героям 1612 года. Этот образ подчеркивает идею преемственности: марширующие по площади бойцы – новые защитники Родины – наследуют дело ополченцев.
Кохан К. Ф.
Артём в Донбассе
1949
Луганский ХМ
Кохан К. Ф.
Артём в Донбассе
1949
Холст, масло. 170,5 × 227
Луганский художественный музей
Картину «Артём в Донбассе» украинский художник Кузьма Кохан написал в послевоенные годы. Артём – настоящая фамилия и имя Фёдор Андреевич Сергеев (1883 – 1921) – профессиональный революционер, советский политический деятель, организатор революционного движения в Донбассе. был председателем Совнаркома непризнанной Донецко-Криворожской Советской Республики в Украине и наркомом народного хозяйства. Его действия обеспечили национализацию промышленных центров, сосредоточенных на востоке Украины. С 1920 года Артём руководил восстановлением угольного бассейна, с 1921 года – председатель горнорабочих. Город Артемовск Луганской области назван в честь Артема.
Налбандян Д. А.
Для счастья народа (Заседание Политбюро ЦК ВКП(б))
1949
ГРМ
Налбандян Д. А.
Для счастья народа (Заседание Политбюро ЦК ВКП(б))
1949
Холст, масло. 280 х 380
Государственный Русский музей
Ж-4408
Картина создана в юбилейный для руководителя партии Иосифа Сталина и правительства 1949 год и была показана на двух главных выставках — Всесоюзной художественной выставке и «Иосиф Виссарионович Сталин в изобразительном искусстве», но характер изображения вождя здесь принципиально отличается от парадных картин эпохи.
Над картой будущих лесонасаждений, обсуждая план преобразования природы («для счастья народа»), склонились ближайшие соратники Сталина: Вячеслав Молотов, Николай Шверник, Николай Булганин, Анастас Микоян, Никита Хрущев, Андрей Андреев, Алексей Косыгин, Климент Ворошилов, Георгий Маленков, Лазарь Каганович. Сам вождь показан «таким, как все», «простым и доступным», хотя и в маршальском мундире, но без всех его многочисленных орденов, только со звездой Героя Советского Союза. «Простота» вождя также была принципиальной и существенной для формируемой иконографии Сталина. Примечательно и то, что, как и властная верхушка приспосабливала искусство для своих идеологических целей, так и искусство научилось приспосабливаться к обстоятельствам. После развенчания культа личности Сталина и смерти Лаврентия Берии фигура последнего была автором картины благополучно закрашена, образовав вполне логичную композиционную паузу между Андреевым и Косыгиным. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 86.
Картина была создана в год 70-летия руководителя партии и правительства и показана на двух главных выставках — Всесоюзной художественной выставке и выставке «Иосиф Виссарионович Сталин в изобразительном искусстве». Над картой будущих лесонасаждений, обсуждая план преобразования природы, склонились Сталин и его ближайшие соратники (слева направо): В. М. Молотов (министр иностранных дел), Н. М. Шверник (Председатель президиума Верховного совета), Н. А. Булганин (министр Вооруженных сил), А. И. Микоян (министр внешней торговли), Н. С. Хрущев (Первый секретарь ЦК КП Украинской ССР), И. В. Сталин (Председатель Совета министров), А. А. Андреев (заместитель Председателя Совета министров), А. Н. Косыгин (министр легкой промышленности) и три заместителя Председателя Совета министров — К. Е. Ворошилов, Г. М. Маленков и Л. М. Каганович. Сам вождь показан «таким, как все» — «простым и доступным», хотя в маршальском мундире и со звездой Героя Советского Союза. Интересно, что между Андреевым и Косыгиным ранее помещалась фигура Л. П. Берии, члена Политбюро ЦК, руководителя «атомного проекта» и бывшего наркома внутренних дел. Однако после развенчания культа личности Сталина и расстрела Берии (1953), признанного вначале иностранным шпионом и контрреволюционером, а затем и главным виновником массовых репрессий, фигура последнего была автором картины закрашена в соответствии с секретным циркуляром 2-го Главного управления МВД СССР, которым предписывалось повсеместное изъятие любых художественных бериевских изображений. Павел Климов, Алиса Любимова // // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 473.
Бортников А. И.
Письмо колхозников-животноводов
1949
ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Бортников А. И.
Письмо колхозников-животноводов
1949
Холст, масло. 191 х 281
Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
2194-ж
Масштабное по формату и замыслу полотно Алексея Бортникова является характерным примером тематической картины, выполненной в стиле социалистического реализма. В ней документально точно переданы реалии послевоенного времени, выражен пафос радостного единения советских людей, победивших в страшной войне и своим беззаветным трудом созидающих новую мирную страну. Замечательно написан пейзаж на дальнем плане, на фоне которого пасутся несметные колхозные стада ‑ символ изобилия и счастливой жизни советского человека.
Первоначально данное произведение носило название «Письмо товарищу Сталину» и было посвящено 70-летию вождя, которое широко отмечалось в СССР в 1949 году. На волне десталинизации картина была переименована, а портрет Сталина, размещавшийся над входом в юрту, был записан автором. Полотно демонстрирует высокое профессиональное мастерство художника, его умение создать сложную многофигурную композицию, которая по своему характеру напоминает произведения русских художников-передвижников.
Вихтинский В. И. (с бригадой)
Во имя мира (Подписание договора о дружбе, союзе и взаимопомощи между Советским Союзом и Китайской Народной Республикой)
1950
ГРМ
Вихтинский В. И. (с бригадой)
Во имя мира (Подписание договора о дружбе, союзе и взаимопомощи между Советским Союзом и Китайской Народной Республикой)
Картина выполнена группой художников: В. И. Вихтинский (руководитель), Б. В. Жуков, Е. Н. Левин, Л. И. Чернов, Л. А. Шматько
1950
Холст, масло. 271 x 400
Государственный Русский музей
Ж-5952
СССР был первым государством, установившим официальные дипломатические отношения с провозглашенной в 1949 году Китайской Народной Республикой. 14 февраля 1950 года в Москве был подписан договор о дружбе, союзе и взаимопомощи между СССР и КНР сроком на 30 лет. Проявив беспрецедентную лояльность, отказываясь от многих притязаний СССР на территории Китая, Сталин действовал в стратегических интересах укрепления „вечной и нерушимой дружбы“ с дальневосточным соседом. Среди изображенных на картине: Н. А. Булганин, А. М. Василевский, К. Е. Ворошилов, А. Я. Вышинский, Л. М. Каганович, Го Можо, Г. М. Маленков, Н. Г. Кузнецов, Мао Цзедун, А. И. Микоян, В. М. Молотов, И. В. Сталин, Н. С. Хрущев, Чжоу Эньлай.// Любовь Шакирова. Большая картина. СПб., 2006. С. 253.
Советский Союз был первым государством, установившим официальные дипломатические отношения с провозглашенной в 1949 году Китайской Народной Республикой. 14 февраля 1950 года в Москве был подписан договор о дружбе, союзе и взаимопомощи между СССР и КНР сроком на 30 лет. Проявив беспрецедентную лояльность к КНР, отказываясь от многих притязаний СССР на территории Китая, Сталин действовал в стратегических интересах укрепления «вечной и нерушимой дружбы» с дальневосточным соседом. На картине изображены советские и китайские государственные деятели, в том числе Го Можо, Мао Цзедун и Чжоу Эньлай.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 84.
Пузырьков В. Г.
И. В. Сталин на крейсере «Молотов»
1950
Луганский ХМ
Пузырьков В. Г.
И. В. Сталин на крейсере «Молотов»
1950
Холст, масло. 148 × 280
Луганский художественный музей
На картине советского и украинского живописца Виктора Пузырькова изображено историческое пребывание И. В. Сталина на корабле черноморцев, состоявшееся в августе 1947 года. Хотя поначалу оно и носило засекреченный характер, впоследствии нашло свое отражение в творчестве советских деятелей искусства. На корабле установился гражданский порядок: необходимо было создать все условия для отдыха вождя, избегать малейшего шума. В путешествии от Ялты к Сочи Иосиф Виссарионович общался с экипажем, взволнованным от столь близкого нахождения рядом с тем, кого прежде мог видеть только на торжественных портретах. Это был последний морской круиз генералиссимуса.
На картине, во втором ряду, слева направо: председатель Совета министров СССР А. Н. Косыгин, главнокомандующий Военно-морским флотом адмирал И. С. Юмашев и командующий Черноморским флотом адмирал Ф. С. Октябрьский.
Виктор Григорьевич Пузырьков в 1950 году за эту картину получил Сталинскую премию 3-й степени.
Романов П. П.
Молотов в Якутске
1950
НХМ РС (Якутия)
Романов П. П.
Молотов в Якутске
1950
Холст, масло. 139,5 х 198,5
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-338
Сюжетно-тематическое полотно Петра Романова «Молотов в Якутске» (1950) посвящено знаковому историческому событию: в 1945 году делегация Советского Союза во главе с Вячеславом Молотовым летела в Сан-Франциско на учредительский съезд по созданию Организации Объединенных Наций. Путь проходил через территорию республики, и советская делегация остановилась в Якутске на несколько дней для отдыха.
В картине художник изобразил первого секретаря Якутского областного комитета ВКП (б) Илью Винокурова вместе с Вячеславом Молотовым. И. Е. Винокуров – государственный, политический деятель Якутии, оставивший о себе добрую память в народе. Несмотря на то, что художник очень серьезно работал над картиной, сделав много предварительных зарисовок и эскизов, полотно, однако, не стало творческой удачей художника.
Картина написана в принятых традициях парадного полотна своего времени, призванного увековечить значительность исторического момента. Низкая линия горизонта и почти игрушечный миниатюрный город на дальнем плане придают группе членов ВКП(б) монументальность. Фигура В. М. Молотова, ближайшего человека из окружения Сталина, возвышается над всеми гигантскими размерами. И. Е. Винокуров изображен в профиль. Жест его напоминает всем хорошо знакомый, неоднократно запечатленный в художественных произведениях, кинематографе и памятниках, жест партийного и государственного деятеля.
Протопопова Людмила Викторовна
1906–1981
Живописец по фарфору.
Штриккер (Цайзель) Ева-Амалия (Ева Александровна)
1906, Будапешт, Австро-Венгрия – 2011, Нью-Йорк, США
Дизайнер. Училась в Королевской академии изящных искусств (с 1924). Основала собственную керамическую мастерскую в Будапеште (1920-е), работала внештатным сотрудником Киспетской керамической фабрики в Будапеште, на Шрамбергской майоликовой фабрике в Германии (1928–1930), разрабатывала посудные формы; занималась живописью и работала над чайно-кофейным сервизом по заказу К. Карстенса в Берлине (1930).
Приехала в СССР (1932). Работала в Украинском управлении фарфоровой и стекольной промышленности; на ЛФЗ, где под руководством Н. М. Суетина создала форму «Интурист» (1934); организовала модельную мастерскую на ДФЗ (1934). Арестована ГПУ (1935) и выслана в Австрию (1937). Эмигрировала в США (1938), организовала собственную мастерскую в Нью-Йорке (1947. Почетный доктор Королевского колледжа искусств в Лондоне (1988), доктор изобразительных искусств школы дизайна имени Парсонса (1991). Награда Венгерской республики (2004), звание почетного члена Королевского общества дизайнеров. Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 230.
Савинов Александр Иванович
1881, Саратов – 1942, Ленинград
Русский советский живописец, педагог, член Ленинградского Союза советских художников.
Родился в семье купца-лесоторговца. В 1897–1900 годах посещал Боголюбовское рисовальное училище в Саратове. В 1901 поступил на историко-филологическое отделение Петербургского университета, однако вскоре оставил занятия и перешел в Высшее художественное училище при Академии художеств, где занимался у Д. Н. Кардовского и Я. Ф. Ционглинского. Закончив Академию в 1908 году конкурсной работой "Купание лошадей на Волге" (ГРМ), получил право на заграничную командировку и в 1909–1911 годах совершил поездку в Италию как пенсионер Академии художеств. По возвращении начал свою педагогическую деятельность, сначала в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, затем в частной студии М. Д. Бернштейна. После Февральской революции 1917 года участвует в реорганизации Академии художеств, избирается профессором Петроградских государственных свободных художественно-учебных мастерских.
В годы Гражданской войны живет и работает в Саратове. В 1922 возвращается в Петроград, где начинается его многолетняя педагогическая работа в реформированной Академии художеств. В 1924–1926 ведет частную студию. В 1927–1930 вместе с К. С. Петровым-Водкиным руководит монументальной мастерской, затем персональной мастерской живописи. Возглавляет кафедру композиции, становится проректором по научной и учебной работе. Среди учеников Савинова А. Ф. Пахомов, М. Д. Натаревич, Д. К. Мочальский, Е. И. Чарушин и другие художники.
Участник выставок "Союза русских художников", "Мира искусства", "Нового общества художников", объединения "Четыре искусства".
Член Ленинградского Союза советских художников с момента его образования в 1932 году. После начала Великой Отечественной войны принимал активное участие в подготовке к эвакуации музейных экспонатов Эрмитажа, лично готовил к отправке в тыл полотна Рембрандта, работал над плакатами и рукописью неоконченной книги "Работа художника над картиной". Скончался 25 февраля 1942 года в блокадном Ленинграде. Отец художника Глеба Савинова.
Учился в Академии художеств (1878–1885) у П. П. Чистякова, В. И. Якоби, Б. П. Виллевальде. В 1890 удостоен звания академика за картину "Табун на водопое". С 1913 – действительный член Академии художеств. В 1913–1918 руководил батальным классом Академии. Среди наиболее известных изданий, иллюстрированных им, "Великокняжеская и царская охота на Руси" (1896–1911), "Столетие военного министерства", "История лейб-гвардии драгунского полка" (1890-е) и другие. В 1941 получил Государственную премию СССР за картину "Переход Красной Армии через Сиваш". Один из родоначальников советской батальной живописи. 1934–1940 гг. – участвовал в качестве консультанта в создании панорамы «Штурм Перекопа».
Герасимов Сергей Васильевич
1885, Можайск Московской губернии — 1964, Москва
Живописец, график, автор статей по искусству; автор пейзажей, историко–революционных и жанровых картин, портретов, натюрмортов. Учился в СЦХПУ (1901–1907) у К.А.Коровина, С.В.Иванова, Д.А.Щербиновского; в МУЖВЗ (1907–1911) у А.Е.Архипова, С.В.Иванова, К.А.Коровина, в 1912 — занимался литографией у С.С.Голоушева. Участник выставок с 1906.
Шегаль Григорий Михайлович
1889, Козельск, Калужская губ. – 1956, Москва
Живописец, график. Член-корреспондент АХ СССР (1954). Учился в Рисовальной школе ОПХ в Петербурге (1912–1916) у Н. К. Рериха, А. А. Рылова, И. Я. Билибина, П. С. Наумова, А. И. Вахрамеева, ВХУ при АХ (1917–1918) у Г. Р. Залемана, Вхутемасе в Москве (1922–1925) у А. В. Шевченко. Участник выставок с 1913 (Петербург). Член объединений и экспонент выставок: «Бубновый валет» (1924), «Московские живописцы» (1925), АХР (1926–1932), ОМХ (1928). Член СХ с 1932. Преподавал в изостудии Пролеткульта в Туле (1918–1922), МХИ (1937–1941), ВГИКе (1947–1956), профессор с 1940. Автор монографии «Колорит в живописи» (М., 1957).
Серебряный Иосиф Александрович
1907, Городня Черниговской губернии – 1979, Ленинград
Живописец, график; автор пейзажей, портретов, натюрмортов, жанровых картин. Учился в Полтавской художественной студии (1922–1923) у М.М.Гужавина; в ЛХТП (1924–1927) у А.А.Рылова, во ВХУТЕИН ИНПИИ (1927–1931) у В.В.Беляева, А.А.Рылова, М.П.Бобышова, В.Е.Савинского, Участник выставок с 1925. Во время войны жил и работал в Ленинграде. В январе–феврале 1943 был командирован на партизанскую базу в районе Ладожского озера и на один из прифронтовых аэродромов, где создал серию портретов летчиков и партизан.
Казанцев Анатолий Алексеевич
1908, Хабаровск – 1984, Ленинград
Живописец, график, монументалист; автор историко-революционных, батальных картин, пейзажей. Учился в Москве на курсах живописи АХР (1928–1929) у И. И. Машкова; на рабфаке ИНПИИ (1931) в Ленинграде; в ИЖСА (1932–1937) у К. Ф. Юона, Р. Р. Френца. Участник выставок с 1929. Член ОМАХР (1928–1930). Заслуженный деятель искусств РСФСР.
Грубе Александр Васильевич
1894, Уфимская губерния — 1980, Москва
Скульптор. Был вольноприходящим учеником ПХУ (1905–1913). Участник выставок с 1925.
Налбандян Дмитрий Аркадьевич
2 (15).09.1906, Тифлис – 1993, Москва
Живописец, график; автор историко-революционных картин, портретов, пейзажей, натюрмортов.
Академик Академии художеств СССР (1953; член-корреспондент 1947). Народный художник СССР (1969). Герой Социалистического Труда (1976). Лауреат Ленинской премии (1982) и двух Сталинских премий (1946, 1951)? премии им. Джавахарлала Неру (1968). Награжден золотой медалью Академии художеств СССР (1978). Учился 1922–1924 – народная художественная студия М.Тоидзе, Тифлис; 1924–1929 в Тбилисской Академии художеств у Е. Е Лансере и Е. М. Татевосяна, после чего работал художником-мультипликатором студии «Межрабпомфильм» – 1931–1934; в «Госкинопроме» и на Одесской киностудии (1938–1940). Участвовал в выпуске «Окон АрмТАГ», Ереван – 1941–1944.
Член и экспонент: АХРР – 1928. Участник выставок с 1935. В 1931 переехал в Москву. Получил известность, прежде всего, как мастер советского парадного портрета
Пшеничников Василий Сергеевич
1882–1957, Москва
Живописец.
Художественное образование получил в Петербургской Академии художеств у профессоров Н. Ф. Ционглинского, Н. С. Самокиша и В. В. Матэ. С 1912 г. – участник выставок Общества петербургских художников. 1922 г. – вступил в Ассоциацию художников революционной России. Участник выставок к пятилетию и десятилетию РККА.
Бортников Алексей Ильич
1909, с. Кармакчи, Кзыл-Ординская обл. – 1980, Алма-Ата
Живописец. Заслуженный деятель искусств КазССР.
Родился 25 февраля 1909 года в селе Кармакчи Кзыл-Ординской области. В 1922–1928 учился в Художественной студии Н. Хлудова в Верном (Алматы). В 1932 окончил Одесский художественный институт, учился у Д. Крайнего. Участник выставок с 1933. Член СХ СССР с 1958. Жил и работал в Алма-Ате с 1938.
Кохан Кузьма Федорович
1967 – 2007
Живописец. Работал в области станковой живописи, иллюстрации, плаката. Окончил Киевский художественный институт (1946). Участник выставок с 1943 года.
Вихтинский Виктор Иванович (с бригадой)
1918, Харьков — 2003, Харьков
Живописец, график. Учился в 1934–1937 в Харьковском художественном техникуме; в 1938–1941, 1948–1950 в Харьковском художественном институте. Участник выставок с 1950. Член СХ СССР с 1951. В 1950-е работал также как оформитель праздничного убранства города, экспозиций выставок. Бригада: Жуков Борис Владимирович (1921–1974), Левин Евгений Нисонович (1922–1993), Чернов Леонид Иванович (1915–1990; заслуженный художник УССР, 1966), Шматько Леонид Александрович (1917–1981; заслуженный художник УССР, 1977).
Пузырьков Виктор Григорьевич
1918–1999
Советский, украинский художник-живописец, педагог. Народный художник СССР (1979). Лауреат Государственных премий СССР (1948, 1950), Государственной премии УССР им. Т. Г. Шевченко (1976).
Романов Петр Петрович
1902, Мельжяхсинский наслег Чурапчинского улуса – 1952, г. Якутск
Живописец и график. Народный художник Якутской АССР, лауреат премии Ленинского комсомола Якутии. Член Союза художников СССР с 1941 года. Первый профессиональный художник из якутов. Родился в мае 1902 года во II-ом Мельжяхсинском наслеге Мегинского улуса. До революции окончил церковно-приходскую школу и реальное училище. Один из первых комсомольцев Якутии, участник гражданской войны. В 1927 году окончил Московский рабфак искусств при ВХУТЕМАСе, в 1934 году – литографическое отделение Московского института искусств, где учился у Д. С. Моора и А. А. Дейнеки.
В 1930-1932 годах состоял в объединениях «Октябрь» и РАПХ (Российская ассоциация пролетарских художников). В 1938-1939 годах учился в Москве на курсах повышения квалификации художников. Работал художником Якутского книжного издательства, главным художником Русского драматического театра (1939-1940). В 1935-1938 годах являлся председателем оргбюро Союза художников Якутии, в 1942-1948 годах – председателем правления Союза художников. Последние годы жизни преподавал в Якутском художественном училище, открытом по его инициативе в 1945 году и названном его именем в 2002 году. Ветеран труда, ветеран Великой отечественной войны 1941-1945 годов, награжден медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг.» (1946). Принимал участие в выставках с начала 1930-х годов. Умер 1 мая 1952 года в Якутске.
Первый из плеяды национальных живописцев, обладавший незаурядными организаторскими и педагогическими способностями, он во многом повлиял на формирование творческого лица коллектива якутских художников. Свободно работавший в разных жанрах живописи, он успешно пробовал себя в политическом плакате, карикатуре, книжной иллюстрации, театрально-декорационном искусстве, художественной резьбе из бивня мамонта.
Праздник в честь II Конгресса Коминтерна 19 июля 1920 года. Демонстрация на площади Урицкого
1921
ГРМ
Кустодиев Б. М.
Праздник в честь II Конгресса Коминтерна 19 июля 1920 года. Демонстрация на площади Урицкого
1921
Холст, масло. 133 х 268
Государственный Русский музей
Ж-6148
Послеоктябрьская реальность вносила свои коррективы в творчество Кустодиева... До 1917 года не писавший исторических картин, художник теперь время от времени обращался к темам революции и современных политических событий – «Степан Разин» (1918), «Большевик» (1920, ГТГ), «Праздник на площади Урицкого» (1921, ГРМ), «Ночной праздник на Неве» (1923), «Волжская красная флотилия под Астраханью в 1918 году» (1926), «Октябрь в Петрограде» (1927). Первые три вошли в золотой фонд советской живописи. Круглов В.Ф. Кустодиев: между лирикой и гиперболой // Борис Михайлович Кустодиев. К 125-летию со дня рождения. СПб, 2003. С. 17.
Работа над картиной была начата в 1920 году по заказу Петроградского Совета рабочих и солдатских депутатов.
Коминтерн или Коммунистический Интернационал представлял собой международную организацию, созданную для объединения мирового коммунистического движения. Второй Конгресс Коминтерна начал работу 19 июля 1920 года в Петрограде. В нем участвовали делегаты из 35 стран. Один из крупнейших художников объединения «Мир искусства», Борис Кустодиев, был привлечен И. Бродским к написанию полотна, посвященного одному из важнейших событий постреволюционного времени.
В картине с присущей художнику декоративностью, тщательностью характеристики народных типов передана атмосфера празднества представителей разных национальностей, прибывших на Конгресс. Лишенный из-за болезни возможности двигаться, художник на машине Петросовета ездил по городу, внимательно вглядываясь в необычные для него приметы нового в городской жизни, делал натурные зарисовки, проникаясь атмосферой торжества. Все эти наблюдения воплотились в свободной композиции, доминантой которой был разный по интонации красный цвет. Этот цвет в его модификациях наряду с трактовкой массы в целом и отдельных персонажей выражал идею праздника. «Ведь такой улицы надо было дождаться», - воспоминал живописец, убежденный, что «картина должна быть документом нашего потомства». Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 449.
Запечатлевая на холсте, казалось бы с документальной достоверностью конкретное событие, Кустодиев создает тот же, что и прежде собирательный образ массовых народных гуляний, вольно объединяя в одном картинном пространстве разнородные мотивы. Тут показаны десятки различных сценок, изображены все слои населения, люди разных профессий, возрастов, национальностей. Причем экзотические облики и одежды запечатленных здесь иноземных делегатов конгресса Коминтерна придают сверкающему торжеству картины особо широкий смысловой диапазон. Надо всей этой пестрой толпой развеваются красные знамена, подобные пламени радостного пожара, сыплется дождь листовок, мчится быстрый ветер, подгоняя разорванные облака, – ощущение праздника в итоге становится очень широким, масштабным и метафоричным.
Одноименный эскиз картины (1920, холст, масло) – ГРМ.
Рисунок „Международный митинг перед дворцом искусств (Международный праздник)“(1920, бумага, итальянский карандаш) – Музей-квартира И. И. Бродского, Петербург.
Папье-маше, темпера, золото, лак, роспись. 12,5 х 18,5 х 0,8
Государственный Русский музей
ОНИ/Р-1791
Модоров Ф. А.
Праздник 1 Мая у оседлых ненцев
1927
НГ РК (Сыктывкар)
Модоров Ф. А.
Праздник 1 Мая у оседлых ненцев
1927
Холст, масло. 126х163
Национальная галерея Республики Коми, Сыктывкар
Ж205
Народный художник РСФСР Федор Модоров известен своими портретами партизан, рабочих, руководителей партии и правительства.
В 1925 по заданию Ассоциации художников революционной России (АХРР) художник отправился в Коми, на Ижму и Колву, с целью изобразить, как народы северных окраин встретили Октябрьскую революцию. В поездке он создал ряд живописных произведений, портретов, сюжетно-тематических картин, которые были показаны на юбилейной выставке к 10-летию Октябрьской революции в Москве (1927), а затем в ноябре 1928 в Усть-Сысольске и переданы впоследствии в художественный отдел краеведческого музея Коми автономной области.
Полотно написано Федором Модоровым по впечатлениям от поездки в Коми край в 1925 году, когда он посетил Усть-Сысольск, проплыл по реке Печоре, посетил северные коми селения. Работа представляет празднование 1 Мая в селе Колва. Картина экспонировалась на выставке, посвященной десятилетию Октября, открывшейся в январе 1928 года в Москве, под названием «Первомайский праздник у зырян».
Бродский И. И.
Демонстрация
1930
ГРМ
Бродский И. И.
Демонстрация
Эскиз картины «Демонстрация на проспекте 25 октября (в Ленинграде)» (1934, ГТГ)
1930
Холст, масло. 88 х 61
Государственный Русский музей
Ж-4378
В 1920–1930-е годы историко-революционная тема стала определяющей в творчестве Бродского. Портреты руководителей советского государства, картины, посвященные октябрьским событиям и гражданской войне, сцены празднеств художник писал в строго академической манере, добиваясь наибольшей визуальной достоверности. В этом смысле подобные работы заметно отличались по своему решению от более свободных, подчас с импрессионистскими колористическими интонациями, портретов и пейзажей более раннего периода. В плане классической перспективы развернуто пространство Невского проспекта, заполненное колоннами демонстрантов с красными транспарантами. Движущаяся масса людей, кумачовые полотнища с лозунгами над их головами, пронзительно голубое небо с дальними легкими облаками, высвеченные солнцем дома и само шествие придают картине мажорное праздничное звучание. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 444.
Кацман Е. А.
Встречают челюскинцев
1934
ГРМ
Кацман Е. А.
Встречают челюскинцев
1934
Цветной картон, цветной карандаш, сангина. Л.: 68,2 x 100,8; И.: 68,2 x 100,8
Государственный Русский музей
РС-586
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались 104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
«... И вот мы спасены! Последний этап челюскинской эпопеи был сплошным радостным праздником. Я никогда не думал, чтобы мне, изведавшему невеселое детство, годы скитаний и горечь одиночества, довелось пережить [439] такие дни, такую теплоту и внимание, какие оказывали нам на пути в Москву. Это была дорога, переполненная теплом, радостью встреч и цветами. Еще во Владивостоке самолеты сбрасывали нам на палубу маленькие пучки душистых ландышей. И вплоть до Москвы вокзалы городов, станций и полустанков утопали в знаменах, плакатах, цветах. Так встречала нас родина, и в ответ на это внимание и любовь мы клятвенно заверяли рабочих, красноармейцев, колхозников, заверяли на митингах и в документах быть мужественными и преданными нашей стране, как и в дни ледяного плена». (Фрагмент главы Федор Решетников. История и география моей жизни из книги «Поход «Челюскина». М. 1934)
Пинус Н. С.
Юным ленинцам большевистский привет
1934
ГРМ
Пинус Н. С.
Юным ленинцам большевистский привет
1934
Бумага, хромолитография. 69,9 х 96,2
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-661
Плакат 1920-х годов представлял собой яркое, харизматичное явление. Диапазон и композиционных, и пластических решений, а также качество исполнения — как художественного, так и технического — был чрезвычайно широк. И в этом многообразии действительно отражались и беды, и надежды, и устремления общества той противоречивой эпохи. Но начиная с 1930-х годов в государственном масштабе проявляется тенденция к лакировке действительности. Акценты в сфере визуальной пропаганды смещаются в сторону достижений при замалчивании проблем. Плакат вообще, и «детский» в том числе, приобретает декларативно-ритуальные черты, нередко сводясь к чистому идеологическому посылу.
Плакат 1920-х годов представлял собой яркое, харизматичное явление. Диапазон и композиционных, и пластических решений, а также качество исполнения — как художественного, так и технического — был чрезвычайно широк. И в этом многообразии действительно отражались и беды, и надежды, и устремления общества той противоречивой эпохи. Но начиная с 1930-х годов в государственном масштабе проявляется тенденция к лакировке действительности. Акценты в сфере визуальной пропаганды смещаются в сторону достижений при замалчивании проблем. Плакат вообще, и «детский» в том числе, приобретает декларативно-ритуальные черты, нередко сводясь к чистому идеологическому посылу.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.13.
Бучкин П. Д.
Всероссийский праздник труда 1 мая 1920 года
1935
ГРМ
Бучкин П. Д.
Всероссийский праздник труда 1 мая 1920 года
1935
Холст, масло. 150,5 х 252
Государственный Русский музей
ЖБ-1829
Изображен один из первых всероссийских коммунистических субботников в Ленинграде. Возможно, Бучкин готовил картину для Первой выставки ленинградских художников (1935), на которой тема труда и ударничества стала программной. Необходимая в условиях Гражданской войны и экономической разрухи работа в субботу — в данном случае посадка первых деревьев на площади Жертв Революции, как называлось тогда Марсово поле, стала позднее народным движением. Но художника в этом событии увлекала темы современности, массового праздника и народного гуляния. Картина создавалась на материале натурных зарисовок и набросков.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 26.
Самохвалов А. Н.
С. М. Киров принимает парад физкультурников
1935
ГРМ
Самохвалов А. Н.
С. М. Киров принимает парад физкультурников
1935
Холст, масло. 305 х 372
Государственный Русский музей
ЖБ-1962
Киров (Костриков) Сергей Миронович (1886–1934) — деятель Коммунистической партии и Советского государства, в 1926–1934 годах первый секретарь ленинградского губернского комитета ВКП(б).
После убийства Кирова (1934) в живописи и скульптуре появляется множество портретов и произведений на тему его реальной или мифической биографии. Самохвалов пишет портрет Кирова, картину «Киров на стройке» и, наконец, первую в своем творчестве «большую» картину-панно «С. М. Киров принимает парад физкультурников». Работа над картиной длилась долго. Увлеченный идеей фресковости, Самохвалов занимался колористическими экспериментами, добиваясь, чтобы цвет звучал декоративно и вместе с тем был близок к жизненной естественности.
Действие картины происходит на Дворцовой площади Ленинграда. Ее пространство замыкает фасад здания Штаба с огромным портретом Ленина. Взгляды физкультурников устремлены к трибуне, к радостно приветствующим их Кирову и другим членам ленинградского правительства, которым группа девушек в стремительном движении подносит цветы. В замысле и воплощении картины отразилась важная тенденция советского искусства 1930-х годов — утверждение образа «нового человека» коммунистического «завтра». Физкультура и спорт становятся залогом грядущего физического совершенства «нового человека» и актуальной темой в искусстве. «Я любил физкультуру именно как культуру здорового человека, жизнелюбивого и жизнерадостного... Меня привлекал здоровый творящий дух в здоровом теле» — писал Самохвалов. Русскиймузей. Отиконыдосовременности. СПб. 2015. С. 347.
Сергей Михайлович Луппов – известный советский живописец и график. художник активно разрабатывает темы созидательного труда, красоты и силы советского человека – молодого строителя социализма в СССР. С. М. Луппов принимал активное участие в оформлении городов к революционным праздникам, выполнял агитационные плакаты. Темой многих его полотен становятся такие неотъемлемые составляющие нового образа жизни гражданина молодого советского государства, как парады и массовые праздники.
В 1988 году из Министерства культуры РСФСР в Калининскую областную картинную галерею поступила работа 1936 года «Премирование ударниц-текстильщиц фабрик и ”Красная роза“». До 1919 года это московское предприятие было крупнейшей в Российской империи шелкоткацкой фабрикой, которой владело акционерное общество «К. О. Жиро Сыновья». После национализации по просьбам многотысячного трудящегося женского коллектива она получила название «Красная Роза» в честь известного деятеля социал-демократии, представительницы революционного марксизма Розы Люксембург.
На полотне, находящемся в постоянной экспозиции Тверского императорского дворца, изображена многофигурная композиция праздничного мероприятия. В основе колористического решения картины – излюбленное мастерами социалистического реализма сочетание светлых тонов и красного кумача, который служит объединяющим рефреном всего полотна. Торжественность и всеобщая радостная атмосфера трудового подвига пронизана солнечным светом теплого летнего дня.
Пластов А. А.
Колхозный праздник
1937
ГРМ
Пластов А. А.
Колхозный праздник
1937
Холст, масло. 188 x 307
Государственный Русский музей
Ж-5699
На картине изображена сцена колхозного праздника урожая. Этот праздник совсем не относится к числу нововведенных советской властью; он вырос из традиционных русских народных гуляний, отмечающих важные вехи в годовом жизненном цикле. Суть праздника осталась прежней: закончены труды по выращиванию урожая, пришло время труженикам «пожинать плоды», природа была милостивой и щедро наградила их дарами. «Жить стало лучше — жить стало веселее!» — читаем на транспаранте, который венчает портрет правителя советского государства И. В. Сталина. Это уже примета советского времени. Она призвана подчеркнуть новую «историческую правду» и перенести народный праздник, завершающий страдную пору, за рамки конкретного села, превратив его в праздник всенародный.
Пластов создал свою картину на основе огромного числа этюдов, выполненных с односельчан. Он родился и прожил бoльшую часть своей жизни в селе Прислониха (недалеко от Ульяновска), посвятив все свое творчество сельской теме. Персонажи его картины — реальные люди 1930-х годов, навсегда, поэтично и искренне, запечатленные рукой мастера. Вместе с тем, идеализированное изображение изобилия, веселья — программное явление в советском искусстве 1930-х годов, для которого сюжет праздника становится одним из насущных. Русскиймузей. Отиконыдосовременности. СПб. 2015. С. 348.
Кастеев А.
Колхозный той
1937
ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Кастеев А.
Колхозный той
1937
Холст, масло. 100 х 150
Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Ж-385
Ярким примером соцреализма является полотно крупнейшего казахского художника Абылхана Кастева «Колхозный той». Социалистический реализм являлся основным методом советского искусства и требовал от художника отражения культурной и индустриальной революции того времени. Художники были призваны творить искусство «национальное по форме и социалистическое по содержанию».
На картине с большой многофигурной композицией с развернутым сюжетом о колхозной жизни изображен праздник урожая, радость, окончившего труда. Полотно привлекает своей яркой красочностью и массовостью. В кругу зрителей танцует девушка, слева коллектив колхозников угощается кумысом, на дальнем плане, в палатке гости слушают патефон. Произведение ярко передает радостное настроение праздника. Картина олицетворяет соединение прошлого через сохранение национальных традиций – танцы, костюмы, ритуалы, – с новаторскими проявлениями настоящего – сельскохозяйственная техника, знамя социализма, патефон…
Романов П. П.
Ысыах
1937
НХМ РС (Якутия)
Романов П. П.
Ысыах
1937
Холст, масло. 139,5 х 200,0.
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-1107
Монументальное полотно якутского художника Петра Романова «Колхозный ысыах» – первое в истории якутского изобразительного искусства живописное сюжетно-тематическое произведение. Ысыах был организован в сентябре 1936 г. недалеко от с. ЧаранУсть-Алданского улуса, в честь празднования 15-летия Якутской автономии.
На этот народный праздник были приглашены многие известные люди того времени: политические деятели, представители творческой интеллигенции, легко узнаваемы в толпе писатели Амма Аччыгыйа, Кюннюк Урастыров, слева художник изобразил себя. В центре изображен легендарный якутский спортсмен Дмитрий Босиков – «Кынаттаах кылыыhыт», равных которому не было в состязаниях по якутским традиционным прыжкам в 30-40-е гг. XX века.
В полотне по-новому предстает образ советских людей – это сильный духом, переживший революцию и гражданскую войну народ с верой в светлое будущее, еще не ведающий о предстоящих скорых репрессиях и начале Великой Отечественной войны. Написанная в наивно-реалистической манере, работа демонстрирует умение автора создать композиционную картину народного праздника, передать своеобразную энергетику времени. Введение в повествовательную канву полотна портретных изображений известных людей Якутии придало ему историко-документальный характер.
Костров Н.И.
Праздник на Неве
1939
ГРМ
Костров Н.И.
Праздник на Неве
1939
Бумага, литография. Л. 41,6х57,1; И. 32х43,3
Государственный Русский музей
С.Гр.-16247
Герасимов А. М.
Гимн Октябрю
1942
ГРМ
Герасимов А. М.
Гимн Октябрю
1942
Холст, масло. 406 х 710
Государственный Русский музей
Ж-5846
Изображено торжественное заседание московских депутатов трудящихся с представителями партийных и общественных организаций Москвы 6 ноября 1942. Среди изображенных: А. А. Андреев, А. И. Антонов, Л. П. Берия, С. М. Буденный, В. Л. Василевская, А. М. Василевский, Н. А. Вознесенский, Н. Н. Воронов, К. Е. Ворошилов, автор, И. Э. Грабарь, Джамбул Джабаев, А. А. Жданов, Л. М. Каганович, М. И. Калинин, A. Е. Корнейчук, А. Н. Косыгин, Н. Г. Кузнецов, Г. М. Маленков, К. А. Мерецков, А. И. Микоян, С. М. Михоэлс (Вовси), В. М. Молотов (Скрябин), И. М. Москвин, B. И. Немирович-Данченко, И. Д. Папанин, И. В. Сталин (Джугашвили), А. К. Тарасова, И. Ф. Тевосян. С. К. Тимошенко, А. Н. Толстой, Д. Ф. Устинов, Н. С. Хрущев, К. И. Чуковский, Б. М. Шапошников, Н. М. Шверник, М. Ф. Шкирятов, Д. Д. Шостакович, А. С. Щербаков, А. А. Яблочкина, Е. М. Ярославский.
Герасимов — один из самых известных выразителей официального советского искусства, непревзойденный мастер помпезных композиций, отражающих культ вождя. И в этом смысле «Гимн Октябрю» — выдающееся в своем роде произведение. Вымысел и действительность, их взаимопроникновение, составляли суть реализма эпохи. Выразить миф в реалистическом образе значило отразить в искусстве истинную правду жизни. Оптимизм такого рода не был связан с реалиями будней, он существовал как принцип, как установка. На картине изображено торжественное заседание московских депутатов трудящихся с партийными и общественными организациями Москвы, проходившее 6 ноября 1942 года в Большом театре и посвященное 25 годовщине Октябрьской революции.
В картине нарисовано более 200 человек, и помимо точного соответствия партийных и общественных деятелей в президиуме, в ложах художник изобразил известных ученых, писателей, артистов, композиторов, художников, среди которых показал и себя. Картина была написана за шесть месяцев. Состояние праздничной атмосферы, торжественный пафос в этом полотне ничем не напоминают о трагедиях войны за пределами картинного мира. Подобное содержание требовало соответствующей экспрессии, сложной композиции, особой режиссуры света, способных подчеркнуть миссию вождя, его волевую энергию, подчиняющую себе внимающих с благоговением людей. Цвет и свет играют самостоятельную содержательную роль в картине и создают свою пластическую драматургию. Начинаясь в декоративных элементах убранства театрального зала, играя всеми оттенками малиново-пурпурного бархата и золотой резьбы, переходя в украшения революционных и государственных атрибутов, цвет становится образно-метафорическим средством выражения идеи. Центр композиции образован вертикалью с бюстом В. И. Ленина, медальоном с профильным силуэтом И. В. Сталина, знаменательными цифрами «XXV» и гербом государства. Однако идеологической кульминацией и пластическим ядром становится фигура вождя на трибуне, сияющая в золотых лучах нисходящего сверху света. Так идеология и ее пластическое выражение неразрывным образом сложились в «большой стиль» эпохи, отмеченный Сталинской премией I степени 1943 года. // Алиса Любимова. Большая картина. СПб., 2006. С. 220-221.
Среди них (в президиуме): С. М. Буденный, К. Е. Ворошилов, М. И. Калинин, А. Н. Косыгин, Н. Г. Кузнецов, И. Д. Папанин, И. В. Сталин, Н. С. Хрущев. Написанное в годы Второй Мировой войны, это полотно приобрело особое значение. Торжествующие красные тона помогли внушить уверенность в том, что страна выйдет из войны победителем.
В ложе справа от сцены сидят представители Московского Художественного театра — основатель и директор театра В. И. Немирович-Данченко, слева от него в чёрном фраке — актер и режиссер МХАТа И. М. Москвин, а левее всех, опершись на руку, — О. Л. Книппер-Чехова, актриса и жена А. П. Чехова. Стоит — композитор Д. Д. Шостакович.
В соседней ложе — художник И. Э. Грабарь, писатели А. Н. Толстой и К. И. Чуковский, актриса А. К. Тарасова.
В ложе выше, в черном костюме с бабочкой — автор картины А. М. Герасимов, актриса А. А. Яблочкина (?).
Пакулин В. В.
Невский в праздник 9 июля 1945 года
1945
ГРМ
Пакулин В. В.
Невский в праздник 9 июля 1945 года
1945
Холст, масло. 75,5 х 101
Государственный Русский музей
Ж-9200
Изображен праздник, связанный с возвращением Ленинградской гвардии. Воины-победители прошли по Невскому проспекту, люди встречали их хлебом-солью, дарили цветы. Вечером состоялся праздничный салют. Согласно историческим документам праздник состоялся 8 июля 1945. Фактическая ошибка, допущенная Пакулиным, возможно, объясняется тем, что праздник продлился на следующий день, мистическим образом соединившись с праздником иконы Тихвинской Божией Матери. Помните!. К 80-летию полного освобождения Ленинграда от фашистской блокады. СПб. 2024. С. 145.
В определенном смысле завершает серию пейзажей Пакулина военных лет работа «Невский в праздник 9 июля 1945 года» (1945). Созданный художником образ вводит нас в атмосферу всеобщего ликования. Многочисленная толпа хлынула на просторы Невского. Увиденный с высоты, поток этот, кажется, нескончаем. В рассеянном свете летнего дня стирается граница между небом и землей и тем самым острее воспринимается масштаб происходящего. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.15.
9 июля город встречал войска Ленинградского фронта. Радость этой встречи выплеснулась на солнечный Невский проспект бесчисленными группами людей, флажками на Аничковом мосту, откликнулась в жарком небе. Безмерна была радость горожан, встречавших победителей, отраженная в картине Пакулина. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 430.
Кугач Ю. П.
В праздник. (В выходной день)
1949
ГРМ
Кугач Ю. П.
В праздник. (В выходной день)
Праздник в рабочем городке. [В выходной день. - Всесоюзная художественная выставка 1949 г.]
1949
Холст, масло. 157 x 248
Государственный Русский музей
Ж-6069
Нисский Г. Г.
Водный праздник
1949-1950
Нижнетагильский МИИ
Нисский Г. Г.
Водный праздник
1949-1950
Холст, масло. 185,0 х 242,0
Нижнетагильский музей изобразительных искусств
Ж-367
Народный художник РСФСР Георгий Нисский создал работу «Водный праздник» на рубеже 1940‑1950-х годов.
Высокое и чистое небо, в которое вписана крутая парабола вышки для прыжков и устремлены нарядные флагштоки и белоснежные паруса яхт, ‑ пожалуй, главный персонаж картины. Во всем разлиты умиротворенность и покой. В картине так легко дышится! Водный праздник ‑ лишь повод для обращения к теме парусного спорта Г. Нисского, который писал: «Трудно сказать, что я люблю больше ‑ живопись или парус. Пожалуй, сначала все-таки первое, но уж наверняка на втором месте парусный спорт».
Яхтенная серия, посвященная каналам Москва-Волга, возникла в творчестве художника еще в конце 1930-х годов. Картина «Водный праздник», продолжающая серию и написанная уже после войны, наполнена поистине эпическим звучанием: мастер индустриального пейзажа стремится пропеть гимн гармонии природы и творениям рук человеческих.
Волков А. В.
День выборов в Верховный Совет СССР
1949
ГРМ
Волков А. В.
День выборов в Верховный Совет СССР
1949
. 250 х 212
Государственный Русский музей
Ж-4405
В 1936 году новая (сталинская) Конституция утвердила всеобщее равное избирательное право. Первые выборы в Верховный Совет СССР прошли 12 декабря 1937 года. Пресса отмечала: «Выборы превратились во всенародный праздник. В голосовании приняли участие фактически все жители страны избирательного возраста». Александр Волков инсценирует один из фрагментов «всенародного праздника» в сельской местности. Радостно и воодушевленно спешат войти нарядные люди на избирательный участок, торжественно и чинно выходят оттуда; на крыльце перед входом играет гармонист; здание украшено приветственным транспарантом, плакатами, лентами в гирляндах, развеваются флаги. Изображенное вырастает до масштаба народного гуляния, в котором переплетены новые и старые традиции, воодушевление и наивная жажда праздника.
Пименов Ю. И.
Новый год
1949 г.
Белгородский ГХМ
Пименов Ю. И.
Новый год
1949 г.
Холст, масло. 70,0 х 90,0
Белгородский государственный художественный музей
Ж-318
Московский живописец Юрий Пименов неоспоримо признан одной из самых ярких, непревзойденных и выдающихся фигур в советском изобразительном искусстве, его произведения хранятся в крупнейших музеях страны.
Творчество Пименова на тему повседневной жизни своих современников – это своего рода оттепель в советском изобразительном искусстве, ведь художник, вглядываясь в будущее, будто бы предчувствовал его, как новое свежее дыхание жизни возрождающейся страны, светлую ежедневную радость счастливых людей, верящих в прекрасную утопию коммунизма. И в соответствии с этим ожиданием лучшей жизни, он поэтически-позитивно воспел будни обыкновенных людей намного раньше, чем в официально признанном периоде «Оттепели» советского искусства.
Пименов написал картину «Новый год» в 1949 году. Центральным ее персонажем стал мужчина в военной форме, который стоит у праздничного стола с бокалом в руке. Полотно было создано всего через четыре года после завершения Великой Отечественной войны. В то время многие советские мужчины еще носили солдатские гимнастерки и галифе. В композиции картины Пименов использует прием построения кадра в кинематографе или сцены в спектакле. Передний план полотна «Новый год» занимает своеобразная авансцена — полутемная прихожая, в которой видны шубы и пальто на вешалке, обувь, пакет с мандаринами на тумбочке. Открытые двери, которые ведут из прихожей в комнату, напоминают театральные кулисы. «Сценой», где разворачивается основное действие, стала комната, в ней за праздничным столом собрались гости. Она ярко освещена, герои улыбаются.
Пименов тщательно проработал мелкие детали на картине. Обувь под вешалкой стоит в беспорядке, будто гости снимали ее поспешно, чтобы не мешать друг другу в маленькой прихожей. Мандарины лежат на тумбочке возле телефона: похоже, что в праздничной суете о них забыли. Вокруг стола расставлены разномастные стулья – скорее всего, их собрали по квартире или одолжили у соседей, чтобы рассадить всех гостей. Стрелки часов на комоде близятся к полуночи, до Нового года осталось всего несколько минут.
Произведение «Новый год» вызывает теплые чувства у зрителя благодаря убедительно-доверительной интонации, с которой художник повествует о неподдельной радости празднования Нового года в жизни обычных советских людей.
С возникновением Советского Союза ведущим художественным методом изобразительного искусства стал социалистический реализм. В 1950-е годы он сохраняется, но меняется интонация картин и главные герои. Художники все больше повествуют о буднях и праздниках простых советских людей. Картина Владимира Васильева «Первоклассница» (1949) по композиционному решению близка картине Ф. П. Решетникова «Прибыл на каникулы» (1948). В подобных оптимистичных картинах-рассказах каждая деталь, взгляд, жест красноречиво характеризуют изображенных автором персонажей.
Картина «Первоклассница», написанная в тёплой цветовой гамме, посвящена одному из самых волнительных и запоминающихся событий в жизни каждого человека – первому школьному дню. Здесь отображено не только личное переживание первоклашки. Важность ответственного момента ощущает и вся семья от мала до велика. Заранее куплена школьная форма, приготовлен букет для первой учительницы и, конечно же, предмет зависти для младшего братишки-дошколёнка – новенький портфель. На лице матери читаем разные эмоции – радость за дочь, волнение за её новый жизненный уклад, надежду на хорошее будущее. При этом старшая сестра смотрит снисходительно, у нее уже есть значительный школьный опыт. Нескрываемое восхищение и желание быть причастным к происходящему выражают поза и жесты младшего члена семьи.
Тема художником взята неспроста, картина написана в знаменательное время: первоклассники 1948–1949 годов были детьми, рождёнными в первые годы войны, теперь им под мирным небом открывается путь в светлое будущее.
Котухин Александр Васильевич
1886, Палех - 1961
Палех, Ивановская область
В поселке Палех Ивановской области в 1920—1930-е годы на основе традиций древней иконописи, развитой в этой местности, возникло искусство живописи темперой (краски, растертые на яичном желтке, традиционные для иконописи) по папье-маше. Воспользовавшись федоскинским опытом изготовления коробочек из папье-маше, расписанных по черному лаку, в новом искусстве Палеха развивали сугубо местные художественные традиции и приемы темперной живописи.
В 1924 году был основан первый творческий коллектив палешан – Артель древней живописи. В него вошли семь бывших иконописцев – И. И. Голиков, И. В. Маркичев, А. В. Котухин, В. В. Котухин, А. И. Зубков, И. И. Зубков, И. М. Баканов.
Мастера лаковой миниатюры Палеха выработали общий стиль нового искусства, который вобрал в себя характерные черты местной иконописи. Палехской миниатюре свойственны изящество рисунка, отточенность композиции, красивые удлиненные пропорции фигур, использование в колористической гамме обязательного черного фона, на котором особенно ярко звучат чистые тона красок, обилие золотых украшений и орнамента. Кроме миниатюры, где само письмо соответствовало небольшим размерам украшаемых предметов, превращающих их в драгоценности, палешане занимались книжными иллюстрациями, оформляли спектакли, исполняли настенные росписи и лаковые панно для общественных интерьеров, создавали в содружестве с мастерами художественной обработки металлов ювелирные украшения.
Обширен и разнообразен сюжетно-тематический круг произведений палешан. Они обращались и обращаются к истории и современности, сказочным и литературным темам, песенному фольклору, пейзажу, в котором нередко присутствуют виды самого села. И сегодня Палех – самобытное село-академия, богатая талантливыми художниками, которые не только продолжают сложившееся в XX веке искусство лаковой миниатюры, но и возрождают местную иконопись.
Модоров Федор Александрович
15.02.1890, Мстера Вязниковского уезда Владимирской губернии – 04.03.1967, Москва.
Живописец и педагог. Портретист, автор историко-революционных и жанровых картин. Один из основателей соцреализма в искусстве. Член-корреспондент Академии Художеств СССР (1953). Народный художник РСФСР (1966). Заслуженный деятель искусств Белорусской ССР. Родился в семье мстёрских иконописцев. Первые навыки рисования получил в иконописной школе братства Александра Невского. В 1909 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, не окончил, параллельно работал живописцем в иконописной мастерской. Обучался в Казанской художественной школе у Н. И. Фешина (1910-1914), в Высшем художественном училище при Императорской Академии Художеств в Петрограде, мастерская В. Е. Маковского (1914 - 1918). В 1918 году под руководством И. Э. Грабаря принимал участие в реставрации Владимирской иконы Божьей Матери.
Организатор и директор Мстёрского художественно-промышленного училища и художественной школы-коммуны (1918–1922). С 1922 работал в Москве. С 1923 активный член руководства Ассоциации художников революционной России.
В своих картинах отразил жизнь Советской Армии, новые стройки, образы рабочих. Много работал над портретами руководителей партии и правительства. В годы войны был связан с центральным штабом партизанского движения. Создал портретную галерею партизан Великой Отечественной войны. С 1948 по 1962 был ректором Московского Государственного художественного института им. В. И. Сурикова. С 1949 – профессор. С 1964 по 1967 – профессор Московского государственного заочного педагогического института. Произведения хранятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском Музее, других музеях. Имя Модорова присвоено Мстёрской художественной школе и одной из улиц г. Владимира.
Кацман Евгений Александрович
1890, Харьков – 1976, Москва
Живописец, график. Один из основателей и секретарей АХРР (1922), известный борец с «формализмом». Учился в Боголюбовском рисовальном училище в Саратове (1902–1905) у В. В. Коновалова, РШ ОПХ (1906–1907) и частной студии Я. С. Гольдблата (1907–1908) в Петербурге, МУЖВЗ (1909–1917) у А. Е. Архипова, К. А. Коровина, С. В. Малютина. Участник выставок с 1908. Заслуженный деятель искусств СФСР (1935), член-корреспондент АХ СССР (1947), народный художник РСФСР (1970).
Пинус Наталья Сергеевна
1901–1986
Бучкин Петр Дмитриевич
1886, деревня Софроново Тверской губернии –1965, Ленинград
Живописец, график, педагог; автор исторических и жанровых картин, портретов, пейзажей. В 1899–1904 учился в ЦУТР, в 1904–1912 в ВХУ при ИАХ в Петербурге. Участник выставок с 1907. Член СХ с 1932. Преподавал в ИЖСА (1936–1940); в ЛВХПУ (1947–1965). С 1953 профессор.
Кастеев Абылхан
1904, с. Чижин, Джаркентский уезд, Семиреченская обл. (ныне Алматинская обл.) – 1973, Алма-Ата
Народный художник Казахской ССР, Заслуженный деятель искусств СССР, Лауреат Государственной Премии КазССР. Является основоположником казахского изобразительного искусства.
Родился 10 января 1904 года в ауле Чижин Джаркентского уезда, Семиреченской области (ныне Алматинской). Рано оставшись без отца, в 8 лет нанялся в пастухи. В 1927 устроился рабочим на строительство Турксиба. В 1929–1931 учился в художественной студии Николая Гавриловича Хлудова в Алма-Ате. В 1934 участвовал в конкурсе, посвященном Абаю Кунанбаеву, был удостоен почетной грамоты и отправлен на учебу в Москву. В 1934–1936 учился в школе-студии им. Н. К. Крупской в Москве.
В 1930-е годы Кастеев написал целую серию картин «Старый и новый быт». В конце 1930-х выиграл конкурс на написание образного портрета Амангельды Иманова. Участник выставок с 1934. Член СХ СССР с 1940. В годы войны хотел отправиться на фронт, но на него пришла бронь, работал над плакатами на военную тематику. Общался со множеством культурных деятелей со всего Союза, приехавших в Алма-Ату в эвакуацию.
Жил и работал в Алма-Ате с 1929. Имя Абылхана Кастеева носит Государственный музей искусств Республики Казахстан. За серию акварелей «На земле Казахстана» награжден Государственной премией Казахской ССР имени Чокана Валиханова. Художник ушел из жизни в 1973 году, до последнего оставаясь верным своему творчеству.
Пластов Аркадий Александрович
1893, село Прислониха Симбирской губернии – 1972, село Прислониха Ульяновской области
Живописец, график.
Учился в Симбирской духовной семинарии (1908–1912) у Д. И. Архангельского; вольнослушатель Строгановского центрального художественно-промышленного училища (1912–1914); занимался живописью, пользуясь советами Ф. Ф. Федоровского; учился на скульптурном отделении Московского училища живописи, ваяния и зодчества (1914–1917) у С. М. Волнухина; посещал живописные мастерские Л. О. Пастернака, А. Д. Корина, А. М. Васнецова, А. С. Степанова. Участник выставок с 1921. Народный художник СССР (1962).
Костров Николай Иванович
1901, село Васильевское Вятской губернии — 1996, Санкт-Петербург
Живописец, график; акварелист, рисовальщик, литограф; периодически оформлял театральные спектакли.
Учился на историко-философском факультете Казанского университета (1920–1921), во ВХУТЕМАС– ВХУТЕИН–ЛВХТИ (1922–1926) у А. И. Савинова, А. Е. Карева и М. В. Матюшина, которого считал главным учителем. Служил на Балтийском флоте (1926– 1928). Участник выставок с 1932. Ездил в творческие командировки — в Казахстан, на Белое и Баренцево моря, в Новгород (1930-е). Работал в Экспериментальной литографской мастерской ЛОССХ (с 1939). В годы Великой Отечественной войны в Казани организовал совместно с Д. Б. Дараном издание военных открыток (1942), оформлял спектакли в театрах. Вернулся в Ленинград в 1945, с этого времени активно работал в ЛОССХ. В последние годы жизни вновь обратился к идеям „органического искусства“ Матюшина, создал акварельную и живописную серию „Кристаллы“. Жил и работал в Ленинграде.
Васильев Владимир Александрович
1895, Москва – 1967, Москва
Живописец, график, художник театра, педагог. Профессор. В 1910–1918 учился в Строгановском художественно-промышленном училище на скульптурном отделении у А.П. Барышникова, С.В. Ноаковского, в 1918–1923 во ВХУТЕМАСе на живописном факультете у П.П. Кончаловского. Член учредитель Общества художников-станковистов (ОСТ) (1924). Оформлял и иллюстрировал книги для Госиздата, Детгиза и др. Участвовал в создании монументальных панно для советских павильонов на Всемирных выставках в Париже (1937) и Нью-Йорке (1939), для павильона «Дальневосточный край» на Всесоюзной сельскохозяйственной выставке в Москве (1939). В годы Великой Отечественной войны создавал плакаты «Окна ТАСС» совместно с Ю. Пименовым. Оформил спектакли для московских театров (совместно с Ю. Пименовым). В 1945–1952 преподавал в МИПИДИ, с 1952 – в МВХПУ. Участник выставок с 1919.
Волков Александр Васильевич
1916, Москва — 1978, Москва
Живописец. Учился в изостудии ВЦСПС (1935–1937), продолжил образование в МИИИ (1937–1942). Участник выставок с 1943, в 1950-е начал активно работать в жанровой картине, совмещая в ней бытовые сцены и пейзаж. С 1960-х и до конца жизни его интересовал преимущественно пейзаж, решение в нем формальных задач. Художественный руководитель Дома творчества «Академическая дача« (на рубеже 1940–1950-х), преподавал в МГХИ им. В. И. Сурикова (с 1962).
Кугач Юрий Петрович
1917, Суздаль – 2013, д. Малый Городок Вышневолоцкого района Тверской области
Живописец, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР. Народный художник СССР. Член-корреспондент АХ СССР, действительный член Академии художеств СССР. Лауреат Государственной премии СССР, лауреат Государственной премии РСФСР им. И.Е. Репина. В 1931–1936 учился в Московском техникуме изобразительного искусства в память восстания 1905 года у К.Ф.Морозова, Н.П.Крымова. В 1936–1942 учился в МГХИ им. В.И.Сурикова у С.В.Герасимова, И.Э.Грабаря, Н.Х.Максимова, в 1942–1945 – в аспирантуре МГХИ. Преподавал в МГХИ им. В.И.Сурикова в 1948–1951.
Нисский Георгий Григорьевич
1903, станция Новобелица, Могилевская губ. – 1987, Москва
Живописец. Народный художник РСФСР (1965). Действительный член Академии художеств СССР (1958). Лауреат Сталинской премии третьей степени (1951). В 1919–1921 гг. – поступил в Гомельскую художественную студию им. М. А. Врубеля, учился под руководством А. Я. Быховского.
1922–1930 гг. – учился во ВХУТЕМАСе, в мастерской А. Д. Древина и Р. Р. Фалька. 1928 г. – первая поездка на Черное море для сбора материалов к дипломной работе. 1930–1931 гг. – служба в Особой Краснознаменной Дальневосточной армии, оформлял стенгазеты и плакаты.
1936 г. – поездки в Севастополь и Балаклаву на этюды совместно с А. А. Дейнекой, Г. Г. Ряжским и Ф. С. Богородским.
Картина "Текстильщицы" явилась результатом поездки Дейнеки по заданию журнала "Безбожник", с которым художник сотрудничал. Одновременно он был одним из лидеров Общества станковистов, где велись разработки метода синтетического отражения реальности.
С тем, что изменилась жизнь, настало время других героев, согласны были все – и создатели радикального авангарда, и последователи фигуративной линии. «Нельзя сейчас в позе купца или фабриканта, – замечает Александр Дейнека, – писать нашего ударника. У него <…> другая стать <…> и художник должен увидеть эту стать и суметь показать ее». «Жизнь выдвигала новое – прежде всего нового, социалистического человека, новую молодежь, комсомольцев, <…> рабфаковцев <…>». «И именно это новое время, – утверждали молодые художники, – надо втащить на холст». Такими персонажами становятся у Дейнеки «Текстильщицы» — женщины-работницы, наравне с мужчинами управляющие огромными станками-механизмами.
В картине художник применяет характерный для фотографии и кино принцип монтажной композиции. Он писал: «Я увлекался кружевом заводских конструкций, но они только фон. Я всегда изображал человека большим планом, в сильных типичных движениях». Фигуры ткачих решены на контрасте масштаба, объема и цвета, они будто противопоставляются фону. Изображенные в сложных ракурсах, объемные фигуры выделяются на фоне графически четкого рисунка деталей фабричного оборудования, что придает композиции особую динамику. Господствующие в картине радостно-мажорные интонации дают новое осознание не только внешних обстоятельств труда, но и его психологии, его духовного смысла. Основное здесь – чувство свободы и достоинства.
Художник удивительно чутко ощущал пульс времени и отражал его в своих полотнах. Он мастерски выстраивает композицию в смежных разновременных планах, ритмы работающих ткацких станков объединяются в своего рода орнаментальное пространство, почти монохромный серебристо-белый колорит придает картине четкость и графичность авторской пластической манеры, которая приобретает публицистическую заостренность и убедительность.
Куликов С. И.
Баку
Около 1930
Вольский КМ
Куликов С. И.
Баку
Около 1930
Холст, масло. 83,5 х 141,5
Вольский краеведческий музей
ВКМ 22497/3
Баку – столица Азербайджанской ССР (с 1936 по 1991), с 1991 – Азербайджанской Республики.
Картина вольского художника Сергея Ивановича Куликова, изображающая бакинские нефтяные вышки, создана в 1930-е годы. На переднем плане рабочие укладывают рельсы. Справа стоит нефтяная вышка. На песчаной косе изображены многочисленные нефтяные вышки.
Шевченко А. В.
Батум
1929
СГХМ имени А.Н. Радищева
Шевченко А. В.
Батум
1929
Холст, масло. 91 х 107
Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
Ж-1032
Картина «Батум» написана Александром Шевченко, ярким представителем русского авангарда. Она относится к батумской серии работ художника, созданной в 1929 году в ходе творческой поездки по заданию Народного Комиссариата по Просвещению. Об этом свидетельствует текст удостоверения, хранящийся в семейном архиве Шевченко: «на основании постановления Совнаркома … о поездке художников в индустриальные районы, совхозы и колхозы, командируется в Батум – Керосиновый завод, нефтепровод в порту – [… ] для исполнения художественных работ, отображающих индустриальное и сельскохозяйственное строительство…».
Сюжет картины «Батум» конкретен и соответствует теме заказа. Изображен морской порт, где среди бочек голубого цвета, скорее всего с рыбой, огромных коробок-ящиков и грузовиков проходят трудовые будни приморских рабочих. Над всей этой «повседневностью» торжественно и значимо возвышаются голые мачты парусного судна, огромная черная дымящая труба парохода и подъемный кран. Обращаясь к теме труда и индустриализации, художник уходит от пафоса, патетики трудового героизма, что было одним из приоритетных направлений официального искусства той поры. Работа мастера относится скорее не к пропагандистским, восторженным, «воспевающим» полотнам, а к его поэтическим городским пейзажам. Стилистика и техника изображения, трактовка образов остаются чисто шевченковскими – с цветовым «сезанновским» построением пространства и объемов, с легкой кубизацией форм, примитивистски решенными фигурами, удивительно тонкой живописью и гармонично уравновешенной композицией.
1929 год был важным рубежом для художника, когда в его творчестве зарождалась система изображения, которую можно назвать «новым реализмом», основанным на синтезе достижений авангарда и классических традиций. В пейзаже «Батум», вместо дробности и динамичности форм, Шевченко «стремится к пластической цельности, объемности, покою и уравновешенности во всем: в композиции, ритме, цвете. Он отказывается от произвольных масштабных соотношений фигур, во имя их соразмерности друг с другом и с пространством». Автора картины «Батум» интересует не столько событийная, сколько визуальная информация. И в этом отношении – это просто мотив из жизни приморского портового города. Но с точки зрения живописи – это настоящая картина, достойный пример станкового искусства, в защиту которого активно выступал А.В. Шевченко.
Самохвалов А. Н.
Ткацкий цех
1929
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Ткацкий цех
1929
Холст, масло, темпера. 68 х 98
Государственный Русский музей
Ж-8149
В конце 1920-х годов для многих советских художников, в том числе и для Александра Самохвалова, становится актуальной индустриальная тема. Художники командируются на различные предприятия для обретения «знания жизни». Картина «Ткацкий цех» явилась результатом поездки Самохвалова в город Иваново, славящийся ткацким производством. Художника поразила «ярко-белая архитектоника ткацкого цеха». «Две-три юные ткачихи спокойно, как няни, ходили среди станков <...>, как бы одобряя их довольно буйный ритм и с той же человеческой ласковостью исправляя возможные неполадки»,— вспоминал художник. Его ткачихи — обычные девушки своего времени. Ритм деталей станков, окрашенных в дополнительные красный и зеленый цвета, перекликается с розовыми косынками девушек и усиливает декоративные качества картины. Русскиймузей. Отиконыдосовременности. СПб. 2015. С. 345.
В Иваново-Вознесенск Самохвалов был командирован Изогизом на ткацкие фабрики для создания картины о ткацком производстве. (В автобиографии художник указывает дату «1931» — РГАЛИ, ф. 78, оп. 3, д. 49, л. 25). Был собран материал в виде 9 акварельных этюдов работниц и 2 картин — «Ткацкий цех» (1929, ГРМ) и «Печатный цех» (местонахождение не установлено). Александр Самохвалов. СПб, 2014. С. 207.
Белкин В. П.
В модельном цехе
1930-е гг.
Омский ОМИИ им. М. А. Врубеля
Белкин В. П.
В модельном цехе
1930-е гг.
Холст, масло. 151 х 221
Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
Ж-2202
Творческая командировка художника Вениамина Павловича Белкина на крупнейшее предприятие отечественного машиностроения – Ленинградский металлический завод имени И. В. Сталина была не случайна: в 1920-е годы на заводе были созданы первые гидравлические машины, обеспечившие выполнение почти трети плана ГОЭЛРО, изготовлены первые турбины по собственным проектам. Действие на картине происходит в модельном цехе завода: рабочие применяют колеровку на готовой к отливке формы турбины отечественного производства.
ГОЭЛРО - (сокр. от Государственная комиссия по электрификации России) — государственный план развития электроэнергетической отрасли в Советской России после Октябрьской революции 1917 года. Часто расшифровывается как Государственный план электрификации России. Разработан Государственной комиссией по электрификации России по заданию и под руководством В. И. Ленина. К работе комиссии, которой руководил Г. М. Кржижановский, было привлечено около двухсот учёных и инженеров.
План ГОЭЛРО с рядом замечаний и дополнений был принят Советом Народных Комиссаров, который принял 22 декабря 1920 г. постановление «О плане электрификации России».
ГОЭЛРО был планом развития не одной энергетики, а всей экономики. В нём предусматривалось строительство предприятий, обеспечивающих эти стройки всем необходимым, а также опережающее развитие электроэнергетики. И всё это привязывалось к планам развития территорий. План ГОЭЛРО, рассчитанный на 10—15 лет, предусматривал строительство 30 районных электрических станций (20 ТЭС и 10 ГЭС) общей мощностью 1,75 млн кВт. В числе прочих намечалось построить ГЭС — Нижегородскую, Волховскую (1926), Днепровскую, две станции на реке Свирь и др. В рамках проекта было проведено экономическое районирование, выделен транспортно-энергетический каркас территории страны. Параллельно велось развитие транспортной системы страны (строительство новых железнодорожных линий, сооружение Волго-Донского канала).
Проект ГОЭЛРО положил основу индустриализации в СССР. План, в основном, был перевыполнен к 1931 году. Выработка электроэнергии в 1932 году по сравнению с 1913 годом увеличилась почти в 7 раз: с 2,0 до 13,5 млрд кВт•ч.
Куприн А. В.
Выплавка стали
1930
ГРМ
Куприн А. В.
Выплавка стали
1930
Холст, масло. 143 x 176,5
Государственный Русский музей
ЖБ-1830
Картина была написана во время командировки художника в Днепропетровск на металлургический завод имени Г. И. Петровского. «Громадный металлургический завод дышал паром, дымами и огнями,— записал в 1930 году художник в дневнике.— Внутри, в цехах, пришлось много наблюдать, изучать последовательность различных трудовых процессов, делать зарисовки фигур в движении. Один светоцветовой эффект сменялся другим. То человеческие фигуры и механизмы, фермы, скрепления, блоки, краны, как вуалью, закрывались дымами, то тонули во мраке, то фантастически освещались расплавленным металлом. Картина менялась, как хамелеон» (Кравченко К. С. А. В. Куприн. М.: Советский художник, 1973. С. 202).
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 28.
Осолодков П. А.
Литейщики
Начало 1930-х
ГРМ
Осолодков П. А.
Литейщики
Эскиз
Начало 1930-х
Холст, темпера. 108 x 146
Государственный Русский музей
ЖС-2000
В начале 1930-х годов Осолодков пишет несколько композиций на тему «Литейщики», а также отдельные фигуры рабочих. В данной картине художник концентрируется на сакральности трудового процесса, таинстве обращения с огнем, световых эффектах. Судя по расчерченным клеткам, эта работа предназначалась для переноса на стену, что вполне соответствовало требованиям времени, но мало кем было осуществлено.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 32.
Рождественский В. В.
Прокатный цех завода «Серп и молот»
1930
ГРМ
Рождественский В. В.
Прокатный цех завода «Серп и молот»
1930
Холст, масло. 172 x 132,5
Государственный Русский музей
ЖБ-1799
В годы первых пятилеток одним из главных героев изобразительного искусства был завод, и для зрителя представал он как «преображенное пространство», как Храм Свободного Труда. Художников интересовал невероятный размах индустрии, гигантские сооружения, удивительные механизмы, фантасмагория действа, поклонение чудесам техники. В подобных картинах около заводских громад, среди дыма и грохота, пламени и блеска металла рабочие оказывались одушевленными частями большого механического организма.
В картине Рождественского «Прокатный цех завода „Серп и молот“» людей на первый взгляд нет вообще, их не видно. В центре композиции, представляющей собой огромное пространство цеха, — огненное пламя, вырывающееся из котлов и рассыпающееся тысячами искр. Почти демоническая сцена укрощения стихии огня наполнена звуками, динамикой, жаром, контрастами освещения.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 28.
Московский металлургический завод «Серп и Молот» — один из старейших и крупнейших заводов Центральной России, занимавшийся производством стали. Был основан в 1883 году французским предпринимателем Юлием Гужоном. В 1918 году национализирован. Именно в начале 1930-х годов, период, когда была написана картина Рождественского, на заводе была создана техническая база с современным оборудованием и освоена новая технология производства продукции из качественной стали. Были построены корпуса фасонно-литейного, калибровочного и лентопрокатного цехов.
Пакулин В. В.
Вход в шахты
1931
ГРМ
Пакулин В. В.
Вход в шахты
1931
Бумага, темпера, акварель. 89 x 70,5
Государственный Русский музей
РС-4951
Сохранился большой массив графических произведений художника. Поразительно мастерство и демонстрация широкого диапазона возможностей, выраженных в них. От гротескного стиля сатирической графики до выразительного лаконизма рисунков в духе супрематизма, от рисунков натурщиков, заставляющих вспомнить «школу» Петрова-Водкина, до беглых, экспрессивных рисунков пером или щепкой, в которых есть явный намек на интерес к наследию классики. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.11.
Деревенские мотивы, виды Донбасса и юга России — такова география произведений художника начала 1930-х годов. Наряду с пейзажами, в графическом наследии художника мы найдем большое количество жанровых композиций, этюдов натуры и редких по своей выразительности портретов горняков, шахтеров, сталеваров, колхозников (конец 1920-х — 1930-е). Казалось бы, многие рисунки Пакулин создает в преддверии рождения живописного произведения как этап движения к совершенному слиянию образа и пластического решения, но именно эта заключенная в них целеустремленность делает каждый рисунок значимым в своей самоценности. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.12.
Богаевский К. Ф.
Днепрострой
1931–1932
Донецкий РХМ
Богаевский К. Ф.
Днепрострой
1931–1932
Холст, масло. 49 × 111
Донецкий республиканский художественный музей
Ж-216
Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.
Цыбасов М. П.
Кондострой
1931
МИИ РК (Петрозаводск)
Цыбасов М. П.
Кондострой
1931
Холст, масло. 69 х 94
Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
Ж-466
Творчество Михаила Цыбасова тесно связано с Севером. Под влиянием времени у художника возникло стремление отразить в своём творчестве новую действительность, и в 1929 году он приезжает в творческую командировку на одну из новостроек Карелии – Кондопожскую ГЭС. «И мне предложили сделать серию рисунков по истории карельских заводов…», – напишет позже художник в своём дневнике. В результате были созданы два варианта «Кондостроя» и серия графических работ на эту же тему.
Живописная работа «Кондострой» посвящена строительству новой Кондопоги – возведению новых цехов бумагоделательного комбината, основанию Кондопожской ГЭС, закладке домов для рабочих. На небольшом холсте сконцентрировано внушительное большое пространство молодого города. Показаны и красота северного пейзажа, и заводские цеха, и выверенные движения строителей, прокладывающих новые дороги. Для воплощения столь грандиозной композиции Михаил Цыбасов использует так называемое «расширенное смотрение» и следует совету своего учителя П. Филонова «нагружать картину». «Правильно, что холст является общей формулою Кондостроя», – писал Филонов своему ученику в Карелию, – «нагрузите и развейте его в этом направлении сюжетно до последней возможности исчерпывающе».
Модоров Ф. А.
Магнитострой
1931
Магнитогорская КГ
Модоров Ф. А.
Магнитострой
1931
Холст, масло. 72 х 101
Магнитогорская картинная галерея
Ж-120
На картине советского живописца Фёдора Модорова изображён индустриальный пейзаж со строящейся домной (шахтной печью для выплавки чугуна из железной руды) в окружении техники. Присутствие на Магнитострое в начале 1930-х годов башенных кранов и экскаваторов служило доказательством преодоления разрухи гражданской войны, подъема промышленности.
Титов Я. В.
На стройке комсомольской домны
1931
Магнитогорская КГ
Титов Я. В.
На стройке комсомольской домны
Магнитогорск
1931
Бумага, тушь, гуашь. 43,3 х 29,5
Магнитогорская картинная галерея
Г-148
В 1931 году молодой московский художник Ярослав Титов с бригадой АХРа совершил творческие поездки по новостройкам Урала (Магнитогорск, Челябинск, Свердловск).
«На стройке комсомольской домны» – индустриальный пейзаж. Это вид строительства Магнитогорского металлургического комбината. На первом плане часть железнодорожного пути, складированные конструкции, далее – две домны в лесах и строительный кран. Работа написана в смешанной технике с применением «набрызга», подчеркивающего материальную фактуру объектов. Есть ощущение воздуха и пространства. Композиция решена в теплой цветовой гамме с преобладанием коричневого и серого цветов и создает мажорное звучание.
Богаевский К. Ф.
Нефтепромысла
1931
ГРМ
Богаевский К. Ф.
Нефтепромысла
1931
Холст, масло. 108 x 206,5
Государственный Русский музей
Ж-2337
Титов Я. В.
Постройка домны
1931
Магнитогорская КГ
Титов Я. В.
Постройка домны
Магнитогорск
1931
Бумага, тушь. 47 х 35,4
Магнитогорская картинная галерея
Г-579
В 1931 году молодой московский художник Ярослав Титов с бригадой АХРа совершил творческие поездки по новостройкам Урала (Магнитогорск, Челябинск, Свердловск).
В графической работе «Постройка домны» изображен момент строительства будущего Магнитогорского металлургического комбината. Справа видна домна со строительными лесами внизу. Вверху по тулову домны надпись «Комсомольская» и изображение комсомольского значка. Слева на всю высоту листа строительный кран и два высоких столба освещения. Масштаб мощных форм металлических конструкций подчеркнут маленькими фигурками рабочих по центру композиции внизу.
Летом 1930 года на строительстве Магнитогорского металлургического комбината оказался молодой художник Николай Аввакумов. По одной версии – по призыву комсомола, по другой – был командирован Наркомпросом по рекомендации А. В. Луначарского… Работал много, жадно, с энтузиазмом. Радуясь общим успехам. Под завывание яростного ветра, стоя в раскачивающейся люльке, большой малярной кистью на стальном теле домны именно он вывел надпись «Комсомольская». Стоявшие внизу товарищи, затаив дыхание, с восторгом наблюдали за действиями отчаянного смельчака. (Художественная летопись Магнитки. Живопись. Графика. Скульптура: Каталог собрания МКГ.- Магнитогорск. 2004).
Самохвалов А. Н.
Ремонт паровоза
1931
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Ремонт паровоза
1931
Холст, масло, темпера. 82,5 x 86
Государственный Русский музей
Ж-9324
Картину «Ремонт паровоза» (1930–1931, ГРМ) Самохвалов написал по заказу Изогиза. Репродукция картины «Ремонт паровоза» была издана массовым тиражом с текстом о значении железнодорожного транспорта.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»:
«Я страстно любил беспокойную и соответственно размеренную звонками, гудками, свистками жизнь железных дорог, жизнь, идущую под аккомпанемент вагонных колес, мощных вздохов паровозов с тимпанными звуками буферов. Всякая дорога ‒ и особенно железная дорога ‒ изменяет содержание жизни едущего (тогда ещё не было авиалиний) и потому навевает мысли об изменениях жизни и о новой жизни.
С самого раннего детства я любил паровозы, их технику, их "пастбища" на станциях, где они отдыхали, подновлялись и готовились к новым пробегам. Я особенно любил пассажирские паровозы с огромными двухметровыми колесами, окрашенными ярко-красным цветом.
Я любовался этим гигантским стальным конем на остановках, когда он грузился дровами или пил воду, шипя и вздрагивая от полноты дыхания и жажды движения, и той безудержной радостью, когда после звонков и гудков, испустив глубочайшие вздохи, он медленно, но мощно рванется вперед, чтобы исчезнуть за поворотом или в голубой дымке далеких далей.
Я мечтал написать поэму о паровозе. Без жеребенка. С жеребенком уже написал великолепную поэму Есенин. Я хотел написать поэму о паровозе и о людях, его построивших и управляющих им. Обстоятельства сложились так, что я смог написать лишь эскиз этой поэмы. Это небольшой холст, но все же это был этап в моем творческом труде, и в нем отразился также некий этап нашей истории, когда после разрушений, нанесенных войной империалистической и войной гражданской, после разрухи восстанавливался транспорт нашей страны, и эти огнедышащие гиганты, эти пожиратели пространства получали новую жизнь…
Композиционный строй этой небольшой картины не имеет планов. Она вся ‒ первый план. Рабочий, квалифицированный мастер устраняет неполадку в золотниках над цилиндром. Молодой рабочий, лежа на мостике, помогает ему. Другой рабочий, "культурник", укрепляет на перилах мостика плакат-лозунг. Четвертый, стоящий спиной, приводит в порядок детали цилиндра. В глубине сложного механизма видна фигура еще одного рабочего, обследующего исправность деталей. Все движения работающих людей, их ритмы и движения конструкций машины располагаются в единой плоскости» (из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»).
Кузнецов П. В.
Строительство в Армении
1931
ГРМ
Кузнецов П. В.
Строительство в Армении
1931
Холст, масло. 132 х 161
Государственный Русский музей
Ж-9077
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Кузнецов П. В.
Строительство в Армении
1931
ГРМ
Кузнецов П. В.
Строительство в Армении
1931
Холст, масло. 97,4 х 142
Государственный Русский музей
ЖБ-1181
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Кузнецов П. В.
Строительство новой улицы в Ереване
1931
ГРМ
Кузнецов П. В.
Строительство новой улицы в Ереване
1931
Холст, масло, темпера. 99 х 120
Государственный Русский музей
Ж-9339
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Хвостенко В. В.
Стройка в Магнитогорске
1931
Магнитогорская КГ
Хвостенко В. В.
Стройка в Магнитогорске
1931
Бумага, карандаш, тушь. 48,3 х 37,8
Магнитогорская картинная галерея
Г-585
В 1930-х годах Василий Хвостенко выполнил большую серию графических рисунков, посвященную строительству заводов на Урале.
В своей работе «Стройка в Магнитогорске» художник зафиксировал рабочий момент на строительной площадке. Справа – установленные элементы цилиндрических конструкций, за ними видна домна в строительных лесах. В центре композиции полукруглый элемент конструкции на крюке крана и группа рабочих. Справа вдали – железная дорога, по которой движется паровоз. Многоплановая композиция подчеркивает ритм и масштаб производственных работ.
Куликов Сергей Иванович
1877-?
Живописец. Жил и работал в Вольске. Участник областных выставок.
Шевченко Александр Васильевич
1883, Харьков – 1948, Москва
Живописец, график, теоретик искусства. Родился в Харькове. В 1890–1898 занимался рисунком в реальном училище и брал частные уроки изобразительного искусства. Учился в Строгановском центральном художественно-промышленном училище (1898–1908, с перерывами) и в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1907–1909). В 1904 посетил Турцию, Грецию, Египет. В 1905–1906 в Париже работал в Академии Р. Жюльена, затем в мастерской Э. Каррьера, экспонировался в Салоне независимых. Начинал с импрессионизма (парижские пейзажи 1905–1906). В 1907 испытал влияние символизма, участвовал в XIV выставке Московского товарищества художников. В 1908 сблизился с М. Ф. Ларионовым. Разделял ориентацию его группы на неопримитивизм и лучизм, участвовал во всех выставках группы (1911–1914). В 1913 издал брошюры «Неопримитивизм. Его теории. Его возможности. Его достижения» и «Принципы кубизма и других современных течений в живописи всех времен и народов». Писал полотна в футуристическом духе (1913). В 1914 был призван в действующую армию, в 1916 – контужен, в 1917 – эвакуирован в Москву и демобилизован. После революции 1917 заведовал литературно-художественным подотделом Коллегии по делам искусств Наркомпроса (1918–1921), вел большую общественную работу при Моссовете, Совнаркоме по охране памятников искусства и старины, участвовал в создании Музея живописной культуры. Преподавал с 1918 в 1-х Государственных свободных художественных мастерских, в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте (1920–1928), работал в Государственной академии художественных наук. В манифесте «Цветодинамос и тектонический примитивизм» (подготовленном совместно с А. В. Грищенко и опубликованном в каталоге одноименной выставки; 1919) отверг «прикладничество всех родов и направлений» (т.е. чистый дизайн, которым занимались наиболее радикальные из новаторов типа В. Е. Татлина), отстаивая динамически-живописную станковую картину как наиболее адекватный современности вид творчества. Участвовал в комиссии Живскульптарха, создал проекты Дома Советов, которые экспонировались на Первой русской художественной выставке в Берлине. В конце 1910 – 1920-х пейзажи, натюрморты и жанровые композиции Шевченко постепенно обретали все более традиционные свойства, сочетая острую авангардную чувствительность к живописной фактуре с поэтикой романтизма. С годами в его искусстве вновь усилились черты символизма, но в новом, обобщенно-монументальном облике. Таковы, в частности, приглушенные по колориту, по-своему эпические фигурные композиции, созданные по впечатлениям творческих командировок на Кавказ и в Среднюю Азию. В поздние десятилетия не раз подвергался остракизму как «формалист», однако стоически продолжал работать как живописец, создавая лирически-задумчивые пейзажи и жанры в духе «тихого искусства». Не оставлял и преподавания – прежде всего, в Текстильном институте, где с 1941 руководил кафедрой живописи.
Рождественский Василий Васильевич
12(24).05.1884, Тула – 20.05.1963, Москва
Живописец, график, художник театра. Учился: 1900–1910 (с перерывами) – МУЖВЗ у В. А. Серова, К. А. Коровина, А. Е. Архипова. Участник выставок с 1907. Член и экспонент: «Бубновый валет» – 1911–1917 (экспонент выставок, Москва – 1912, 1914; Петербург – 1913); «Мир искусства» – 1917–1918, 1922; «Московские живописцы» – 1925; АХРР – 1926; ОМХ – 1927–1929. Преподавал: 1918–1920 – ГСХМ II; 1920–1922 – основатель и руководитель филиала ГСХМ в Удомле Тверской губернии.
Григорьев Григорий Григорьевич
1901, Москва –1941
Иорданский Борис Вячеславович
1903, Ковров, Владимирская губ. – 1983, Москва
Живописец, график, монументалист.
Учился во ВХУТЕМАСе–ВХУТЕИНе в Москве (1922–1930) у И. М. Рабиновича, А. В. Шевченко, Н. И. Шестакова. Член АХР (1928–1931), РАПХ (1931), ССХ (1932). Участник выставок с 1929: московские, республиканские, персональные (1935, 1963, 1964, 1975 – Москва). Оформлял павильоны на ВСХВ (1923, 1939), международных выставках в Кёльне (1927–1928), в Филадельфии (1931), Всемирной выставке в Париже (1936–1937; Гран-При), колонны физкультурников СССР и РСФСР на физкультурном параде в Москве (1945), а также улицы и площади Москвы к революционным праздникам. Автор декоративных панно и мозаик для вестибюля станции метро «Добрынинская» (1948–1951), гостиницы «Украина» в Москве (1956–1957) и др. Преподавал в Московском институте прикладного и декоративного искусства (1950–1952), в Московском высшем художественно-промышленном училище (с 1952, профессор с 1961).
Крайнев Василий Васильевич
1879, с. Ключищи Нижегородской губернии (ныне — Верхнеуслонский район, Республика Татарстан) – 1955, г. Москва
Художник-пейзажист, мастер северного пейзажа. Родился в 1879 в селе Ключищи на берегу Волги. Принадлежит к художникам старшего поколения, которые после Великой Октябрьской революции органично вошли в круг советских художников.
В 1908 окончил Казанскую художественную школу и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где начал заниматься под руководством Архипова и Пастернака. Позже перешёл в мастерскую А. М. Васнецова. Ученик А. Е. Архипова, С. В. Малютина. В 1915 окончил с отличием Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Тогда же присвоено звание художника живописи и присуждена премия имени Левитана.
Участник выставок Товарищества московских художников. В 1922–1923 выступает на 47-й и 48-й передвижных выставках, вступает в АХРР.
В 1925 осуществляет первую поездку на Крайний Север. Природа Заполярья прочно входит в круг творческих интересов. С начала 1930-х в северные пейзажи входят индустриальные мотивы (этюды, написанные в Хибинах).. В эти же годы становится участником выставки пищевой индустрии; занимается росписями павильонов Сельскохозяйственной и Нью-йоркской выставок и вместе с художником Б. В. Иогансоном работает над созданием диорамы «Переход через Сиваш» (1934).
Поездки на север повторяются вплоть до 1941 года. Их прерывает Великая Отечественная война, начало которой художник застает на Севере среди моряков Северного флота.
Автор батальных картин, созданных в годы войны («365 зенитная батарея в обороне Севастополя» (1945)). После войны входит в одну из творческих бригад, которые направляются на новостройки. Вместе с К. Корыгиным, Ф. Модоровым и Е. Львовым уезжает на Урал и работает на Чусовском заводе.
Модоров Федор Александрович
1890, пос. Мстера, Владимирская губ. – 1967, Москва
Живописец, работал в области декоративно-оформительского искусства.
Родился в Мстере. Учился: 1900–1906 – Мстерская иконописная школа (у М.И. Цепкова). После окончания школы в 1906 году уехал в Москву, где работал подмастерьем в иконописной мастерской и как вольнослушатель посещал Московское училище живописи, ваяния и зодчества. 1909–1910 – МУЖВЗ; 1910–1914 – Казанская художественная школа у Н.И.Фешина, П.П.Бенькова; 1914–1918 – ВХУ при АХ у В.Е.Маковского, В.В.Беляева, И.И.Творожникова. Участник выставок с 1910. Член и экспонент: АХРР–АХР – с 1924.
В 1919 занимался раскрытием икон в Комиссии по сохранению и раскрытию памятников древней живописи при ИЗО Наркомпроса РСФСР, среди которых – икона из коллекции Русского музея "Иоанн Лествичник, Георгий и Власий".
Организатор и директор Мстерского художественно-промышленного училища и художественной школы-коммуны (1918–1922).
Преподавал: 1939–1941 –ВГИК; 1964–1967 – МГПИ (заочный). Ректор МГХИ (1948–1962). Профессор (с 1949). Заведующий кафедрой живописи (1949–1962).
Народный художник РСФСР (с 1965). Заслуженный деятель искусств БССР (1944), Заслуженный деятель искусств РСФСР (1950), член-корреспондент В(Р)АХ (с 1958).
Титов Ярослав Викторович
1906, г. Варшава — 2000, г. Москва
Живописец, график. Заслуженный работник культуры РСФСР. Заслуженный художник РФ. Ветеран Московской организации СХ РСФСР. Родился 2 января 1906 в Варшаве. В 1920 принят по конкурсу детского рисунка в школу художественного воспитания детей в Голицыно (учителя: Н. П. Ульянов, В. Д. Фалилеев). В 1922 переведен в художественную школу-интернат МОСКПРОФОБРа (московского профессионального образования) в Звенигороде по классу литографии, которую окончил в 1924 (учителя: В. П. Остров, П. П. Захаров). По окончании работал хромолитографом в типографии «Рабочей Москвы». С 1924 по 1928 учился в Высших художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС) в мастерской Н. Н. Куприянова.
Участник художественных выставок с 1927. С 1928 по 1931 – служба в рядах Красной Армии. С 1929 – член молодежного объединения Ассоциации художников революции (АХР). В 1930-е дважды был чемпионом СССР по баскетболу, в числе самых первых атлетов был удостоен звания мастера спорта СССР. В 1931 совершил творческие поездки по новостройкам Урала с бригадой АХРа (Магнитогорск, Челябинск, Свердловск), в 1932 году – поездка с бригадой АХРа на Дальний Восток. С 1932 – член Московской организации союза советских художников (МОССХ). С 1936 по 1939 – учеба в Московском институте изобразительных искусств при Академии Художеств СССР на отделении по повышению квалификации живописцев у академика В. Н. Бакшеева. В 1941 — один из организаторов «Окон ТАСС» (Бригада ДИТС).
В 1942-м был мобилизован на фронт. Участник сражений Великой Отечественной войны на Волховском фронте, под Ленинградом и Новгородом, на 1-м Дальневосточном фронте. Создал цикл этюдов, отражающий пребывание советских войск на Дальнем Востоке и в Китае. В 1946 эти произведения экспонировались на персональной выставке художника во Владивостоке. Награжден многими медалями и орденами (медаль «За отвагу», «За оборону Ленинграда», «За оборону Москвы», «За оборону Советского Заполярья», «За победу над Германией в ВОВ 1941–1945», «За победу над Японией», медаль Верховного народного Собрания Кореи «За освобождение Кореи», орден Красной Звезды). В 1946 демобилизован из армии в звании майора. Возвратился в Москву.
С 1948 по 1951 преподавал в студии инвалидов ВОВ. С 1950 по 1954 – ответственный секретарь правления МОССХа. С 1960 по 1980 – председатель Федерации наглядной пропаганды Спорткомитета СССР. В 1975 присвоено звание «Заслуженный работник культуры РСФСР». В 1976 утвержден персональным пенсионером республиканского значения. В 1980 занесен в Книгу почета Спорткомитета СССР. Награжден Почетными грамотами за пропаганду спорта, почетным знаком Спорткомитета СССР «За заслуги в развитии физкультуры и спорта СССР», Почетной грамотой Союза художников СССР, знаком «Ветеран спорта РСФСР». В 1982 награжден дипломом МОСХа и знаком лауреата Магнитогорского металлургического комбината за создание высокохудожественных произведений, отражающих труд металлургов. Имеет дипломы СХ СССР, СХ РСФСР, МОСХ РСФСР. Участник всех ежегодных выставок художников-ветеранов ВОВ, всесоюзных и республиканских выставок. Девять графических работ художника из серии «О Магнитогорске» 1931 года создания экспонировались на юбилейной выставке «50 лет Магнитогорску» (Магнитогорск. 1979). В 1939, 1957, 1968, 1976, 1981, 1986, 1996, 1999 состоялись персональные выставки работ художника в Москве. В ноябре 1997 ему присвоено звание «Заслуженный художник Российской Федерации». Произведения художника находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного центрального музея современной истории России, Центрального музея Вооруженных Сил РФ, Магнитогорской картинной галереи, в других музеях и частных коллекциях России и за рубежом.
Основные три выставки «Круга художников» прошли в Русском музее (1927, 1928, 1929) и Киевской картинной галерее (1930). Поиски декларируемого «стиля эпохи», монументального по форме и емкого по содержанию, воплотились в создании серии программных живописных произведений. Пожалуй, самое известное из них — «Жница» (1926–1927), показанная на первой выставке общества. Оглядываясь на «крестьянский цикл» Малевича, Пакулин создал свою версию реализма. Он написал огромное полотно, добиваясь внешнего сходства с фреской, лишь отдаленно напоминающее о первоначальных натурных зарисовках и этюдах, и некоторые из них, представленные на выставке, об этом ясно свидетельствуют. Тот же путь «очищения» мотива от суетной будничности прослеживается и в другой программной работе художника «Женщина с ведрами». Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.10.
Юон К. Ф.
Сбор яблок
1928
Калужский МИИ
Юон К. Ф.
Сбор яблок
1928
Холст, масло. 94,0 х 120,0 см
Калужский музей изобразительных искусств
Ж-699
Константин Федорович Юон – один из известнейших русских и советских художников. Его полотна отличает яркий, звучный колорит, четкое композиционное построение, а также жизнерадостные сюжеты из жизни простых людей. На протяжении всей творческой деятельности, Юон не изменял своим принципам – писал правдиво и с большой достоверной точностью.
В произведении «Сбор яблок», написанном в 1928 году, художник изобразил группу людей за сбором урожая. Вечер теплого августовского дня, раскидистая яблоня, изобилующая яркими плодами, и женщины с детьми, занятые работой. Произведение написано в теплых чистых тонах. Мирное занятие, как порождение человеческого бытия. Позади – годы невзгод революционных преобразований, разрухи и голодного времени, а теперь – налаживание мирной жизни, как основа будущего спокойствия каждой семьи и каждого человека.
В центральной части картины «Сбор яблок» доминантой выступает возвышающаяся фигура женщины, которая стоит на стуле и тянется за высоко растущими яблоками. Правая часть полотна отведена под изображение раскидистого дерева, слева – фигуры детей и сидящей женщины, что зрительно уравновешивает композицию. Силуэт деревьев и фигур людей, красота уходящего дня в вечерних сумерках, создают лирическое настроение произведения.
Юон К. Ф.
Молодые. Смех
1930
ГРМ
Юон К. Ф.
Молодые. Смех
1930
Холст, масло. 94 x134
Государственный Русский музей
Ж-1812
В послереволюционные годы становления новой идеологической системы в творчестве Юона наступил перелом, когда он пытался найти созвучные времени темы. Так, во второй половине 1920-х — начале 1930-х годов художник обращается к специфической жанровой форме, своего рода «сюжетному портрету», посредством которого запечатлевает типических героев своего времени, комсомольцев, физкультурников, парашютистов, то есть новую советскую молодежь. Обращается он и к теме новой русской деревни, избирая типаж деревенских девушек, простолицых, румянощеких, демонстрирующих собой культ физического и нравственного здоровья. Скорее всего, он немало встречал таких девушек в подмосковном Лигачеве, которое называл своим «эстетическим убежищем» и где еще с 1908 года прочно обосновался в своей мастерской.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 46.
Штеренберг Д. П.
Бригада во время перерыва
1931
ГРМ
Штеренберг Д. П.
Бригада во время перерыва
1931
Холст, масло. 123 x 99
Государственный Русский музей
ЖБ-1727
Строев П. Ф.
В свиноводческом совхозе
1932
Вятский ХМ имени В.М. и А.М. Васнецовых, Киров
Строев П. Ф.
В свиноводческом совхозе
1932
Холст, масло. 88 x 100
Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
Ж-319
Картина Петра Строева «В свиноводческом совхозе» была написана в эпоху формирования в искусстве метода социалистического реализма, в то время, когда представление о светлом советском будущем являлось основой мифотворчества многих живописцев. Особой популярностью пользовались темы идеализированного труда. Подобное искусство вполне отвечало морали нового общества и в то же время отражало мечты людей о преображении окружающей жизни, о всеобщем изобилии.
«Эйфория коллективизма» стала главной темой искусства первой половины 1930-х, фундаментом мифологемы «светлого будущего». Не случайно одним из центральных персонажей картины «В свиноводческом совхозе» стала огромная свинья с поросятами – символ плодородия и благосостояния колхозных деревень. Женщины, кормящие поросят, однотипны, с одинаковыми лицами, и скорее представляют собой собирательные образы ударников труда. Работу отличает ясное графическое начало, проработанность каждой детали. Колорит картины решен в светлых разбеленных тонах, что соответствует общему строю картины.
Дейнека А. А.
Беседа колхозной бригады (Колхозная бригада)
1934
ГРМ
Дейнека А. А.
Беседа колхозной бригады (Колхозная бригада)
Эскиз панно для здания Народного комиссариата земледелия
1934
Холст, масло. 128 х 176
Государственный Русский музей
Ж-4436
Работая над эскизами росписей здания Народного комиссариата земледелия, Дейнека многократно выезжал в подмосковные села и колхозы, где черпал материалы для своих образов. Им была выбрана сдержанная аскетичная гамма, берущая начало в богатейшей традиции фресковой живописи, которой поклонялся Дейнека. В данном случае художник запечатлел колхозную бригаду, слушающую, видимо, своего председателя.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 49.
Пакулин В. В.
На току в колхозе. Молотьба
1935
ГРМ
Пакулин В. В.
На току в колхозе. Молотьба
1935
Холст, масло. 192,5 х 294
Государственный Русский музей
ЖБ-985
Эпоху «Круга» Пакулин завершил живописными полотнами, подытожившими его поездки на шахту в Макеевку, Донбасс, состоявшиеся между 1929 и 1931 (точнее, 1930– 1931) годами, и, наконец, масштабными полотнами «Турбокорпус завода „Электросила”» (1931–1932), «На току в колхозе. Молотьба» (1935). С 1930 года в отношении Донбасса осуществлялась правительственная программа, благодаря которой десятки лучших художников приобщились к работе над образами шахтеров, людей труда, а по итогам ее оказалось возможным создание художественной галереи в городе Сталино (Донецк). Стилистически работы Пакулина, связанные с поездками в Донбасс, на юг России <...> — продолжают тенденции, наметившиеся в «Круге». Многочисленные рисунки и эскизы к ним свидетельствуют о стремлении облечь содержание в емкие, монументальные, обобщенные пластические формы (1929 — первая половина 1930-х). Каждый новый эскиз — путь к достижению ясной и выразительной «живописной формулы», где есть только главное и где есть гармоническое слияние идеи с живописным воплощением. Ярким примером тому служат около десятка эскизов «Молотьбы» в живописи и столько же в графике, материалом для которых послужила поездка на юг России в 1931 году (над эскизами Пакулин работает в течение нескольких лет). Сравнивая их с окончательным воплощением замысла («На току в колхозе. Молотьба»), можно проследить постепенный и длительный путь к достижению желаемого синтеза, пластической завершенности. Ольга Мусакова. Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи // Вячеслав Пакулин. В поисках стиля эпохи. СПб. 2021. С.10.
Кастеев А.
Сбор хлопка
1935
ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Кастеев А.
Сбор хлопка
1935
Холст, масло. 93 х 128
Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Ж-386
Одна из первых картин основоположника казахской живописи Абылхана Кастеева «Сбор хлопка» была написана в период его обучения в Москве, куда он был направлен Наркомпросом КазССР в 1934 году. Все творчество выдающего казахского художника было посвящено отражению глобальных перемен, которые происходили в Казахстане в годы советской власти. Осваивая соцреалистические каноны, А. Кастеев создает полотно, в котором показаны такие новации того времени, как индустриализация, эмансипация женщин Востока, коллективизация казахского аула. В данном произведении начинающий художник стремится к максимальной точности в воспроизведении всех деталей избранного им сюжета. Важнейшим элементом картины является изображение американской хлопкоуборочной машины «Турман», которая использовалась в южных регионах Казахстана в 1930-е годы. В полотне «Сбор хлопка» присутствуют такие характерные для всего творчества А. Кастеева черты, как актуальность темы, документальная достоверность, простота и выразительность композиции, оптимистический пафос созидания, которым проникнуто каждое произведение первого народного художника Казахстана.
Горюшкин-Сорокопудов И. С.
Сбор ягод
Вторая треть XX века
АГКГ им. П. М. Догадина
Горюшкин-Сорокопудов И. С.
Сбор ягод
Вторая треть XX века
Холст, масло. 177,5 х 77,5
Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
Ж-623
И. С. Горюшкин-Сорокопудов принадлежал к поколению русских художников, продолжавших работать в русле русского модерна даже в условиях идеологизации отечественного искусства. В суровые 1930-е годы основной движущей силой его творчества была любовь к человеческой личности.
Жизнь и творчество Горюшкина-Сорокопудова, неразрывно связаны с Астраханью. Уроженец села Нащи Тамбовской губернии, он очень рано осиротел и воспитывался дальними родственниками, саратовскими мещанами Сорокопудовыми. Повзрослев, стал подрабатывать при буфете на пароходах, ходивших от Саратова до Астрахани и вверх по Волге. В одном из таких рейсов «буфетного мальчика» и его рисунки приметил известный путешественник, доктор медицины П. Я. Пясецкий. Он рекомендовал юноше поступать учиться к П. А. Власову в Астрахань. Одновременно с Горюшкиным у Власова в то время обучался Б. М. Кустодиев.
С 1908 года до последних дней жизни художник постоянно проживал в Пензе, где преподавал в Художественном училище имени К. А. Савицкого, а летом выезжал на дачу в Ивановку. Там он писал сочные по колориту жанровые сцены из жизни местных жителей.
Работа «Сбор ягод» была подарена Астраханской картинной галерее самим автором в 1954 году. Картина наполнена светом и движением. Спелые ягоды, пересыпающиеся из молочно-белой миски в берестяной туес, придают композиции ощущение динамики, а освещённые ярким солнцем улыбающиеся лица селянок наполняют полотно оптимизмом.
Сычков Ф. В.
Выходной день в колхозе
1936
МРМИИ им. С. Д. Эрьзи
Сычков Ф. В.
Выходной день в колхозе
1936
Холст, масло. 103х138
Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
Картина 1936 года «Выходной день в колхозе» стала одним из самых известных произведений Федота Сычкова, народного художника Мордовии, заслуженного деятеля искусств МАССР и РСФСР, за советский период. Художник запечатлел сцену многолюдного праздничного отдыха. Действие разворачивается на залитом солнцем берегу полноводной реки Мокши, заросшем полевыми цветами.
На первом плане мастер изобразил трогательную сцену завязывающихся отношений между сельской девушкой и, вероятно, приезжим парнем из города. Девушка стыдливо опустила глаза и в смущении покусывает стебель полевого цветка. Ее соседка, прикрывающая глаза рукой от солнца, едва сдерживает добродушную улыбку и переглядывается со стоящими поодаль двумя подружками — девушки шепчутся о происходящем и улыбаются.
На втором плане персонажи полукругом расположились возле гармониста. Кто-то лихо отплясывает под музыку, кто-то весело и с любопытством глядит на танцующих, лузгая семечки.
Картина наполнена атмосферой радости и непринужденного веселья. Нарядная одежда героев, бусы и цветочные венки у девушек — все это усиливает праздничное впечатление. Во многом такому эффекту помогает и цветовой строй картины. Мастер создал колорит на основе сочетаний нежных голубых и зеленых оттенков. Вода, небо и молодая зелень мягко оттеняют пестрые одежды людей.
Федот Сычков мастерски уравновесил многолюдную композицию, гармонично распределив сцены по разным планам. Герои дальнего плана оживляют изображение, привносят в картину глубину. Художник любил писать подобные сюжеты. За искренний интерес к народу и его быту живописца прозвали «певцом народной жизни». Во второй половине 1930-х годов тематика произведений Сычкова расширилась: он стал обращаться к советской действительности с ее колхозами и коллективными гуляниями. Созданные в это время полотна «Колхозный базар», «Праздник урожая» и «Вручение акта на вечное и бесплатное пользование землей» отличаются мастерством компоновки многофигурных композиций и умением выделить среди массы персонажей индивидуальные характеры. Прослеживая несколько сюжетных линий, художник создавал яркие народные типы.
Данько Н. Я., Рукавишникова В. Ф., ГФЗ/ ЛФЗ
Группа «Колхозный молодняк»
1936
ГРМ
Данько Н. Я., Рукавишникова В. Ф., ГФЗ/ ЛФЗ
Группа «Колхозный молодняк»
Ленинградский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова (г. Ленинград)
Значительное место [в творчестве П.Кузнецова в 1930-е годы] по-прежнему занимало изображение работы на земле. Таковы солнечный, выдержанный в гамме нежных тонов холст «Колхоз в Армении» (1936, Ж-9071) и мастерская акварель «Колхозные стада» (1935-1936, РС-6070). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 18.
Веденеев А. Н.
Рыбацкий колхоз на реке Шексне
1937
Ярославский ХМ
Веденеев А. Н.
Рыбацкий колхоз на реке Шексне
1937
Холст, масло. 125 × 155
Ярославский художественный музей
Ж-251
Александр Веденеев принадлежит кругу художников, которые связаны с ярославским краем. В своих тематических картинах, как и многие другие его современники, мастер создает образы людей труда. Полотно рассказывает о повседневной жизни тружеников «Рыбацкого колхоза» на Шексне. До создания Рыбинского водохранилища (конец 1930-х годов) эта река впадала в Волгу и славилась обилием рыбы. Художник запечатлел радостный момент – богатый улов. Эмоциональный подъем, оптимистический настрой и восторг видны на лицах рыбаков.
Пластов А. А.
Стадо тагилок
1945
Нижнетагильский МИИ
Пластов А. А.
Стадо тагилок
1945
Холст, масло. 175,0 х 215,5
Нижнетагильский музей изобразительных искусств
Ж-427
В 1945 году по просьбе городских властей Нижнего Тагила Московское управление пропаганды сделало заказ художнику А. Пластову на выполнение картины «Стадо тагилок». Художник работает над произведением без этюдного материала, пользуясь фотографиями и описаниями природы Урала. Незнакомая и суровая ‑ она естественно связывается у живописца с землистым темным колоритом, характерным для его произведений военных лет. Смелый, уверенный мазок, прекрасно выверенная композиция выдают в работе руку истинного мастера. Пластов добивается почти эпического звучания крестьянской темы в простом, незатейливом сюжете. Пейзаж для живописца становится своеобразным символом естественного течения времени, вечности законов бытия.
Кастеев А.
Социалистическое животноводство
1947
Карагандинский ОМИИ, Казахстан
Кастеев А.
Социалистическое животноводство
1947
Холст, масло. 124,5 х 200
Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
ИНВ 1194
Панорамное полотно известного казахского художника Абылхана Кастеева – вид на джайлау в летнюю пору. На переднем плане картины в правом нижнем углу сидят трое мужчин. Справа, мужчина в возрасте – аксакал. Слева – мужчина средних лет, а между ними сидит юноша. Мужчина средних лет и юноша внимательно смотрят на аксакала. Он расположен в профиль, левой стороной к зрителю. У него белая борода и усы. На голове традиционный казахский головной убор – борик, отороченный мехом. На теле – коричневый шапан – верхняя, утепленная одежда с рукавами и воротом. Юноша одет в белую рубаху, на голове – тюбетейка. На мужчине средних лет – серый пиджак и белая рубашка. На левой груди – две медали. На голове – шапка. В руках мужчина держит сложенный вдвое кнут. Нижнюю часть тела людей скрывают высокие травы и цветы. Чудь дальше от людей, пасется запряженная лошадь пастуха.
За группой мужчин на просторе степи художник изображает стада коров, косяки лошадей, отары овец. Есть и верблюды. Слева животные изображены крупно – корова светло-коричневой масти и черно-белый бык. Отара овец пасется справа, на втором плане композиции. По центру картины – лошади.
Слева небольшой аул с четырьмя белыми юртами. Между ними ходят люди, стоит грузовая машина. За юртами у подножия холмов протекает река. На дальнем плане холмы и горная гряда с заснеженными вершинами, растворяющаяся в голубоватой дымке дневного света. По светло-голубому небу летят легкие белые облака.
Художник живописно отображает цветущую степь, ее холмистые изгибы. Кое-где голубыми островками на зеленой траве, выделяются небольшие водоемы. Передний план заявлен торжественным присутствием степной красоты – полевых цветов с их удивительной палитрой белого, розового, голубого, фиолетового и зеленого.
Произведениям А. Кастеева свойственно воспевание красоты родной природы. Он тщательно выписывает детали, внимателен к образам своих современников, поэтизируя их взаимоотношения и быт. В правом нижнем углу картины имеется авторская подпись: «Абылхан Кастеев. 1947».
Бачинин Н.И.
На приволье (Животноводство в Сибири)
1949
Омский ОМИИ им. М. А. Врубеля
Бачинин Н.И.
На приволье (Животноводство в Сибири)
1949
Холст, масло. 100 х 202
Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
Ж-2201
Картина омского художника Николая Бачинина «Животноводство в Сибири» рассказывает о подъеме животноводства в госплемсовхозе «Омский» – ведущем племенном хозяйстве Омской области. На привольных лугах с березовыми перелесками пасется тучное стадо коров голштинской породы, завезенной сюда после Великой Отечественной войны.
Мыльников А. А.
На мирных полях
1950
ГРМ
Мыльников А. А.
На мирных полях
1950
Холст, масло. 200 x 400
Государственный Русский музей
Ж-6070
Привольна, светоносна, солнечна, исполнена радости картина, словно олицетворение надежд, выстраданных людьми в военное лихолетье. Она — и своего рода воплощение образа Родины, обратившейся к мирному труду. Бескрайнее, кажется, пространство, высокое, чистое небо. Крестьянки, идущие по полю свободным широким шагом. Их фигуры на фоне неба по-своему монументализированы, ладный выразительный ритм подчеркивает движение женщин. Трагедия войны и радость мира постоянно перекликаются в творчестве живописца. «После „Клятвы балтийцев“, где оплакал товарищей, павших в войну, я написал „На мирных полях“. И с той поры вольно или невольно передавал свет и тьму. Может, само сердце подсказывало: устанет, потом поправится, ожесточится, потом посветлеет».// Анатолий Дмитренко. Большая картина. СПб., 2006. С. 247.
Трофимов Я. Д.
Субботник по заготовке дров в Егорьевске
1950
Егорьевский ИХМ
Трофимов Я. Д.
Субботник по заготовке дров в Егорьевске
1950
Холст, масло. 56,0 х 73,0
Егорьевский историко-художественный музей
Ж 318
Выпускник Казанского художественного училища Яков Дмитриевич Трофимов приехал в Егорьевск в 1920-е годы вместе с женой, уроженкой этих мест. Он вел кружок живописи в ДК им. Г. Конина, а также проявил себя как талантливый музейный художник: оформлял новые экспозиции, изготавливал макеты и мини-панорамы для краеведческого отдела музея.
В 1930–50-е годы Яков Дмитриевич создал ряд пейзажей и жанровых картин, хранящихся в собрании Егорьевского краеведческого музея. Они посвящены жизни города и его жителей. Картины отличает занимательность сюжета и большое внимание к деталям.
Пластов А. А.
Витя-подпасок
1951
ГРМ
Пластов А. А.
Витя-подпасок
1951
Холст, масло. 121 x 186. (В раме)
Государственный Русский музей
Ж-5957
Арефин С. Ф.
Доярка Нина Болотина
1951
Приморская ГКГ
Арефин С. Ф.
Доярка Нина Болотина
1951
Холст, масло. 66х95
Приморская государственная картинная галерея (Владивосток)
Ж-278
Картина приморского художника Степана Арефина «Доярка Нина Болотина» – портрет передовика производства. Это был заказ Управления культуры Примкрайисполкома для галереи передовиков сельского хозяйства, создававшейся в Приморском краевом краеведческом музее имени В. К. Арсеньева во Владивостоке. «Я писал её в 1951 году, в селе Поповка Ханкайского района. Тогда там существовал знаменитый колхоз, председателем которого был Герой Социалистического Труда Самохватко. Его колхозники как при коммунизме жили, в хороших домах, на асфальтированных улицах. Такой был руководитель», – рассказывал Степан Фёдорович.
Художник не стал писать парадный портрет знаменитой доярки, сидящей на стуле в дорогой одежде с медалями. Он изобразил её в движении, за работой на ферме, где ухоженные коровы одной породы содержатся в чистоте, где всё механизировано. Характер крепкой молодой женщины можно уловить во взгляде
Строев Петр Феонович
1898, Пенза – 1941
Живописец.
Родился в Пензе. Детство и юность художника прошли в Сибири. В 1914–1918 учился в Иркутской учительской семинарии, а с 1922 по 1926 – в Иркутской государственной художественной мастерской. Продолжил обучение во ВХУТЕИНе, где был зачислен на 2-й курс живописного факультета, на следующий год был переведён на 3-й курс монументального отделения. В 1928 завершил обучение, после чего вернулся в Иркутск.
В 1928–1929 занимался педагогической деятельностью. Позднее переезжает в Ленинград, где в 1930-х ‒ начале 1940-х участвует в ряде ленинградских и московских художественных выставок. В 1935 стал членом Ленинградской областной организации Союза художников СССР. Пишет ряд жанровых картин: «В свиноводческом совхозе» (1932), «В совхозе птицетреста» (1934), «Текстильный комбинат в Кировобаде» (1937‑1938 гг.) и другие.
Горюшкин-Сорокопудов Иван Силыч
1873, с. Наща Елатомского уезда Тамбовской губ. – 1954, с. Ивановка, Пензенская обл.
Живописец, график, педагог. Учился в студии Власова (1893-1894), в Высшем художественном училище при Императорской академии художеств у П.О. Ковалевского и И.Е. Репина (1895-1902). Основные направления творчества: исторический и портретный жанр, пейзаж. Преподавал в Пензенском училище (1908-1954).
Рукавишникова Варвара Федоровна
1878, Санкт-Петербург — 1966 (7)?, Ленинград
Сычков Федот Васильевич
1870, с. Кочелаево, Пензенская губ. – 1958, Саранск, Мордовия
Живописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1950), Народный художник Мордовской АССР (1937). Почетный член Союза художников Мордовии (1937). Автор жанровых полотен, портретов, пейзажей, натюрмортов, акварелей, рисунков.
Член Общества русских акварелистов (до 1917). Окончил рисовальную школу Общества поощрения художеств в Санкт-Петербурге (1895), Высшее художественное училище живописи, ваяния и архитектуры при Академии художеств в Петербурге (1900, мастерская Н. Д. Кузнецова, П. О. Ковалинского).
Жил в Кочелаеве (1870–1892, 1918–1956), в Санкт-Петербурге (1892–1918), Саранске (1956–1958). Участник всесоюзных, всероссийских, международных выставок. Награжден премиями и дипломами Общества им. А. И. Куинджи, Общества поощрения художеств, Академии художеств. В Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи действует постоянная экспозиция работ автора. Произведения художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи, музеях России, частных российских и зарубежных коллекциях.
Веденеев Александр Никифорович
1891, Рыбинск, Ярославская обл. – 1950
Живописец. Член Ярославского областного Союза советских художников (1934). Родился и жил в Рыбинске Ярославской области. Учился в рисовальной школе Общества поощрения художеств, Ленинград (1920-е). Участник выставок в Ленинграде (1926-1927), городских (Рыбинск), областных и республиканских выставок. Произведения художника находятся в собрании Рыбинского ИАиХМЗ, Ярославского художественного музея и в частных коллекциях.
Бачинин Николай Иванович
1921, с. Боровлянка, Тюменская обл. - 1994, г. Кемерово
Живописец. Народный художник РСФСР. 1934-1938 гг. – занимался в изостудии Дома пионеров и Дома народного творчества г. Омска. 1938-1940 гг. – учеба в Омском художественно-педагогическом училище, у А. И. Козлова, М. К. Легчилова (не окончил), работал в омском товариществе «Художник», одновременно брал уроки у художника А. Н. Либерова. 1943-1946 гг. – учеба во Всероссийской Академии художеств у Б. А. Фогеля, П. П. Белоусова, М. Д. Берштейна (не окончил). В 1948 в качестве поощрения был отправлен в Москву в студию повышения квалификации, руководитель Б. В. Иогансон. Участник выставок с 1943 года. Член СХ СССР c 1948 года. С 1950 г. жил и работал в Кемерово. 1958 г. – стажировка в Доме творчества «Академическая дача» им. И. Е. Репина. В 1995 г. учреждена ежегодная кузбасская премия имени Николая Ивановича Бачинина за наиболее талантливые, отличающиеся новизной и оригинальностью произведения живописи, получившие общественное признание и являющиеся значительным вкладом в культуру Кузбасса.
Мыльников Андрей Андреевич
1919, Покровск – 2012, Санкт-Петербург
Живописец, график, монументалист. Учился в ИЖСА ВАХ (1937–1940) на архитектурном факультете, на живописном факультете (1940–1946) у И. Э. Грабаря, В. М. Орешникова. Участник выставок с 1946. Более 50 лет занимался педагогической деятельностью, преподавал в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина, руководил мастерской монументальной живописи (с 1953), с 1957 – профессор. Действительный член АХ СССР (1966). Народный художник СССР (1976). Лауреат Сталинской премии за картину "На мирных полях" (1951); серебряная медаль МК СССР за картину "Пробуждение" (1958). Лауреат Государственной премии РСФСР в области архитектуры как соавтор и руководитель творческой группы, создавшей художественную экспозицию музея «Битва за Ленинград» (1979). Умер 16 мая 2012 в Санкт-Петербурге.
Трофимов Яков Дмитриевич
1895, г. Аткарск Саратовской губернии – 1970
Художник, член Союза художников СССР. Уроженец г. Аткарска Саратовской губернии. Работы хранятся в собрании Егорьевского музея.
В юности проявил способности к живописи и был принят в Казанское художественное училище, где закончил 4-хлетний курс обучения. В 1920-е знакомится со своей будущей женой, молодой учительницей Клавдией Ионовой, выпускницей егорьевской гимназии и переезжает на ее родину в Егорьевский уезд, где оба стали учительствовать в сельских школах. С 1937 работает преподавателем Егорьевского педучилища.
Писал маслом пейзажи, самостоятельно изготавливал музыкальные инструменты, на которых мастерски сам играл. Вокруг Якова Дмитриевича стали собираться творческие люди Егорьевска. Он имел недюжинные организаторские способности: в конце 1930-х организовал инструментальный ансамбль (три скрипки, виолончель, пианино), создал сводный хор егорьевских педагогов при Доме Учителя, вел кружок живописи в ДК им. Г. Конина. Проявил себя как талантливый музейный художник: оформлял новые экспозиции, изготавливал макеты и мини-панорамы, часть из которых сохранилась и до недавнего времени экспонировалась в краеведческом отделе музея.
Арефин Степан Фёдорович
1922, с. Боголюбовка Михайловского района Приморского края – 2006, Владивосток
Cоветский и русский художник, заслуженный художник РФ (1999), член СХ СССР (с 1948), Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» и Приморского отделения Всесоюзного театрального общества, живописец, график, художник театра.
Родился 19 декабря 1922 года в селе Боголюбовка Михайловского района Приморского края. С 1930 жил в г. Уссурийске Приморского края, с 1972 – во Владивостоке.
Служил и учился в Студии военных художников хабаровского Дома Красной Армии (1941–1947). Совершенствовал мастерство в Доме творчества «Академическая дача» им. И. Е. Репина (1949, 1950, 1960).
Начало выставочной деятельности – 1943. Участник краевых, зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных художественных выставок, а также зональных выставок театрально-декорационного искусства и всесоюзных выставок произведений художников театра и кино.
Главный художник Уссурийского драматического театра (1963–1972). Художник-постановщик Приморского краевого драматического театра им. М. Горького (1972–1977). Главный художник краевого Театра юного зрителя во Владивостоке (1977–1987). Художник-постановщик (1987–1997) и главный художник (1997–1999) Приморского академического краевого драматического театра им. М. Горького. Умер во Владивостоке 27 апреля 2006 года.
Среди наград – Дипломы Министерства культуры РСФСР (1951, 1954, 1968). Произведения находятся в Государственном центральном театральном музее имени А. А. Бахрушина, в Приморской государственной картинной галерее, Дальневосточном художественном музее, Сахалинском областном художественном музее, Пермской государственной картинной галерее, Камчатском краеведческом музее, Государственном объединённом музее-заповеднике истории Дальнего Востока, в частных коллекциях в стране и за рубежом.
Защита Родины
В разделе «Защита Родины» немало произведений посвящено героям Великой Отечественной войны, отдавшим свои жизни за мир на советской земле. Среди самых значительных полотен — «Краснодонцы» П.П.Соколов-Скаля, «Сталинградцы» А.Н.Самохвалова, «Он защищал Родину (Подвиг Юрия Смирнова)» А.А.Потехина, «Оборона Севастополя» А.А.Дейнеки, «Муса Джалиль. Перед приговором» Х.А.Якупова.
В 1919 году Александр Лабас оставил Государственные свободные художественные мастерские, организованные на базе Строгановского училища, и ушел добровольцем на фронт. «Впереди неизвестное, новые события, новые впечатления. Мне было восемнадцать лет». Эта запись объясняет поступок молодого художника как романтический порыв физически ощутить, измерить пространство «взвихренной» страны, присутствовать при рождении будущего. Вместе со своими товарищами по бригаде художников Политотдела 3-й армии Восточного фронта Лабас писал плакаты, транспаранты, оформлял агитпоезда.
Позднее, в 1928 году, он напишет картину «На Дальнем Востоке. Красноармеец», лирический портрет своего поколения. Хрупкий, интеллигентный еврейский юноша в пыльном шлеме-буденовке темным силуэтом замер на фоне заснеженных туманных далей. Кинематографическим наплывом приближена к зрителю плотная, замкнутая в себе фигура. Она кажется врезанной, вмонтированной в пробегающий вдали почти бесплотный пейзаж. В направленном внутрь себя взгляде, в позе юноши, скованного грубой шинелью, словно спрятанного в ней, – завороженная отстраненность. Он не столько присутствует, сколько грезит, вспоминает, видит внутренним взором строящихся в колонны людей, дома, устремленные вдаль дороги, кружащие в белесом, словно тоже заснеженном небе аэропланы. Образ «книжного мальчика», мечты которого обрели живую красочную плоть, – своего рода манифест художника. В нем он собрал основные образы своего творчества и утвердил себя создателем собственного мира, материалом для которого служит пропущенная через себя реальность. Сегодня перипетии гражданской войны на Дальнем Востоке поражают нас жестокостью и трагизмом. Художник был их свидетелем, но в его творчестве мы не найдем их отражения. «Мы вглядывались пристально в настоящее и представляли фантастику будушего», – слова, сказанные Лабасом, отражают мироощущение молодого поколения творцов постреволюционной эпохи.
Петров-Водкин К. С.
Смерть комиссара
1928
ГРМ
Петров-Водкин К. С.
Смерть комиссара
1928
Холст, масло. 196 х 248
Государственный Русский музей
Ж-7685
В начале 1920-х годов художник окончательно формулирует теоретическое обоснование своего творческого метода, в числе основополагающих моментов которого — использование «сферической» или «наклонной» перспективы и доминирующего «трехцветия». Если красный, синий и желтый цвета, главенствующие в его палитре, базировались на вековых традициях иконописи и к тому же нашли в ХХ веке научное объяснение, то «сферическая» перспектива родилась из опыта собственных наблюдений, обогащенных открытиями футуристов. <...> Использование сферической перспективы не стало для художника некой догмой и целиком зависело от образной характеристики. «На линии огня» (1916), «Полдень. Лето» (1917), «Смерть комиссара», запоминающиеся своей монументальностью и возвышенной патетикой, во многом обязаны сферической перспективе. Ольга Мусакова. Мгновения вечности // Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. СПб. 2018. С. 12.
Попытки увязать сюжеты из новой советской действительности с прежними принципами и взглядами художника вполне очевидны. В этапных произведениях, к каковым, в числе других, относятся «После боя» (Центральный музей Вооружённых Сил) и «Смерть комиссара», находит развитие тема «жертвенной смерти», которая заведомо предполагала параллели с религиозным искусством. В отношении «Смерти комиссара» неоднократно было отмечено в литературе сходство фигур комиссара и Христа в сценах оплакивания. Ольга Мусакова. Мгновения вечности // Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. СПб. 2018. С. 14.
«Смерть комиссара» – работа, написанная Петровым-Водкиным в 1928 году по заказу Реввоенсовета для выставки «10 лет РККА». Картина занимает центральное место в советском периоде творчества Петрова-Водкина. Эта, одна из основных для художника тема жизни, жертвенности и смерти, была решена здесь впервые в образах героев революции. В основе сюжета – эпизод Гражданской войны.
Здесь, как и в полотне «На линии огня», также зримо доминирует трагический момент боя. И действие вновь разворачивается на высоком холме. На первом плане две фигуры – смертельно раненный комиссар и поддерживающий его боец. Уносимый вихрем сражения, скатывается с холма отряд красноармейцев. Движимые вперед верой в праведность своей борьбы, бойцы исчезают за полукружьем зеленого холма, словно проваливаются в неведомую бездну. И снова смерть, пусть и во имя иных идеалов, обретает высокий смысл жертвенного служения человечеству. Поэтому неслучайно в композиции двух главных героев, изображенных на первом плане, прочитывается иконография Пьеты – сцены Оплакивания Христа.
В этом произведении нашла свое выражение оригинальная художественная система автора, его понимание живописного пространства и колористического строя. Сосредотачивая внимание на основной группе, данной крупным планом, мастер широко раскрывает пространственную глубину с плавными силуэтами холмов, дальними селениями, синей лентой реки. Петров-Водкин отказывается от традиционной линейной перспективы в пользу «сферической», которая играет роль художественной метафоры, выражающей в поэтической форме мировосприятие автора. Здесь ключ к пониманию замысла – в последнем мгновении раскрывается смысл жизни комиссара, его героической жертвы, утверждающей революцию. Изображенное событие перерастает рамки единичного факта, приобретает поистине планетарное, общечеловеческое звучание. Это произведение подвело итог многим живописным и философским исканиям К. С. Петрова-Водкина.
« Когда говорят о Петрове-Водкине и его школе, то возникают слова: трехцветка (очень дурно названо), наклонная перспектива или сферичность. Эти названия не объясняют вопроса <…> вопрос – какое отношение цвета к задачам движения. Цвет, как нам известно, имеет свои плотности, весомости, прозрачность, но цвет, принимаемый как удовольствие, как впечатление чисто эстетическое, дает меньше, чем мог бы дать, если бы мы предъявили вопрос другого порядка – его органической сущности <…> вопрос о зависимости цвета от насыщения формы тем или иным цветом, от композиционного их положения <…> Взять хотя бы „Смерть комиссара“. Люди движутся, бегут не потому, что у них бегущая поза, а потому, что это динамически разработанная композиция формы и цвета, которые дали разрешение сюжета <…> Мне хочется, товарищи, дать представление об увязке формального и содержательного значения картины <…>» (Из стенограммы выступления на творческом вечере К. С. Петрова-Водкина в МОССХе 25 мая 1933)
Самохвалов А. Н.
Военизированный комсомол
1932-1933
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Военизированный комсомол
1932-1933
Холст, масло, темпера. 198,5 x 278
Государственный Русский музей
Ж-8235
Во второй половине 1920-х годов страна Советов превратилась в лабораторию, в которой начался эксперимент по созданию нового пролетарского искусства – социалистического реализма.
В своей крупноформатной картине Самохвалов изображает членов коммунистической молодежной организации, демонстрирующих целеустремленность коллектива в подготовке к обороне страны. Несмотря на милитаристский характер занятий, кажется, что речь идет, скорее, о спортивном мероприятии для укрепления коллективной воли и тренировки индивидуальных способностей.
Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Картина была связана с пятнадцатилетием Красной Армии. Однажды, катаясь на лодке с друзьями, Н. З. Стругацким и Л. А. Мессом, я увидел небольшой участок поля, занятый молодежным стрельбищем. Девушки с винтовками лежа стреляли по цели, где-то тут же учились строю комсомольцы. Возле зенитки стояла группа молодежи, изучая механизм этого орудия обороны. С отдельными группами девушек работали инструкторы. Я написал эскиз будущей картины… Композиция картины очень ясная. Море и громадный участок свежевспаханного поля. На зеленом лугу переднего плана группа девушек, лежа, вырабатывает в себе снайперские навыки. Яркие, цветные одежды молодежи обогащают колорит картины. Горизонтали пересекаются стоящими двумя фигурами в левой части и большой группой в правой. Часть этой группы направлена влево и за ней, прямо на зрителя идет строй вооруженных комсомольцев, а на переднем плане девушка в военном костюме с противогазом замыкает композицию. К композиции сохранились два этюда. Один из них - "Девушка на военной учёбе", другой - "Комсомолец с винтовкой"».
Члены коммунистического союза молодежи, запечатленные на монументальном полотне Александра Самохвалова, представляли собой свежую силу партии. Идеалы нового мира были близки этим молодым строителям коммунизма. Дружно, плечом к плечу, единым строем стоят в строю молодые комсомольцы. Коллективизм, пропагандируемый государством, охватывал как идеологические взгляды, в которых не допускался индивидуализм и отклонение от единого курса, так и продиктованные идеологией поведенческие принципы. Самохвалов сумел ухватить этот общий дух коллективизма, создав обобщенный образ современника, формировавшегося в условиях «труда и подвига».
Данько Н. Я., ГФЗ/ ЛФЗ
Группа «Готовы к обороне»
1932
ГРМ
Данько Н. Я., ГФЗ/ ЛФЗ
Группа «Готовы к обороне»
Ленинградский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова (г. Ленинград)
Империалисты готовят нападение с моря. Усилим мощь обороны морских границ СССР
1932
ГРМ
Кочергин Н. М.
Империалисты готовят нападение с моря. Усилим мощь обороны морских границ СССР
1932
Бумага, хромолитография. 74,4х54,6
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-410
Петров-Водкин К. С.
Командиры РККА
1932
Волгоградский МИИ им. И. И. Машкова
Петров-Водкин К. С.
Командиры РККА
1932
Холст, масло. 83,5 х 86
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
СЖ-53
«Первая демонстрация. Семья рабочих в I годовщину Октября. 1918 год» (1927, ГЦМСИР), «1919 год. Тревога» (1934),«Семья командира» (1936, ТО ИКХМ), «Командиры РККА» (1932) — многословное повествование выдвигается здесь на первый план. Однако это не помешало Петрову-Водкину воплотить востребованные временем сюжеты в формах монументального искусства. Зритель, требовавший правдоподобия в 1930-е годы, все же замечал некоторые «странности» в картинах Петрова-Водкина: и нереальность его персонажей, и некий подтекст, обращенный к думающей аудитории. Ольга Мусакова. Мгновения вечности // Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. СПб. 2018. С. 15.
Вероятно, портрет был написан в преддверии крупной выставки «15 лет РККА», которая стала одним из значимых этапов формирования социалистического реализма.
Самохвалов А. Н.
Комсомолец
1932
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Комсомолец
Этюд к картине «Военизированный комсомол» (1932–1933)
Скульптура Шервуда «Часовой», созданная в период формирования и утверждения официального стиля соцреализма, стала своеобразной пластической метафорой духа революционной романтики. Вылепленная в реалистических, но достаточно обобщенных скульптурных формах, лишенная конкретной портретной характеристики, фигура воплощала собирательный образ солдата-героя революции, соответствующий канонам нового стиля. Наряду со скульптурной композицией Веры Мухиной «Рабочий и колхозница» «Часовой» стал одним из самых популярных скульптурных символов сталинской эпохи. Картины военной жизни в отечественном искусстве XVI–XX веков. СПб, 2022. С. 148;Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 50.
Судя по станковым композициям, на рубеже 1920–1930-х Шервуду было важно перейти от исторического портрета к композиции на актуальную политическую тему. Именно на этом поприще его ожидал успех, вписавший его в историю советского искусства не только как создателя первого советского памятника, но и как автора образцового скомпонованного портрета-типа. Шервуд получил заказ Реввоенсовета на исполнение композиции для выставки «XV лет РККА». После некоторых поисков подходящей темы скульптор выбрал «Часового» («на страже», «на посту»), который стал главным экспонатом выставки и был установлен перед входом на экспозицию в Москве. Изображение фигуры было напечатано на обложке каталога ленинградской выставки. Успех скульптуры обусловлен не только мастерским изображением воина на страже социалистической стройки, но и точным соответствием духу времени, когда СССР все более превращался в осажденную крепость, окруженную врагами. В этой композиции сказалось обращение Шервуда к конструктивистскому построению фигуры из геометрических форм. В то же время скульптор не отступал и от своих импрессионистических убеждений: работая в гипсе, Шервуд представлял свою работу в камне, поэтому набросал на поверхность «искрящиеся блестки», не только придавшие гипсу вид камня, но и передававшие впечатление морозной погоды. Не было забыто и увлечение передачей разных цветов при помощи разных материалов: винтовку Шервуд предполагал выполнить из стали, и только технические трудности помешали это сделать в экземпляре для выставки (в крупноформатном и в станковом варианте штык и приклад были выкрашены в черный цвет). Образ «Часового» использовался в массовой агитации. «Часовой» был признан «одним из первых произведений социалистического реализма в скульптуре», а его автор на 62-м году жизни стал живым классиком. Павел Бельский. Творчество Леонида Шервуда после октября 1917 года // Скульптор Леонид Шервуд… СПб. 2023. С. 17.
Ермолаев Б. Н.
Командир
Первая половина 1930-х
ГРМ
Ермолаев Б. Н.
Командир
Первая половина 1930-х
Холст на картоне, масло. 25,5 х 18,5
Государственный Русский музей
Ж-11524
«Командир» – одно из типичных для живописи Ермолаева первой половины 1930-х годов портретных изображений – своеобразной серии стилизованных под примитив работ небольшого формата, исполненных в темной зелено-коричневой, сближающей цвета гамме. Кто изображен на портрете – неизвестно, но известно, что художник любил работать по памяти или по наброскам, что само по себе – залог приоритета общего над частным. Ермолаев стремился к простоте и лаконизму изобразительного языка; в портретных работах первой половины 1930-х годов это стремление выразилось в ориентации на старую фотографию – с ее торжественным позированием и дотошной детальностью обстановки и костюмов. // Тамара Чудиновская. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 227.
Купцов В. В.
АНТ-20 "Максим Горький"
1934
ГРМ
Купцов В. В.
АНТ-20 "Максим Горький"
1934
Холст, масло. 110 х 121
Государственный Русский музей
ЖБ-1057
АНТ-20 „Максим Горький' – советский агитационный самолет, построенный в одном экземпляре в 1934 году, и в этом смысле картина Купцова представляет собой уникальный рекламно-художественный документ эпохи. Самолет, в то время самый большой в мире, поражал своими техническими данными (главный конструктор – А. Н. Туполев) – 8 моторов, размах крыльев 63 м, масса 42 т, вмещал 80 пассажиров и управлялся 8 членами экипажа. „Чудо" советской техники просуществовало недолго – самолет потерпел катастрофу 18 мая 1935 года. Изображен летящим над историческим центром Ленинграда. Алиса Любимова // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 453.
Знак нагрудный "Юный Ворошиловский стрелок"
1930-40-е
ГРМ
Знак нагрудный "Юный Ворошиловский стрелок"
1930-40-е
Бронза, эмаль. 32 x 26
Государственный Русский музей
Мед.А-20815
Подросток воспринимался в этой системе координат как недо-взрослый, который в процессе обучения и воспитания приобретает все необходимые для жизни взрослого полезные качества и переходит на следующую ступень развития. Исходя из этого детство пионера, каким оно виделось авторам коммунистической идеологической модели, было занято исключительно «взрослыми» занятиями с поправкой на возраст. Нельзя, наверное, найти такую сферу деятельности советского человека, у которой не было бы параллельного пионерского мира. Если взрослые готовились к войне и метко стреляли, чтобы получить нагрудный знак «Ворошиловский стрелок», то и дети учились, и лучшим из них вручался значок «Юный Ворошиловский стрелок».
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.28-29.
Ряжский Г. Г.
На страже
1930-1940
РОМИИ, Ростов-на-Дону
Ряжский Г. Г.
На страже
1930-1940
Холст, масло. 70,1 х 47
Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону
Ряжский создал несколько глубоко типизированных женских образов, в которых нашли отражение яркие перемены в людях, произошедшие после раскрепощения от всех видов гнета и неравенства. Самые известные среди них ‒ «Делегатка» и «Председательница»).
«На страже» представляет профильное изображение молодой женщины в темно-синей с коричневым воротником кутке и красной косынке. В звучном, наполненном чистотой красок колорите мастер показал представителя нового времени. В правой руке девушка держит штыковую винтовку. Характеристика образа раскрывается его композицией. Все внимание сосредоточено на открытом красивом лице женщины, её глубоко-задумчивом размышлении о предстоящих изменениях, о приближенности к большому всенародному, можно сказать, государственному делу.
Бибиков Г. Н.
Стратостат «Осоавиахим»
1935
ГРМ
Бибиков Г. Н.
Стратостат «Осоавиахим»
1935
Холст, масло. 238 x 156
Государственный Русский музей
ЖБ-1887
Осоавиахим — Общество содействия обороне, авиационному и химическому строительству — массовая добровольная общественная организация граждан Советского Союза, существовавшая с 1927 по 1948 год. Под руководством этой организации по всей стране создавались кружки, учебные пункты, занимавшиеся подготовкой населения к обороне. Уже в 1928 году в состав этого общества входили 2 млн. человек, выпускались специальные значки, марки, плакаты, пропагандировавшие деятельность Осоавиахима.
Запуск стратостата «Осоавиахим-1» состоялся 30 января 1934 года. Стратостат достиг отметки 22 км, превышающей мировой рекорд. Но через несколько часов полет закончился страшной трагедией. Гондола, оборвав стропы, упала с высоты 2 км. Все трое членов экипажа погибли. Подъем на такую высоту был безрассудством, поскольку значительно превосходил технические возможности аппарата. Но запуск происходил в день открытия XVII съезда ВКП(б). Депутатам съезда зачитывались радиограммы экипажа с приветствиями партии и отчетами о пройденной высоте. Однако о трагическом окончании полета было объявлено только на следующий день. Стратонавты были объявлены героями. Их прах был захоронен в кремлевской стене, в церемонии захоронения принимали участие руководители партии и государства. После расследования причин катастрофы многие специалисты, принимавшие участие в подготовке экспедиции, были расстреляны.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 57.
Долгоруков Н.А.
Морской флот - могучий страж водных рубежей
1937
ГРМ
Долгоруков Н.А.
Морской флот - могучий страж водных рубежей
1937
Бумага, хромолитография. 70х100
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-229
Васильев (Суходольский) Б. В.
На боевом участке
1937
Омский ОМИИ им. М. А. Врубеля
Васильев (Суходольский) Б. В.
На боевом участке
1937
Холст, масло. 39 х 99
Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
Ж-2197
Произведение одного из организаторов и участника Студии военных художников имени М. Б. Грекова Бориса Васильевича Васильева «Испытание боевой машины» (как и парная к ней картина «На боевом участке») экспонировалось на Всесоюзной художественной выставке «Индустрия социализма» (1939) в зале на тему «Индустрия крепит оборону СССР». В советском государстве искусство контролировалось военным ведомством, поэтому образ Красной армии был не последним в тематическом диапазоне художников, а образ советского солдата являлся составляющим элементом образа Нового человека.
Кочергин Николай Михайлович
1897, с. Всесвятское (Москва) - 1974, Москва
Живописец, график, плакатист, иллюстратор, театральный художник. Учился в Строгановском центральном художественно-промышленном училище (1908–1910). В Красной армии (с 1918): в Высшей школе военной маскировки, занимался художественной агитацией при Н. И. Подвойском на Украине, в т. ч. создавал рисованные плакаты. Один из создателей политического плаката. С 1919 жил в Москве, сотрудничал с Литиздатотделом ПУР. Организатор «Окон РОСТА» в городах Кавказа (Баку, Тбилиси, 1920, 1921). В дальнейшем постоянно работал в области журнальной графики и иллюстрации. // Плакат эпохи революции. СПб. 2017. С. 117.
Заслуженный художник РСФСР.
Продолжая занятия в училище, Николай Кочергин увлекся скульптурой из дерева, а через некоторое время был даже назначен помощником заведующего резчицкой деревянной мастерской. Летом 1918 года он вступил добровольцем в Красную Армию и вскоре был направлен в высшую школу военной маскировки (ВШВМ).
Кочергин создавал советский плакат, работал для газет и журналов двадцатых-сороковых годов в карикатуре, в оформлении периодических изданий «Красная панорама», «Огонек», «Вокруг света» и «Мир приключений».
После нападения гитлеровской Германии на Советский Союз, основным делом Кочергина стала агитационно-плакатная тематика. В блокадном Ленинграде принимал участие в создании «Окон ТАСС». Весной 1942 был вывезен в тяжелом состоянии из города «дорогой жизни» по льду Ладожского озера. Кочергин с семьей эвакуировался в город Фрунзе. В конце сороковых годов художником был создан ряд монументальных полотен – «Новгород наш» (1946), «Ленинградцы» (1948), «Штурм Зимнего дворца» (1950).
Послевоенный период отмечен крупными успехами Кочергина в иллюстрировании детской книги. Художник начал выступать с рисунками в детских журналах. Важным этапом в развитии творчества Кочергина стали рисунки к карело-финскому эпосу «Калевала».
Шервуд Леонид Владимирович
1871, Москва — 1954, Ленинград
Скульптор; автор станковых и монументальных произведений, педагог. Учился в МУЖВЗ (1886–1892), в ВХУ при ИАХ (1892–1898) в Петербурге. Участник выставок с 1902. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Доктор искусствоведческих наук (1942).
Ермолаев Борис Николаевич
1903, Санкт-Петербург – 1982, Ленинград
Живописец, график, литограф. Учился в ЛХПТ (1921–1925) у В. Н. Федоровича и М. И. Авилова. Сотрудничал с ленинградскими газетами «Ленинские искры», «Бытовая газета» и журналами «Красная панорама», «Юный пролетарий», «Резец» (1928–1931), иллюстрировал детские книги в издательствах «Радуга», «Детгиз» (1932). Член Общины художников (1928–1930) и «Цеха художников» (1930–1932). Участник выставок с 1928. Член СХ СССР (1941). Работал над портретными композициями (1931–1932), создал серии, посвященные краснофлотцам (1932–1935), и пейзажи Володарского района (1935–1936); пейзажи станицы Аксайской (близ Ростова-на-Дону) и Бердичева (1936–1937). Занимался в Экспериментальной литографской мастерской ЛОССХ (с 1940), создав свою оригинальную декоративно-пластическую систему цветной литографии. Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 224.
Купцов Василий Васильевич
1899, Псков - 1935, Ленинград
Живописец, график.
Учился в художественно-промышленной школе имени Н. Ф. Фан-дер-Флита в Пскове в 1913—1918, затем — в Свободных художественно-технических мастерских (бывшее училище А. Л. Штиглица) в 1921, во Вхутемасе — Вхутеине в 1922—1926 в Ленинграде. Работал художником в РОСТА в 1918—1921. Член объединения "Круг художников", участник всех его выставок в 1926—1932. Одновременно с 1925 посещал мастерскую "аналитического искусства" П. Н. Филонова.
Бибиков Георгий Николаевич
1903, Полтава — 1976, Ленинград
Живописец, рисовальщик, иллюстратор книг, художник театра, монументалист. В 1920–1925 учился в омском ХПТ; в 1925–1930 в ленинградском ВХУТЕИН–ИНПИИ. Участник выставок с 1920. Член СХ с 1932.
Васильев (Суходольский) Борис Васильевич
1913, Москва – 1981
Родился в Москве. В 1930 году окончил Московское областное художественное училище памяти 1905 года, а в 1932 году – курсы графики при Центральном Доме печати РСФСР. С 1934 по 1939 год работал в Студии военных художников имени М. Б. Грекова, один из первых участников и организаторов Изостудии имени М. Б. Грекова в особой Кавалерийской бригаде. Лауреат премии Государственного издательства (1943).
Воинские награды: медаль «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.», медаль «За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.».
Долгоруков Николай Андреевич
1902, Екатеринбург —1980, Москва
Советский художник-график, иллюстратор, плакатист. Член Союза художников СССР. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1963).
Космос
Среди произведений на тему освоения космоса можно выделить эскизы М.П.Цыбасова к фильму Павла Клушанцева «Дорога к звёздам», выполненные еще в 1950-е годы, до полета первого человека в космос, портреты Ю.А.Гагарина, написанные А.И.Плотновым, А.М.Шиловым, В.Н.Басовым, В.П.Семисенко, картину А.Н.Мазитова «Чайка (Портрет В.В.Терешковой)», космические пейзажи, созданные советским космонавтом А.А.Леоновым и одним из основоположников жанра космической живописи А.К.Соколовым, композиции на тему космоса Ю.А.Походаева.
Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
Г-3035
В 1950-е годы Михаил Цыбасов работал художником на Ленинградской студии научно-популярных фильмов. Символично, что оформленные им киноленты посвящены искусству и космосу («Эрмитаж», «Вселенная», «Дорога к звездам», «Планета бурь», «Циолковский»).
В 1957 году на Ленинградской киностудии научно-популярных фильмов режиссером Павлом Клушанцевым был поставлен научно-фантастический фильм «Дорога к звездам», в котором художником-постановщиком был Михаил Цыбасов.
Фильм Павла Клушанцева «Дорога к звездам», как и «Планета Бурь» (Леннаучфильм, 1961), вызвал за рубежом больший отклик, чем в СССР. В то время как сам режиссер умер в нищете, его фильм стал культовым в США, прежде всего, благодаря Стэнли Кубрику, который не раз говорил, что если бы не было «Дороги к звездам», не было бы и «Одиссеи 2001».
Фильм «Дорога к звездам» состоит из трёх частей; в первой кратко излагается история жизни основоположника русской космонавтики Константина Эдуардовича Циолковского; во второй описывается развитие ракетной техники; в третьей части авторы фильма пытаются заглянуть в будущее, где они видят первый пилотируемый космический полёт, выход в открытый космос, строительство орбитальной станции и высадку человека на Луне.
В собрании Музея изобразительных искусств Республики Карелия хранится четырнадцать эскизов к фильму Павла Клушанцева «Дорога к звёздам», в которых прослеживаются основные сюжеты трёх частей картины. На многих эскизах – авторские подписи М. Цыбасова, а также интересные для исследования подписи (возможно, самого Клушанцева), придающие им уникальность.
Цыбасов М. П.
Освоение Луны
1950-е
МИИ РК (Петрозаводск)
Цыбасов М. П.
Освоение Луны
1950-е
Бумага, акварель, белила, тушь. 28,9 х 36,3
Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
Г-3039
В 1950-е годы Михаил Цыбасов работал художником на Ленинградской студии научно-популярных фильмов. Символично, что оформленные им киноленты посвящены искусству и космосу («Эрмитаж», «Вселенная», «Дорога к звездам», «Планета бурь», «Циолковский»).
В 1957 году на Ленинградской киностудии научно-популярных фильмов режиссером Павлом Клушанцевым был поставлен научно-фантастический фильм «Дорога к звездам», в котором художником-постановщиком был Михаил Цыбасов.
Фильм Павла Клушанцева «Дорога к звездам», как и «Планета Бурь» (Леннаучфильм, 1961), вызвал за рубежом больший отклик, чем в СССР. В то время как сам режиссер умер в нищете, его фильм стал культовым в США, прежде всего, благодаря Стэнли Кубрику, который не раз говорил, что если бы не было «Дороги к звездам», не было бы и «Одиссеи 2001».
Фильм «Дорога к звездам» состоит из трёх частей; в первой кратко излагается история жизни основоположника русской космонавтики Константина Эдуардовича Циолковского; во второй описывается развитие ракетной техники; в третьей части авторы фильма пытаются заглянуть в будущее, где они видят первый пилотируемый космический полёт, выход в открытый космос, строительство орбитальной станции и высадку человека на Луне.
В собрании Музея изобразительных искусств Республики Карелия хранится четырнадцать эскизов к фильму Павла Клушанцева «Дорога к звёздам», в которых прослеживаются основные сюжеты трёх частей картины. На многих эскизах – авторские подписи М. Цыбасова, а также интересные для исследования подписи (возможно, самого Клушанцева), придающие им уникальность.
Басов В. Н.
Здравствуй, Земля
1961
Тверская ОКГ
Басов В. Н.
Здравствуй, Земля
1961
Холст, масло. 150,0 х 343,0 см
Тверская областная картинная галерея
Ж-1477
В полной мере самобытность московского художника Василия Николаевича Басова проявилась в работе над новой темой, которая возникла благодаря техническому прогрессу. 12 апреля 1961 года состоялся полет Юрия Гагарина в космос на корабле «Восток». Это событие имело важное значение для всего человечества. Оно приблизило к реальности мечты о космических путешествиях, открытии новых пространств и возможностей, исследовании ранее неизведанного. Полет Юрия Гагарина вдохновил многих деятелей искусств. Писатели, художники и кинорежиссеры в то время начали создавать произведения, герои которых действуют в масштабах бескрайней Вселенной. Басов подошёл к этой теме иначе. Вместо освоения неизведанных миров он изобразил момент высадки первого космонавта на родную землю.
Картина «Здравствуй, Земля» почти документально воссоздает обстоятельства приземления Гагарина, но при этом Басову удалось создать художественный образ, сопоставив масштаб события и переживания конкретного участника. Фигура космонавта изображена в таком ракурсе, что кажется зрителю огромной и величественной. Таким образом художник подчеркивает важное историческое значение этого человека. Землю художник изображает широким, кажется, почти бескрайним вспаханным полем — родные просторы, знакомые любому русскому человеку. Полотно отражает атмосферу торжества человека над новой стихией. Первые минуты космонавта после возвращения на Землю исполнены радости от достижения заветной цели и гордости за родную страну, ставшую космической державой.
Мазитов А. Н.
Чайка (Портрет В.В. Терешковой)
1964
Ярославский ХМ
Мазитов А. Н.
Чайка (Портрет В.В. Терешковой)
1964
Холст, темпера. 169 × 264,5
Ярославский художественный музей
Ж-1033
Татарский живописец Амир Мазитов в 1955–1978 годы жил и работал в Ярославле. Уже первые жанровые произведения художника, созданные в Ярославле, обратили на себя внимание высоким профессиональным мастерством. Поднимая значительные темы современности, он стал одним из первых создателей образа В.Терешковой.
16 июня 1963 года первая женщина-космонавт Валентина Терешкова совершила полет в космос на корабле Восток-6. Портрет Валентины Терешковой написан в 1964 году, через год после ее полета в космос. Будущая «Чайка» предстает перед зрителем в ту пору, когда была еще спортсменкой-парашютисткой Ярославского авиаклуба. После очередного прыжка она мечтательно смотрит в небесную даль. Амир Мазитов смог передать «дух времени», создать образ, наполненный лирико-романтическими интонациями.
Бурак А. Ф.
Возвращение. Посадка «Восхода-2» на Урале
1967
Ирбитский ГМИИ
Бурак А. Ф.
Возвращение. Посадка «Восхода-2» на Урале
1967
Холст, масло. 192,0 х 297,0
Ирбитский государственный музей изобразительных искусств
Ж-103
Александр Бурак посвятил большое живописное полотно «Возвращение. Посадка корабля „Восход-2“ на Урале» одной из страниц в истории технических достижений СССР. Настоящим событием для отечественной космонавтики стал полет корабля «Восход-2» под управлением командира Павла Беляева и второго пилота Алексея Леонова. Длительность полета составляла чуть больше суток. За это время наши космонавты совершили первый выход человека в открытый космос. Полотно А. Бурака рассказывает о финальном этапе космической эпопеи – приземлении. 19 марта 1965 года спускаемый аппарат космического корабля приземлился в глухой уральской тайге в Усольском районе Пермской области. Это произошло в незапланированном месте из-за нештатной ситуации – отказа автоматической системы посадки. Место посадки располагалось в 180 километрах на север от Перми и в 18 километрах от ближайшего жилья. В день приземления температура воздуха в тайге составляла минус 19 градусов. Высота снежного покрова достигала двух метров. Все это представляло угрозу для жизни космонавтов, поэтому наземными службами сразу были организованы спасательные операции. Однако обнаружить героев и вывезти их из тайги получилось только на третьи сутки.
Впечатленный этими историческими событиями, художник создает свое полотно. В трактовке Бурака заснеженный таежный пейзаж дополнен изображением спускаемого аппарата. Космическая капсула зависла над снегом на стропах большого полосатого оранжево-белого парашюта. Бурак побывал на месте приземления, чтобы сделать эскизы будущего полотна. Он также встречался с участниками событий: показывал свои наброски космонавтам. А затем привозил эскизы в Звёздный городок. В 1967 году полотно было завершено.
Степанов А. М.
Человек с планеты «Земля»
1970
ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Степанов А. М.
Человек с планеты «Земля»
1970
Холст, темпера. 185 х 169
Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Ж-721
Одним из наиболее известных произведений Народного художника Казахстана Алексея Степанова является картина «Человек с планеты Земля», написанная им в 1970 году. Тема космоса, освоение человеком неизведанных и загадочных миров была основной в творчестве художника. Картины А. Степанова отличаются условностью пластического языка, сложностью колористического и композиционного решения, актуальностью тематики работ. Картина «Человек с планеты Земля» представляет собой характерный образец творчества А. Степанова, в котором выступающая из тени фигура человека в скафандре звучит символом могущества науки и прогресса, проявленных высокими достижениями советского государства в освоении космического пространства. Данное произведение явлется примером того, как мастера 1970-х годов, преодолев догматику соцреализма, встали на путь освоения модернистских стилей в живописи, соответствующих веяниям и потребностям конца XX века.
Жбанов В. М.
Ваза «Космос»
1975
Магнитогорская КГ
Жбанов В. М.
Ваза «Космос»
1975
Фаянс, роспись подглазурная. Высота – 45 см.
Магнитогорская картинная галерея
ДПИ-791
Ваза «Космос» работы Виктора Жбанова имеет стилизованную форму с глянцевой поверхностью. Темой росписи стал знаменитый экспериментальный полет американского космического корабля «Аполлон» и советского космического корабля «Союз-19», состоявшийся в июле 1975 года, также известный, как «Рукопожатие в космосе». Плавный переход от холодного синей гаммы в теплые зеленые оттенки создает ощущение космического пространства и завораживает своей красотой. На этом фоне автором мастерски написаны космические корабли.
Походаев Ю. А.
В космос
1976
Калининградский МИИ
Походаев Ю. А.
В космос
1976
Холст, темпера. 151 х 151
Калининградский музей изобразительных искусств
Ж-2110
Одна из основных тем творчества Юрия Походаева – космос. Таинство Вселенной, мир звезд и галактик вдохновили живописца на создание серии полотен, где романтика земных деяний возносит образ человека-творца. Часть полотен, посвященная «космической» теме, побывала в международных космических экспедициях с Ю. Малышевым и Шар-Ма (Индия), В. Джанибековым и Жан-Лу Кретьеном (Франция). "Трудно подумать, – сказал французский космонавт, – что мой московский друг не был в космосе, настолько верно и глубоко ощутил он бескрайние просторы Вселенной".
В картине Юрия Походаева «В космос» – концептуальная символическая композиция. В её правой части изображён вертикальный корпус космической ракеты на старте с маленькой стаффажной фигуркой космонавта внутри. В левой части композиции группа – мужчин-конструкторов и два космонавта в скафандрах, обращённых к стартующей ракете. Фоном служит ночное небо, обозначенное цветовыми вертикальными полосами сине-фиолетовых оттенков.
Муллашев К.
Юность
1978
ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Муллашев К.
Юность
Центральная часть триптиха "Земля и Время. Казахстан"
1978
Картон, темпера. 86 х 125
Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Ж-3681(б)
В триптихе «Земля и Время. Казахстан» известный казахстанский живописец Камиль Муллашев лаконичными средствами емко и содержательно создал романтический образ своей эпохи.
В композиции левой части триптиха – «Над белой пустыней» – доминируют сферические объемы нефтеналивных цистерн. На первом плане рядом с этими колоссальными сооружениями видна фигура человека на верблюде – своеобразное сосуществование прошлого и настоящего и их сопоставление.
В центральной части триптиха «Юность», образы неба, земли и космонавта сосуществуют в неразрывном единстве, и каждый усиливает значение остальных. Стремясь передать суть явления, художник как бы освободил форму от второстепенных деталей, преобразив ее вещественность в условность поэтических уподоблений.
В правой части триптиха «Хлебная страда» изображены высыпающие зерно громадные самосвалы на фоне светло-голубого неба с белыми облаками, разлетающиеся в разные стороны голуби, фигурка юной девочки на фоне горы желтого зерна, – всё пронизано оптимизмом, жизнеутверждающей силой.
Возвышенный живописный строй, классическая ясность и убедительная логика композиционного решения в сочетании с реалистической достоверностью характеризуют триптих «Земля и Время. Казахстан». Для создания образа республики Муллашев нашел поэтический ключ, очень точно выразив его в трех важных составляющих компонентах – нефть, космос и целина.
Лаконизм формы, сдержанность образной интонации, умение соединить реальность с романтическим чувством, органично соединились в этом произведении. Масштабное воплощение идеи, гармоничное живописное решение, строгая конструктивность, и главное, убедительное «живописание эпохи» ставят триптих в ряд значительных произведений изобразительного искусства республики. Триптих удостоен Серебряной медали Академии художеств Франции.
Некрасов И. Г.
Из серии «Астрофизики»
1979
Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
Некрасов И. Г.
Из серии «Астрофизики»
Лист 1
1979
Бумага, смешанная техника. 75 х 59
Музейно-выставочный центр (г. Когалым)
ОФ-95
Свою серию «Астрофизики» график Илларион Некрасов создал конце 1970-х. В 1960–1970-е годы научно-технический прогресс становится ведущим фактором производства и открывает перед человечеством, казалось бы, неограниченные возможности – включая освоение космического пространства. Эта тематика вызывает большой интерес у художников, которые художественно переосмысливают научные проблемы и формируют новое эстетическое направление. В частности, большой вклад в развитие этого направления внёс И. Г. Некрасов, создавший графические серии «Шаги науки», «Звёздное небо», «Астрофизики».
Шилов А. М.
Гагарин — сын Родины
1980
ГРМ
Шилов А. М.
Гагарин — сын Родины
1980
Картон, пастель. 60 х 50
Государственный Русский музей
Ж-10850
Гагарин Юрий Алексеевич (1934–1968) стал первым в мировой истории человеком, совершившим полет в космос. Это великое событие состоялось 12 апреля 1961 года, когда на околоземную орбиту был выведен советский космический корабль «Восток». Ставший любимцем миллионов людей в разных концах планеты, Гагарин погиб в 1968 году во время учебно-тренировочного полета на истребителе. Первую известность Шилову принесли портреты космонавтов П. И. Климука, В. И. Севастьянова, В. А. Шаталова и особенно портрет Юрия Гагарина, выполненный в технике пастели. Эта сложная техника позволила создать тонкий и романтичный образ народного героя, каковым являлся Гагарин, взиравший со своей неизменной улыбкой со страниц журналов и газет. С одной стороны — это образ-штамп, а с другой — образ свободного, светлого человека на фоне голубого неба и бескрайних просторов Родины. Тамара Чудиновская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 490.
В 1977 году художник получил премию Ленинского комсомола за серию портретов советских космонавтов. Данная работа может служить своеобразным послесловием к ней. Если портреты серии решены в парадном ключе: космонавты торжественно предстают перед зрителем в блеске заслуженных наград, —то в портрете Гагарина ничто не говорит о совершенном им подвиге. Поясной срез портрета, простота одежды сокращают расстояние между изображенным и зрителем. Однако само лицо Гагарина, ставшее одной из икон ХХ века, сопоставленное с идеальным пейзажем «русского поля», обеспечивает картине статус культового произведения. // Любовь Большакова.Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 302.
Гагарин Юрий Алексеевич (1934–1968) – летчик-космонавт СССР, полковник, Герой Советского Союза (1961). 12 апреля 1961 впервые в истории человечества совершил полет в космос на космическом корабле «Восток». Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 302.
Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
Ж-1186
Алексей Архипович Леонов больше известен как советский космонавт № 11, первый астронавт. Немногие знают, что он был ещё и художником. Им в содружестве с советским художником-фантастом Андреем Константиновичем Соколовым в 1981 году были созданы картины, посвященные освоению человеком космического пространства, космическим пейзажам, будням космонавтов и фантазийным сценам жизни человека на Луне и далеких космических планетах.
Алексей Архипович Леонов 18-19 марта 1965 года совместно с Павлом Беляевым совершил полет в космос в качестве второго пилота на космическом корабле «Восход-2». В ходе этого полета А. Леонов впервые в истории космонавтики совершил выход в открытый космос продолжительностью 12 минут 9 секунд.
А. Леонов с детства любил рисовать, поэтому не случайно, его впечатления от космических полетов переданы в живописи.
Два больших полотна, хранящиеся в Художественном музее Алтайского края – «Нивы Алтая» и «Утро Алтая», рассказывают о том, каким предстает этот край глазам астронавта в ночное время и освещенный первыми лучами солнца. Среди темного космического пространства светятся ночные огни городов и сел Алтая, проглядывают русла рек, вершины гор, очертания засеянных пшеничных полей.
Леонов А. А.
Утро Алтая
1981
ГХМАК (Барнаул)
Леонов А. А.
Утро Алтая
Часть диптиха
1981
Холст, масло. 139,5 х 169,5
Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
Ж-1238
Алексей Архипович Леонов больше известен как советский космонавт № 11, первый астронавт. Немногие знают, что он был ещё и художником. Им в содружестве с советским художником-фантастом Андреем Константиновичем Соколовым в 1981 году были созданы картины, посвященные освоению человеком космического пространства, космическим пейзажам, будням космонавтов и фантазийным сценам жизни человека на Луне и далеких космических планетах.
Алексей Архипович Леонов 18-19 марта 1965 года совместно с Павлом Беляевым совершил полет в космос в качестве второго пилота на космическом корабле «Восход-2». В ходе этого полета А. Леонов впервые в истории космонавтики совершил выход в открытый космос продолжительностью 12 минут 9 секунд.
А. Леонов с детства любил рисовать, поэтому не случайно, его впечатления от космических полетов переданы в живописи.
Два больших полотна, хранящиеся в Художественном музее Алтайского края – «Нивы Алтая» и «Утро Алтая», рассказывают о том, каким предстает этот край глазам астронавта в ночное время и освещенный первыми лучами солнца. Среди темного космического пространства светятся ночные огни городов и сел Алтая, проглядывают русла рек, вершины гор, очертания засеянных пшеничных полей.
Плотнов А. И.
На Родине Гагарина
1982
Калужский МИИ
Плотнов А. И.
На Родине Гагарина
1982
Холст, масло. 100,0 х 120,0 см
Калужский музей изобразительных искусств
Ж-1282
Всесоюзную известность Андрею Ивановичу Плотнову принесли картины на тему космоса и первых советских космонавтов: триптих о Ю. А. Гагарине «Перед стартом», «На родной земле», «Счастье матери», «Валентина Терешкова».
Творчеству художника присуща верность лучшим традициям русского классического искусства. За период 1948–1990 годов им создан ряд произведений, отобразивших дух и веяния эпохи.
Портрет в творчестве Плотнова занимает сравнительно небольшое место, и это преимущественно композиционные портреты, где художник показывает не только внутренний мир человека, его мужественный характер и глубокое раздумье, но и окружающую его обстановку. Таковым является произведение «На родине Гагарина». На фоне летнего пейзажа изображен улыбающийся Юрий Гагарин. Цветущий луг, высокое синее небо, облака и он, простой советский парень, – первый человек, побывавший в космосе! Фигура Гагарина представлена в динамике, художник изображает его идущим по лугу, через плечо переброшен пиджак, который он придерживает рукой, в другой руке – цветок ромашки. Слева, за его спиной, на горизонте виднеется церковь, справа – корпуса завода, олицетворяя собой прошлое и будущее, а между ними, связующая нить – настоящее, в котором молодой и улыбающийся Гагарин идет смело вперед.
Плотнов А. И.
На Родине
1983 г.
Белгородский ГХМ
Плотнов А. И.
На Родине
1983 г.
Холст, масло. 100,0 х 80,0
Белгородский государственный художественный музей
Ж-659
Московский художник Андрей Иванович Плотнов создал целую серию картин, посвященных Юрию Гагарину. В нее вошли работы «До свидания, земляне!», «Встречают космонавта», «На Родине», триптих «На родной земле». Когда Плотнов писал их, он общался с родственниками и друзьями космонавта, не раз ездил в его родной город – Гжатск в Смоленской области.
Картину «На родине» (1983) Плотнов создал на основе эскизов, для которых Юрий Гагарин позировал ему лично.
В живописном полотне «На Родине» из фондов Белгородского художественного музея художник показывает момент возвращения Юрия Гагарина на родную землю по завершении первого в мире полета человека в космос – 12 апреля 1961 года. Космонавт изображен на фоне зеленого поля в оранжевом скафандре и шлеме с надписью «СССР», его правая рука поднята в приветственном жесте, а лицо озаряет знаменитая гагаринская улыбка.
Андрей Плотнов был единственным советским художником, который написал портрет Юрия Гагарина с натуры. «Я на всю жизнь запомнил день 2 февраля 1965 года, мой друг, близко знавший Юрия Гагарина, привёз его ко мне, и я в один сеанс написал портретный этюд этого удивительного человека и, несколько позже, своеобразный натюрморт, на котором изобразил его космические доспехи», – вспоминал позже художник.
Походаев Ю. А.
Байконур
1985
Калининградский МИИ
Походаев Ю. А.
Байконур
1985
Холст, масло. 150 х 100
Калининградский музей изобразительных искусств
Ж-2111
Одна из основных тем творчества Юрия Походаева – космос. Таинство Вселенной, мир звезд и галактик вдохновили живописца на создание серии полотен, где романтика земных деяний возносит образ человека-творца. Часть полотен, посвященная «космической» теме, побывала в международных космических экспедициях с Ю. Малышевым и Шар-Ма (Индия), В. Джанибековым и Жан-Лу Кретьеном (Франция). "Трудно подумать, – сказал французский космонавт, – что мой московский друг не был в космосе, настолько верно и глубоко ощутил он бескрайние просторы Вселенной".
В центральной части композиции картины «Байконур» изображены три стоящих рядом друг с другом космонавта в скафандрах. Слева обозначен вертикальный корпус космической ракеты, справа – ночное облачное небо с оранжевым диском луны. Цветовая гамма холодная, усиливающая ощущение встречи с Космосом.
Жданов В. А.
Портрет космонавта В. А. Джанибекова
1980-е гг.
ККХМ им. Ф. А. Коваленко
Жданов В. А.
Портрет космонавта В. А. Джанибекова
1980-е гг.
Медь, ковка, сварка. 55 х 53 х 34
Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
Ск-159
Кубанский скульптор Владимир Жданов за полвека создал обширную галерею портретов современников.
Портрет космонавта Владимира Джанибекова возник почти случайно, когда он приехал в Краснодар вместе со своим другом кубанцем Виталием Горбатко. У скульптора даже сохранились два шаржа, в 1980 году сделанных Джанибековым в его мастерской. Портрет «почетного гражданина Калуги, Черкесска и Хьюстона», ставшего генерал-майором авиации, самым опытным советским и российским космонавтом, который пять раз побывал на орбите в качестве командира космических кораблей, был виртуозно выкован из медного листа. Получился динамично созданный и пластически запоминающийся образ мужественного лётчика-космонавта, члена Союза художников СССР.
Джанибеков Владимир Александрович (род. 13 мая 1942, посёлок Искандер, Южно-Казахстанская область, Казахская ССР, СССР) — лётчик-космонавт СССР (1978), дважды Герой Советского Союза (1978, 1981), генерал-майор авиации (1985). В 1960 году окончил Ташкентское суворовское военное училище. Через год стал курсантом Ейского высшего военного авиационного училища лётчиков. По окончании училища в 1965 году служил лётчиком-инструктором в ВВС СССР.
С 1970 года — в отряде космонавтов. Самый опытный космонавт СССР, совершивший наибольшее число космических полётов — пять, причём все — в качестве командира корабля.
Первый полёт на корабле «Союз-27» (командир корабля) и орбитальной станции «Салют-6» (10—16 января 1978 года). Пятый полёт в качестве командира на корабле «Союз Т-13» и орбитальной станции «Салют-7» (6 июня — 26 сентября 1985 года). За успешное выполнение задач этого полёта Джанибеков награждён орденом Ленина. Общая продолжительность полётов — более 145 суток, 2 выхода в открытый космос (8 часов 34 минуты). Член Союза художников СССР. Является автором эскизов для советских (№ 5007, 5008, 5109, 5110 по каталогу почтовых марок СССР) и американских почтовых марок.
Соколов А. К.
Стартует Восток. Поехали
1985
Калининградский МИИ
Соколов А. К.
Стартует Восток. Поехали
1985
Холст, масло. 150 х 100
Калининградский музей изобразительных искусств
Ж-923
Андрей Константинович Соколов считается одним из основоположников жанра космической живописи. Его отец, Константин Михайлович, был одним из руководителей строительства космодрома Байконур. После окончания Московского архитектурного института в 1955 году Андрей Константинович работал по специальности в составе архитектурных групп по проектированию «закрытых» спецгородков, с того же года стал участвовать в художественных выставках. С детства будущий художник любил фантастику Жюля Верна, Александра Беляева, Константина Циолковского, Рэя Брэдбери. С 1965 года после встречи на телепередаче «Звёздная эстафета» постоянным соавтором Соколова становится летчик-космонавт СССР Алексей Леонов.
«Восток-1» (или просто «Восток») – советский космический корабль из одноименной серии; также первый в мире космический аппарат, поднявший на своём борту человека на околоземную орбиту. На корабле «Восток» 12 апреля 1961 года лётчик-космонавт СССР Юрий Алексеевич Гагарин совершил первый в мире пилотируемый полёт в космическое пространство. Старт корабля состоялся с советского космодрома «Байконур» в 9 часов 7 минут по московскому времени. Корабль выполнил один оборот вокруг Земли и совершил посадку в 10 часов 53 минуты в районе деревни Смеловка Саратовской области. Длительность полёта составила 106 минут. Момент, когда корабль запускают с космодрома, со всей красочностью и величественностью изображен на полотне Соколова.
Окороков Б. В.
На новые орбиты
1986
Магнитогорская КГ
Окороков Б. В.
На новые орбиты
1986
Холст, масло. 180 х 248
Магнитогорская картинная галерея
Ж-362
Картина московского живописца Бориса Окорокова рассказывает об одной из любимых тем в советском искусстве – освоении космоса, главном достижении Советского Союза. 12 апреля 1961 года было в очередной раз доказано первенство советской науки и техники над мировой. И в дальнейшем художники вдохновлялись образами астронавтов в скафандрах, звездного неба и космическими кораблями. Картина Бориса Окорокова – одно из подобных творений. Ночь. Космодром. Трое мужчин в скафандрах прощаются перед вылетом в космос.
Дмитриева В. И.
Гобелен «Память прожитых лет»
1987
Магнитогорская КГ
Дмитриева В. И.
Гобелен «Память прожитых лет»
1987
Шерсть, ручное ткачество. 233 х 142
Магнитогорская картинная галерея
ДПИ-1349
Гобелен «Память прожитых лет» работы художника по текстилю Валентины Дмитриевой имеет яркий, передающий праздничную атмосферу колорит. Он усиливается присутствием вверху множества красных стягов. В центре композиции – три фигуры, символизирующие победы и достижения советской эпохи в Великой Отечественной войне, в металлургической промышленности, в космонавтике. Красная надпись на одном из стягов «Продолжается подвиг великий!», фигура ребенка, белые голуби, множество цветов вносят в композицию оптимистическую ноту и веру в светлое коммунистическое будущее.
Басов Василий Николаевич
1918 – 1962, Москва
Советский художник, живописец. Родился 31 декабря 1918. Жил и работал в Москве. Творческий путь художника охватывает около 20 лет. В 1934 поступил в Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года, а после него продолжил образование в Московском художественном академическом институте имени В. И. Сурикова (1938–1948). С 1943 принимал участие в выставках, в том числе во всесоюзных, проходивших в Москве (1949, 1950, 1955, 1960). В этот период создал несколько произведений, посвященных Владимиру Ильичу Ленину, благодаря которым получил официальное признание.
В 1950-х обратился к образам русской деревни, а также начал писать картины об освоении целины. Работы художника экспонировались на зарубежных выставках в ГДР (1951), в Китае (1954). Персональные выставки художника состоялись в Москве в 1957 и 1964.
Член Союза художников СССР. В 1951 был удостоен Сталинской премии II степени в области изобразительного искусства за картину «Власть Советам — мир народам», созданную совместно с Н. Мещаниновым, В. Прибыловским и М. Суздальцевым. Работы художника – жанровые картины, пейзажи и портреты — созданы в традициях русской реалистической живописи.
Мазитов Амир Нуриахметович
1928, п. Бондюжский (ныне г. Менделеевск), Татарской АССР – 1992, Казань
Живописец, педагог. Заслуженный художник РСФСР (1970).
Родился в посёлке Бондюжский (ныне г. Менделеевск), Татарской АССР. В 1949 закончил Казанское художественное училище. Его дипломную работу признали в Москве лучшей среди выпускников художественных училищ того года. В 1950-м поступил в Ереванский художественный институт, перевёлся в Московский художественный институт им. В. И. Сурикова на факультет станковой живописи. Учился под руководством прославленного мастера Д. К. Мочальского. После окончания института в 1955 по распределению уехал в Ярославль. Преподавал в Ярославском художественном училище. Член Союза художников СССР с 1958.
Работал в разнообразных жанрах: это монументальная и станковая живопись, исторические и бытовые темы, пейзажи, портреты и натюрморты. Выставлялся на многих Всесоюзных и зарубежных выставках в Финляндии, Москве (1954, 1957), Вене (1959). В 1957 его картина «Утро на привале» участвовала в международной художественной выставке в Москве, посвящённой VI Всемирному фестивалю молодёжи и студентов. В 1964–1968 и 1970–1977 — председатель правления Ярославского Союза художников. В Ярославле получил звание "Заслуженный художник РСФСР" в 1970, а в 1968 был удостоен премии Ленинского Комсомола за тематический цикл «Барабанщик», «Сигнал», «Чайка». Лауреат областной премии Ленинского комсомола (1970). В 1979 вернулся в Казань. С 1988 по 1991 являлся членом Правления художников Татарской АССР. С 1982 председатель правления Союза художников Татарской АССР.
Бурак Александр Филиппович
1921, д. Ефремовка, Новосибирская обл. – 1997, Екатеринбург
Родился 10 июля 1921 в деревне Ефремовка, Барабинского района, Новосибирской области. В 1930 семья переехала в г. Кемерово.
В 1938–1943 учился на архитектурном факультете Новосибирского строительного института им. В. В. Куйбышева. Одновременно подрабатывал художником-мультипликатором в Новосибирской студии научно-популярных фильмов. С 1946 жил в Свердловске, работал в проектном институте. Картины писал в свободное время.
В 1951 принят в Союз художников СССР, в 1964 получил звание «Заслуженный художник РСФСР». В 1958 путешествовал на теплоходе «Грузия» вокруг Европы, побывав в Брюсселе на Всемирной выставке, в Антверпене. В 1968–1989 работал зав. кафедрой рисунка, живописи и скульптуры Свердловского архитектурного института.
Автор около 3000 живописных работ, участник областных и всесоюзных выставок.
Степанов Алексей Матвеевич
1923, дер. Чемодановка, Бессоновский р-н, Пензенская область – 1989, Алма-Ата
Родился 19 января 1923 года в деревне Чемодановка Бессоновского района Пензенской области. В 1943 окончил Пензенское художественное училище, учился у И. Горюшкина-Сорокопудова, А. Постнова, М. Валукина. В 1952 – ЛИЖСА им. И. Е. Репина АХ СССР, учился у Б. Фогеля, М. Авилова. Участник выставок с 1952. Член СХ СССР с 1954. Жил и работал в Алма-Ате с 1952. Народный художник Казахской ССР. Участник ВОВ. Награжден медалями СССР.
Жбанов Виктор Михайлович
1920, г. Старица, Тверская губерния — 1988, г. Раменское, Московская область
Заслуженный художник РСФСР. Художник декоративно-прикладного искусства. Член Союза художников СССР. Участник Великой Отечественной войны. Родился в 1920 в городе Старица Тверской губернии. С юности обладал природным талантом, который проявлялся в мастерстве и точности рисунка, тонком восприятии цвета и формы. В 1946 году поступил в Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной. Был учеником И. П. Степашкина и П. Д. Бучкина.
В 1951 году стал художником Ленинградского фарфорового завода (ЛФЗ) им. Ломоносова, эта работа стала для живописца делом всей его жизни. Обладая уникальным художественным дарованием и авторской фантазией, он создавал свои сказочные образы, рождавшиеся из мира природы. Каждая его работа отличалась оригинальностью и выразительностью рисунка. Декоративная ваза, тарелка, сервиз или живописный пласт – во всем чувствуется талант автора. Художник был мастером подглазурной и надглазурной росписи по формам, созданным коллегами Б. Я. Воробьёвым, С. Е. Яковлевой, А. И. Борисовым, скульптором П. Веселовым. Участник выставок с 1957 года. Персональная выставка (без каталога, совместно с женой, А. Н. Семёновой) в 1988 в «Чайном домике» Летнего сада (Санкт-Петербург).
Награды: Орден Великой Отечественной Войны 2 степени, дипломы и медали ВДНХ.
1960 – диплом за участие в конкурсе 3-го Ленинградского фестиваля молодёжи.
1967 – медаль выставки "50 лет Советской власти".
1970 – медаль выставки, посвященной 100-летию В. И. Ленина.
Работы хранятся в ГРМ, Музее ЛФЗ, ГМК, Кемеровском областном музее изобразительных искусств и других музеях страны.
Походаев Юрий Архипович
1927, Ессентуки
Родился 16 июля 1927 года в г. Ессентуки. Участник Великой Отечественной войны. В 1954 году окончил Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова. Народный художник СССР. Работы Ю. А. Походаева хранятся в Третьяковской галерее, многих музеях России и зарубежья.
Муллашев Камиль
р. 1944
Родился 27 октября 1944, в Урумчи в Китае. В 1967 окончил Алматинское художественное училище им. Н. В. Гоголя. В 1978 – МГХИ им. В. И. Сурикова, учился у Т. Салахова. Участник выставок с 1974. Член СХ СССР с 1980. Член Академии художеств китайской живописи СУАР КНР. Работал в Алма-Ате с 1978. Живет и работает в Астане с 2010. Академик Академии художеств РК. Награжден орденом «Знак Почета».
Некрасов Илларион Григорьевич
1929, с. Поротниково, Новосибирская обл. – 2012, Санкт-Петербург
Художник-график, педагог. Родился в селе Поротниково Новосибирской области. Окончил Казахское художественное училище и графический факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, затем там же преподавал. Занимался офортом, линогравюрой.
Шилов Александр Максович
1943, Москва - настоящее время
Живописец, график. Учился в изостудии Дома пионеров (Москва, 1957–1962), в МГХИ им. В. И. Сурикова (1968–1973). Участник выставок с 1971. Народный художник РСФСР
Леонов Алексей Архипович
30 мая 1934 года, Тисульский район, Западно-Сибирский край, РСФСР – 11 октября 2019 года, Москва
Летчик-космонавт СССР № 11. Дважды Герой Советского Союза (1965, 1975), генерал-майор авиации (1975).
Родился 30 мая 1934 в Листвянке, Западно-Сибирский край. После переезда семьи в Кемерово, увлёкся росписью русских печей, что помогало обеспечивать питание семье, где было девять детей. Этому искусству он научился у переселенцев из Украины. В 1948 семья переехала в Калининград. Окончил среднюю школу в 1953 и хотел поступать в Академию художеств в Риге, Латвия, но решил не поступать из-за высокой стоимости обучения. Поступил в украинскую подготовительную летную школу в Кременчуге.
В 1957 окончил Чугуевское военное авиационное училище лётчиков Украинской ССР. В 1960 году был зачислен в первый отряд советских космонавтов. 18—19 марта 1965 совместно с Павлом Беляевым совершил полёт в космос в качестве второго пилота на космическом корабле «Восход-2». В ходе полёта осуществил первый в истории космонавтики выход в открытый космос, проявив при этом исключительное мужество, особенно в нештатной ситуации, когда раздувшийся космический скафандр препятствовал его возвращению в космический корабль. За успешное осуществление полёта и проявленные при этом мужество и героизм подполковнику Леонову Алексею Архиповичу 23 марта 1965 присвоено звание Героя Советского Союза с вручением ордена Ленина и медали «Золотая Звезда».
Плотнов Андрей Иванович
1916, д. Верхняя Павловка Данковского уезда Рязанской губ. – 1997, г. Москва
Живописец, график, военный художник Студии при Главном политическом управлении пограничных войск, член Студии военных художников, член Московского Союза художников. Заслуженный художник РСФСР (1968).
Родился в деревне Верхняя Павловка Данковского уезда Рязанской губернии (ныне Данковский район) в семье крестьянина и навсегда сохранил трепетное отношение к родной земле, став впоследствии в том числе инициатором создания Данковской народной картинной галереи (1968).
С 1932 жил в Москве, где с 1933 учился в Художественном техникуме Объединения государственных книжно-журнальных издательств. В 1936 по рекомендации И. Э. Грабаря был принят на живописный факультет Московского художественного института (ныне МГХИ им. В. И. Сурикова), учился у профессора Григория Шегаля, окончил институт в 1942 году. В 1943 году получил диплом и стал военным художником.
Уже в ранних работах показал себя приверженцем психологического портрета и пейзажа. В 1943 стал военным художником при Главном политическом управлении пограничных войск и в составе Художественной студии выезжал на фронт: на Курскую дугу, в Одессу, Севастополь. Он писал этюды, часто выезжал на линию фронта, где делал зарисовки военных эпизодов, бойцов Советской Армии, их героические подвиги. Однако работа художника на войне не ограничивалась сбором изобразительного документального материала. На основе живых наблюдений, набросков создал более двадцати плакатов боевой славы Красной Армии и военных плакатов «Окон ТАСС».
После демобилизации из армии в 1947 году в творческих путешествиях исследовал буквально всю родную страну, а также совершал командировки по миру – в Среднюю Азию и Казахстан, Италию, Сирию, Ливан, Англию, Бразилию, Японию, Индию, ФРГ, Испанию. Многие его этюды и законченные произведения были посвящены Новолипецкому металлургическому комбинату (Липецк); не забывал художник и своих земляков. Много работал над индустриальными пейзажами, портретами.
Всесоюзную известность Андрею Ивановичу Плотнову принесли картины на тему космоса и портреты первых советских космонавтов.
Жданов Владимир Андреевич
1937, Кубань – 2014, Краснодар
Советский и российский скульптор, автор памятников и станковой скульптуры. Заслуженный художник Российской Федерации. Родился на Кубани, окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина в 1967 году, ученик академика Михаила Аникушина, Основные произведения скульптор посвятил родной Кубани. Мастер является автором галереи портретов выдающихся деятелей истории, науки и культуры: П. П. Лукьяненко, М. И. Хаджинова, В. В. Горбатко, В. А. Джанибекова, А. И. Майстренко, В Ф. Резникова, И. Ф. Вараввы и других. Скульптор возвёл памятник великому русскому поэту А. С. Пушкину, открытие которого стало значимым событием в культурной жизни края. Немаловажное место в творчестве скульптора занимала военно-историческая тема. Им были созданы памятник Герою Советского Союза, летчику-испытателю Г. Я. Бахчиванджи и Е. Ф. Степановой, на войнах потерявшей девятерых сыновей, мемориальный комплекс в память об участниках Великой Отечественной войны в с. Павловской.
Являлся доцентом кафедры монументально-декоративного и станкового искусства факультета телерадиовещания, театрального и изобразительных искусств Краснодарского государственного университета культуры и искусств, лауреатом премии администрации Краснодарского края в области науки, образования и культуры.
Среди незаконченных работ скульптора остался образ Аршалуйс Ханджиян, которая девочкой-подростком выхаживала раненых красноармейцев на линии фронта, а потом до конца своих дней ухаживала за их могилами.
Соколов Андрей Константинович
29 сентября 1931, Ленинград – 16 марта 2007 год
Советский и российский художник-фантаст. Народный художник РСФСР (1982).
Отец художника был одним из руководителей строительства космодрома Байконур. После окончания Московского архитектурного института в 1955 году работал по специальности, в том числе в составе архитектурных групп по проектированию «закрытых» спецгородков. С 1955 года участник художественных выставок.
С детства любил фантастику и первые работы в жанре научно-фантастической живописи посвятил роману Рэя Брэдбери «451 градус по Фаренгейту». После запуска первого искусственного спутника Земли в 1957 году всё творчество А. Соколова посвящено теме освоения космоса.
С 1965 года после встречи на телепередаче «Звёздная эстафета» постоянным соавтором Соколова становится летчик-космонавт СССР Алексей Леонов. Художник-космонавт привносит в совместные работы элемент «натурной» достоверности. Отличительной особенностью живописных работ Леонова и Соколова является достоверность в изображении форм, пропорций, деталей космических аппаратов и колорита внеземных пейзажей. Главная задача, которой следовали художники – изобразить космос таким, каким он предстаёт космонавтам. Кроме того, эскизы многих полотен Андрея Константиновича побывали в космосе на борту советских космических кораблей, а затем — на основе замечаний космонавтов — на Земле дорабатывались оригинальные полотна. Произведения Соколова выставлялись в Смитсоновском институте (США), в Дрезденской галерее, в музеях Берлина, Токио, Минска, во многих городах России.
Окороков Борис Владимирович
1933, Москва – 2005
Заслуженный художник РСФСР (1982). Родился в Москве. В 1952–1958 гг. учился в Московском Государственном Художественном институте им. В.И. Сурикова в мастерской В.Г. Цыплакова (преподаватели М.Л. Курилко, Ф.П. Решетников).
В 1958–1968 гг. работал в студии военных художников им. М.Б. Грекова. В 1960 г. вступил в Союз Художников СССР. Член правления МОСХ РСФСР (1971-1975).
Всесоюзную известность Борису Окорокову принесли работы на военную тематику.
В 2003 г. состоялась персональная выставка художника в Москве.
Работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А.С.Пушкина, Музее русского искусства в Киеве, других крупных музеях бывшего СССР.
Дмитриева Валентина Ивановна
1952, дер. Михайловка, Тамбовская обл.
Художник по текстилю. Член СХ РФ (2001). Окончила художественно-графическое отделение Тамбовского педагогического училища (1971), Московское высшее художественно-промышленное училище (1981). Во время учебы участвовала в межвузовском «потоке» (творческие встречи) художников по текстилю И. Я. Бондаря (с. Ворохта, Ивано-Франковской обл., 1977). С 1981 жила в Магнитогорске: художник-прикладник магнитогорских художественно-производственных мастерских. С 2000 работала на художественно-графическом факультете МаГУ: старший преподаватель кафедры рисунка (2000—2001), доцент (с 2001). Совершила несколько поездок в Дом творчества «Горячий Ключ» (Краснодарский край): в 1988 и 1989 в рамках республиканского «потока» художников по текстилю, в 1990 — республиканского «потока» художников-монументалистов.
Работает преимущественно в классической полотняной технике ручного настилочного ткачества, в том числе обогащенного фактурными приемами (жгуты, косы, петельный и разрезной ворс и т. п.). Создает декоративные композиции, обращается к жанрам портрета, натюрморта, пейзажа, ню. С 1978 – активная участница художественных выставок: в т. ч. зональных (Свердловск, 1985; Уфа, 1997; Екатеринбург, 2003, «Голубые просторы России», Ленинград, 1984; «Молодость России», Москва, 1987); всероссийской художественной выставки декоративно-прикладного искусства «На радость вам» (Москва, 2005)в Магнитогорской картинной галерее состоялись две персональные выставки автора (1995, 2000). Награждена дипломом СХ РФ (2005). Произведения находятся во Дворце бракосочетаний Тамбова, в Магнитогорской государственной консерватории, в Магнитогорской картинной галерее, Художественном фонде СХ РФ и частных собраниях России.
Чем сильнее будет мощь флота, тем прочнее станет советская власть
Первая половина XX века
ГРМ
Неизвестный художник
Чем сильнее будет мощь флота, тем прочнее станет советская власть
Первая половина XX века
Бумага, хромолитография. Л. 57,2х58,6
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1164
Богородский Ф. С.
Молодежь (Матросы)
1932
ГРМ
Богородский Ф. С.
Молодежь (Матросы)
1932
Холст, масло. 110 х 83
Государственный Русский музей
Ж-4418
Серия портретов моряков открывает этап творчества Богородского, в который он вступает после большой отчетной персональной выставки 1931 года. Отныне его главными героями становятся моряки. «После своей выставки я поехал на Черное море. Шесть месяцев я провел на военных кораблях среди краснофлотской молодежи, заражаясь комсомольской бодростью и веселой пенистой отвагой»,— вспоминал он.
«Молодежь» может считаться живописным посвящением художника новым друзьям. Художник косвенно полемизирует с приобретающей все большую популярность фотографией, отстаивая уникальность возможностей искусства живописи в создании художественного образа. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 18.
Композиция картины ставит ее в ряд двойных портретов, выполненных Богородским в 1932 году, прямо воссоздающих ситуацию позирования фотографу или же намекающих на нее.
Композиция картины ставит ее в ряд двойных портретов, выполненных Богородским в 1932 году, прямо воссоздающих ситуацию позирования фотографу или же намекающих на нее. Художник косвенно полемизирует с приобретающей все большую популярность фотографией, отстаивая уникальность возможностей искусства живописи в создании художественного образа. Эта серия портретов открывает новый этап творчества Богородского, в который он вступает после большой отчетной персональной выставки 1931 года. Отныне его главными героями становятся моряки. «После своей выставки я поехал на Черное море. Шесть месяцев я провел на военных кораблях среди краснофлотской молодежи, заражаясь комсомольской бодростью и веселой пенистой отвагой», – вспоминал он. «Молодежь» может считаться живописным посвящением художника новым друзьям. (Л.Б.). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 229.
Ермолаев Б. Н.
Краснофлотцы
1934
ГРМ
Ермолаев Б. Н.
Краснофлотцы
1934
Холст, наклеенный на картон, масло. 39 х 35
Государственный Русский музей
Ж-11502
В первой половине 1930-х годов Б. Н. Ермолаев создает целую галерею портретных изображений краснофлотцев и морских командиров. «Морская тема» влечет его едва ли не с юности: Ермолаев делил учебу в художественных мастерских с работой матросом в Торговом порту. Будучи первоклассным рисовальщиком, Ермолаев в живописи 1930-х годов стремится следовать традициям наивного искусства, сознательно подчиняя этой задаче свои художественные умения. Работая по натурным зарисовкам в условиях мастерской, он любовно и тщательно выписывает своих персонажей, вместе с тем почти лишая их материальной реальности, создавая сгущенную атмосферу особого мира своей живописи наподобие того, как это делал в своей прозе его современник Андрей Платонов. // Тамара Чудиновская. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 226.
Состоявшаяся в 1930 году в Русском музее выставка Нико Пиросманишвили оказала сильное воздействие на становление живописного языка Ермолаева. Художник и ранее тяготел к формам наивного искусства, вывеске, лубку, к таким профессиональным мастерам, как малые голландцы или А.Венецианов, сохранившие в своих произведениях устойчивый и ясный взгляд на предмет изображения. Работая по натурным зарисовкам в условиях мастерской, он любовно и тщательно выписывает своих персонажей, вместе с тем почти лишая их материальной реальности, создавая сгущенную атмосферу особого мира своей живописи наподобие того, как это делал в своей прозе его современник Андрей Платонов.
Эпопея ледокола «Челюскин», за спасением экипажа которого в начале 1934 года следил весь Советский Союз, нашла широкое отражение в разных видах искусства. В собрании Русского музея она представлена образцами скульптуры (этюд Веры Мухиной к скульптуре «Борей» для проекта памятника челюскинцам), графики (ксилография Федора Смирнова «Встреча челюскинцев» С.Гр.-4090; иллюстрация Василия Кобелева к книге «Как спасали Челюскинцев», С.Гр.-1836), декоративно-прикладного искусства (чайный сервиз «Поход „Челюскина“», выполненный на Ленинградском фарфоровом заводе имени М.В.Ломоносова), а также работами народных мастеров. Руслан Бахтияров. К берегам Антарктиды и Арктики || К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С.7.
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
Две части триптиха Дроздова интересны как опыт новаторских исканий в творчестве художника, придерживающегося традиционных форм в искусстве. Новый подход подчеркивается каждой деталью многочастной композиции, форматным решением, светлым и радостным колоритом. Образ кипучей жизни речного порта, с его шумным мощным движением, был созвучен энтузиазму „страны строящегося социализма", оптимизму первых пятилеток. Альфия Низамутдинова // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 314.
Долгоруков Н.А.
Морской флот - могучий страж водных рубежей
1937
ГРМ
Долгоруков Н.А.
Морской флот - могучий страж водных рубежей
1937
Бумага, хромолитография. 70х100
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-229
Шиллинговский П. А.
Бойцы за учебой
1938
ГРМ
Шиллинговский П. А.
Бойцы за учебой
Серия "Червона Украина"
1938
Бумага, литография. Л. 48,0 х 63,0; И. 31,0 х 40,0
Государственный Русский музей
С.Гр.-4944
«Червона Украина» (ранее «Адмирал Нахимов») — первый советский крейсер Черноморского флота. С 1927 года корабль использовался для учебных походов. В ходе Великой Отечественной войны участвовал в обороне Одессы и Севастополя, где потерпел крушение, став единственным затонувшим в 1941-1945 годах советским крейсером.
Котов П. И.
Красное Сормово
1939
АГКГ им. П. М. Догадина
Котов П. И.
Красное Сормово
1939
Холст, масло. 100,0 х 150,0
Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
Ж-134
В 1931 году Пётр Котов вступил в ряды только что образованного Московского Отделения Союза Советских художников. В годы долгих творческих поездок по стране он создавал этюды и монументальные работы, посвящённые трудовым будням советских людей. Героями его работ становятся труженики полей, заводов, крупных социалистических строек. Как вспоминал сам художник, в этих поездках он не только оттачивал мастерство передачи натуры, но и близко знакомился с жизнью своих современников.
Работа «Красное Сормово» (1939) была написана в годы поездок художника на одноимённый судостроительный и судоремонтный завод Сормовского района Горьковской (ныне Нижегородской) области. Картина является авторским повторением работы «Красное Сормово» (1937), экспонировавшегося на выставке «Индустрия социализма» и ныне хранящегося в Саратовском художественном музее им. А. Н. Радищева. Сам Котов называл эту картину своей «первой довольно серьёзно проработанной живописной вещью». К ней художник собирал материал больше года. Репродукция картины была отпечатана на открытках для Всемирной выставки в Нью-Йорке 1939 года, где Котов демонстрировал написанную по заданию правительства работу «Садоводы в гостях у Мичурина» (ГРМ).
Неизвестный художник
Комсомол - шеф над Красным флотом. 75% флота - комсомол
Первая половина XX века
ГРМ
Неизвестный художник
Комсомол - шеф над Красным флотом. 75% флота - комсомол
Первая половина XX века
Бумага, хромолитография. 70,0х105,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1394
Сидоров М. И.
На Сталинградский фронт
1942
Самарский ОХМ
Сидоров М. И.
На Сталинградский фронт
1942
Холст, масло. 140,0 × 250,0
Самарский областной художественный музей
Ж-745
В начале 1940-х г. в Куйбышев приехал московский художник Михаил Сидоров. Среди его работ, выставленных в 1942 году, выделяется большая многофигурная композиция «На Сталинградский фронт», посвященная реальному событию. С причала Куйбышевского порта отправляется пароход в Сталинград, где развернулась тяжелая кровопролитная битва, во многом решившая исход Великой Отечественной войны. Садящиеся на пароход солдаты и матросы шутят, смеются, приветствуют друг друга, не догадываясь, что впереди их ждет трагическая гибель: известно, что этот пароход в числе других был потоплен фашистами в августе 1942 года.
Работа недостаточно прописана, заметно, что художник торопился, готовя картину к выставке, но, в любом случае, для нас она является подлинным историческим и мемориальным документом.
Свешников Д. К.
Проводка каравана в Белом море
1944
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Свешников Д. К.
Проводка каравана в Белом море
1944
Бумага, гуашь. 31 х 42,8
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Г-5940 АОМИИ
Пахомов А. Ф.
Нахимовец на Авроре
1948
ГРМ
Пахомов А. Ф.
Нахимовец на Авроре
1948
Литография. И.:64,5 х 41,5. Л.:84,0 х 60,0
Государственный Русский музей
С.Гр.-6566
Соловьев М. М.
Защитникам морских рубежей Советского Союза - Слава!
1949
ГРМ
Соловьев М. М.
Защитникам морских рубежей Советского Союза - Слава!
1949
Бумага, офсет. 56,2 х 79,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-810
Рахманзаде М. Ю.
Привезли продукты
1956
Азербайджанский НМИ (Баку)
Рахманзаде М. Ю.
Привезли продукты
Из серии «Нефтяные камни»
1956
Бумага, автолитография. 49 x 40
Азербайджанский Национальный Музей Искусств (Баку)
Q-1292/1 (1)
Азербайджанская художница Марал Рахманзаде на протяжении жизни не раз посещала все уголки Азербайджана, создав многочисленные серии пейзажей родного края. Огромную популярность художнице принесла большая серия акварелей, литографий и линогравюр, посвященных легендарным Нефтяным Камням. Марал Рахманзаде была первым художником, которая поехала работать на Нефтяные Камни. Находясь среди нефтяников, наблюдая их трудовые будни, быт, она рисовала промысловые пейзажи Каспия, строительство эстакад, нефтяные резервуары, вышки, налив нефти. Так появились рисунки, акварели и литографии, изображающие наиболее характерные эпизоды трудовой жизни нефтяников Каспия, и к этой теме художница неоднократно возвращалась. За данную серию М. Рахманзаде была удостоена Государственной премии Азербайджана.
Литография «Привезли продукты» входит в серию «Нефтяные камни» (1956). Повседневная героика простых нефтяников нашла свое воплощение и в данном графическом листе, где изображены люди на катере, подплывающие к эстакаде. Пронзительные лучи солнца, брызги волн, летящие чайки создают определенный ритм, гармонично сочетающийся с жизнеутверждающим колоритом произведения.
Карташёв О. Н.
На Жигулевском море
1957
Самарский ОХМ
Карташёв О. Н.
На Жигулевском море
1957
Холст, масло. 111 × 182; в раме 128 × 200 × 10
Самарский областной художественный музей
Ж-964
К началу 1950-х Олег Карташев сложился как мастер пейзажа. Каждый пейзажист ищет и находит в природе созвучные его душе, таланту, мысли и настроению мотивы. Для Карташева мир природы был необъятным и удивительным в самых обыденных проявлениях. Почти никогда в его произведениях не выражаются настроение тревоги, беспокойства. Ему ближе радость светлых солнечных дней.
С 1955 года О. Н. Карташев несколько лет подряд работает в Жигулях. Он кочует по берегам Волги в Царевщину, на Бахилову Поляну, в село Федоровка, в места, где строилась Куйбышевская ГЭС.
Карташёв показал современную ему Волгу, создал своеобразную «Жигулевскую сюиту» (1957). В ней перед зрителем развертывается картина своеобразной природы и жизни Волги у Жигулей. С завершением создания каскада волжских водохранилищ и каналов (1930–1964) произошли грандиозные перемены, превратившие главную водную магистраль России в Большую Волгу с новыми морями, гидроэлектростанциями, городами и промышленными предприятиями.
Тогда же Карташёвым была задумана серия картин под названием «Волга – главная улица России». Над этим циклом художник работал до последних дней. В него вошел ряд совершенно разных по характеру картин, отображающих современные автору реалии.
В одной из своих статей в журнале «Художник» живописец писал: «Показать огромные изменения, происходящие с необычайной быстротой в жизни нашего края, – интересная и сложная задача. Решить её можно лишь при условии, если художник поймёт и увидит сущность изменений и сумеет отличить эту сущность от случайных примет». И он стремился показать Волгу сегодняшнего дня, показать её как «главную улицу России».
Своеобразную «жигулёвскую сюиту» составляют три произведения, созданные автором к 40-летию Советской власти: «В Жигулях», «У Жигулёвских ворот» и «На Жигулёвском море» (1957). Наиболее глубоко образ Большой Волги тех лет воплощается в последней картине. Необозримый простор нового моря, созданного руками человека. И весь пейзаж наполнен движением. Языки мола вклиниваются в водную гладь, повсюду снуют суда. Теплая колористическая гамма, яркая освещенность вносят радостное чувство.
Пясковский М. Г.
Погрузка «Оби»
1960
Калининградский МИИ
Пясковский М. Г.
Погрузка «Оби»
1960
Холст, масло. 170 х 232,4
Калининградский музей изобразительных искусств
Ж-567
Михаил Григорьевич Пясковский, в отличие от многих своих современников, трактовал индустриальную тему скорее эмоционально, чем рационально. Композиция некоторых его индустриальных картин построена на контрасте между миром людей и миром техники – и «Погрузка “Оби”» не исключение. Здесь, среди кранов, машин и судов, энергично течёт будничная жизнь портовых рабочих, занимающихся привычными рутинными делами. На представленной картине зритель видит процесс погрузки различных предметов на известный дизель-электроход «Обь», бывшего флагманом Советских Антарктических экспедиций в 1955-1975 годах. Это транспортное судно ледового класса, спущенное на воду 10 октября 1953 года и имевшее портом приписки Мурманск, долгие годы служило плавучим общежитием для исследователей антарктических вод.
Добровольский В. Ф., Чернов С. И.
Караван
1961
ГХМАК (Барнаул)
Добровольский В. Ф., Чернов С. И.
Караван
1961
Холст, темпера. 39 х 41
Государственный художественный музей Алтайского края (Барнаул)
Ж-344
В начале 1960-х годов алтайскими художниками Владимиром Добровольским и Семеном Черновым была создана серия работ «Обь целинная», одна из них – «Караван». Работы, выполненные в «суровом стиле», образно и ярко рассказывают о человеке-труженике.
Баранов В. Г.
В плавучем доке
1970
Мурманский ОХМ
Баранов В. Г.
В плавучем доке
1970
Холст, масло. 85,0 x 120,0
Мурманский областной художественный музей
Ж-97
Темы произведений Василия Баранова — Мурманск в военные и послевоенные годы, люди, трудящиеся в тяжелых условиях Севера, море, зарисовки суровой и хрупкой природы Заполярья.
Перед нами морской индустриальный пейзаж. Мы видим судно в так называемом плавучем доке. Плавучий док в современной терминологии является техническим сооружением, предназначенным для проведения осмотра и ремонтных работ подводной части корпуса судна. Это плавучая платформа под дном, в стенках которой находятся шестнадцать резервуаров, которые держат док на плаву. В резервуарах открываются клапаны, и они заполняются водой. Платформа под тяжестью опускается на различную глубину в зависимости от размеров судна. Когда буксиры подводят судно к плавучему доку, он начинает погружение. Каждое судно и корабль буквально втягивается в док тросами, закрепленными к корпусу. Корабль удерживают по центру плавучего дока посредством канатов. Корпус корабля неидеально гладкий, поэтому, когда плавучий док начинает подниматься, судно не стоит ровно на балках. Тут и начинается самая опасная часть постановки. Под воду опускается ныряльщик, который будет проводить осмотр и корректировать действия докеров для точной постановки на кильбалки. Если блоки не будут подогнаны вплотную ко дну, при подъеме корабля из воды корпус может получить серьезные повреждения. Это самый критический момент при подъеме. Когда все закончено, вода откачивается со скоростью 110 куб. метров в минуту. В результате плавучий док поднимает корабль из воды. Процесс занимает около 20 минут.
Шемякин Г. А.
Новый порт
1970
Мурманский ОХМ
Шемякин Г. А.
Новый порт
1970
Холст, масло. 69 x 113
Мурманский областной художественный музей
Герман Шемякин – автор картин с ярким колоритом и настоящим северным характером. Одна из таких работ – «Новый порт». Прежде чем приступить к работе, художник много времени проводил в порту, напитываясь его атмосферой и образами, которые затем воплощал на холсте. Группа судов в данном произведении умело и пластично соединена в единое целое. Многие свои работы Герман Шемякин посвятил теме порта, который сыграл значительную роль в истории и становлении города.
У истоков возникновения порта на Мурмане лежат рыбацкие становища, которые первые поселенцы основали на Мурманском берегу еще в XV веке. Необходимость оборудования специальных мест, где промысловые суда могли бы пережидать непогоду, сдавать улов, а также получать необходимые орудия лова, соль, пресную воду и продовольствие, стояла достаточно остро. В сентябре 1915 года была возведена временная пристань, куда пришвартовался пароход «Дротт», а через год был заложен город, получивший название Романов-на-Мурмане, который в дальнейшем переименовали в Мурманск. Благодаря Мурманску Россия получила выход в Атлантический океан, а также возможность освоения Арктики и передвижения по Северному Ледовитому океану через Северный морской путь. В военные годы порт стал надежной опорой для обороны Заполярья и основным каналом доставки грузов.
В послевоенное время порты Мурманска стремительно наращивали объемы грузооборота, несколько раз подвергались реконструкции и расширению. Многие работы в портах более эффективно выполнялись с помощью техники. В 1971 году в Мурманском морском рыбном порту было около 140 единиц различного перегрузочного оборудования, из них 62 крана.
Гигантские портальные краны Мурманского морского торгового порта давно стали настоящей визитной карточкой столицы Кольского Заполярья. Эти машины, напоминающие сказочных великанов, многие годы служили источником вдохновения для художников и фотографов, работающих в различных жанрах.
Мурманск во всем мире известен как город рыбаков. Мурманский морской рыбный порт и Мурманский морской торговый порт по праву считаются главными и важнейшими предприятиями города.
В 2016 году к вековому юбилею столицы Заполярья был реализован проект архитектурно-художественного освещения Мурманского морского торгового порта, а портальные краны превратились в новый промышленный арт-объект.
Плавучий док – это инженерное сооружение, предназначенное для ремонта и транспортировки судов, а также их подъема и спуска на воду.
Дроздов Иван Георгиевич
1880, с. Введенское, Московская губ. - 1939, Ленинград
Живописец, график, монументалист, работал в области декоративно-прикладного искусства. Учился: 1890-е – иконописная мастерская М. Молова, Школа Большакова; 1900-1904 – Пензенское училище у К. А. Савицкого; 1904-1910 – Высшее художественное училище при ИАХ у В. Е. Маковского, И. Е. Репина, В. Е. Савинского. 1911-1912 – пенсионер ИАХ в Италии, Франции, Германии. Председатель Ленинградского филиала АХР(Р) – 1924-1926).
Шиллинговский Павел Александрович
1877, Кишинев — 1960, Ленинград
Гравер, рисовальщик, живописец, педагог. Учился в одесском ХУ (1895–1900), в ВХУ при ИАХ (1901–1911) у И. Е. Репина и Д. Н. Кардовского, в граверной мастерской В. В. Матэ (1912–1914). Член-учредитель объединения „Шестнадцать“ (1922). Участник выставок с 1913: графических искусств (1913), „Мир искусства“ (1913), НОХ (1917), Общины художников (1921, 1922), „Шестнадцать“ (1922–1928), „CCХ“ (1931). Специализировался на технике офорта, в 1917 самостоятельно овладел техникой ксилографии. Декан полиграфического факультета ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1921–1929), заведующий кабинетом графики ИЖСА (1934–1937), руководитель графической мастерской ИЖСА (с 1936). Профессор (1939).
Павел Шиллинговский — один из ведущих мастеров в печатной графике. Ключевые темы в его творчестве формировались в русле неоклассицизма — архитектурные пейзажи, руинизированные памятники. Для Шиллинговского были характерны сложные и насыщенные композиции, по примеру европейских мастеров барокко и классицизма, в которых старательно подчеркивалась техническая виртуозность, его гравюры часто сравнивали с архитектурными фантасмагориями прославленного итальянского гравера XVIII в. Д. -Б. Пиранези. Один из ведущих и наиболее авторитетных педагогов Академии художеств, он воспитал целую плеяду художников-графиков, для которых фундаментом творчества было следование и переосмысление классицистической традиции.
Котов Петр Иванович
1889, слобода Владимировка Астраханской губернии — 1953, Москва
Живописец, график, монументалист; автор жанровых картин, портретов, пейзажей, натюрмортов.
Учился: 1903–1909 – художественное училище (Казань) у Г.А.Медведева, В.С.Скорнякова, с 1908 у Н.И.Фешина; 1909–1916 – ВХУ при ИАХ у Г.Р.Залемана, В.Е.Савинского, Я.Ф.Ционглинского, Ф.А.Рубо, Н.С.Самокиша. Участник выставок с 1916. Член и экспонент: АХРР–АХР – 1923–1928; "Союз советских художников" – 1929–1932. Преподавал: 1919–1922 – Высшие государственные художественные мастерские (Астрахань); 1937–1941 – Киевский ГХИ; 1937–1953 – Харьковский ГХИ; 1944–1948 – ВГИК; 1949–1953 – МГХИ (с 1940 – профессор). Член СХ (с 1932). Лауреат Сталинской премии 1948 за портрет академика Н.Д.Зелинского (1947, ГТГ). Заслуженный деятель искусств РСФСР (с 1946), действительный член АХ СССР (с 1949).
Сидоров Михаил Иванович
1904–1980
В 1920-е учился у Д.Н. Кардовского в Москве. В 1940–1950-е жил в Куйбышеве и активно участвовал в выставках.
Свешников Дмитрий Константинович
1912, поселок Людиново, Смоленской губернии – 1997, Архангельск
Живописец. Автор тематических и жанровых композиций, пейзажист, портретист. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР. Член-корреспондент Академии художеств СССР. Награжден медалями Министерства культуры СССР, Всемирной выставки в Брюсселе. Почетный гражданин г.Нарьян-Мара. В 1932–1937 учился в Ленинградском художественно-педагогическом училище. Председатель правления архангельского товарищества «Художник», Архангельского отделения Союза художников РСФСР, член редколлегии журнала «Художник», член правления Союза художников РСФСР. Участник выставок с 1940 года.
Соловьев Михаил Михайлович
1905, Москва —1990, Москва
Советский художник-график, мастер общественно-политических плакатов.
Родился в 1905 году в Москве. В 1930 году окончил Высшие курсы АХР, где учился у И. И. Машкова, П. П. Соколова-Скаля. Начал свою творческую деятельность как живописец.
В годы войны активно сотрудничал в «Окнах ТАСС». В послевоенное время, работает в жанре общественно-политического плаката. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Сотрудничал с издательствами «Изобразительное искусство», «Изогиз», «Плакат», «Агитплакат». Постоянный участник зарубежных, всесоюзных и региональных художественных выставок. С 1933 года член Союза художников СССР.
Рахманзаде Марал Юсиф кызы
1916, Баку, Бакинская губерния – 2008, Баку
Советский и азербайджанский художник-график, иллюстратор, плакатист. Народный художник Азербайджанской ССР (1964).
Родилась в Баку. В 1930–1933 училась в Азербайджанском Государственном художественном техникуме. В 1934–1940 продолжила образование в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова. Первая азербайджанка, получившая профессиональное художественное образование.
В годы Великой Отечественной войны создала большие графические станковые серии патриотического содержания. Одна из них посвящена героизму советских женщин в годы войны («Народное ополчение», «Женщины в строю», «Дочь партизана», «Связистка»); другая – труду людей в тылу («Работа в колхозе», «Общественницы», «Артисты выступают перед фронтовиками»).
В 1940-е работала над иллюстрированием художественной литературы. В 1945 оформила книги «Дахнаме» Хатаи и «Страна огней» А. Зограббекова, также исполнила иллюстрации к произведениям «Девичья башня» и «Гюльзар» Дж. Джаббарлы.
В послевоенные годы продолжала работать в области станковой графики. В 1947 на юбилейной выставке впервые была экспонирована серия автолитографий «Нефть» из 10 листов об истории нефтяного края. Также автор серии автолитографий под названием «У нас на Каспии».
В последующие годы работала в технике линогравюры. В этой технике созданы работы, посвящённые заводам-гигантам двух молодых городов – Сумгаита и Рустави. В 1960-х годах после поездок в отдаленные районы Азербайджана созданы серии цветных линогравюр «Моя родина» и «Азербайджан», посвященных в том числе и природе Нахичевани.
Сотрудничала с издательствами; автор политического плаката «Советская женщина – активный строитель коммунизма!» (1950)
Лауреат Государственной премии Азербайджанской ССР им. М. Ф. Ахундова (1965).
Карташёв Олег Николаевич
1910, Москва –1965
Родился в Москве в семье дирижера, начал учиться рисованию в Рыбинске. Живописец, график. Член СХ СССР (1949). Заслуженный художник РСФСР (1963). Окончил 1-е Ленинградское художественное училище (1931–1936). В 1955 возглавил Куйбышевское отделение СХ РСФСР. Был ведущим художником Поволжья. Работал преимущественно в жанре пейзажа. Участник выставок с 1935.
В 1955 и 1956 оргкомитет Союза художников СССР направил художника в Куйбышев для руководства летней творческой практикой группы живописцев. Летом художники совершали длительные поездки по Самарской Луке и Волге. В наиболее живописных местах ставили палаточный лагерь. Днем ходили на этюды, вечером у костра спорили об искусстве.
В 1959 окончательно переехал в Куйбышев. Был избран председателем правления Куйбышевского отделения СХ РСФСР, активно занимался административной и организационной работой, был постоянным членом республиканского выставкома.
Пясковский Михаил Григорьевич
1925, с. Пятихатки, Днепропетровская область, Украинская ССР – 2012, Калининград
Окончил художественный факультет Всероссийского государственного института кинематографии, а после, в 1953, по распределению попал в Калининград. Здесь он стал одним из главных деятелей местного отделения Союза художников и заявил о себе, как о создателе масштабных тематических картин, пейзажей, портретов, натюрмортов. Интересно отметить, что в 1950-е годы Михаил Григорьевич также выступал в роли художника-декоратора и оформлял спектакли для Калининградского театра драмы.
Признанный классик калининградского искусства, народный художник России, на протяжении многих лет становившийся участником выставок регионального, всероссийского и международного уровня.
Добровольский Владимир Федорович
1 ноября 1929, Барнаул – 17 октября 2002, там же
Советский, российский художник. Монументалист. Заслуженный художник России (1980). Окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной (1958). Первый профессиональный художник-монументалист в Алтайском крае. Также работал в жанрах натюрморта, пейзажа, портрета.
Чернов Семен Ипатьевич
16 февраля 1924, с. Ая, Алтайский край – 14 февраля 1988, Барнаул
Советский художник. Живописец. Окончил Харьковский художественный институт (1957). Мастер тематической картины, пейзажа.
Баранов Василий Григорьевич
1912, д. Поташино Смоленской губернии – 1978, Мурманск
График, живописец, Заслуженный работник культуры РСФСР. Член Союза Художников с 1961 года.
Родился 12 апреля 1912 года в деревне Поташино Смоленской области. Окончил Ленинградское художественно-педагогическое училище в 1937 году. После окончания училища художника призвали служить на Северный флот в город Полярный. В военные года он служил матросом, а потом младшим командиром в Мурманске.
Ветеран Великой Отечественной войны. Один из известных мастеров изобразительного искусства Кольского Заполярья, инициатор создания отделения Союза художников в Мурманске (1965), впоследствии ставший его первым председателем. Имя Баранова занесено в книгу Почёта Мурманской области.
Именно период службы на севере и участие в Великой Отечественной Войне стали самыми важными в формировании личности Василия Баранова как художника.
Принимал участие в работах по маскировке кораблей, зенитных батарей и других военных объектов, в выпуске сатирических плакатов «Таран» и «Окна, «Полярной правды». В прифронтовом Мурманске, который почти ежедневно подвергался налетам вражеских самолетов и бомбардировкам, художник находил возможность делать зарисовки, писать этюды. Награжден орденом Красного Знамени, орденом Красной Звезды, медалью «За боевые заслуги», медалью «За оборону Советского Заполярья», медалью «За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941–1945 годов».
Темы его работ – Мурманск в военные и послевоенные годы, люди, которые служат в тяжелых условиях севера, море, неяркие зарисовки суровой природы Заполярья.
Судьба и стечение обстоятельств, исторические события, склад характера, наследственность, талант – все это вместе дало ту необыкновенную личность, которая стала одной из ключевых фигур изобразительного искусства, отражающего всю специфику жизни Кольского Севера.
В собрании Мурманского областного художественного музея находится 117 графических и живописных произведений автора. Имя В.Г. Баранова занесено в Книгу Почета Мурманской области.
Шемякин Герман Андреевич
р. 1938, г. Мурманск
Живописец, член Союза художников СССР (1971). Родился в 1938 году в г. Мурманске. После окончания Казанского художественного училища вернулся жить и творить в родной город. Художник посвятил малой родине не только прекрасные картины, но и стал автором известных нагрудных значков «Праздник Севера», «Мурманск» и «Север».
Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!
Первая половина 1920-х
ГРМ
Комаров А. И., (?)
Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!
Первая половина 1920-х
Бумага, хромолитография. 100,7 х 71,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1305
Плакаты этого времени обладают определенными объединяющими чертами. Характерной особенностью «детских» плакатов является то, что ребенок почти всегда изображен бодрым, крепким, здоровым и активным. Вне зависимости от того, ликвидации какой насущной проблемы посвящен плакат, дети выглядят так, как будто она уже решена. То есть изображение чаще всего формировало образ светлого и радостного будущего, к которому придет общество, искоренив обозначенную проблему. Исключение составляли плакаты, построенные на сравнении с «проклятым прошлым». Яркий пример такого решения — плакат Алексея Комарова (?) «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать», — пропагандирующий новые стандарты в уходе за ребенком. Каждый эпизод композиции состоит из двух клейм, интерпретирующих один сюжет c точки зрения «как было раньше» и «как сейчас».
Провозглашая строительство бесклассового общества, советская власть, тем не менее, сразу же стала создавать строгую иерархическую структуру, в которую были включены и дети. Атрибутов принадлежности к той или иной социальной группе в плакате не имеют, пожалуй, только младенцы. Все остальные наделены отличительными признаками: либо визуально (пионерский галстук, барабан, горн), либо вербально — в сопроводительном тексте (октябрята, пионеры, юные ленинцы, дети Ильича, всеобучники и т. д.). Ребенок, прежде всего, общественная единица: младенец — будущий октябренок, октябренок — будущий пионер, пионер — будущий комсомолец, а в конечном итоге — строитель коммунизма. Тема идейной преемственности поколений проходит красной нитью через все плакаты советского времени. Даже под образцы агитационной продукции, касающиеся вопросов гигиены, здоровья и воспитания детей, подведена идеологическая база.
Лозунг, сопровождающий плакат, как правило, строится по схеме причинно-следственной связи: ребенок должен быть здоров потому, что он будущий строитель коммунизма. Его жизнь и здоровье не самоценны, а рассматриваются с точки зрения социума, вкладывающего в него свои силы, с расчетом на дальнейшую отдачу.
Так, на плакате «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать» изображена шеренга малышей, несущих лозунги, среди которых призывные: «Мы требуем акушерок, а не бабок; сухих и чистых пеленок!..» и тут же мотивирующие: «Мы идем вам на смену», «Чем мы будем крепче, тем вам будет легче».
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.
Неизвестный художник
8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах
1930
ГРМ
Неизвестный художник
8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах
1930
Бумага, хромолитография. 104,0 х 74,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1421
В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.
Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.
Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.
Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Например, колхозница передает из рук в руки своего ребенка воспитателю на фоне пасторального колхозного пейзажа, куда пойдет трудиться «освобожденная» мать, и идеального детского сада, где младенец будет окружен заботой и вниманием («8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах»).
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-13.
Петров-Водкин К. С.
1919 год. Тревога
1934
ГРМ
Петров-Водкин К. С.
1919 год. Тревога
1934
Холст, масло. 169 x 138
Государственный Русский музей
Ж-1269
«Тревога» Кузьмы Петрова-Водкина — это воспоминание о поре, когда мир представлялся не только яростным, но и прекрасным,— о ней напоминает октябрьский номер «Красной газеты» за 1919 год. О поре написания картины напоминают часы, показывающие девять часов тридцать четыре минуты — 1934 год. Художник видел: «Та страна, что могла быть раем, стала логовищем огня»,— но стоически принимал это как неизбежное испытание. Ничего не разглядеть в окне, которое у Петрова-Водкина всегда было окном в мир, способом объединения внешнего и внутреннего пространства: «вселенная — место глухое». Большое время остановилось. Пространство замкнулось. Русский музей. От иконы до современности. СПб. 2015. С. 353.
«Первая демонстрация. Семья рабочих в I годовщину Октября. 1918 год» (1927, ГЦМСИР), «1919 год. Тревога» (1934),«Семья командира» (1936, ТО ИКХМ), «Командиры РККА» (1932) — многословное повествование выдвигается здесь на первый план. Однако это не помешало Петрову-Водкину воплотить востребованные временем сюжеты в формах монументального искусства. Зритель, требовавший правдоподобия в 1930-е годы, все же замечал некоторые «странности» в картинах Петрова-Водкина: и нереальность его персонажей, и некий подтекст, обращенный к думающей аудитории. Ольга Мусакова. Мгновения вечности // Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. СПб. 2018. С. 15.
Петров-Водкин писал: «Что касается «Тревоги», то я думаю, ясно по самой трактовке <…>, что это накопление революционной борьбы, это всегдашнее неспокойствие, всегдашняя боязнь за то, чтобы не дрогнули завоевания революции…».
Создавая картину об эпохе Гражданской войны художник так комментировал свой замысел: «…засвистели сирены, которые созывают всех трудящихся на защиту Петрограда. Вот именно этот момент мне и хотелось передать». И дальше Петров-Водкин раскрывает истинный смысл своей «Тревоги»: «Но мне хотелось сделать сюжет не местным, а сделать более широко, передать тревогу исторического масштаба, масштаба больших переживаний…».
Тревога проявлена во множестве деталей: в беззащитной, совсем не героической мещанского вида фигуре рабочего, который напряженно из-за занавески всматривается в окно, в холодной синеватой уличной мгле, в смятой газете, в брошенном на край стола мятом фартуке, в старых и изорванных обоях. Еще более она возрастает при взгляде на спящего безмятежно в своей кровати ребенка. Трагизм происходящего очевиден: тихий домашний мир внезапно застигнут чем-то грандиозным, что надвигается на город, на дома и людей, живущих в них. И это нашествие неотвратимо, как сама судьба.
Купервассер Т. И.
Портрет стахановки Гладковой с дочерью
1936
Омский ОМИИ им. М. А. Врубеля
Купервассер Т. И.
Портрет стахановки Гладковой с дочерью
1936
Холст, масло. 124,5 х 86,3
Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
Ж-2195
Работа «Портрет стахановки Гладковой с дочерью» ленинградской художницы Татьяны Купервассер создана в 1936 году. Возникшее в 1935 году стахановское движение воодушевило многих советских художников на создание портретов героев труда – стахановцев. Имя изолировщицы ленинградского завода «Севкабель» Варвары Сергеевны Гладковой (1899–1984) стало известно всей стране: в ноябре 1935 года она выпустила за смену 101,5 км телефонного провода. Гладкова была участницей Первого Всесоюзного совещания стахановцев (1935), награждена орденом Трудового Красного Знамени. В составе делегации Ленинграда участвовала в работе Чрезвычайного VIII Всесоюзного съезда Советов (1936). Ленинградская художница Татьяна Купервассер-Русакова, работая над образом своей героини, отказалась от мажорного пафоса, отличавшего многочисленные портреты героев труда, изобразив уставшую после смены женщину.
Работа «В доме отдыха. Алупка» написана Петром Котовым в Доме творчества художников в Алупке. Изображены жена автора, художница З. А. Кожевникова-Котова (1894–1961), и дочь Ирина. Несмотря на то, что изображены близкие персонажи, произведение органично вписывается в ряд произведений советского искусства, раскрывающих жизнь советских людей.
Картина посвящена курортному Крыму, став ярким живописным символом советской эпохи. В ней автор достоверно передал не только бытовые подробности, но и неповторимую эмоциональную атмосферу южного отдыха.
Работа экспонировалась на персональной выставке произведений П. И. Котова в 1937.
Искусствовед С. В. Разумовская в отзыве о выставке писала: «В теплом, любовном восприятии жизни. Это честное и искреннее отношение ко всему, на чем останавливается глаз художника, умеющего находить в простом значительное и значительное выражать в простых образах. Его живописный язык – сочные свежие краски, которыми так богата природа. Его живопись пронизана светом и трепетным ощущением реальной жизни».
Садиленко Ю. Х.
Мама прилетела
1937
Донецкий РХМ
Садиленко Ю. Х.
Мама прилетела
1937
Холст, масло. 130 × 120
Донецкий республиканский художественный музей
Ж-231
Сюжет картины украинского художника Юрия Харлампиевича Садиленко «Мама прилетела», написанной во второй половине 1930-х годов, характерен для своего времени. Героиня – молодая мама – только что приземлилась после прыжка с парашютом, и ее радостно встречают дети. Молодая женщина в сером летном комбинезоне крепко обнимает маленького золотоволосого мальчика и с улыбкой смотрит на девочку, которая бежит к ней, широко разведя поднятые вверх руки. Большую часть полотна занимает изображение высокого голубого неба с крупными, подсвеченными солнцем, купами облаков.
Адливанкин С. Я.
Премия (Донбасс)
1937
АГКГ им. П. М. Догадина
Адливанкин С. Я.
Премия (Донбасс)
1937
Холст, масло. 229,5 х 190,0
Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
Ж-589
В начале 1930-х годов Самуил Адливанкин утвердился в социалистическом реализме, став признанным советским художником. Работа «Премия» – одно из самых известных произведений Адливанкина. В нем в полной мере раскрылось внутреннее мироощущение художника. По воспоминаниям современников, это был добрый и чуткий человек. Его близкие и коллеги по художественному цеху ласково называли его Самошей. Т. М. Крюкова, внучка художника, в своих воспоминаниях рассказывала, что когда её с кем-то знакомили и говорили, кто её дед, то многие изображали руками мотоциклиста, намекая на, безусловно, одну из лучших его работ.
В основе сюжета картины – эпизод из жизни советской семьи. Счастливые лица молодых родителей и ребёнка, совсем недавно принятого в пионеры, придают картине настроение радости, как и ярко-голубое летнее небо. В те годы такой же счастливой была семья самого художника. Он часто писал свою дочь Еву и сына Мишу, погибшего впоследствии на фронте. Однако герои этой картины не имеют портретного сходства с женой и сыном художника. Это в большей степени собирательный образ счастливой семьи молодого советского государства.
Чуйков С. А.
Счастливое материнство
1938
Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
Чуйков С. А.
Счастливое материнство
1938
Холст, масло. 109,0 х 1154,0
Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева
147-146ж
Люди Киргизии, ее величавая и прекрасная природа являлась для Народного художника СССР Семёна Афанасьевича Чуйкова источником той поэзии, без которой немыслимо подлинное искусство. Поэтическое восприятие жизни – главное в творчестве художника. Его герои заняты своими делами – это всегда простые люди, ничем не заметные, живущие в окружающей их природе как дома. Примечательно, что Чуйков чаще всего изображал женщин и детей с присущей им открытостью стихии ощущений – ощущений полноты счастья. В картине «Счастливое материнство» (1938) показан момент отдыха женщин-матерей на хлопковом поле, около них дети. Картина солнечная, вдали поля, за ними – невысокие холмистые горы и большое голубое небо.
Кончаловский П. П.
Портрет писателя Сергея Владимировича Михалкова с сыном
1943
НХМ РС (Якутия)
Кончаловский П. П.
Портрет писателя Сергея Владимировича Михалкова с сыном
1943
Холст, масло. 158 х 130,5
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-490
На портрете, созданном живописцем Петром Кончаловским в 1943 году, писатель Сергей Михалков предстает в военной форме, с сыном Андреем на коленях. Картина была написана, когда Андрюше было 5 лет. Он держит в руках фуражку отца с характерным синим околышем летчика. Сергей Михалков во время войны был призван в армию в качестве военного корреспондента от газеты "Сталинский сокол" и действительно носил летную форму, поскольку газета была авиационная. Он писал патриотические очерки и стихи, а также сатиру на фашистов. Написал также сценарии к двум фильмам, за сценарий "Фронтовые подруги" был удостоен Сталинской премии. Кроме того, в 1943 году он принял участие в конкурсе на текст гимна СССР, для чего объединился с Эль-Регистаном. Как известно, именно их текст был призван лучшим. Две последующие редакции текста гимна Михалков уже делал сам.
Михалков Сергей Владимирович (1913–2009) – советский и российский писатель, поэт, драматург, публицист, баснописец, сценарист, общественный деятель, военный корреспондент. Герой Социалистического Труда (1973), заслуженный деятель искусств РСФСР (1967), лауреат Ленинской премии (1970), трёх Сталинских премий второй степени (1941, 1942, 1950), Государственной премии СССР (1978) . кавалер четырёх орденов Ленина (1939, 1963, 1973, 1983). Член ВКП(б) с 1950 года. С 1970 по 1990 год — председатель Союза писателей РСФСР. Отец кинорежиссёров, сценаристов, продюсеров, киноактёров, народных артистов РСФСР Никиты Михалкова и Андрея Кончаловского. Является соавтором текста гимна СССР и автором текста гимна России. Принадлежит к дворянскому роду Миха́лковых, Наибольшую известность писателю принесли его произведения для детей. В 1935 году вышло первое известное произведение, ставшее классикой советской детской литературы — «Дядя Стёпа».
Корецкий В. Б.
Я другой такой страны не знаю, где так вольно дышит человек!
1945
ГРМ
Корецкий В. Б.
Я другой такой страны не знаю, где так вольно дышит человек!
1945
Бумага, офсет. 84,4 х 57,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-392
Кочергин Н. М.
Слава Победителям!
1946
ГРМ
Кочергин Н. М.
Слава Победителям!
1946
Бумага, хромолитография. 88 х 59
Государственный Русский музей
ГрПл-2068
Киселев В. В.
Вернулся
1947
ККХМ им. Ф. А. Коваленко
Киселев В. В.
Вернулся
1947
Холст, масло. 134 х 175
Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
Ж-849
Поколение, к которому принадлежит художник, – целое звено взаимосвязи старинного уклада крестьянской жизни в России с новыми социальными формами. Киселеву было десять лет, когда свершилась Великая Октябрьская социалистическая революция. Он был свидетелем и участником становления Советской власти в деревне, и то, что для более молодых стало историей, для него – личный опыт, который обрел в его искусстве особый смысл. Он нашел своеобразную, лирическую ноту в передаче средствами живописи духовного облика, нравственной сущности тружеников советского села.
Виктором Киселёвым после войны созданы две близкие по тематике картины. Они посвящены трогательной встрече родными вернувшегося домой солдата. Картина «Вернулся» из Краснодарского музея была написана первой. Горница родной избы, куда только что вошел солдат, его бросились встречать родные, соседи. В основе взволнованной сцены – возвращение брата художника Владимира с войны. Киселёв вписывал фигуры родных сразу в холст, сохраняя свежесть первого впечатления. Художник использовал этюдную манеру письма, которую он перенял у своего друга и учителя Аркадия Пластова, что позволило погрузиться зрителям в созданный автором сюжет, почувствовать общую радость встречи после долгой разлуки, она проявляется в каждом жесте.
Картина «Вернулся» привлекла всеобщее внимание в экспозиции Всесоюзной художественной выставки 1947 года своим настроением и добротностью живописного решения: приглушенная гармония красок, наложенных деликатным прикосновением кисти, искренность автора в любовании своими персонажами, каждым изображенным предметом. Полотнобыло отмечено премией Всесоюзной выставки и почетной грамотой Художественного фонда СССР. В 1948 году оно было утверждено государственной экзаменационной комиссией Московского государственного художественного института имени В. И. Сурикова в качестве дипломной работы, завершившей художественное образование Киселева.
Носов М. М.
Колхозный быт
1947
НХМ РС (Якутия)
Носов М. М.
Колхозный быт
Якутия
1947
Холст, масло. 119 х 99,5
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-214
Рассматривая картину «Колхозный быт» якутского художника Михаила Носова первое ощущение, которое возникает, – уют домашнего очага. Вы как бы входите в дом с гостеприимно раскрытыми дверями. Оглянувшись, замечаете старые традиционные предметы быта: домотканные коврики, старинный комод, на центральной стене – вышитый портрет Сталина в орнаментальном обрамлении.
Но не столько сами эти вещи, сколько светлый, радостный колорит картины – красных, зелёных, голубых, золотистых теплых охристых тонов – привлекает в этом небольшом по размеру, незатейливом по содержанию полотне. Согретое любовным отношением и уважением художника к тому большому и значительному, что подразумевает каждый из нас под словами «отчий дом», произведение получилось душевным. В живописи, соединившей тщательность письма, гармонию и яркость чистых, насыщенных красок, особенно выступает народная любовь к нарядной узорчатости.
С возникновением Советского Союза ведущим художественным методом изобразительного искусства стал социалистический реализм. В 1950-е годы он сохраняется, но меняется интонация картин и главные герои. Художники все больше повествуют о буднях и праздниках простых советских людей. Картина Владимира Васильева «Первоклассница» (1949) по композиционному решению близка картине Ф. П. Решетникова «Прибыл на каникулы» (1948). В подобных оптимистичных картинах-рассказах каждая деталь, взгляд, жест красноречиво характеризуют изображенных автором персонажей.
Картина «Первоклассница», написанная в тёплой цветовой гамме, посвящена одному из самых волнительных и запоминающихся событий в жизни каждого человека – первому школьному дню. Здесь отображено не только личное переживание первоклашки. Важность ответственного момента ощущает и вся семья от мала до велика. Заранее куплена школьная форма, приготовлен букет для первой учительницы и, конечно же, предмет зависти для младшего братишки-дошколёнка – новенький портфель. На лице матери читаем разные эмоции – радость за дочь, волнение за её новый жизненный уклад, надежду на хорошее будущее. При этом старшая сестра смотрит снисходительно, у нее уже есть значительный школьный опыт. Нескрываемое восхищение и желание быть причастным к происходящему выражают поза и жесты младшего члена семьи.
Тема художником взята неспроста, картина написана в знаменательное время: первоклассники 1948–1949 годов были детьми, рождёнными в первые годы войны, теперь им под мирным небом открывается путь в светлое будущее.
Избеков И. Д.
Быт колхозника
Середина XX века
НХМ РС (Якутия)
Избеков И. Д.
Быт колхозника
Середина XX века
Холст, масло. 110 х 175
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-203
В работах якутского художника Иоакима Избекова заметно тяготение или к жанровой картине, или к пейзажу, при этом в них привлекает скромная задушевность. Произведение «Быт колхозника» является характерным для мастера. Художник отражает реальность бытия родного края – жизнь и быт сельского труженика, его заботы, приверженность своей земле, традиционному укладу, связанному со скотоводством.
Соколов Я. М.
В новый дом
1950
УРМИИ
Соколов Я. М.
В новый дом
1950
Холст, масло. 175 х 174
Удмуртский республиканский музей изобразительных искусств, Ижевск
Ж-254
Труд на благо социалистического общества являлся обязательным условием процветания и развития Советского Союза. Именно благодаря постоянному и, подчас, тяжёлому труду, как производственному в крупных промышленных центрах СССР, так и крестьянскому сельскому, связанному, например, с освоением целинных земель, происходит борьба с послевоенной разрухой, и жизнь простого советского человека постепенно налаживается, поддерживаемая неуклонной верой в светлое и полное новых надежд коммунистическое будущее.
Примером этого материализованного будущего может стать типичное соцреалистическое полотно московского художника Якова Соколова «В новый дом» (1950), где на фоне яркого солнечного летнего дня сбывается заветная мечта молодой женщины с двумя детьми – её семья въезжает в только что отстроенный, ещё пахнущий свежим деревом, дом.
Лактионов А. И.
В новую квартиру
1952
Донецкий РХМ
Лактионов А. И.
В новую квартиру
1952
Холст, масло. 128 × 111
Донецкий республиканский художественный музей
Ж-333
Народный художник РСФСР Александр Лактионов в основном писал жанровые картины и портреты своих современников. Ему были свойственны высокое мастерство и точность рисунка, редкая способность иллюзорно точно передавать предметный облик реального мира.
Жанровая картина с изображением вселения многодетной семьи в новую квартиру широко известна. В центре композиции в большой светлой комнате анфас, подбоченясь, стоит хозяйка. Левый борт ее пиджака украшает «Медаль материнства» второй степени. Младший сын хозяйки придерживает портрет Сталина. Старшие дети, изображённые на втором плане, с любопытством осматривают комнаты.
Иванов К. К.
Миру мир!
1953
ГРМ
Иванов К. К.
Миру мир!
1953
Бумага, офсет. 81,7 х 55,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-2100
Послевоенный плакат становится более статичным, монументализированным, выхолощенным. Основное его назначение — констатация достижений социализма, с зачастую безличными лозунгами: «Мы за мир», «Любите Родину» и т. д. Детский образ также теряет свою энергичность и самодостаточность, становясь лишь атрибутом в плакатной формуле счастливой советской жизни. Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 15.
Свешников Д. К.
Первенец
1953
МО Ненецкого АО
Свешников Д. К.
Первенец
1953
Холст, масло. 90,0 x 120,0
Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
Ж-139
Широкими, уверенными, жизнеутверждающими мазками Дмитрий Константинович Свешников пишет новую жизнь ненцев, которую привнесла в тундру советская власть. Его картины, посвящённые жизни ненецкого народа, вошли в золотой фонд отечественного изобразительного искусства.
На картине «Первенец» Д. Свешникову удалось передать предощущение движения. У родильного дома спокойно стоит упряжка. Новоиспечённый отец бережно прижимает в себе нарядный конверт с младенцем, рядом с мужем женственная фигурка молодой мамы в нарядной панице. Врач с серьёзным видом даёт последние наставления. Словно чувствуя торжественность момента, замер и пёс, глядя на детей у крылечка. Торопится, бежит с узелком в руках медицинская сестра – нужно успеть передать вещи роженицы. Ещё миг – и помчит домой счастливую семью празднично украшенная упряжка, полетит снег из-под оленьих копыт, со звонким лаем бросится вслед собака. Всё в картине полно радостного ожидания и надежды, предчувствия дороги. Художник поместил своих героев близко к переднему краю картины, отдав второй план пустынному пейзажу, добиваясь этим ощущения необъятного простора, динамичности.
Купервассер Татьяна Исидоровна
1903, Санкт-Петербург – 1972, Ленинград
Живописец, график. Брала уроки рисования у В. Д. Бубновой (1913–1914); училась в ПГСХУМ–ВХУТЕИН (1920–1925) у О. Э. Браза и К. С. Петрова-Водкина. Участник выставок с 1925. Член и экспонент общества «Круг художников» (1927– 1932). Член СХ с 1946 (ранее была исключена из кандидатов в члены СХ). В 1930-е постепенно отходит от выставочной деятельности, пожертвовав своими творческими интересами ради семьи: зарабатывала на жизнь заказами прикладного характера, предоставив возможность заниматься творчеством мужу (с 1923), живописцу А. И. Русакову.
С середины 1920-х работала художником на предприятиях ленинградской текстильной̆ промышленности; с конца 1930-х занималась преимущественно декоративно-оформительской работой (музеи Арктики, Этнографии народов СССР, Истории города и другие, ленинградский̆ павильон на ВСХВ) и прикладной̆ графикой̆ (со второй половины 1920-х: мода, дизайн ткани; после войны — адреса, торговые этикетки и упаковки, товарные знаки). Работала в ЛО ХФ СССР (с 1945); в 1940–1960-е много писала акварелью, чаще пейзажи, сделанные на природе, в последние годы — преимущественно натюрморты. После выставки ГРМ «Круг художников» (2007) творчество Купервассер привлекает все большее внимание.
Адливанкин Самуил Яковлевич
1897, Татарск Могилевской губернии – 1966, Москва
Живописец; монументалист, график, художник кино. Учился в ОХУ (1912–1917); ГСХМ (1918–1919), Cаратов. Участник выставок с 1916. Член и экспонент объединений: ОНХ (1917); НОЖ (учредитель, 1921–1924); «Изобригада» (1932). Член СХ СССР (с 1932).
Садиленко Юрий Харлампиевич
1903, г. Житомир –1967, г. Киев, Украинская ССР
1930 – Киевский художественный институт (мастерская монументальной живописи профессора Л. Крамаренко). 1931–-1941 – преподаватель в Харьковском художественном институте. 1944–1967 – преподаватель в Киевском художественном институте, доцент.
Чуйков Семен Афанасьевич
1902, Пишпек (ныне Бишкек, Кыргызстан) –1980, Москва
Живописец. Народный художник СССР (1963). Лауреат двух Сталинских премий (1949, 1951), Государственной премии Кыргызской Республики премии имени Токтогула Сатылганова (1972) и Международной премии имени Дж. Неру (1967). Действительный член АХ СССР (1958). Один из основоположников современного киргизского изобразительного искусства.
Родился в Пишпеке Семиреченской области Туркестанского края (ныне Бишкек, Киргизия) в семье военного писаря. В 1912 Чуйковы переехали в Верный (ныне Алматы), где мальчик увлекся живописью и брал уроки живописи у художника и педагога Н. Г. Хлудова (1918–1920). Учился в Ташкентской художественной школе (1920–1921), затем во ВХУТЕМАСе (мастерская Р. Р. Фалька, 1924–1930).
Позднее много работал как педагог, в том числе в Институте пролетарских изобразительных искусств (бывший Высший художественно-технический институт, ВХУТЕИН) в Ленинграде (1930–1932). Уже в 1930-е продемонстрировал незаурядное живописное дарование и тонкий эстетический такт, создавая пейзажи и типажные портреты, привлекавшие ярким местным колоритом. Завоевал известность в первую очередь «киргизской колхозной сюитой». Жанровые картины и пейзажи, посвящённые людям и природе Киргизии, Индии (триптих «О простых людях Индии», 1957–1960). После путешествий в Индию, Италию (1956, 1963), создавал прекрасные образы этих стран, редкие по колориту пейзажи. Издал три книги путевых и мемуарных очерков: Образы Индии (1956), Заметки художника (1962), Итальянский дневник (1966).
Был одним из создателей и председателем правления Союза художников Киргизской ССР (1933–1937, 1941–1943). В 1934 по его инициативе в г. Фрунзе (бывший Пишпек, ныне Бишкек) была открыта первая в республике картинная галерея (ныне Кыргызский национальный музей изобразительных искусств им. Г. Айтиева). Вскоре организовал при ней и школу-студию, в 1939 получившую статус Художественного училища, носящее сегодня его имя. Создал значительные исторические и жанровые композиции, портреты, пейзажи. Выдающиеся творческие достижения С. Чуйкова принесли признание в Кыргызстане и за рубежом.
.
Корецкий Виктор Борисович
1909, Киев – 1998, Москва
Плакатист. Учился в московской средней изо–профшколе (1922–1929). Участвовал в выставках с 1932. Работал в плакате с 1931; один из ведущих мастеров фотомонтажного плаката в 1940–1950–е. Жил в Москве. Лауреат Сталинских премий 1946, 1949 за плакаты военных лет.
Киселев Виктор Васильевич
1907, д. Комаровка, Симбирская губерния – 1985, с. Комаровка, Ульяновская область
Заслуженный художник РСФСР, лауреат Государственной премии им. И. Е. Репина, участник Великой Отечественной войны.
Родился 12 июля 1907 в деревне Комаровка Симбирского уезда Симбирской губернии, ныне Майнского района Ульяновской области. Пятнадцатилетним сельским подростком пришел учиться живописи к Аркадию Пластову и стал его самым близким другом и единомышленником на всю жизнь. Его учителями в разное время были Николай Крымов, Сергей Герасимов, Игорь Грабарь.
Воспринял и сохранил в своем искусстве традицию русской живописной школы, идущую от великих мастеров ХIХ века — И. Репина, В. Сурикова, В. Серова, И. Левитана.
Блестящий рисовальщик и выдающийся колорист, Киселев нашел свой собственный, достойный путь в искусстве. Портреты, пейзажи, станковые картины, рисунки принадлежат к золотому фонду отечественного искусства 1940-х — 1980-х годов.
Носов Михаил Михайлович
1887, Жабыльский наслег Мегино-Кангаласского улуса – 1960, г. Якутск
Заслуженный деятель искусств РСФСР, народный художник Якутской АССР. Родился 3 октября 1887 года в Жабыльском наслеге Мегино-Кангаласского улуса. Учился в Якутской духовной семинарии (около 1897-1901), затем в Вольной рабочей высшей школе в Петербурге (1908-1910). Умер 27 июля 1960 года в Якутске.
Подляский Юрий Станиславович
1923, Хабаровск – 1987, Ленинград
Живописец. Член Союза художников СССР. Народный художник РСФСР. Родился 5 июня 1923 в Хабаровске. С 1933 жил с семьей в Вышнем Волочке, где учился в средней школе № 6 (1933-1938), занимался рисованием в Доме пионеров под руководством Г.А.Коростелева. Участвовал во всесоюзных конкурсах детского рисунка. В 1942 окончил Среднюю художественную школу при Всероссийской АХ. В 1942 году стал студентом Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина, который окончил в 1949 году под руководством Б.В. Иогансона – одного из ведущих представителей социалистического реализма в живописи.
Мастер индустриального пейзажа; с 1953 создавал произведения, посвященные стройкам Сибири, которые, впоследствии, переросли в циклы работ. В 1983 году Юрий Станиславович Подляский был удостоен почетных званий: «Заслуженный деятель искусств РСФСР» и «Народный художник РСФСР». Жил и работал в Ленинграде. Участник всесоюзных, всероссийских, региональных и зарубежных выставок. Сегодня произведения Юрия Подляского можно встретить в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, Белгородском государственном художественном музее, в музеях и частных собраниях в России, ближнего и дальнего зарубежья.
Избеков Иоаким Дмитриевич
1909 – 1996
Иоаким Дмитриевич Избеков-Уустаах – заслуженный артист ЯАССР, постановщик народных танцев, один из непревзойденных знатоков якутского фольклора, писатель и живописец. Он окончил фабрично-заводское училище в Якутске, но стал одним из первых артистов Национальной театральной студии, потом в составе первых посланцев республики поехал учиться в Москву в Щепкинское театральное училище. Иоаким Дмитриевич известен как автор ряда драматических произведений, книг, художественных полотен, вошедших в кладезь якутского искусства.
Большим успехом у зрителей пользовались его драма о великой любви «Сыгый Кырынастыыр», а также спектакль для детей «Оотуй и Тоотуй», поставленные на сцене Якутского драмтеатра. Также в собрании Национального художественного музея республики хранятся картины «Колхозное стадо», «Шаман», «Первые шаги», «Из прошлого» и другие, в которых Избеков как художник отобразил красоту родного края, обычаи народа саха, неприхотливый сельский быт.
Соколов Яков Михайлович
1911, с. Ивановское Волоколамского уезда – 1996
Советский живописец, педагог, кандидат искусствоведения, доцент.
Окончил Волоколамский педагогический техникум. В 1930–1932 работал воспитателем в Малаховском детском городке и одновременно учился в Художественной студии в Москве. В 1931–1939 обучался в Московском институте изобразительных искусств, закончил его с отличием, получив квалификацию художника-графика. После окончания института оставлен в аспирантуре.
В 1941 вместе с институтом эвакуирован в г. Самарканд, где поступил на работу преподавателем рисунка и живописи в Центральное художественно-промышленное училище.
После возвращения в Москву в 1944 защитил кандидатскую диссертацию и продолжал работать в училище доцентом кафедры рисунка, а затем деканом факультета художественной керамики. Член Союза художников СССР (1944).
В 1952–1974 – работал в Московском государственном художественном училище им. В. И. Сурикова. Преподавательскую деятельность успешно совмещал с творческой работой, был участником ряда всесоюзных и других крупных художественных выставок. Работы художника находятся в ГМИИ им. А. С. Пушкина, Севастопольском художественном музее им. М.П. Крошицкого, Государственном музейно-выставочном центре РОСИЗО, Череповецком музейном объединении.
Иванов Константин Константинович
1921–2003
Дети
Более 150 произведений объединил раздел «Дети». Здесь можно увидеть пионеров и октябрят, юных авиамоделистов и шахматистов, колхозные ясли, детские сады, учебу в школе и летний отдых в пионерских лагерях, помощь фронту, сбор металлолома, занятия в спортивных секциях, посещение филармонии и семейные праздники. Этот раздел включает также ряд плакатов, посвященных заботе о детях, всеобщему обучению и борьбе с беспризорностью, которые были выпущены в первые годы советской власти, хранящиеся в фондах Русского музея и экспонировавшиеся на выставке «Дети Страны Советов».
В Советской республике не должно быть больных и беспризорных детей! Здоровое физическое и духовно молодое поколение - верный проводник идей коммунизма!
1923
ГРМ
Неизвестный художник
В Советской республике не должно быть больных и беспризорных детей! Здоровое физическое и духовно молодое поколение - верный проводник идей коммунизма!
1923
Бумага, хромолитография. 61 х 102
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1307
Сварог В. С.
Все в общество рабочий патронат "Друг детей". На борьбу с беспризорностью
1923 (?)
ГРМ
Сварог В. С.
Все в общество рабочий патронат "Друг детей". На борьбу с беспризорностью
1923 (?)
Бумага, хромолитография. 92,5 х 69,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-752
Комаров А. И., (?)
Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!
Первая половина 1920-х
ГРМ
Комаров А. И., (?)
Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!
Первая половина 1920-х
Бумага, хромолитография. 100,7 х 71,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1305
Плакаты этого времени обладают определенными объединяющими чертами. Характерной особенностью «детских» плакатов является то, что ребенок почти всегда изображен бодрым, крепким, здоровым и активным. Вне зависимости от того, ликвидации какой насущной проблемы посвящен плакат, дети выглядят так, как будто она уже решена. То есть изображение чаще всего формировало образ светлого и радостного будущего, к которому придет общество, искоренив обозначенную проблему. Исключение составляли плакаты, построенные на сравнении с «проклятым прошлым». Яркий пример такого решения — плакат Алексея Комарова (?) «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать», — пропагандирующий новые стандарты в уходе за ребенком. Каждый эпизод композиции состоит из двух клейм, интерпретирующих один сюжет c точки зрения «как было раньше» и «как сейчас».
Провозглашая строительство бесклассового общества, советская власть, тем не менее, сразу же стала создавать строгую иерархическую структуру, в которую были включены и дети. Атрибутов принадлежности к той или иной социальной группе в плакате не имеют, пожалуй, только младенцы. Все остальные наделены отличительными признаками: либо визуально (пионерский галстук, барабан, горн), либо вербально — в сопроводительном тексте (октябрята, пионеры, юные ленинцы, дети Ильича, всеобучники и т. д.). Ребенок, прежде всего, общественная единица: младенец — будущий октябренок, октябренок — будущий пионер, пионер — будущий комсомолец, а в конечном итоге — строитель коммунизма. Тема идейной преемственности поколений проходит красной нитью через все плакаты советского времени. Даже под образцы агитационной продукции, касающиеся вопросов гигиены, здоровья и воспитания детей, подведена идеологическая база.
Лозунг, сопровождающий плакат, как правило, строится по схеме причинно-следственной связи: ребенок должен быть здоров потому, что он будущий строитель коммунизма. Его жизнь и здоровье не самоценны, а рассматриваются с точки зрения социума, вкладывающего в него свои силы, с расчетом на дальнейшую отдачу.
Так, на плакате «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать» изображена шеренга малышей, несущих лозунги, среди которых призывные: «Мы требуем акушерок, а не бабок; сухих и чистых пеленок!..» и тут же мотивирующие: «Мы идем вам на смену», «Чем мы будем крепче, тем вам будет легче».
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.
Харламов М. Я.
Октябрина
1924
ГРМ
Харламов М. Я.
Октябрина
1924
Бронза. 30 x 19 x 17
Государственный Русский музей
СО-1237
Изенберг В. К.
Юные ленинцы дети Ильича. К 7ой годовщине Октябрьской революции
1924
ГРМ
Изенберг В. К.
Юные ленинцы дети Ильича. К 7ой годовщине Октябрьской революции
1924
Бумага, хромолитография. 100 х 66,8
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-2330
Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В нашем собрании хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. На одном из значков, сделанном в форме знамени красного цвета на древке, изображены языки пламени костра, обрамленные буквами «ЮП» (юный пионер) и словами приветствия членов организации «Будь готов!»
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27.
Конашевич В. М.
Мы юные ленинцы
1925
ГРМ
Конашевич В. М.
Мы юные ленинцы
1925
Бумага, хромолитография. 107,3 х 71,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-382
Терпсихоров Н. Б.
Вступай в дошкольный поход. Строй новый быт, организуй детсады, площадки, воспитывай коммунистическую смену
1920-е
ГРМ
Терпсихоров Н. Б.
Вступай в дошкольный поход. Строй новый быт, организуй детсады, площадки, воспитывай коммунистическую смену
1920-е
Бумага, хромолитография. 102,5 х 70,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-862
В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.
Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.
Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.
Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Композиции содержат не просто призыв к участию в акции, а обозначают конкретные действия, которых ожидает общество от гражданина: «Строй новый быт, организуй детсады и площадки».
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.11-13
Чернышев Н.М.
Красный город
1928
ГРМ
Чернышев Н.М.
Красный город
1928
Холст, масло. 71 x 44,5
Государственный Русский музей
Ж-10326
Николаев В. А.
Передвижные ясли в хлопковом поле
Конец 1920-х
ГРМ
Николаев В. А.
Передвижные ясли в хлопковом поле
На обороте: На обороте холста авторская живопись: Женский портрет. Не окончен. Вторая половина 1920-х
Конец 1920-х
Холст, масло. 77 x 59. (В раме)
Государственный Русский музей
ЖС-2052
Пахомов А. Ф.
Хоровод детей всех наций. [Четвертый фрагмент]
1929
ГРМ
Пахомов А. Ф.
Хоровод детей всех наций. [Четвертый фрагмент]
Эскизы росписи фриза для комнаты игр Дома культуры им. Первой пятилетки в Ленинграде. Второй вариант из трех. Росписи не сохранились
1929
Бумага на фанере, темпера, акварель. 134,4 x 208,5. (В раме)
Государственный Русский музей
Ж-8598
Неизвестный художник
8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах
1930
ГРМ
Неизвестный художник
8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах
1930
Бумага, хромолитография. 104,0 х 74,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1421
В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.
Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.
Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.
Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Например, колхозница передает из рук в руки своего ребенка воспитателю на фоне пасторального колхозного пейзажа, куда пойдет трудиться «освобожденная» мать, и идеального детского сада, где младенец будет окружен заботой и вниманием («8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах»).
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-13.
Пахомов А. Ф.
Ёж - лучший журнал для пионеров и школьников. Чиж - журнал для дошкольников и октябрят
1930
ГРМ
Пахомов А. Ф.
Ёж - лучший журнал для пионеров и школьников. Чиж - журнал для дошкольников и октябрят
1930
Бумага, хромолитография. 62 х 54
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-639
Вавилин А. Г.
В начальной школе (Всеобуч)
Начало 1930-х годов
Самарский ОХМ
Вавилин А. Г.
В начальной школе (Всеобуч)
Начало 1930-х годов
Холст, масло. 85 × 93
Самарский областной художественный музей
Ж-2055
Занимаясь преподаванием живописи в Пензенском художественном училище им. К. Савицкого, Алексей Григорьевич Вавилин проблему обучения молодежи, которая на тот момент остро стояла в стране, можно сказать, хорошо знал «изнутри». Модернизация производства, проводившаяся в стране, требовала все большее число грамотных рабочих. В школах, наряду с общеобразовательными предметами, были обязательными уроки труда, где школьникам прививались начальные навыки столярных, слесарных работ, техники безопасности обращения с элементарными инструментами: рубанком, киянкой, продольной ручной пилой. Девочки постигали основы производства наряду с мальчиками и с не меньшим энтузиазмом.
На картине «В начальной школе (Всеобуч)» лица прописаны художником довольно условно, они практически сливаются по цвету с деревянными верстаками, однако хорошо передана трудовая атмосфера, царящая на уроке, призванном формировать трудовые резервы страны. Перед нами не просто небольшая жанровая картинка, а определенный временной срез истории начальной школы СССР в 1930-е годы.
Соколов-Скаля П. П., Львов Е. А.
Всех всеобучников в ряды октябрят. Воспитаем борцов за мировой октябрь
1930
ГРМ
Соколов-Скаля П. П., Львов Е. А.
Всех всеобучников в ряды октябрят. Воспитаем борцов за мировой октябрь
1930
Бумага, хромолитография. 105 х 74,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-817
Шубина Г.
Знай карту, как свои пять пальцев
1930
ГРМ
Шубина Г.
Знай карту, как свои пять пальцев
1930
Бумага, офсет. 85,0 х 59,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-944
Значок пионерский
1920-30-е
ГРМ
Значок пионерский
1920-30-е
Жесть, краска. 20 x 18
Государственный Русский музей
Мед.А-9207
Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В нашем собрании хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. На одном из значков, сделанном в форме знамени красного цвета на древке, изображены языки пламени костра, обрамленные буквами «ЮП» (юный пионер) и словами приветствия членов организации «Будь готов!»
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27.
Петрушин Б.
Лыжная вылазка
1930
ГРМ
Петрушин Б.
Лыжная вылазка
Оригинал
1930
Бумага, хромолитография. 37,2 х 52,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1975
Неизвестный художник
Мне дома скучно! А нам в яслях весело!
1930
ГРМ
Неизвестный художник
Мне дома скучно! А нам в яслях весело!
1930
Бумага, хромолитография. 51,0 х 68,0
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-1306
В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.
Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.
Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.
Дейнека А. А.
Мы требуем всеобщего обязательного обучения
1930
ГРМ
Дейнека А. А.
Мы требуем всеобщего обязательного обучения
1930
Бумага, цветная автолитография. 106,7 х 72,5
Государственный Русский музей
Гр.Пл.-168
Прохоров С. М.
Пионерка
1930
Донецкий РХМ
Прохоров С. М.
Пионерка
1930
Холст на фанере, масло. 80 × 45,5
Донецкий республиканский художественный музей
Ж-1036
Картина «Пионерка» Заслуженного деятеля искусств Украины, живописца Семена Прохорова – детский портрет-тип. Монументализированное изображение девочки в пионерской форме с красным флагом в руках. Румяное улыбающееся лицо девочки с крупными чертами, большие карие глаза смотрят прямо на зрителя. Портрет выполнен пастозными мазками. Колорит – мажорный.
Харламов Матвей Яковлевич
1870–1930
Конашевич Владимир Михайлович
1888, Новочеркасск – 1963, Ленинград
График, акварелист, иллюстратор, педагог. Учился в МУЖВЗ (1906–1914). Преподавал во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1921–1930). Участник выставок с 1922. Профессор, доктор искусствоведения. Заслуженный деятель искусств РСФСР.
В годы войны в осажденном Ленинграде работал в книжной, станковой, журнальной графике, делал плакаты, участвовал в работе над живописными агитпанно к 25–й годовщине Октября (1942), в возобновлении деятельности детского отдела Гослитиздата. Работал над рукописью книги воспоминаний.
Терпсихоров Николай Борисович
1890, Санкт-Петербург – 1960, Москва
Живописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР.
Один из организаторов объединения «Ассоциация художников революционной России» (АХРР). Окончил московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Участник Гражданской войны. Работал в Окнах РОСТА с В. В. Маяковским. В начале 1950-х годов совершил творческую поездку в Крым.
Николаев Василий Александрович
1906, Пятигорск – август 1943, Ленинград
Живописец, график. Учился: 1925–1927 – Ростовская ХШ. Участник выставок с 1927. Член АХРР – 1927–1929. Приехал в Ленинград – 1927. Активно сотрудничал в объединении ленинградских художников «Боевой карандаш», выпускавшем литографированные военные и политические плакаты – 1941–1945. Выезжал на фронт в 1942, где исполнил серию зарисовок.
Прохоров Семен Маркович
1873, г. Малоярославец, Калужская губерния –1948, г. Харьков, Украинская ССР
1900–1904 – учеба в МУЖВЗ (А. Корин, К. Горский, Н. Касаткин, А. Архипов). 1904–1909 – Петербургская Академия Художеств (И. Репин, П. Чистяков). С 1913 жил в Харькове. С 1910 – участник республиканских и международных выставок. 1910–1913 – руководил классами живописи и рисования Томского общества любителей художеств. 1913–1914, 1918–1922 – Харьковское художественное училище, 1922–1948 – Харьковский художественный институт (с 1936 – профессор). Мастер бытовой картины, портрета, пейзажа. С 1938 – член Союза художников Украины. С 1941 – Заслуженный деятель искусств Украины.
Соколов-Скаля Павел Петрович
1899, Стрельна, Санкт-Петербургская губ. – 1961, Москва
Живописец, плакатист, театральный художник, мастер панорам и диорам, педагог. Народный художник РСФСР (1956), действительный член АХ СССР (1949), Лауреат Государственных премий СССР (1942, 1949). Учился в Москве в студии И.И.Машкова (1914–1918) и ВХУТЕМАСе (1920–1922). Преподавал в Студии военных художников имени М.Б.Грекова (1933–1941). Художественный руководитель "Окон ТАСС" (1941–1945).
Бродский, в отличие от многих своих современников, никогда не искал новый живописный язык. Будучи учеником И. Е. Репина, он в 1910-е годы писал декоративные полотна-гобелены, отвечавшие вкусам буржуазных заказчиков. После Октябрьского переворота Бродский постарался сблизиться с новой властью. На II конгрессе Коминтерна в 1920 году он сделал свой первый карандашный набросок Ленина, который тому не понравился, но, посоветовавшись с товарищами, вождь этот рисунок подписал — с устным комментарием, что первый раз подписывает то, с чем не согласен. Так началась карьера художника, писавшего всех крупнейших деятелей Коминтерна и советского правительства. Бродскому удалось создать безупречную форму официального портрета: клишированное изображение встраивалось в любой желаемый фон, будь то Красная площадь, Смольный, гидроэлектростанция, массовый митинг и т. п. При этом художник широко использовал фотодокументы. На рисунке, созданном в год смерти Ленина, вождь изображен невдалеке от того места, где был воздвигнут его мавзолей. Композиция строится согласно актуальному плакатному принципу фотомонтажа, допускающему совмещение двух точек зрения — высокой, помогающей создать ощущение глубокой панорамы площади, и низкой, делающей фигуру Ленина монументальной. Ирина Арская, Наталья Звенигородская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 409.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Исаак Бродский создал обширную галерею изображений В. И. Ленина. В их основу легли воспоминания и натурные зарисовки. Художник видел Ленина выступающим на митингах в 1918 году и рисовал его на заседаниях II конгресса Коминтерна (1920). Многие из выполненных Бродским портретов Ленина многократно копировались и воспроизводились миллионными тиражами.
Андриянов А. Я.
Портрет В. И. Ленина
1924
МИИ РК (Петрозаводск)
Андриянов А. Я.
Портрет В. И. Ленина
1924
Холст, масло. 97,1 х 80,3
Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
ЖК-37
Искусствовед и исследователь карельского искусства В. И. Плотников публикует сведения, к сожалению, не указывая источник, о том, что А. Я. Андриянов в 1922 году вместе с В. Н. Поповым исполнял декоративный триптих для Дворца труда – здания Совета профессиональных союзов Карелии (ныне в этом здании располагается Музей изобразительных искусств Карелии).
В 1924 году художник написал портрет В. И. Ленина, который открыл, буквально, «Лениниану» в карельском искусстве. Портрет написан в год смерти Ленина и интересен своей композицией.
Фигура Владимира Ильича изображена художником на фоне колонны полускрытой яркой драпировкой. Эта строгая торжественность фона вступает в некоторое противоречие с задушевностью образа Ленина и пейзажным фоном на втором плане холста. Лицо Владимира Ильича написано художником нежно и трепетно, от него исходит доброта и человеческое обаяние, ощущение живого Ленина. Ленина-человека дополняет сельский пейзаж с домиками за спиной вождя. Этот необычный для ленинских портретов фон дан с большим художественным тактом и имеет вполне определенный северный адрес. Родной художнику пейзаж соединен на холсте с дорогим для него образом вождя.
Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Альтман Н. И.
Портрет В. И. Ленина
1920-е
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Альтман Н. И.
Портрет В. И. Ленина
1920-е
Картон, масло. 41,5 х 30
ГМО «Художественная культура Русского Севера» (Архангельск)
Ж-1347 АОМИИ
В коллекции музея представлен достаточно редкий портрет В. И. Ленина, написанный при жизни основателя советского государства. В начале 1920-х Коллегия ИЗО Наркомпроса обратилась к Натану Альтману с предложением создать портрет В. И. Ленина. Альтман собирал материал для живописного портрета, дважды видел Ленина во время митинга на Марсовом поле в 1917 и 1918 годах. Хорошо известно, что Ленин не любил и никогда не соглашался позировать. Помог Альтману Луначарский, по просьбе которого Ленин разрешил ему работать в Кремлевском кабинете весной 1920 года. Он работал шесть недель, как впоследствии подсчитал художник, в целом, около 250 часов работы. На основе натурных рисунков и написан данный портрет. Неповторимость его в том, что это не образ, в котором что-то выделено, отредактировано. Он воспринимается с предельно краткой дистанции, точнее ее нет совсем. Нет исторической костюмировки, поверхностных политических ситуаций. Это Ленин, который близок каждому и каждый может почувствовать себя его собеседником, он полон внимания, изображен легко и непринужденно.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Самохвалов А. Н.
Эскиз плаката «К победе нас привел ленинизм»
1926
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Эскиз плаката «К победе нас привел ленинизм»
1926
Бумага, гуашь. 13,2 x 8,5
Государственный Русский музей
РС-6305
Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":
"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.
Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…
Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".
Бродский И. И.
Ленин на трибуне
1927
ГРМ
Бродский И. И.
Ленин на трибуне
1927
Холст, масло. 71,2 x 54
Государственный Русский музей
ЖС-729
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Исаак Бродский создал обширную галерею изображений В. И. Ленина. В их основу легли воспоминания и натурные зарисовки. Художник видел Ленина выступающим на митингах в 1918 году и рисовал его на заседаниях II конгресса Коминтерна (1920). Многие из выполненных Бродским портретов Ленина многократно копировались и воспроизводились миллионными тиражами, но данная картина признана неудачной и не была известна широкой публике. Излишне фотографичным казался тогда экспрессивный ракурс фигуры, невыгодным для образа вождя — сопоставление с большим массивом неба со стилизованным узором облаков, напоминающим образы художников-символистов. Однако именно эти «ошибки» художника выводят произведение за рамки канона, придают ему неоднозначность и делают его интересным для нашего времени.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 66.
Юон К. Ф.
Первое появление В. И. Ленина на заседании Петросовета в Смольном 25 октября 1917
1927
ГРМ
Юон К. Ф.
Первое появление В. И. Ленина на заседании Петросовета в Смольном 25 октября 1917
1927
Холст, масло. 132 x 191
Государственный Русский музей
ЖС-1981
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Днем 25 октября в Актовом зале Смольного под председательством Л. Д. Троцкого открылось экстренное заседание Петроградского совета рабочих и солдатских депутатов. На нем был выслушан доклад Троцкого о свержении Временного правительства. С докладом о задачах Советской власти выступил В. И. Ленин, который произнес знаменитую фразу: «Товарищи! Рабочая и крестьянская революция, о необходимости которой все время говорили большевики, совершилась». Картина была написана Юоном по заказу Комиссии Совнаркома и экспонировалась в январе 1928 года на Выставке художественных произведений к десятилетнему юбилею Октябрьской революции. Добиваясь правдивости изображения, художник с большим вниманием отнесся к воссозданию исторической обстановки и подлинного облика участников тех событий. Так, Ленин на картине предстает без бороды и усов, только что снявшим парик и освободившимся от грима. За его спиной в президиуме изображены присутствовавшие на заседании В. А. Антонов-Овсеенко, Л. Б. Каменев, В. П. Милютин, Н. И. Подвойский, Л. Д. Троцкий, Г. И. Ломов (Оппоков), А. И. Рыков, Л. М. Карахан и другие. Почти все они позднее погибли в годы сталинских репрессий. Судьба героев полотна повлияла на его судьбу в 1930-е годы оно было изъято в спецхран.
Картина написана после смерти Ленина (1924) и посвящена теме его популярности в революционно настроенной среде. // Алиса Любимова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 365.
Бродский И. И.
Ленин в Смольном
1930-е
Самарский ОХМ
Бродский И. И.
Ленин в Смольном
Авторское повторение
1930-е
Холст, масло. 84,5 × 126,0; в раме 97 × 139 × 7
Самарский областной художественный музей
Ж-453
Каждый, кто вырос в Советском Союзе, непременно помнит знаменитую картину Исаака Бродского «Ленин в Смольном» исполненную художником в 1930 году: в бывшей комнате классной дамы Дворянского института кресла в строгих белых чехлах, столик на резных ножках. И вождь, устало изучающий документы… Передавая абсолютное портретное сходство вождя мирового пролетариата, художник намеренно изображает его в конкретном времени и обстановке, что придает документальность ленинскому образу. Колорит картины выдержан в мягких охристых тонах и создает ощущение цветовой реальности.
Картина написана после смерти Ленина. С момента своего появления она стала одним из самых популярных произведений, посвященных образу вождя революции, неоднократно экспонировалась на выставках, воспроизводилась в печати. Бродский сделал несколько авторских повторений, одно из которых хранится в Самаре.
Рутковский Н. Х.
И. В. Сталин у гроба С. М. Кирова
1934
ГРМ
Рутковский Н. Х.
И. В. Сталин у гроба С. М. Кирова
1934
Холст, масло. 271 x 208
Государственный Русский музей
Ж-4490
Киров Сергей Миронович (Костриков; 1886–1934) в 1909 году переехал из Томска во Владикавказ, где активно сотрудничал в газете «Терек», помещая в ней, помимо прочего, литературные и театральные рецензии. В 1912 году одну из своих статей Костриков в первый раз подписал псевдонимом «Киров». В 1921 году стал первым секретарем ЦК Компартии Азербайджана. В 1926 году он был избран первым секретарем Ленинградского обкома и горкома партии, после чего в составе группы ЦК направлен в Ленинград для идеологической борьбы с оппозицией, возглавляемой Г. Е. Зиновьевым. В городе была проведена грандиозная кадровая чистка, а Киров быстро сделался непререкаемым лидером. Будучи великолепным оратором, он активно участвовал в общественной жизни города. Был убит 1 декабря 1934 года в Смольном в результате покушения. Павел Климов, Тамара Чудиновская// Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 425.
В 1934 году Рутковский возглавлял бригаду художников по росписи вокзала в Белоострове. На его открытие 4 декабря ждали С. М. Кирова, который интересовался работой и даже помогал доставать необходимые краски, бывшие в дефиците. Но 1 декабря Киров был убит. В тот момент многие советские художники обратились к сюжетам, посвященным его памяти. Работа Рутковского, скорее всего, исполнялась по государственному заказу, однако художник знал Кирова лично и писал картину, возможно, испытывая искренние переживания. Во всяком случае, Рутковскому удалось композиционными и колористическими средствами создать атмосферу торжественности и скорби. Тамара Чудиновская // Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 428.
В 1934 году Рутковский возглавлял бригаду художников по росписи вокзала в Белоострове, на открытие которого 4 декабря должен был приехать Киров, с интересом относившийся к работе художников и даже помогавший доставать для росписей дефицитные краски. Но 1 декабря он был убит в коридорах Смольного. На его смерть откликнулись многие советские художники. Рутковский написал свое полотно за короткий срок, отразив в нем миф о прощании вождя советского государства И. В. Сталина с покойным. Художнику вряд ли были известны вскоре появившиеся слухи о возможных политических мотивах убийства Кирова, он выразил ощущение торжественной печали, подчеркнул высокую значительность происходящего. Открытый красный цвет, его контрасты с белым и черным определяют торжественное звучание картины, выдержанной в строгом ритме горизонталей и вертикалей. Она представляет собой как документ эпохи, так и типичное произведение социалистического реализма, в котором миф превращен в реальность мастерством художника. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 79.
Герасимов С. В.
В. И. Ленин на II съезде Советов среди делегатов-крестьян
1935–1936
ГРМ
Герасимов С. В.
В. И. Ленин на II съезде Советов среди делегатов-крестьян
1935–1936
Холст, масло. 236 х 186
Государственный Русский музей
Ж-6149
Картина Герасимова изображает исторический съезд, провозгласивший переход всей власти в стране к Советам рабочих и крестьянских депутатов, утвердивший декреты о мире и земле. Ленин беседует с делегатами о передаче помещичьей земли крестьянам. Значительность происходящего выражена в глубокой серьезности, с какой слушают Ленина крестьяне. Скупые краски овчинных тулупов, солдатских шинелей, матросских бушлатов в огромном светлом зале Смольного звучат своеобразной мужественной гармонией.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 68.
II Всероссийский съезд Советов рабочих и солдатских депутатов состоялся 25—27 октября (7—9 ноября) 1917 года в Смольном, Петроград.
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Филонов П. Н.
Портрет И. В. Сталина
1936
ГРМ
Филонов П. Н.
Портрет И. В. Сталина
Не окончен (?)
1936
Холст, масло. 99 х 67
Государственный Русский музей
Ж-9590
Вторая половина и конец 1930-х годов были временем, крайне трудным для художника, чье творчество не соответствовало узаконенным нормам и требованиям по отношению к искусству. Одной из немногих возможностей заработать деньги было участие в оформлении города к революционным праздникам. По всей видимости, «Портрет И. В. Сталина» является эскизом к большому панно, которое предназначалось для украшения фасада Клуба моряков в Ленинграде. Об этой работе Филонов упоминает в своем дневнике. Портрет написан в обобщенной манере и вполне соответствует известным канонам. Однако есть в нем и скрытый подтекст, который придает облику вождя зловещий характер. // Ольга Мусакова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 435.
Иосиф Виссарионович Сталин (Джугашвили) (1879-1953) – советский государственный и политический деятель. С апреля 1922 Генеральный секретарь ЦК ВКП (б). С 1934 – секретарь ЦК КПСС, глава Советского правительства (председатель Совета Народных Комиссаров и Совета Министров СССР).
Шегаль Г. М.
Вождь, учитель и друг (И. В. Сталин в президиуме II Съезда колхозников-ударников в феврале 1935 года)
1936–1937
ГРМ
Шегаль Г. М.
Вождь, учитель и друг (И. В. Сталин в президиуме II Съезда колхозников-ударников в феврале 1935 года)
1936–1937
Холст, масло. 340 x 260
Государственный Русский музей
Ж-5613
Картина впервые экспонировалась на грандиозной выставке «Индустрия социализма», приуроченной к XVIII съезду ВКП(б). Второй съезд колхозников-ударников, которому она посвящена, проходил в феврале 1935 года. Съезд принял устав сельскохозяйственной артели и знаменовал собой «полную победу социализма в деревне». Художник изобразил реальный эпизод работы съезда, выбранный по газетным публикациям. Как первый среди равных, Сталин общается с простой колхозницей Евдокией Федотовой, заведующей машинно-тракторной станцией колхоза «Возрождение» Ленинградской области, портрет которой делала также Софья Дымшиц-Толстая. В этот день она председательствовала на заседании. На трибуне — ударница хлопковых полей Узбекистана Ташланова. Ее фигура в колоритной национальной одежде, а также обрамляющие композицию изображения молодой туркменки в белом платке и узбека Ага-Юсуп-Али,— дань художника излюбленной теме.
Шегаль много и увлеченно работал в творческих командировках в азиатских республиках Советского Союза. Таким образом, содержание полотна обогащается темой дружбы народов. Не случайно и столь акцентированы в картине женские образы. Среди делегатов II съезда отмечался рекордный процент женщин-ударниц колхозного труда. Так художник констатирует успехи страны в укреплении женского равноправия.
Критика отмечала некоторое однообразие в решении верхней части композиции, которую занимает плоскость стены. Однако именно там помещается скульптурное изображение Ленина, осеняющее происходящее в нижнем ярусе картины. Особенности убранства зала позволили художнику реалистическими средствами выявить незримое присутствие на съезде основоположника советского государства. Значительность места, которое фигура Ленина занимает в этой крупномасштабной картине, давала современникам почву для рассуждений о распределении ролей в троичной формуле «вождь, учитель, друг».
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 82.
Сварог (Корочкин) В. С.
В. И. Ленин и И. В. Сталин в Горках в 1923 году
1938
ГРМ
Сварог (Корочкин) В. С.
В. И. Ленин и И. В. Сталин в Горках в 1923 году
1938
Холст, масло. 101 x 75,5
Государственный Русский музей
Ж-6144
30 августа 1918 года на Ленина было совершено покушение: он был тяжело ранен несколькими выстрелами, произведенными, по сомнительной официальной версии, эсеркой Фанни Каплан. Это дало начало кампании массового «красного террора». И это же в будущем роковым образом отразилось на здоровье вождя. В мае 1922 года Ленина настиг первый тяжелый приступ болезни, а через год он был вынужден из-за резкого ухудшения здоровья переехать в подмосковное имение Горки. Там он диктовал свои последние статьи, и там его навещали товарищи по партии, ряду которых он дал нелицеприятную характеристику в своем знаменитом «Письме к съезду» (есть версия, что это «надиктованное» письмо сочинила сама Крупская). В основе композиции Сварога лежат известные фотографии, сделанные в Горках. Художник изображает встречу двух вождей в традициях русского пленэра, близкой к умеренному импрессионизму: терраса с плетеными креслами, мирный усадебный пейзаж. Последние прогулки Ленина и передача эстафеты власти происходят в декорациях, достойных сентиментальных пейзажистов СРХ. Блики солнца танцуют на белом френче Сталина и обходят стороной фигуру Ленина, готовую отойти в тень. Как и в большинстве аналогичных сюжетов, Сталин воплощает собой деятельность, активность, напор. В Ленине же представлен тип мыслителя и наставника.
Слева внизу: В. Сварог 1938. // Любовь Шакирова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 407.
Верейский Г. С.
Портрет В. И. Ленина
1939
ГРМ
Верейский Г. С.
Портрет В. И. Ленина
1939
Литография. 44 х 29
Государственный Русский музей
С.Гр.-1015
Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).
Васильев Ю. С.
И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле
1940
ГРМ
Васильев Ю. С.
И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле
Копия с одноименной картины А. М. Герасимова (1938, ГТГ)
1940
Холст, масло. 147 x 190
Государственный Русский музей
ЖБ-2072
Произведение представляет собой яркий пример культа личности вождя в советском искусстве. Изображение прогулки Сталина и народного комиссара обороны Ворошилова у стен Кремля символизировало готовность армии и государства к обороне страны. Вожди возвышаются над широкой панорамой Москвы, они уподоблены богатырям из русских сказок и былин. Первоначально картина называлась «На страже мира». Она получила широкую известность, многократно копировалась и репродуцировалась. Копия, выполненная Юрием Васильевым с одноименной картины Александра Герасимова (1938, ГТГ), имеет более скромные размеры по сравнению с оригиналом, но на ее обороте есть заверяющая и одобряющая подпись Александра Герасимова.
Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 75.
Самохвалов А. Н.
Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов
1940
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов
1940
Холст, масло. 385 х 355
Государственный Русский музей
Жб-1947
Созданная накануне войны картина Самохвалова явилась выражением духа сталинской эпохи, образным воплощением новой коммунистической мифологии.
Впечатляющее своей масштабностью произведение изображает исторический момент: вскоре В. И. Ленин произнесет: совершилась рабочая и крестьянская революция, о которой долго мечтал народ. Ликующая толпа людей приветствует Вождя, стремительно направляющегося к президиуму зала Смольного. В свое время художник видел Ленина в коридоре Штаба Революции - это было в 1917 году, в разгар октябрьских событий. По словам самого художника, позднее „эпизод превратился в событие“, а образ Великого вождя и Спасителя народов в соответствии с идеологическими требованиями приобрел определенно мессианский характер.
В противоположность юным годам, когда Самохвалов проявил склонность к экспериментам в живописи, в 1930-е он становится все большим поклонником искусства Возрождения и античности, а среди его кумиров оказываются А. А. Иванов, В. И. Суриков и И. Е. Репин. Вряд ли есть сомнение, что знаменитое полотно „Явление Христа народу" А. А. Иванова подсказало художнику образное и композиционное решение картины „Появление В. И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов“, в итоге явившее собой пример художественного воплощения „религии“ своего времени. // Ольга Мусакова. Большая картина. СПб., 2006. С. 237.
Вечером 25 октября 1917 года, когда отряды Красной гвардии еще продолжали методично занимать стратегические объекты столицы, в Смольном открылся II Всероссийский съезд Советов, на котором большевики имели подавляющее число делегатов. Среди важнейших документов, утвержденных съездом, были Декреты о мире, земле и «Декларация прав народов России». Съезд также сформировал высшие органы власти — ВЦИК и СНК, которые возглавили соответственно Я. М. Свердлов и В. И. Ленин. Масштабное произведение Самохвалова изображает ликующую толпу, которая приветствует своего вождя, стремительно направляющегося к президиуму. Вскоре с трибуны съезда Ленин произнесет исторические слова о победе социалистической революции.
В 1930-е годы Самохвалов, ранее проявлявший склонность к живописным экспериментам, постепенно становится все большим поклонником классического искусства. Среди его кумиров оказываются А. А. Иванов, В. И. Суриков и И. Е. Репин. «Появление В. И. Ленина…», представляющее собой пример художественного воплощения «религии» своего времени, сегодня можно рассматривать как своего рода советскую аналогию «Явлению Христа народу» Иванова. // Ольга Мусакова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 367.
Ефанов В. П.
В. И. Ленин и М. А. Горький в Горках
1942
Самарский ОХМ
Ефанов В. П.
В. И. Ленин и М. А. Горький в Горках
1942
Холст, масло. 72,0 × 90,0
Самарский областной художественный музей
Ж-470
Исходный вариант картины народного художника СССР Василия Ефанова – грандиозное по размерам полотно – было написано в 1938. Четыре года спустя создано уменьшенное авторское повторение, изображающее две знаковые фигуры советской истории: Владимира Ильича Ульянова (Ленина) – создателя первого в мире социалистического государства, приверженца теории марксизма, идейного вдохновителя Октябрьских событий в России, – и главного советского писателя Максима Горького, известного в начале ХХ века не только в России, но и широко за ее пределами, как классика «социалистического реализма».
Обстановка весьма минималистична: плетеные кресла, оставшиеся от прежних хозяев (крупных предпринимателей Морозовых), белоснежная скатерть на столе, лаконичный парковый пейзаж за балясинами террасы – заполняют пространство картины и как бы подчеркивают простоту и аскетизм новой элиты. Не случайно и палитра картины почти монохромна. По сюжету, Горький навещает Ленина, находящегося на восстановительном лечении после покушения 1918 года, предпринятого Фанни Каплан. Несмотря на пошатнувшееся здоровье, вождь продолжает руководить страной.
Собеседники сидят за чаем на террасе подмосковной усадьбы Горки. В позах отсутствует напряженность – их связывали не только давнее знакомство, дружеские отношения, но и расхождение во взглядах, непримиримая полемика, жёсткая взаимная критика. Тем не менее, наряду с другими деятелями культуры и искусства, Горький внес большую лепту в процесс идеализации ленинской личности. И ещё одна интересная деталь: свои последние дни и Ленин, и Горький доживали именно в Горках.
Ефанов В. П.
Сталин у постели больного М. Горького
1943
ГРМ
Ефанов В. П.
Сталин у постели больного М. Горького
Эскиз картины «И. В. Сталин, К. Е. Ворошилов и В. М. Молотов у постели больного М. Горького» (1940–1944, ГТГ)
1943
Холст, масло. 71,5 х 90
Государственный Русский музей
Ж-5607
Впервые Ефанов обратился к этой теме в 1939 году, исполнив одноименный рисунок. «Идея картины, — писал художник в мемуарах, — возникла у меня в канун 60-летия товарища Сталина. В газете я прочел большую статью товарища Поскребышева. В ней было рассказано о том, как Иосиф Виссарионович накануне смерти Горького посетил его <…>. В этой картине я хотел передать психологическое состояние вождя и его товарищей и их отношение к больному Горькому, последняя фраза которого была: „Как хочется жить“…».
Писатель умер 18 июня 1936 года. Обстоятельства его смерти – это часто бывало в те годы — остались до конца неясными. Но, как бы то ни было, Сталин, подобно случаю с Кировым, использовал кончину писателя в своих политических целях. Его смерть была объявлена насильственной, а Г. Г. Ягода, бывший нарком внутренних дел, на Третьем Московском процессе в 1938 году признал, что Горький был отравлен врачами по приказу Троцкого. // Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 444.
Васильев П. В.
Портрет И. В. Сталина
1944
Нижнетагильский МИИ
Васильев П. В.
Портрет И. В. Сталина
1944
Холст, масло. 139,7 х 102,0
Нижнетагильский музей изобразительных искусств
Ж-144
Следуя словам своего учителя К. К. Костанди, уверенного в том, что «настоящий художник должен быть летописцем истории своего народа», Петр Васильев писал «историю в лицах», видя в этом высокую миссию искусства. Спокойная внушительность осанки, глубокая уверенность придают облику Сталина монументальное величие, а естественная простота ‑ человечность. Но главным в портрете остается стремление художника создать такой образ вождя, с которым, по представлению людей того времени, связывались категории родины, отечества, нации, земли. Сама же живописная система полотна, отличающаяся фотографической точностью, строгостью композиции, сдержанностью общей цветовой гаммы и гладкостью письма, полностью определяется языком академического классицизма, ставшего с середины 1940–х годов официальным языком искусства социалистического реализма.
Грубе А. В.
Крымская конференция / На Крымской конференции руководителей трех великих держав
1945
ГРМ
Грубе А. В.
Крымская конференция / На Крымской конференции руководителей трех великих держав
1945
Бронза. 24,5 х 29,5 х 59
Государственный Русский музей
СО/ПФ-69
Композиция, выполненная Александром Грубе по одной из многочисленных фотографий тех лет и изображающая сидящих в кресле союзников, является эскизом к так и не осуществленному памятнику. Картины военной жизни в отечественном искусстве XVI–XX веков. СПб, 2022. С. 175.
Ялтинская (Крымская) конференция союзных держав — вторая по счёту (после встречи в Тегеране в 1943 г.) многосторонняя встреча лидеров трёх стран антигитлеровской коалиции — СССР, США и Великобритании — во время Второй мировой войны, посвящённая установлению послевоенного мирового порядка.
Конференция проходила 4–11 февраля 1945 г. в Ливадийском (Белом) дворце в посёлке Ливадия недалеко от Ялты (Крым) и стала последней конференцией лидеров антигитлеровской коалиции «большой тройки» в доядерную эпоху. Союзники понимали, что у них уникальный шанс распорядиться историей Европы по-своему, поскольку впервые в истории практически вся Европа находилась в руках всего трёх государств. Требовалось провести новые государственные границы на территории, ещё недавно оккупированной Третьим рейхом. Одновременно нужно было установить неофициальные, но общепризнанные всеми сторонами демаркационные линии между сферами влияния союзников. Рузвельт, Черчилль и Сталин, пойдя на взаимные уступки, пришли к соглашению практически по всем пунктам. В результате конфигурация политической карты мира претерпела существенные территориальные изменения.
Картина Налбандяна представляет эпизод встречи глав трех великих держав — Великобритании, СССР и США, состоявшейся 4–11 февраля 1945 года в Ливадийском дворце города Ялты и получившей название Крымской конференции. Она проходила в период, когда военные действия уже велись на территории Германии и на повестку дня стал вопрос о послевоенном устройстве мира. В неформальной обстановке перерыва между заседаниями изображены: в центре группы — председатель СНК СССР И. В. Сталин и премьер-министр Англии У. Черчилль. Слева, вполоборота к зрителю, сидит президент США Ф. Рузвельт. Рядом с ним по левую руку стоят народный комиссар иностранных дел СССР В. М. Молотов и посол СССР в Англии И. М. Майский. Справа изображены (слева направо) министр иностранных дел Англии А. Иден, государственный секретарь США Э. Стеттиниус и посол США в СССР А. Гарриман. Тамара Чудиновская// Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 470.
4–11 февраля 1945 года в Крыму проходила встреча глав трех стран антигитлеровской коалиции – Великобритании, СССР и США. Она состоялась в Ливадийском дворце города Ялты и получила название Крымской (Ялтинской) конференции. Она проходила в период, когда военные действия уже велись на территории Германии и на повестку дня стал вопрос о послевоенном устройстве мира. В конференции участвовали председатель СНК СССР Иосиф Сталин, премьер-министр Англии Уинстон Черчилль и президент США Франклин Рузвельт. Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 113.
В неформальной обстановке перерыва между заседаниями изображены: в центре группы — председатель СНК СССР Иосиф ВиссарионовичСталин (1879–1953) и премьер-министр Англии Уинстон Черчилль (1874–1965). Слева, вполоборота к зрителю, сидит президент США Франклин Делано Рузвельт (1882–1945). Рядом с ним по левую руку стоят народный комиссар иностранных дел СССР Вячеслав МихайловичМолотов (1890–1986) и посол СССР в Англии Иван МихайловичМайский (1884–1975). Справа изображены (слева направо) министр иностранных дел Англии ЭнтониИден (1897–1977), государственный секретарь США ЭдвардСтеттиниус (1900–1949) и посол США в СССР Уильям АвереллГарриман (1891–1986).
Рутковский Николай Христофорович
1892, Шенберг, Латвия – 1968, Ленинград
Живописец, график, художник театра, монументалист; автор жанровых картин, портретов, пейзажей, натюрмортов. Учился в РШ ОПХ (1911–1913) у Н.К.Рериха, И.Я.Билибина, А.А.Рылова, Г.М.Бобровского, в АХ (1913–1917, 1921–1922) у В.В.Беляева. Участник выставок с 1923. В годы войны жил и работал в Ленинграде. Сотрудничал в газете "На страже Родины", в ТАСС.
Филонов Павел Николаевич
1883, Москва – 1941, Ленинград
Живописец, иллюстратор, график-станковист, теоретик, педагог.
Родился в Москве. Учился в живописно-малярных мастерских Общества поощрения художеств (1898), в студии живописи Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1903—1908), в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств у Г. Р. Залемана, В. Е. Савинского и Я. Ф. Ционглинского (вольнослушатель, 1908—1910). Один из инициаторов создания "Союза молодежи" (1910). В 1905 совершил поездку на Кавказ, в 1907 — в Константинополь. Побывал в Палестине (1911), посетил Италию и Францию (1911—1912). Организатор и автор манифеста мастерской живописцев и рисовальщиков "Сделанные картины" (1914, вторая редакция манифеста — «Декларация мирового расцвета», 1923). Совместно с И.С. Школьником оформил постановку трагедии В.В. Маяковского «Владимир Маяковский» в Петербурге (1913). В 1914—1915 написал поэму «Пропевень о проросли мировой». В 1916—1918 на фронте, председатель Военно-революционного исполкома Придунайского края (1917—1918). Инициатор создания Государственного института художественной культуры (1923). Создатель и руководитель группы «Мастера аналитического искусства» (1925—1941). Творчество художника развивалось под воздействием идей символизма и учения Н. Ф. Федорова, новейших открытий в науке, в частности — биологии. Основоположник «аналитического» метода, способного, по мнению художника, передать характер человеческого мышления. Автор символико-философских картин, портретов.
Сварог (Корочкин) Василий Семенович
1883, Старая Русса, Новгородская губ. – 1946, Москва
Живописец, акварелист. 1896–1900 гг. – учился в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица у П. И. Долгова, Н. А. Кошелева, А. Н. Новосокольцева, В. Е. Савинского. С 1918 г. – член Товарищества передвижных художественных выставок. С 1918 г. – член Общества русских акварелистов. 1922–1923 гг. – член Товарищества художников. С 1924 г. – преподаватель Рисовальной школы Общества поощрения художеств в Ленинграде. 1925 г. – серебряная медаль на Всемирной выставке в Париже. 1927–1928 гг. – член Общества им. А. И. Куинджи.
Васильев Юрий С.
Даты жизни и биографические сведения не известны.
Васильев Петр Васильевич
1899, дер. Стайки, Калужская губерния – 1975, Москва
График, живописец. Член Союза художников. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Народный художник РСФСР. Лауреат Сталинской премии первой степени. Награждён орденом Ленина. Учился в 1914–1919 в художественном училище Одессы у К.К.Костанди, в 1921-1926 – в Одесском художественном институте у П.В.Волокидина, К.К.Костанди, Д.К.Крайнева. В 1920-х годах работал художником-оформителем в Красной Армии, художником-иллюстратором. С 1930 года сотрудничал с газетами «Правда», «Известия», «Комсомольская правда» и др. Создал ряд рисунков и картин, посвящённых В.И.Ленину и И.В.Сталину. Автор почтовых марок. Участник художественных выставок с 1922 года.
Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.
Модоров Ф. А.
Магнитострой
1931
Магнитогорская КГ
Модоров Ф. А.
Магнитострой
1931
Холст, масло. 72 х 101
Магнитогорская картинная галерея
Ж-120
На картине советского живописца Фёдора Модорова изображён индустриальный пейзаж со строящейся домной (шахтной печью для выплавки чугуна из железной руды) в окружении техники. Присутствие на Магнитострое в начале 1930-х годов башенных кранов и экскаваторов служило доказательством преодоления разрухи гражданской войны, подъема промышленности.
Кузнецов П. В.
Строительство новой улицы в Ереване
1931
ГРМ
Кузнецов П. В.
Строительство новой улицы в Ереване
1931
Холст, масло, темпера. 99 х 120
Государственный Русский музей
Ж-9339
Несмотря на критику своего творчества, мастер, не теряя самообладания, много работал, участвовал в выставках — «Художники РСФСР за 15 лет» (1932–1933), Всесоюзной (1939). В 1937 году за панно «Жизнь колхоза» (1936–1937, местонахождение неизвестно) он был удостоен серебряной медали Всемирной выставки в Париже. Художник за десятилетие устроил три персональные выставки — в 1931, 1935 и 1940 годах. На них экспонировались работы, созданные в многочисленных поездках по стране*. Таковы лишенные патетики изображения новостроек десятилетия — акварель «Мариуполь. Гавань» (1934, ГРМ) и полное солнечного света, умиротворения полотно «Канал Волга–Москва» (Ж-9078). Кажется, в многоголосом шуме возводятся прекрасные кристаллы зданий столицы Армении — «Строительство новой улицы в Ереване» (Ж-9339), две одноименные картины «Строительство в Армении» (Ж-9077, ЖБ-1181). Владимир Круглов. Павлу Кузнецову 145 лет // Павел Варфоломеевич Кузнецов. СПб, 2023. С. 17-18.
* В 1931 он совершил творческие поездки в Армению и Азербайджан, в 1934 — на Донбасс, в 1935 — в Мариуполь, в 1936 — Мичуринск.
Лабас А. А.
В метро
1935
Ярославский ХМ
Лабас А. А.
В метро
1935
Холст, масло. 72,7 × 55
Ярославский художественный музей
Ж-1488
Как и прочих ОСТовцев, Лабаса привлекали новейшие достижения науки и техники. Среди мастеров, увлеченных темой прогресса, Александр Аркадьевич выделялся стремлением показать движение новых машин – паровозов, самолётов, дирижаблей, пренебрегая техническими подробностями, но фиксируя незабываемое первое впечатление от увиденной машины.
Когда в 1935 году вступила в строй линия Московского метрополитена, Александр Лабас стал одним из первых художников, запечатлевших бесконечно струящиеся вверх и вниз сквозь гигантскую трубу полосы эскалаторов... Несмотря на то, что на полотне «В метро» 1935 года фигуры горожан кажутся безликими, незначительными в соотношении с огромным пространством, в центре внимания именно человек. Перед зрителем открывается общее движение людей, отрекшихся от буржуазного индивидуализма в пользу великих свершений, таких, как новый рукотворный локус – «вторая Москва». В работе нет тесноты подземного пространства, напротив, она полна воздуха, ощущения свободного, нестесненного движения. Вестибюли станций на картинах мастера разных лет – это почти космическое пространство. Тонкость линий, прозрачность красок, наэлектризованность света – всё помогает художнику не просто продемонстрировать новое достижение, но запечатлеть острое радостное чувство: будущее наступает прямо сейчас!
Рыбченков Б. Ф.
Москва. Советская площадь
1935
Донецкий РХМ
Рыбченков Б. Ф.
Москва. Советская площадь
1935
Холст, масло. 105,5 × 137,5
Донецкий республиканский художественный музей
Ж-21
Картина «Москва. Советская площадь» кисти смоленского художника Бориса Рыбченкова – пример развивающегося в 1930-е годы жанра городского пейзажа. На картине автор изображает Советскую площадь (до 1918 года – Тверскую), акцентируя внимание зрителя на мотивах нового в жизни города. Слева мы видим здание Института марксизма-ленинизма, построенное по проекту архитектора А. Чернышева в 1927 году в лаконичном стиле конструктивизма. Справа – обелиск «Советская конструкция», созданный скульптором Н. Андреевым и архитектором Д. Осиповым в 1919 году по Ленинскому плану монументальной пропаганды. Обелиск является важной образной доминантой композиции. Площадь наполнена людьми. Художник прекрасно передал пульсацию толпы, превращающую город в живой организм. Пейзаж написан широким подвижным мазком. Хорошо передана световоздушная среда. Изображение города после дождя вносит мотив своеобразного очищения и обновления жизни.
Дорохов К. Г.
Новые улицы
1935
Донецкий РХМ
Дорохов К. Г.
Новые улицы
1935
Холст, масло. 55 × 65
Донецкий республиканский художественный музей
Ж-1602
Молодой московский живописец Константин Гаврилович Дорохов в 1935 году побывал в творческой командировке в Донбассе. В собрании музея хранится более 20 выразительных живописных этюдов Сталино (ныне – Донецк), ставших результатом этой поездки. Наиболее выразительный из них – написанный легко и свободно этюд «Новые улицы»: укладка асфальта на улице Артема (тогда – 1-й линии) около недавно возведённых корпусов Политехнического института.
Попов И. В.
Строительство школы
1936
НХМ РС (Якутия)
Попов И. В.
Строительство школы
1936
Холст, масло. 60,5 х 86,5
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-1010
В 1930-е годы якутский художник Иван Попов приступил к новому этапу своей творческой деятельности. Творческий метод художника не подвергся существенному изменению, автор, в основном, продолжал оставаться на позициях просветительного документализма. Но разнообразие сюжетов его работ и, особенно, замыслов поразительно. С большим энтузиазмом приняв советскую власть, он наряду с историко-этнографическими работами пишет произведения на историко-революционную тему. Он был человеком своего времени и в своем творчестве не мог обойти проблему нового и старого в жизни. При этом в тематическом отношении его замыслы порою простираются далеко за пределы конкретно наблюдаемого им быта.
Реализованы эти замыслы далеко не полностью. Но и то, что предпринято – отдельные композиции, этюды, эскизы и наброски – дают достаточное представление о работе художника над общей тематикой, посвященной социалистической нови в якутской деревне тридцатых годов.
В картине «Строительство школы» следует отметить обогащение и «высветление» палитры художника, отличающие многие его работы этих лет от более ранних, выдержанных, как правило, в аскетически сдержанной цветовой гамме. Живопись Попова тональная и основана она на гладкой, «классической» технике письма со строгим наблюдением всех подробностей рисунка.
Чорос-Гуркин Г. И.
Чемальская гидростанция
1936
НМРА им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
Чорос-Гуркин Г. И.
Чемальская гидростанция
Этюд
1936
Холст, масло. 49,0 х 62,0
Национальный музей им. А.В.Анохина, Горно-Алтайск
Ж-194
В фондах Национального музея Республики Алтай им. А. В. Анохина находится более 600 живописных картин и множество графических рисунков известного алтайского художника Григория Ивановича Чорос-Гуркина.
На картине Гуркина изображена Чемальская гидростанция Горного Алтая. На переднем, центральном плане – бурная река Чемал и каменистый берег с зеленью. Справа по берегу – здание станции, за ними гидростанция.
Чемальская ГЭС – гидроэлектростанция на реке Чемал в селе Чемал Республики Алтай (Россия). Построена в 1935 году, выведена из эксплуатации в 2011 году; на станции ведутся работы по капитальному ремонту.
В нескольких сотнях метров от места впадения реки Чемал в реку Катунь расположена электростанция. Мощность станции была менее 460 кВт (2 генератора с мощностью 220 кВт и 240 кВт).
Лабас А. А.
Москва. 1937 год.
1937
Смоленский музей-заповедник
Лабас А. А.
Москва. 1937 год.
1937
Холст, масло. 70,0 х 90,0
Смоленский государственный музей-заповедник
События на картине Александра Лабаса «Москва. 1937 год» разворачиваются с кинематографической быстротой. Самый центр столицы – фасад гостиницы «Москва» – в строительных лесах, за Историческим музеем угадывается пространство Красной площади. Пестрый людской поток, стремительно несущиеся синие, черные, красные лимузины, сочное зеленое пятно огромного троллейбуса. Экспрессивные мазки созидают и разрушают форму, каждый из них вбирает едва ли не половину всей цветовой палитры.
Магия картины такова, что чем дольше вглядываешься в нее, тем тебя больше затягивает в этот шумный водоворот столичной жизни, и ты уже поневоле ускоряешь шаг, чувствуешь запах разогретого асфальта, в ушах начинает звучать какофония автомобильных клаксонов…
Трофимов Я. Д.
Егорьевский клуб имени Г. Конина
1955
Егорьевский ИХМ
Трофимов Я. Д.
Егорьевский клуб имени Г. Конина
1955
Холст, масло. 50,0 х 100,0
Егорьевский историко-художественный музей
Ж 221
Основная часть творчества художника и преподавателя Якова Дмитриевича Трофимова приходится на период его жизни в городе Егорьевске. В 1950 году им написана картина «Егорьевский клуб имени Г. Конина». Изображенный на ней Дворец культуры, позже получивший имя егорьевского революционера Григория Конина, был построен в 1927–1929 годах как профсоюзный клуб для рабочих фабрики «Вождь пролетариата». Здание проектировал академик архитектуры Владимир Алексеевич Щуко. Строительством руководил выпускник Егорьевского механико-электротехнического училища Федор Панкин. Постройка рабочих клубов с середины 1920-х годов финансировалась за счет профсоюзных взносов. В здании фабричного клуба размещались библиотека, оркестр музыкальных инструментов, выставлялась коллекция предметов декоративно-прикладного искусства М. Н. Бардыгина, которая легла в основу Егорьевского музея. Главным декоративным элементом стала клубная лестница с угловым оконным остеклением. Архитектурная загадка клуба заключается в контрасте между небольшими внешними объемами здания и огромным внутреннем пространством его интерьеров.
Конструктивистский метод предлагал разложить все необходимые помещения на участке в свободной асимметричной компоновке и облечь их в простые геометрические формы. По фасаду здания были установлены гипсовые памятники И. В. Сталину и В. И. Ленину.
Юон К. Ф.
Москва строится
1950-е
Луганский ХМ
Юон К. Ф.
Москва строится
1950-е
Холст, масло. 100 × 200
Луганский художественный музей
На монументальном полотне художника К. Ф. Юона «Москва строится» изображен только что построенный Олимпийский стадион им. В. Ленина. Стадион, ныне известный как Олимпийский комплекс «Лужники», был торжественно открыт 31 июля 1956 года, а на строительство ушло всего 450 дней. Именно в нем проводились всем известные Олимпийские игры 1980 года.
Композиция картины не совсем обычна и напоминает сцену в театре: на первом плане – зрительный зал – видовая площадка со зрителями, а на втором плане – сам герой сцены – красавец стадион!
Никич-Криличевский А. Ю.
На катке
1950
НХМ РС (Якутия)
Никич-Криличевский А. Ю.
На катке
1950
Холст, масло. 118 х 131,5
Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
Ж-497
Обращаясь к теме спорта, досуга, живописец Анатолий Никич-Крилический находит новые, более яркие черты своих молодых современников. На картине «На катке», написанной в 1950 году, фигуры катающихся даны крупным планом. Вся атмосфера и воздух картины буквально пропитаны духом 1950-х. Вытянутая по вертикали композиция, совмещение крупного первого плана с панорамным показом места, цветовое решение картины, позволили показать автору атмосферу зимнего городского пейзажа.
Работа полна светлого восприятия бытия. Воскресный город, яркие транспаранты и общий мажорный колористический строй – все это сообщает картине оптимистичность и жизнерадостность. Художник заставляет нас не только видеть, но и слышать свое полотно. Мастер включает зрителя в стремительное движение снующих по льду людей, в шумный ритм катка. Стальные лезвия с визгом режут лед под звучащую бравурную музыку. Аромат мандаринов в руках девушки смешивается с морозным воздухом и создает праздничное настроение. Живописец любуется красотой, силой и азартом своих героев, разрумянившейся девушкой, ее улыбкой... Вот сейчас она вздохнет поглубже и понесут ее коньки под звуки музыки сквозь снежинки навстречу счастью, любви и молодости!
Дейнека А. А.
Москва
1952
Волгоградский МИИ им. И. И. Машкова
Дейнека А. А.
Москва
1952
Холст, масло. 130 х 200
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
СЖ-22
Кастеев А.
Новостройки Алма-Аты
1953
ГМИ Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
Кастеев А.
Новостройки Алма-Аты
1953
Холст, масло. 71 х 91
Государственный музей искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, Алматы
4713-гр
Картина Абылхана Кастеева «Новостройки Алма-Аты» (1953), написанная в год смерти И. Сталина, проникнута предчувствием грядущих больших перемен в жизни советской страны. В этой работе присутствует органическое сочетание лирического живого переживания природы и показа начала масштабного инициированного Никитой Хрущевым жилищного городского строительства в СССР, благодаря которому миллионы советских людей переселялись в отдельные квартиры. Силуэт возводимого в центре Алма-Аты (столицы Казахской ССР) величественного здания Дома правительства, тонкая ажурная стрела подъемного крана, ковер ярких цветов на клумбах, создают образ социалистического «города-сада», в котором на смену сталинскому ампиру приходит архитектура, соизмеримая по своему масштабу с живущим в нем человеком.
Нариманбеков, Т. Ф. оглы
Утренний Баку
1956
Сахалинский ОХМ
Нариманбеков, Т. Ф. оглы
Утренний Баку
1956
Холст, масло. 97 х 92
Сахалинский областной художественный музей
Ж-80
Лейтмотивом творчества азербайджанского художника Тогрула Нариманбекова стала его самая большая и незабвенная любовь к родной стране, родному городу – «Утренний Баку» (1956).
Главные особенности, определявшие индивидуальный стиль художника, были тесно связаны с присущей национальному декоративному искусству гармонией красок и новыми направлениями современного мирового искусства.
«Мастер кисти всегда считал необходимым для искусства (в частности, живописи) возвращение к истокам национальной культуры. Своё творчество описывал как сочетание абстрактного и фигуративного искусства».
Безумов А. Н.
Красный дом (г.Нарьян-Мар)
1959
МО Ненецкого АО
Безумов А. Н.
Красный дом (г.Нарьян-Мар)
1959
Картон, масло. 33,5 х 39,0
Музейное объединение Ненецкого автономного округа, Нарьян-Мар
Ж-27
Александр Николаевич Безумов оставил после себя большое количество живописных полотен, основной темой которых был Север. В художественной коллекции Музейного объединения г. Нарьян-Мара хранится 37 произведений автора, которые он лично подарил в 1979 году.
Нарьян-Мар привлекал художников всегда: и тогда, когда был «невысоким-нешироким», и сегодня, когда на наших глазах исчезают старые деревяшки, а на их месте вырастают современные многоэтажные здания. Карандашами и красками, на холсте, картоне или просто на бумаге художники во все времена спешили запечатлеть свой город, чтобы мы могли увидеть каким был Нарьян-Мар в прошлом.
Картина «Красный дом» построена на контрасте белого и тёмно-коричневого, красного и синего. Именно контраст придаёт динамику и энергию статичным строениям. Очарованный слепящим весенним солнцем, художник рисует поверхность сугроба с боков словно отполированной, а верхушку рыхлой. Комки снега бросает наверх рабочий, который, стоя между двумя сугробами в человеческий рост, расчищает после метели дорожку у Окружной библиотеки. Акцентируя на красном, Безумов как бы продолжает традицию советской живописи, идущую от художников-единомышленников Петрова-Водкина, с их колористическими и пространственными опытами, за рамки социалистического реализма.
Гилевский Г. Г.
Уголок Караганды
1960
Карагандинский ОМИИ, Казахстан
Гилевский Г. Г.
Уголок Караганды
1960
Холст, масло. 40,8 х 84
Карагандинский областной музей изобразительного искусства, Республика Казахстан
ИНВ 1348
Автор работы известный казахский художник Гилярий Гилевский является «летописцем» города Караганды. По его произведениям можно проследить историю становления города, почувствовать ее душу. Летнее солнечное утро. Художник изобразил один из уголков молодого города. На переднем плане картины пустырь, по которому едут машины, идут люди. На дальнем плане этажные дома, выкрашенные в охристый тон. Небо синее, безоблачное. Работа отличается тщательным мелким письмом, тонкой нюансировкой цвета, вниманием к свето-воздушной перспективе.
Алексеев В. А.
Мурманск обновляется
1963
Мурманский ОХМ
Алексеев В. А.
Мурманск обновляется
1963
Холст, масло. 60 x 80
Мурманский областной художественный музей
Валентин Алексеев, работавший художником-постановщиком Мурманского областного драматического театра, много работал в жанре городского пейзажа, одним из которых является полотно «Мурманск обновляется». В нем художник практически с фотографической точностью отобразил процесс послевоенного восстановления столицы Заполярья. Валентин Алексеев как никто другой знал и любил Мурманск, ему удавалось находить красоту в обыденном и неприметном. На своих полотнах художник выразительно, но при этом деликатно изображал городские виды, суровую природу Заполярья и мужественных людей, преобразующих край.
В годы Великой Отечественной войны Мурманск значительно пострадал от многочисленных воздушных и сухопутных атак немецких войск. В общей сложности на город было сброшено более ста восьмидесяти тысяч бомб. По количеству и плотности бомбардировок Мурманск уступает только Сталинграду. В результате воздушных атак было уничтожено более трех четвертей всех городских построек, однако город так и не сдался захватчикам.
Крюков А. Г.
Новостройки Егорьевска
1963
Егорьевский ИХМ
Крюков А. Г.
Новостройки Егорьевска
1963
Холст, масло. 47,0 х 63,0
Егорьевский историко-художественный музей
Ж 519
На картине егорьевского художника Александра Крюкова изображены новостройки на улице Гагарина начала 1960-х гг.
Новотельнов Ф. В.
У кольца шинного завода
1963
Ярославский ХМ
Новотельнов Ф. В.
У кольца шинного завода
1963
Холст, масло. 85 × 100
Ярославский художественный музей
Ж-1014
Среди наиболее ярких произведений ярославского художника Федора Новотельнова периода «сурового стиля» – полотно «У кольца шинного завода» (1963). Художник стремится к ясной конструктивной организации полотна. Наряженный четкий ритм вертикалей и горизонталей промышленных сооружений, лаконизм и сдержанность цвета точно передают деловую атмосферу, его трудовые будни. Художник точно строит композицию пейзажа, показывая реальный вид у Ярославского шинного завода. Он пишет его как бы сверху, подчеркивая объёмы, перспективы и мощь индустриального пейзажа.
Дорохов Константин Гаврилович
1906, Смоленск - 1960, Москва
Живописец. Первоначальное художественное образование получил в Смоленске, в студии Пролеткульта у В. Штраниха, Н. Яблонского, Б. Рыбченкова. По путевке комсомола в 1923 продолжил образование в Москве во ВХУТЕИНе. В годы Великой Отечественной войны был фронтовым художником. Образы "тружеников" войны, их будни и героические подвиги - содержание сотен произведений художника. Участник художественных выставок с 1933 года. Основная часть наследия художника (свыше 300 произведений) находится в Смоленском государственном историческом и архитектурно-художественном музее-заповеднике.
Рыбченков Борис Федорович
1899, г. Смоленск, Российская империя–1994, г. Москва
Художник-пейзажист, мастер камерных, лирических произведений. Художественное образование получил в петроградском ВХУТЕМАСе у Н.И. Альтмана и А.Т. Матвеева и в московском ВХУТЕМАСе у Л.С. Поповой, А.Д. Древина и А.В. Шевченко.
Неоднократно совершал творческие поездки по Уралу, Северу, Украине, Крыму, рекам Волга и Кама. Занимался книжной иллюстрацией. Руководил в Смоленске изостудией.
Попов Иван Васильевич
1874, с. Черкёх Ботурусского, ныне Таттинского улуса – 1945
Народный художник Якутской АССР, родился 7 мая 1874 года в с. Черкёх Ботурусского, ныне Таттинского улуса. Художественное образование получил в Петербурге в частной студии художника-передвижника, профессора Педагогических курсов при Академии художеств А.В. Маковского (1903-1905; 1912-1913). Также учился в школе общества поощрения художеств (1903-1904). Умер 8 октября 1945 года в с. Ытык-КюёльТаттинского улуса. С именем первого профессионального живописца прочно связаны основы и становление изобразительного искусства Якутии начала ХХ века.
Чорос-Гуркин Григорий Иванович
1870, с. Улала (ныне г. Горно-Алтайск) – 1937
Живописец, график.
Родился 12 января 1870 в с. Улала (ныне г. Горно-Алтайск) в семье кустаря-седельника из древнего рода чорос (впоследствии художник назовет себя Чорос-Гуркиным). В селе располагался главный стан Алтайской духовной миссии, при которой имелась начальная школа с иконописным классом. В дальнейшем около 15 лет проработал иконописцем, сначала в Улале, а затем в Бийске.
В 1896 встретился с А. В. Анохиным, который уговорил поехать в Петербург, в Академию художеств. Сразу поступить в Академию не смог и почти год занимался в мастерской знаменитого русского пейзажиста И. И. Шишкина.
В 1899 был зачислен в пейзажный класс Академии художеств. Организовав в дореволюционный период несколько выставок в Томске, Красноярске и других городах, художник открыл для сибирского зрителя своеобразие Горного Алтая. Выставки принесли ему широкую известность и славу первого пейзажиста Сибири.
В годы революции 1917 и Гражданской войны становится видным политическим деятелем, выступавшим за автономию Горного Алтая, выдвигая такие общедемократические требования как политическое равноправие и самоуправление, свобода языка, культуры и т.д. Дважды был арестован. Из-за нестабильной политической ситуации эмигрировал в Монголию, затем в Танна-Туву. Разлука с родиной длилась почти 6 лет (1919–1925).
Осенью 1925 художник возвращается на родину. В начале 1926 с успехом проводит в Новосибирске свою первую при Советской власти выставку. Становится членом Всесибирского общества художников «Новая Сибирь». Принимает участие в развитии национальной культуры – по его инициативе открываются Алтайский музей, национальное издательство, художественная школа для талантливой молодежи. Иллюстрирует первые учебники, рисует плакаты, пишет пейзажи и тематические картины. Несколько лет преподавал в Ойротской художественной школе. В 1937 был репрессирован (реабилитирован в 1956).
Наиболее полное собрание картин художника находится в фондах Национального музея Республики Алтай им. А. В. Анохина – это более 600 живописных картин и множество графических рисунков.
Никич-Криличевский Анатолий Юрьевич
1918 – 1994
Живописец. Заслуженный художник РСФСР. Учился в Московском художественном институте им. В. И. Сурикова (1935-1942) у Б. В. Иогансона, А. А. Осмеркина. Член Союза художников СССР (МОССХ, 1944). Великая Отечественная война, участником которой был живописец, прервала его начинавшуюся художественную деятельность. Воевал в 1944-1945 годах. Был награждён медалью «За взятие Берлина», «За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941-1945» (1945), серебряной медалью имени М. В. Грекова за картину «Военные корреспонденты» (1967).
В 1944 году стал членом Московского Союза советских художников. Произведения хранятся в Третьяковской галерее и ряде региональных музеев. Никич — автор концепции «Мир в мастерской художника», согласно которой вся жизнь, весь смысл бытия сосредоточены внутри мастерской. Живописец известен как автор «больших картин» на военные сюжеты, натюрмортов, жанровых картин.
Нариманбеков, Тогрул Фарман оглы
1930, Баку — 2013
Азербайджанский живописец, сценограф, певец. Народный художник СССР (1989).
Родился 7 августа 1930 года в Баку в семье инженера Фармана Нариманбекова, женившегося на француженке во время обучения во Франции на энергетическом факультете г. Тулузы, куда был направлен правительством Азербайджанской Демократической Республики. Отец работал на строительстве Мингечаурской ГЭС.
Учился в Азербайджанском художественном училище им. А. Азимзаде, затем, с 1950 по 1955 год — в Государственном художественном институте Литовской ССР в Вильнюсе. С 1952 года был участником художественных выставок. С 1955 года — член Союза художников СССР.
Произведения художника — декоративно-праздничные, построенные на напряжённом, восходящем к национальным традициям азербайджанского искусства цветовом ритме. Они отличаются энергичностью мазка, напряжённостью форм, звучностью колорита, а порой примитивистской характерностью.
Считал необходимым для искусства (в частности, живописи) возвращение к истокам национальной культуры. Своё творчество описывал как сочетание абстрактного и фигуративного искусства.
1926, Великовисочное Архангельской области – 1982, г. Сыктывкар
Живописец, график. Член Союза художников СССР (1962). Заслуженный деятель искусств Коми АССР (1976). Участник Великой Отечественной войны. Родился 26 сентября 1926 в с. Великовисочное Архангельской области. В 1933 переезжает в Нарьян-Мар. В 1943, не окончив школу, уходит добровольцем на фронт. Войну закончил в Берлине, был награжден семью медалями.
В 1950, после демобилизации, Безумов возвращается в Нарьян-Мар, работает инструктором Ненецкого окружного комитета ВЛКСМ (1950-1951). В 1951 становится студентом Ленинградского Высшего художественно-промышленного училища им. В. И. Мухиной. В 1958, написав дипломную работу – роспись павильона «Советский Север» – Безумов заканчивает факультет монументально-декоративной живописи по классу профессора П. Д. Бучкина. В июне 1958 работа экспонировалась в музее ЛВХПУ им. Мухиной на выставке произведений в честь Первого Ленинградского фестиваля искусств. Участник выставок с 1959. Член СХ СССР с 1962.
В коллекции Ненецкого краеведческого музея хранится 37 произведений А. Н. Безумова. Жил и работал в Сыктывкаре. Ушел из жизни 17 июля 1982 года.
Гилевский Гилярий Грацианович
1932 г.р.
Казахский художник. Родился в 1932 году в Хмельницкой области на Украине. Происходит из польской семьи, высланной в Казахстан. В конце 1940-х годов посещал студию Владимира Александровича Эйферта – известного художника и деятеля культуры. Окончил Пензенское художественное училище имени Савицкого. В течение многих лет работал в Карагандинском художественном фонде. Ежегодно участвовал в городских, республиканских и всесоюзных выставках. С 1997 живет и работает в Польше. Произведения художника хранятся в Карагандинском музее изобразительных искусств, частных собраниях в Казахстане и за рубежом.
Алексеев Валентин Алексеевич
1923, с. Русское Куйбышевского района Ростовской области – 2015
Живописец, художник театра, член Союза художников РСФСР (1961). Родился в 1923 году в семье кузнеца в селе Русское Куйбышевского района Ростовской области. Обучался художественному мастерству в Ростовском художественном училище им. М. Б. Грекова и окончил его с отличием. Высшее образование получил в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина.
С 1941 по 1947 года проходил службу в рядах советской армии, участвовал в Великой Отечественной войне и освобождении Орловщины от немецко-фашистских захватчиков.
В 1957 году был приглашен в Мурманск, где работал художником-постановщиком Мурманского областного драматического театра и художником-декоратором Мурманской студии телевидения. Оформил более двадцати спектаклей, среди которых «Друзья и годы» Леонида Зорина, «Два клена» Евгения Шварца, «В поисках радости» Виктора Розова, «Так и будет» Константина Симонова, «Интервенция» Льва Славина, «Потерянный сын» Алексея Арбузова, «Волки и овцы» Александра Островского и другие.
С 1966 года работал в Мурманских художественно-производственных мастерских, а в 1968–1978 годах являлся главным художником Мурманска. Принимал участие в областных, зональных, республиканских и всесоюзных художественных выставках, выставках в Норвегии, Финляндии, Швеции, Канаде. Персональные выставки художника устраивались в Мурманске и странах Скандинавии. В конце 1980-х годов переехал на постоянное место жительства в город Орел.
Крюков Александр Григорьевич
1923, г. Москва (?) – 2000
Родился в Москве (по некоторым данным – в Егорьевске). Окончил художественное училище инвалидов Отечественной войны. Жил и работал в Егорьевске. Участник Великой Отечественной войны, которую прошел в пехоте и разведке. Один из художников студии Э. Белютина. Один из основоположников группы «Новая реальность». Участвовал в неразрешенных правительством Абрамцевских выставках. Участник Международных биеннале станковой графики в Калининграде, Польском культурном центре в Москве и ЦДРИ в Москве. Работы находятся в музеях и частных собраниях России.
Художник широкого творческого диапазона. В своих работах он постоянно возвращается к теме войны. Образы художника поражают своим внутренним трагизмом и соотнесенностью со всем человеческим. Есть элементы образного обобщения, характерные для белютинской школы.
Новотельнов Федор Вячеславович
1928, Великий Устюг, Вологодская обл. –2013, Ярославль
Живописец. Заслуженный художник Российской Федерации (1997). Член Союза художников с 1960. Дипломант Союза художников России (1997). Медаль «Достойному» Российской Академии художеств (2003).
Родился в Великом Устюге Вологодской области. Окончил Ярославское художественное училище (1950). В 1951 начал работать в производственных мастерских Художественного фонда РСФСР. С 1953 постоянный участник всесоюзных и республиканских выставок, в том числе выставки «Большая Волга». Участвовал в международных выставках, в том числе, в Международном «Арт-салоне» в Великобритании (1973).
Форма цилиндрическая, фарфор, роспись надглазурная.
Государственный Русский музей
СФ-13-18
Значительная часть творческой жизни Н. М. Суетина, одного из верных учеников и соратников Малевича, последовательного супрематиста, была связана с промышленным производством фарфора. В этой области художественного труда он оставил наследие, которое получило название „Супрематический фарфор“. В фарфоре супрематисты мечтали материализовать одну из романтических идей своей теории – идею преображения современного предметного мира и тем самым вывести супрематизм в объемно-пространственную среду.
На фарфоровый завод в Петрограде Суетин пришел вместе с Малевичем и Чашником. С декабря 1922 года, с перерывами, оставался там до последних дней жизни, работал художником-композитором, а в 1932 году занял пост художественного руководителя.
К моменту прихода группы Малевича на заводе сложилась благоприятная творческая атмосфера. По словам одного из современников, завод играл роль „опытного поля“ для всех, кто хотел перейти от „чистого“ искусства к производству, „деланию вещей“.
В сервизе 1923 года художник делает попытку связать в единую пластическую систему сразу несколько живописных композиций. В этом случае объединяющим началом становится движение, передаваемое, как по эстафете, от композиции к композиции. При демонстрации сервиза художник определил местонахождение каждого предмета, нарисовав на обороте круглого подноса план расстановки.
Черным: роспись 1923 Суетин; черный в рамке квадрат (знак УНОВИСа). На обороте дна подноса начертан план расстановки сервиза.
Марка подглазурная синяя от руки: серп и молот. ГФЗ
Поднос: Дм – 31
Чайник с крышкой. 14,7 х 18 х 10,3
Молочник с крышкой. 11,3 х 14 х 9,2
Сахарница с крышкой. 10,7 х 14,7 х 9,5
Две чашки с блюдцами. 6,6 х 8,6 х 6,4.
Дм блюдца – 14,4
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 154
Малевич К. С., ГФЗ
Чайник с крышкой
1923
ГРМ
Малевич К. С., ГФЗ
Чайник с крышкой
1923
Фарфор. 16 х 22,2 х 8,8
Государственный Русский музей
Сф-1344 а,б
Супрематический чайник - первая работа Малевича в фарфоре. По сути это пример объемного супрематизма в творческой практике художника. Одновременно Малевич воплощает здесь идею создания совершенно новых предметных форм, которые должны преобразить материальное окружение современного общества. Скомпанованный из контрастных геометрических объемов (цилиндр, куб, прямоугольники, шар) по принципу "динамического покоя", предмет получился пластически очень сложным для функционального сосуда. Открывший эпоху супрематизма в фарфоре, чайник Малевича остался олицетворением одной из романтических идей великого мастера.
Чашник И. Г., ГФЗ
Чашка (получашка) «Супрематизм»
1923
ГРМ
Чашник И. Г., ГФЗ
Чашка (получашка) «Супрематизм»
Форма Казимира Малевича
1923
Фарфор, роспись надглазурная. 7,2 х 12,5 (с ручкой) х 6
Государственный Русский музей
СФ-27
В творческом наследии Ильи Чашника фарфор занимает не последнее место. На ГФЗ художник проработал недолго, всего год (1923–1924), и по количеству созданных композиций уступает Николаю Суетину. Тем не менее обращение Чашника к фарфору нельзя рассматривать как случай или эпизод. Вхождение в этот материал, связанный с массовым производством, для него было органичным и естественным. Известно, что проблема изменения предметного мира была одной из актуальных в теории супрематизма.
„Получашку“ Малевича Чашник расписывал одновременно с Николаем Суетиным. Сопоставляя обе росписи, близкие по компоновке геометрических элементов и цвету, нетрудно увидеть разницу. Суетинская композиция пронизана движением, в то время как роспись Чашника, более статичная, как бы „зажимает“ форму предмета. Вообще композиции Чашника на фарфоре выглядят несколько тяжеловато. Всем краскам художник предпочитал черную, отсюда – резкая броскость его росписей на фарфоре. Более того, элементы его супрематических композиций всегда крупны, а черные широкие ленты по краю сосудов замыкают и так тесное пространство.
Марка черная, по бисквиту, от руки — серп, молот, часть шестерни и дата: 1923. На обороте черным по бисквиту: Супрематизм, изображение черного квадрата в рамке, По рис. Чашника и 474/587.
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 200.
Суетин Н. М., ГФЗ
Чернильница с крышкой «Супрематизм с „планитом“»
1923-1924
ГРМ
Суетин Н. М., ГФЗ
Чернильница с крышкой «Супрематизм с „планитом“»
1923-1924
Фарфор, роспись надглазурная. 12,7 х 16 х 14,1
Государственный Русский музей
СФ-29
Не исключено, что стремление хотя бы в миниатюре реализовать проекты супрематической архитектуры руководило Суетиным, когда он работал над фарфоровой чернильницей. Она представляет собою комбинацию разновеликих фарфоровых брусков, куба и вертикального диска, укрепленных на черном основании в форме сегмента.
Архитектура предмета восходит к графическим изображениям „домов будущего“, так называемым планитам, над проектами которых Суетин работал в ГИНХУКе. Описание планита, сделанное Малевичем на одном из рисунков, совпадает с тем, что представил Суетин в фарфоровом предмете.
„Планиты <дома> землянитов <людей> … Планит должен быть осязаем для землянита всесторонне, он может быть всюду на верху и внутри дома… Каждый его этаж низкорослый, по нем можно ходить и сходить как по лестнице“ (Казимир Малевич в Русском музее. СПб., 2000).
В чернильнице-планите последовательно проведен супрематический принцип сопряжения вертикали и горизонтали, крупных и малых, прямоугольных и круглых форм. В росписи использованы три основных супрематических цвета: черный, красный, белый, как и предполагалось раскрашивать „дома будущего“. Важной пластической и смысловой фигурой является крупный, по отношении к другим формам, вертикально поставленный диск, на который планит, собственно, и спроецирован. Его изображение уже в виде красной планеты повторяется в росписи.
Настольный прибор (чернильница), приняв облик планита, как бы приобретает статус архитектурной модели. Эту мысль подтверждает нераскрашенный экземпляр аналогичной композиции, поступившей в 1931 году в Русский музей от Суетина. Желая выявить приоритет архитектурного начала над функциональным, художник напрочь соединил крышку чернильницы с кубом, лишив тем самым предмет его изначального предназначения.
Без марки. на обороте черная надпись: Супрематизм форма и роспись Суетина 1923–1924 г. и изображение черного квадрата в рамке (эмблема УНОВИС).
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 155.
Векслер М. С.
Курорт
1924
ГРМ
Векслер М. С.
Курорт
Проект плаката
1924
Холст, гуашь. 107 x 71
Государственный Русский музей
ЖС-1836
Орден Боевого Красного Знамени
1924
ГРМ
Орден Боевого Красного Знамени
(учрежден в 1924)
1924
Серебро, эмаль, лента. 4,5 х 3,6 (с ушком, кольцом и колодкой)
Государственный Русский музей
Мед.А-4434
Альтман Н. И.
Проект убранства площади Урицкого к 1-й годовщине Октябрьской Революции
1924–1925
ГРМ
Альтман Н. И.
Проект убранства площади Урицкого к 1-й годовщине Октябрьской Революции
Натан Альтман, замечательно проявивший себя в разных видах изобразительного искусства, создал впечатляющие своей выразительностью, романтической энергией эскизы празднества. Натиск авангардных форм не „сминал" знаменитые памятники. Художник мастерски использовал их для решения задачи (как, например, торжественную вертикаль Александровской колонны, словно вырастающей из будоражаще красного подиума). В оформлении пространства торжества Альтман сумел соединить державную строгость архитектурной планировки с логикой супрематической конструкции и эмоционально-содержательным звучанием цвета. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 446.
Город, чей образ революция изменила неузнаваемо, – важная тема в искусстве 1917–1920-х годов.
С одной стороны – голод, война, тяготы быта, смена сословных приоритетов разрушали привычную панораму площадей и улиц, как в обеих столицах, так и в провинции.
С другой стороны – город нового мира приобретал новое лицо и говорил на ином языке иного искусства. Городское пространство первого послереволюционного десятилетия превратилось в театр, на сценических подмостках которого разыгрывалась великая праздничная мистерия, горя кумачами знамен и транспарантов, оглушаемая раскатами рыков Владимира Маяковского:
Довольно грошовых истин.
Из сердца старое вытри.
Улицы – наши кисти.
Площади – наши палитры.
Книгой времени
тысячелистой
революции дни не воспеты.
На улицы, футуристы,
барабанщики и поэты!
Натан Альтман, которому поручили создать эскизы оформления площади Урицкого (Дворцовая) к 1-ой годовщине Октябрьской революции, напишет в своих мемуарах: «Я поставил себе задачу изменить исторически создавшийся облик площади. Превратить ее в место, куда революционный народ пришел праздновать свою победу. Я не стал украшать ее. Творения Растрелли и Росси не нуждались в украшениях. Красоте императорской России я хотел противопоставить новую красоту победившего города. Не гармонии со старым я искал, а контраст ему».
Представленный на выставке проект убранства дает представление о том, что Альтман взглянул на весь знаменитый архитектурный комплекс как на определенную пространственно-пластическую среду, которая должна «сыграть» задуманное праздничное «действо о революции». На окружающих площадь зданиях Зимнего дворца и Генерального штаба располагалась целая система транспарантов и полотнищ красного цвета. Огромные геометрические щиты, полыхающие яркими, чистыми цветами, создавали ощущение победно звучащих праздничных фанфар.
Но самой авангардной по формам была четырехугольная платформа-трибуна в центре у основания Александровской колонны. По углам двухъярусной конструкции находились кубы, скрывающие прожекторы. Вплотную к колонне прижимались полотнища сложных форм, которые и днем и вечером резко освещались изнутри. Футуристическая композиция брала творение Монферрана в тиски, превращала его в тающий, сумеречный призрак. Броско сопоставленные геометрически плоскости с энергичной красно-розово-желтой расцветкой напоминали влетающее к небесам пламя костра, охватившее своим жаром основу столпа самодержавия.
Самохвалов А. Н.
Эскиз мозаичной плиты с изображением серпа и молота
1924
ГРМ
Самохвалов А. Н.
Эскиз мозаичной плиты с изображением серпа и молота
Платина, золото, серебро, эмаль, лента. 4,35 х 3,9 (с ушком, кольцом и колодкой)
Государственный Русский музей
Мед.А-4566
Суетин Н. М., Чехонин С. В., (автор формы), ГФЗ/ ЛФЗ
Сервиз «Тракторный»
1932
ГРМ
Суетин Н. М., Чехонин С. В., (автор формы), ГФЗ/ ЛФЗ
Сервиз «Тракторный»
Форма «Наркомпрос» 1923 С. В. Чехонина
1932
Фарфор, роспись надглазурная.
Государственный Русский музей
СФ-19-24
В одном из наиболее известных своих произведений – сервизе „Тракторный“ 1932 года, сохраняя орнаментальный характер росписи, Суетин довел ее до уровня образного истолкования. Чередующиеся в горизонтальном направлении красно-оранжевые, черные и зеленые полосы несут в себе заряд энергии. Монументальная абстрагированность росписи позволяет соотнести ее с полотном Казимира Малевича„Красная конница“. Белые силуэты крохотных тракторов, обозреваемые как бы с космической высоты, цепочкой движутся друг за другом, внося в роспись элемент предметной конкретности. Согласно схеме-расстановке, начертанной на обороте подноса, части сервиза должны занять в этой композиции отведенные им места (подобный прием, как говорилось ранее, Суетиным был выработан еще в начале 20-х годов). В росписи каждого предмета сохранена цветовая индивидуальность. Декор сервиза „Тракторный“ занимает почти всю поверхность предметов. Оставленные не записанными полосы белого фарфора включаются в канву орнаментального ряда. Суетина попрежнему занимает проблема движения орнаментальных композиций. По сравнению с ранними росписями движение, охватывающее орнамент, здесь однородно, развивается вокруг предметной формы. Во власти кругового движения оказался и план расстановки сервиза: все его составляющие экспонируются по кругу, центр которого образует большое блюдо-поднос.
Черным: Суетин 1932; черный в рамке квадрат (знак УНОВИСа). На подносе – схема расстановки предметов ЛФЗ. Марки синие подглазурные от руки и зеленые: серп, молот, часть шестерни.
Поднос. Дм – 34,5
Чайник с крышкой. 18 х 15,3 х 10,6
Сливочник с крышкой. 13,3 х 10,4 х 7,7
Сахарница с крышкой. 10,1 х 13 х 10,6
Две чашки с блюдцами. 5,3 х 10,7 х 9.
Дм блюдца – 14,4
Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 157.
Эпопея ледокола «Челюскин», за спасением экипажа которого в начале 1934 года следил весь Советский Союз, нашла широкое отражение в разных видах искусства. В собрании Русского музея она представлена образцами скульптуры (этюд Веры Мухиной к скульптуре «Борей» для проекта памятника челюскинцам), графики (ксилография Федора Смирнова «Встреча челюскинцев» С.Гр.-4090; иллюстрация Василия Кобелева к книге «Как спасали Челюскинцев», С.Гр.-1836), декоративно-прикладного искусства (чайный сервиз «Поход „Челюскина“», выполненный на Ленинградском фарфоровом заводе имени М.В.Ломоносова), а также работами народных мастеров. Руслан Бахтияров. К берегам Антарктиды и Арктики || К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С.7.
Пароход, названный в честь русского мореплавателя и исследователя Севера Семена Челюскина (1700? — 1764/1766?), вышел из Мурманска во Владивосток 2 августа 1933 года. Предполагалось, что пароход откроет регулярную навигацию по Северному морскому пути и тем самым подтвердит приоритет Советского Союза в Арктике. Но 23 сентября он был заблокирован льдами в Чукотском море и дрейфовал почти пять месяцев. 13 февраля 1934 года «Челюскин» был раздавлен льдами и затонул. Люди сошли на окружающие льды, им удалось даже перенести кирпичи и доски, из которых они построили бараки. В результате катастрофы на льду оказались104 человека, в том числе дети. Трагедия в Беринговом проливе всколыхнула всю страну. В Москве был создан штаб по спасению челюскинцев. Эвакуацию решено было осуществлять с помощью авиации. С 5 марта по 13 апреля 24 рейсами челюскинцы были вывезены на материк летчиками Анатолием Ляпидевским, Василем Молоковым, Николаем Каманиным, Маврикием Слепневым, Михаилом Водопьяновым и Иваном Дорониным. 19 июня 1934 года в Москве участники экспедиции были торжественно встречены руководителями государства и жителями столицы. Летчики, снявшие челюскинцев со льдины, стали первыми Героями Советского Союза. К берегам Антарктиды и Арктики». СПб, 2019. С. 48.
Знак нагрудный "Юный Ворошиловский стрелок"
1930-40-е
ГРМ
Знак нагрудный "Юный Ворошиловский стрелок"
1930-40-е
Бронза, эмаль. 32 x 26
Государственный Русский музей
Мед.А-20815
Подросток воспринимался в этой системе координат как недо-взрослый, который в процессе обучения и воспитания приобретает все необходимые для жизни взрослого полезные качества и переходит на следующую ступень развития. Исходя из этого детство пионера, каким оно виделось авторам коммунистической идеологической модели, было занято исключительно «взрослыми» занятиями с поправкой на возраст. Нельзя, наверное, найти такую сферу деятельности советского человека, у которой не было бы параллельного пионерского мира. Если взрослые готовились к войне и метко стреляли, чтобы получить нагрудный знак «Ворошиловский стрелок», то и дети учились, и лучшим из них вручался значок «Юный Ворошиловский стрелок».
Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.28-29.
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 1 червонец
1937
ГРМ
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 1 червонец
1937
.
Государственный Русский музей
Бум.А-6988
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 10 червонцев
1937
ГРМ
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 10 червонцев
1937
.
Государственный Русский музей
Бум.А-3286
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 3 червонца
1937
ГРМ
Билет Государственного Банка СССР, достоинством в 3 червонца
1937
.
Государственный Русский музей
Бум.А-6989
Клетенберг Артур Петрович
1907, Ревель — ?
Биографические сведения пока не обнаружены. Известна его деятельность в Декоративном институте (Петроград–Ленинград), где он в 1921–1925 последовательно работал учеником художника, подмастерьем, практикантом в агитплакатной мастерской, руководимой Р. Р. Френцем.
Чехонин Сергей Васильевич
1878, село Лыкошино Новгородской губернии — 1936, Лорры, Швейцария
График, мастер ДПИ, миниатюрист. Учился в ЦУТР барона А. Л. Штиглица (1893–1896), в РШ ИОПХ (1896–1897) у Я. Ф. Ционглинского, В. П. Шрайбера, в ХШ княгини М. К. Тенишевой (1897–1900) у И. Е. Репина. Член общества „Мир искусства“(с 1913). Участник выставок с 1903: „Венок“ (1908), СРХ (1908/1909), Салон „Золотого руна“ (1909/1910), „Мир искусства“ (1913–1924), членов „Дома искусств“ (1920–1921), „Община художников“ (1921–1925); международных в Лейпциге (1914), Париже (1925) и других.
Работал под руководством П. К. Ваулина на гончарном заводе „Абрамцево“ С. И. Мамонтова в Москве (1902–1907), в мастерской „Гольдвейн и Ваулин“ под Петербургом (1907–1915). С 1902 участвовал в монументально-декоративных работах (в 1912–1915 — в Юсуповском дворце). С 1905 сотрудничал в журналах и книжных издательствах. Руководил мастерской финифти в Ростове Великом и мастерской по изготовлению старинной мебели в Ефремове Тульской губернии (1913–1915). В 1918 принимал участие в разработке советской эмблематики. В 1918 возглавил художественный отдел ГФЗ в Петрограде, в 1923 — художественную часть „Новгубфарфора“. С 1918 входил в состав отдела ИЗО Наркомпроса. Преподавал в ЦУТР–ВКДПИ–ВДПИМ (1917–1920-е). С 1928 жил во Франции и Германии, сотрудничал с театром Н. Ф. Балиева „Летучая мышь“, балетной труппой Н. Ф. Немчиновой и другими.
Многообразное творчество Чехонина, охватывавшее станковые формы и сферу прикладного искусства, развивалось в русле неоклассики. Ранние произведения художника отражают его интерес к русскому и европейскому ампиру. Постепенно произошла „активизация художественных форм с сохранением декоративной сущности“. Собственно декоративное начало ампира как имперского стиля оказалось особенно востребованным послереволюционным десятилетием, а Чехонин, по словам А. М. Эфроса, стал „мастером советского ампира“.
Кубарская Елена Петровна
1905, Санкт-Петербург – 1986, Ленинград
Художник по фарфору. Училась в РШ ОПХ–ЛГХПТ (1922–1927 ) у П. В. Кузнецова. Работала на Бронницкой фарфоро-фаянсовой фабрике «Пролетарий» (1927), на стекольном заводе имени III КДО в Малой Вишере (1928–1929), художником по росписи фарфора на ЛФЗ (1929–1941, 1943–1945); по договорам в области промышленной графики (в том числе по созданию обоев, с 1946). Преподавала в Художественно-ремесленном училище № 38 (с 1949). Член СХ СССР. Медаль «За оборону Ленинграда» и орден Красной Звезды (1944). Спорт в советском фарфоре, графике, скульптуре. СПб. 2018. С. 225.
![Хоровод детей всех наций. [Четвертый фрагмент]](/data/collections/painting/19_20/zh-8598/32708_mainfoto_05.jpg)
