Проспект по реке Фонтанке от Грота и запасного дворца на полдень

• 1753
• Офорт, резец. И.: 40,5 х 66,1; л.: 62,5 х 82,5
• Государственный Русский музей
• Гр.-3066

Справа на берегу Фонтанки в Летнем саду виден построенный в 1713–1723 годах увеселительный павильон Грот. В глубине — Летний дворец императрицы Елизаветы Петровны и Водовзводный мост, по которому во дворец подавалась вода. Елена Мишина // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 24.

Автопортрет

• 1918
• Холст, масло. 80,5 x 65
• Государственный Русский музей
• Ж-2400

1918 год был в творчестве Петрова-Водкина годом натюрморта. Его письма к матери той поры, полные отчетов о повышении цен на хлеб и дрова, – летопись разрушения привычного жизненного уклада. Видимо, пристальное внимание к предметному миру было попыткой фиксации его неудержимо расплывающихся контуров, сопротивления тотальной дематериализации. Автопортрет – пример одного из немногих обращений к другому жанру – итог напряженных размышлений о роли художника в апокалипсические времена, поиск стабильности в глубинах собственной личности. 30 января 1918 года Петров-Водкин был выбран профессором Академии художеств. «Как это ни почетно, ни лестно, но с большими колебаниями беру на себя эту большую задачу. И если бы не тяжелое время для Родины и не опасность, что искусство зачахнет среди всеобщего разрушения, я не имею права отказаться от возможности хотя бы попытки благоустроить нашу высшую школу…» Ответственность связывалась с осознанием открывающихся возможностей построения здания нового искусства новой России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. Такая позиция демиурга-хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета. В соответствии с выдвинутой художником концепцией нового, «планетарного» видения его строгое лицо возникает на пересечении «планетарных» измерений неба и тверди, образующих фигуру креста. (Л. Б.).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 159.

В Автопортрете 1918 года исчезла зачарованность, завороженность причастностью к иным мирам, нездешним законам бытия, присущая до сих пор множеству персонажей художника. В почти скульптурной лепке рельефа головы, в рубленности черт лица, в твердости и ясности взгляда художник чрезвычайно точно выразил основной пафос своей жизни той поры – приятие действительности без обманной идеализации ее, приятие мужественное и трезвое, с сознанием неизбежности самопожертвования и готовности к нему. При этом психологическое пространство портрета не ограничено сиюминутностью реального окружения, она включает в себя всю ширь зелено-голубых сфер мироздания, духа, истории… Планетарный принцип, положенный в основу этого произведения, удивительным образом сочетается с концепцией портрета эпохи кватроченто: человек в центре мироздания, возвышенный над миром, героический и одновременно трагически одинокий.

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) – живописец, график, теоретик искусства, писатель. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1930). 

Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф.Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А.Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е. Архипова, Н.А. Касаткина и В.А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. С 1908 участник выставок "Золотого руна". Член обществ "Мир искусства" (1910–1922), "Четыре искусства" (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е.Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Автор жанровых композиций, портретов и натюрмортов. Прошел через увлечение символизмом, постимпрессионизмом (искусство П. Гогена и А. Матисса). В своем творчестве основывался на наследии Древней Руси.

Фигура «Женщина, вышивающая красное знамя»

• Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
• 1919 - середина 1920-х гг. (модель - 1919 г.)
• Фарфор, роспись надглазурная, золочение. В.-15,2; Дл.-9,5; Ш.-9,5
• Государственный Русский музей
• СФ-136

Праздник в честь II Конгресса Коминтерна 19 июля 1920 года. Демонстрация на площади Урицкого

• 1921
• Холст, масло. 133 х 268
• Государственный Русский музей
• Ж-6148

Послеоктябрьская реальность вносила свои коррективы в творчество Кустодиева... До 1917 года не писавший исторических картин, художник теперь время от времени обращался к темам революции и современных политических событий – «Степан Разин» (1918), «Большевик» (1920, ГТГ), «Праздник на площади Урицкого» (1921, ГРМ), «Ночной праздник на Неве» (1923), «Волжская красная флотилия под Астраханью в 1918 году» (1926), «Октябрь в Петрограде» (1927). Первые три вошли в золотой фонд советской живописи. Круглов В.Ф. Кустодиев: между лирикой и гиперболой // Борис Михайлович Кустодиев. К 125-летию со дня рождения. СПб, 2003. С. 17.

Работа над картиной была начата в 1920 году по заказу Петроградского Совета рабочих и солдатских депутатов.

Коминтерн или Коммунистический Интернационал представлял собой международную организацию, созданную для объединения мирового коммунистического движения. Второй Конгресс Коминтерна начал работу 19 июля 1920 года в Петрограде. В нем участвовали делегаты из 35 стран. Один из крупнейших художников объединения «Мир искусства», Борис Кустодиев, был привлечен И. Бродским к написанию полотна, посвященного одному из важнейших событий постреволюционного времени.

В картине с присущей художнику декоративностью, тщательностью характеристики народных типов передана атмосфера празднества представителей разных национальностей, прибывших на Конгресс. Лишенный из-за болезни возможности двигаться, художник на машине Петросовета ездил по городу, внимательно вглядываясь в необычные для него приметы нового в городской жизни, делал натурные зарисовки, проникаясь атмосферой торжества. Все эти наблюдения воплотились в свободной композиции, доминантой которой был разный по интонации красный цвет. Этот цвет в его модификациях наряду с трактовкой массы в целом и отдельных персонажей выражал идею праздника. «Ведь такой улицы надо было дождаться», - воспоминал живописец, убежденный, что «картина должна быть документом нашего потомства». Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 449.

Запечатлевая на холсте, казалось бы с документальной достоверностью конкретное событие, Кустодиев создает тот же, что и прежде собирательный образ массовых народных гуляний, вольно объединяя в одном картинном пространстве разнородные мотивы. Тут показаны десятки различных сценок, изображены все слои населения, люди разных профессий, возрастов, национальностей. Причем экзотические облики и одежды запечатленных здесь иноземных делегатов конгресса Коминтерна придают сверкающему торжеству картины особо широкий смысловой диапазон. Надо всей этой пестрой толпой развеваются красные знамена, подобные пламени радостного пожара, сыплется дождь листовок, мчится быстрый ветер, подгоняя разорванные облака, – ощущение праздника в итоге становится очень широким, масштабным и метафоричным.

Одноименный эскиз картины (1920, холст, масло) – ГРМ.

Рисунок „Международный митинг перед дворцом искусств (Международный праздник)“(1920, бумага, итальянский карандаш) – Музей-квартира И. И. Бродского, Петербург.

Рисунок „На площади Урицкого. Праздник“ (1920, бумага, карандаш) – ЦМЛ, Москва.

Рисунок „Праздник на площади Урицкого“ (1920, бумага, графитный карандаш) – ОР РНБ.

РЕКОМЕНДУЕМ

Подробная информация о картине И.И.Бродского "Торжественное открытие II конгресса Коминтерна во дворце Урицкого в Ленинграде". 1920—1924 гг. и персонажах картины в приложении ARTEFACT.

В Советской республике не должно быть больных и беспризорных детей! Здоровое физическое и духовно молодое поколение - верный проводник идей коммунизма!

• 1923
• Бумага, хромолитография. 61 х 102
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1307

Все в общество рабочий патронат "Друг детей". На борьбу с беспризорностью

• 1923 (?)
• Хромолитография. 92,5 х 69,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-752

Пионерки двадцатых годов

• 1920-е
• Холст, масло. 53,8 х 64,5
• Нижнетагильский музей изобразительных искусств
• Ж-878

В начале 1920-х годов в одном из московских детских домов Н. Чернышев познакомился с удивительной молодежью, которой с малых лет прививались замечательные качества: любовь к труду, к Родине, чувство коллективизма, уважение к товарищу. Вскоре после этого в творчестве художника появляются многочисленные портреты девочек-пионерок.

В работе «Пионерки 20-х годов» они предстают серьезными и сосредоточенными. Колорит картины, построенный на сочетании серых и защитно-зеленых негромких тонов, оживлен спокойным красным тоном пионерских галстуков и косынки, ставших ясными приметами того времени. Образы юных героинь картины значительны и по-своему лиричны. По приглушенной цветовой гамме и строгой простоте композиции работа восходит к древнерусским фрескам Дионисия, так любимого автором. Погружаясь в мир детских чувств и мыслей, здесь Чернышев прежде всего философ, размышляющий над судьбами детей.

Портрет С. М. Буденного

• Этюд к портрету (1923, местонахождение неизвестно)
• 1923
• Картон, масло. 42 х 27
• Государственный Русский музей
• Ж-6475

Буденный Семен Михайлович (1883–1973) овеян славой народного героя. Он родился на Дону в небогатой крестьянской семье. В 1903 году начал военную службу в качестве рядового. Участвовал в русско-японской войне в составе Донского казачьего полка и затем, как лучший наездник, был отправлен в Петербург в Офицерскую кавалерийскую школу на курсы для нижних чинов. В годы Первой мировой войны, будучи унтер-офицером, проявил незаурядную храбрость и был награжден солдатскими Георгиями всех 4-х степеней. После Октябрьской революции вернулся на Дон и создал кавалерийский отряд, который постепенно вырос в дивизию, успешно действовавшую против белогвардейцев под Царицыном. В 1919 году дивизия была переименована в Конный корпус, а затем — в Первую Конную армию, которая сыграла важную роль в военных операциях Гражданской войны. После ее окончания Буденный занимал различные высокие должности. В 1935 году ему в числе пяти крупнейших советских полководцев было присвоено звание маршала Советского Союза, в котором он участвовал в Великой Отечественной войне, проявив, впрочем, низкую компетентность в условиях современных боевых действий. Гражданская война навсегда осталась звездным часом Буденного. Надпись на этюде гласит, что этот живой и непосредственный образ легендарного героя Гражданской войны был исполнен всего за 50 минут. Художнику удалось точно схватить простодушный характер этого лихого кавалериста, говорившего: «Да по мне все равно, какой фронт, мое дело рубать». // Павел Климов, Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 394.

Сервиз с супрематической росписью

• Государственный фарфоровый завод
• 1923
• Форма цилиндрическая, фарфор, роспись надглазурная.
• Государственный Русский музей
• СФ-13-18

Значительная часть творческой жизни Н. М. Суетина, одного из верных учеников и соратников Малевича, последовательного супрематиста, была связана с промышленным производством фарфора. В этой области художественного труда он оставил наследие, которое получило название „Супрематический фарфор“. В фарфоре супрематисты мечтали материализовать одну из романтических идей своей теории – идею преображения современного предметного мира и тем самым вывести супрематизм в объемно-пространственную среду.

На фарфоровый завод в Петрограде Суетин пришел вместе с Малевичем и Чашником. С декабря 1922 года, с перерывами, оставался там до последних дней жизни, работал художником-композитором, а в 1932 году занял пост художественного руководителя.

К моменту прихода группы Малевича на заводе сложилась благоприятная творческая атмосфера. По словам одного из современников, завод играл роль „опытного поля“ для всех, кто хотел перейти от „чистого“ искусства к производству, „деланию вещей“.

В сервизе 1923 года художник делает попытку связать в единую пластическую систему сразу несколько живописных композиций. В этом случае объединяющим началом становится движение, передаваемое, как по эстафете, от композиции к композиции. При демонстрации сервиза художник определил местонахождение каждого предмета, нарисовав на обороте круглого подноса план расстановки.

Черным: роспись 1923 Суетин; черный в рамке квадрат (знак УНОВИСа). На обороте дна подноса начертан план расстановки сервиза.

Марка подглазурная синяя от руки: серп и молот. ГФЗ

Поднос: Дм – 31

Чайник с крышкой. 14,7 х 18 х 10,3

Молочник с крышкой. 11,3 х 14 х 9,2

Сахарница с крышкой. 10,7 х 14,7 х 9,5

Две чашки с блюдцами. 6,6 х 8,6 х 6,4.

Дм блюдца – 14,4

Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 154

Чайник с крышкой

• 1923
• Фарфор. 16 х 22,2 х 8,8
• Государственный Русский музей
• Сф-1344 а,б

Супрематический чайник - первая работа Малевича в фарфоре. По сути это пример объемного супрематизма в творческой практике художника. Одновременно Малевич воплощает здесь идею создания совершенно новых предметных форм, которые должны преобразить материальное окружение современного общества. Скомпанованный из контрастных геометрических объемов (цилиндр, куб, прямоугольники, шар) по принципу "динамического покоя", предмет получился пластически очень сложным для функционального сосуда. Открывший эпоху супрематизма в фарфоре, чайник Малевича остался олицетворением одной из романтических идей великого мастера.

Чашка (получашка) «Супрематизм»

• Форма Казимира Малевича
• 1923
• Фарфор, роспись надглазурная. 7,2 х 12,5 (с ручкой) х 6
• Государственный Русский музей
• СФ-27

В творческом наследии Ильи Чашника фарфор занимает не последнее место. На ГФЗ художник проработал недолго, всего год (1923–1924), и по количеству созданных композиций уступает Николаю Суетину. Тем не менее обращение Чашника к фарфору нельзя рассматривать как случай или эпизод. Вхождение в этот материал, связанный с массовым производством, для него было органичным и естественным. Известно, что проблема изменения предметного мира была одной из актуальных в теории супрематизма.

„Получашку“ Малевича Чашник расписывал одновременно с Николаем Суетиным. Сопоставляя обе росписи, близкие по компоновке геометрических элементов и цвету, нетрудно увидеть разницу. Суетинская композиция пронизана движением, в то время как роспись Чашника, более статичная, как бы „зажимает“ форму предмета. Вообще композиции Чашника на фарфоре выглядят несколько тяжеловато. Всем краскам художник предпочитал черную, отсюда – резкая броскость его росписей на фарфоре. Более того, элементы его супрематических композиций всегда крупны, а черные широкие ленты по краю сосудов замыкают и так тесное пространство.

Марка черная, по бисквиту, от руки — серп, молот, часть шестерни и дата: 1923. На обороте черным по бисквиту: Супрематизм, изображение черного квадрата в рамке, По рис. Чашника и 474/587.

Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 200.

Чернильница с крышкой «Супрематизм с „планитом“»

• 1923-1924
• Фарфор, роспись надглазурная. 12,7 х 16 х 14,1
• Государственный Русский музей
• СФ-29

Не исключено, что стремление хотя бы в миниатюре реализовать проекты супрематической архитектуры руководило Суетиным, когда он работал над фарфоровой чернильницей. Она представляет собою комбинацию разновеликих фарфоровых брусков, куба и вертикального диска, укрепленных на черном основании в форме сегмента.

Архитектура предмета восходит к графическим изображениям „домов будущего“, так называемым планитам, над проектами которых Суетин работал в ГИНХУКе. Описание планита, сделанное Малевичем на одном из рисунков, совпадает с тем, что представил Суетин в фарфоровом предмете.

„Планиты <дома> землянитов <людей> … Планит должен быть осязаем для землянита всесторонне, он может быть всюду на верху и внутри дома… Каждый его этаж низкорослый, по нем можно ходить и сходить как по лестнице“ (Казимир Малевич в Русском музее. СПб., 2000).

В чернильнице-планите последовательно проведен супрематический принцип сопряжения вертикали и горизонтали, крупных и малых, прямоугольных и круглых форм. В росписи использованы три основных супрематических цвета: черный, красный, белый, как и предполагалось раскрашивать „дома будущего“. Важной пластической и смысловой фигурой является крупный, по отношении к другим формам, вертикально поставленный диск, на который планит, собственно, и спроецирован. Его изображение уже в виде красной планеты повторяется в росписи.

Настольный прибор (чернильница), приняв облик планита, как бы приобретает статус архитектурной модели. Эту мысль подтверждает нераскрашенный экземпляр аналогичной композиции, поступившей в 1931 году в Русский музей от Суетина. Желая выявить приоритет архитектурного начала над функциональным, художник напрочь соединил крышку чернильницы с кубом, лишив тем самым предмет его изначального предназначения.

Без марки. на обороте черная надпись: Супрематизм форма и роспись Суетина 1923–1924 г. и изображение черного квадрата в рамке (эмблема УНОВИС).

Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Русского музея, СПб, 1998. С. 155.

В. И. Ленин. На Красной площади

• 1924
• Бумага, акварель. 40 х 60,5
• Государственный Русский музей
• РС-19706

Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).

Исаак Бродский создал обширную галерею изображений В. И. Ленина. В их основу легли воспоминания и натурные зарисовки. Художник видел Ленина выступающим на митингах в 1918 году и рисовал его на заседаниях II конгресса Коминтерна (1920). Многие из выполненных Бродским портретов Ленина многократно копировались и воспроизводились миллионными тиражами. 

Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать!

• Первая половина 1920-х
• Бумага, хромолитография. 100,7 х 71,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1305

Плакаты этого времени обладают определенными объединяющими чертами. Характерной особенностью «детских» плакатов является то, что ребенок почти всегда изображен бодрым, крепким, здоровым и активным. Вне зависимости от того, ликвидации какой насущной проблемы посвящен плакат, дети выглядят так, как будто она уже решена. То есть изображение чаще всего формировало образ светлого и радостного будущего, к которому придет общество, искоренив обозначенную проблему. Исключение составляли плакаты, построенные на сравнении с «проклятым прошлым». Яркий пример такого решения — плакат Алексея Комарова (?) «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать», — пропагандирующий новые стандарты в уходе за ребенком. Каждый эпизод композиции состоит из двух клейм, интерпретирующих один сюжет c точки зрения «как было раньше» и «как сейчас».

Провозглашая строительство бесклассового общества, советская власть, тем не менее, сразу же стала создавать строгую иерархическую структуру, в которую были включены и дети. Атрибутов принадлежности к той или иной социальной группе в плакате не имеют, пожалуй, только младенцы. Все остальные наделены отличительными признаками: либо визуально (пионерский галстук, барабан, горн), либо вербально — в сопроводительном тексте (октябрята, пионеры, юные ленинцы, дети Ильича, всеобучники и т. д.). Ребенок, прежде всего, общественная единица: младенец — будущий октябренок, октябренок — будущий пионер, пионер — будущий комсомолец, а в конечном итоге — строитель коммунизма. Тема идейной преемственности поколений проходит красной нитью через все плакаты советского времени. Даже под образцы агитационной продукции, касающиеся вопросов гигиены, здоровья и воспитания детей, подведена идеологическая база.

Лозунг, сопровождающий плакат, как правило, строится по схеме причинно-следственной связи: ребенок должен быть здоров потому, что он будущий строитель коммунизма. Его жизнь и здоровье не самоценны, а рассматриваются с точки зрения социума, вкладывающего в него свои силы, с расчетом на дальнейшую отдачу.

Так, на плакате «Всем вам, бабы, надо знать, как ребенка воспитать» изображена шеренга малышей, несущих лозунги, среди которых призывные: «Мы требуем акушерок, а не бабок; сухих и чистых пеленок!..» и тут же мотивирующие: «Мы идем вам на смену», «Чем мы будем крепче, тем вам будет легче».

Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.

Да здравствует комсомол! На смену старшим молодая рать идет

• 1924
• Типографский оттиск. 93,2 х 59,6
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-2327

Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги": "В 1925‒1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.

Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства ‒ присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…

Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника ‒ в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".

Красный флот - защита СССР от врагов

• 1924
• Бумага, хромолитография. Л. 102,5х67,0
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1171

Курорт

• Проект плаката
• 1924
• Холст, гуашь. 107 x 71
• Государственный Русский музей
• ЖС-1836

Октябрина

• 1924
• Бронза. 30 x 19 x 17
• Государственный Русский музей
• СО-1237

Портрет В. И. Ленина

• 1924
• Холст, масло. 97,1 х 80,3
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• ЖК-37

Искусствовед и исследователь карельского искусства В. И. Плотников публикует сведения, к сожалению, не указывая источник, о том, что А. Я. Андриянов в 1922 году вместе с В. Н. Поповым исполнял декоративный триптих для Дворца труда – здания Совета профессиональных союзов Карелии (ныне в этом здании располагается Музей изобразительных искусств Карелии).

В 1924 году художник написал портрет В. И. Ленина, который открыл, буквально, «Лениниану» в карельском искусстве. Портрет написан в год смерти Ленина и интересен своей композицией.

Фигура Владимира Ильича изображена художником на фоне колонны полускрытой яркой драпировкой. Эта строгая торжественность фона вступает в некоторое противоречие с задушевностью образа Ленина и пейзажным фоном на втором плане холста. Лицо Владимира Ильича написано художником нежно и трепетно, от него исходит доброта и человеческое обаяние, ощущение живого Ленина. Ленина-человека дополняет сельский пейзаж с домиками за спиной вождя. Этот необычный для ленинских портретов фон дан с большим художественным тактом и имеет вполне определенный северный адрес. Родной художнику пейзаж соединен на холсте с дорогим для него образом вождя.

Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).

Портрет М. А. Тройницкой

• 1924
• Холст, масло. 76 х 66 (в свету)
• Государственный Русский музей
• Ж-8790

Серебрякова много времени отдавала портрету. Особенно выделяется своей завершенностью и тонкой передачей индивидуальных черт модели портрет М. А. Тройницкой, жены директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого. Портретируемая изображена за завтраком. Мастерски вылеплено лицо с живыми глазами, выразительны непринужденная поза и спокойно лежащие руки, что помогло созданию образа уравновешенной волевой женщины. С большой любовью, как у старых голландских мастеров, написаны расставленная на столе фаянсовая посуда, а также вишни и разрезанный ножом лимон. (В. Кн.).

Тройницкая Марфа Андреевна – жена директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого (1882– 1948, историк искусства, научный сотрудник с 1908, хранитель Галереи драгоценностей и директор Эрмитажа в 1917–1927, доктор искусствоведения).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 178.

Проект убранства площади Урицкого к 1-й годовщине Октябрьской Революции

• Образец подноса (мастер-исполнитель – Софья Шульман)
• 1924–1925
• Фанера, масло. 60,5 x 84,1 х 1
• Государственный Русский музей
• ЖС-576

Натан Альтман, замечательно проявивший себя в разных видах изобразительного искусства, создал впечатляющие своей выразительностью, романтической энергией эскизы празднества. Натиск авангардных форм не „сминал" знаменитые памятники. Художник мастерски использовал их для решения задачи (как, например, торжественную вертикаль Александровской колонны, словно вырастающей из будоражаще красного подиума). В оформлении пространства торжества Альтман сумел соединить державную строгость архитектурной планировки с логикой супрематической конструкции и эмоционально-содержательным звучанием цвета. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 446.

Город, чей образ революция изменила неузнаваемо, – важная тема в искусстве 1917–1920-х годов.

С одной стороны – голод, война, тяготы быта, смена сословных приоритетов разрушали привычную панораму площадей и улиц, как в обеих столицах, так и в провинции.

С другой стороны – город нового мира приобретал новое лицо и говорил на ином языке иного искусства. Городское пространство первого послереволюционного десятилетия превратилось в театр, на сценических подмостках которого разыгрывалась великая праздничная мистерия, горя кумачами знамен и транспарантов, оглушаемая раскатами рыков Владимира Маяковского:

Довольно грошовых истин.              

Из сердца старое вытри.              

Улицы – наши кисти.              

Площади – наши палитры.              

Книгой времени              

тысячелистой              

революции дни не воспеты.              

На улицы, футуристы,              

барабанщики и поэты!

Натан Альтман, которому поручили создать эскизы оформления площади Урицкого (Дворцовая) к 1-ой годовщине Октябрьской революции, напишет в своих мемуарах: «Я поставил себе задачу изменить исторически создавшийся облик площади. Превратить ее в место, куда революционный народ пришел праздновать свою победу. Я не стал украшать ее. Творения Растрелли и Росси не нуждались в украшениях. Красоте императорской России я хотел противопоставить новую красоту победившего города. Не гармонии со старым я искал, а контраст ему».

Представленный на выставке проект убранства дает представление о том, что Альтман взглянул на весь знаменитый архитектурный комплекс как на определенную пространственно-пластическую среду, которая должна «сыграть» задуманное праздничное «действо о революции». На окружающих площадь зданиях Зимнего дворца и Генерального штаба располагалась целая система транспарантов и полотнищ красного цвета. Огромные геометрические щиты, полыхающие яркими, чистыми цветами, создавали ощущение победно звучащих праздничных фанфар.

Но самой авангардной по формам была четырехугольная платформа-трибуна в центре у основания Александровской колонны. По углам двухъярусной конструкции находились кубы, скрывающие прожекторы. Вплотную к колонне прижимались полотнища сложных форм, которые и днем и вечером резко освещались изнутри. Футуристическая композиция брала творение Монферрана в тиски, превращала его в тающий, сумеречный призрак. Броско сопоставленные геометрически плоскости с энергичной красно-розово-желтой расцветкой напоминали влетающее к небесам пламя костра, охватившее своим жаром основу столпа самодержавия.

Эскиз мозаичной плиты с изображением серпа и молота

• 1924
• Бумага, акварель, тушь, бронза. 19,7 x 17,3
• Государственный Русский музей
• РС-6306

Юные ленинцы дети Ильича. К 7ой годовщине Октябрьской революции

• 1924
• Хромолитография. 100 х 66,8
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-2330

Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В нашем собрании хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. На одном из значков, сделанном в форме знамени красного цвета на древке, изображены языки пламени костра, обрамленные буквами «ЮП» (юный пионер) и словами приветствия членов организации «Будь готов!»

Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм  // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27.

«Поднимай производство!»

• Проект плаката
• Февраль 1924 - январь 1925
• Фанера, темпера, аппликация. 73 x 103
• Государственный Русский музей
• ЖС-1837

Мы юные ленинцы

• 1925
• Хромолитография. 107,3 х 71,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-382

Фигура милиционерки

• Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
• 1925 (модель — 1918)
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-19,8; Дл.-7,5; Ш.-7,0
• Государственный Русский музей
• СФ-118

Вступай в дошкольный поход. Строй новый быт, организуй детсады, площадки, воспитывай коммунистическую смену

• 1920-е
• Хромолитография. 102,5 х 70,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-862

В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.

Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.

Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.

Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Композиции содержат не просто призыв к участию в акции, а обозначают конкретные действия, которых ожидает общество от гражданина: «Строй новый быт, организуй детсады и площадки».

Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С.11-13

Комсомолки. Подмосковный молодняк

• 1926
• Холст, масло. 59,7 х 68,5
• Государственный Русский музей
• Ж-5683

Портрет был написан в деревне Лигачево, где у Юона был дом-мастерская. Там он находил немало своих героинь – сельских девушек, мотивы своих пейзажей, там он в полной мере мог выявить возможности своей палитры. На портрете изображены Клава Зенина, Саша Перцова, Клава Борисова, Катя Шипова и Маруся Будкина. В произведении органично соединилось стремление к портретной точности и типическому обобщению. Портрет един крепостью своей композиции, ее цельностью, выразительностью расположения персонажей, четкостью плана, и, наряду с тем, образ каждой из девушек подчеркнуто индивидуален. Здесь взяты разные состояния – от задумчивости, нетерпеливого вопрошения, спокойной уверенности до трепетного романтического порыва. Есть своя режиссура и в цветовом решении, которое словно озаряется энергичным акцентом красной косынки. Фрагментарность композиции укрупняет изображение, еще больше усиливая динамизм образов. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 194.

Портрет И. Б. Кустодиевой

• 1926
• Холст, масло. 111,5 х 90,0
• Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
• Ж-919

Картина «пришла» в музей из первых рук: она была приобретена Астраханской картинной галереей в 1973 году у Ирины Борисовны Кустодиевой – дочери художника, его любимой модели. Специалисты иногда шутят, что Ирину Кустодиев писал так же часто, как восхищавший его Веласкес инфанту Маргариту. Целая галерея ярких образов дочери создана художником в работах «Портрет Ирины Кустодиевой с собакой Шумкой» (1907), «Японская кукла» (1908), «Дети в маскарадных костюмах» (1909) и других произведениях. 

В 2011 году на аукционе Мак Дугалл в Лондоне с огромным интересом присутствующие наблюдали за торгами по работе «Портрет Ирины Кустодиевой», написанной в швейцарском городе Лейзене (1911), где художник находился на лечении. После триумфальной выставки русского искусства 1924 года в Америке она была продана в частное собрание и 90 лет нигде не экспонировалась.

От очаровательных детских портретов по мере взросления дочери Б. М. Кустодиев переходит к изображению симпатичного подростка (примером может служить картина «Девочка с цветами» (1917), Курская картинная галерея имени А. Дейнеки).

 В последние годы жизни художника Ирина – красивая девушка с золотистыми волосами, голубыми глазами и чудесным цветом кожи. Именно такой она изображена на портрете 1926 года, который находится в собрании Астраханской картинной галереи. Эту работу иногда также называют «Портрет Ирины в синем платье», она считается очень удачной, хотя и нетипичной для Б. М. Кустодиева.

Это произведение широко известно. С момента написания портрет участвовал во многих выставках в Ленинграде, Москве, Астрахани. Как шедевр кустодиевской коллекции, он многократно воспроизведен в искусствоведческой литературе и художественных альбомах. Работа написана масляными красками на грунтованном холсте. Ирина изображена в эффектной, несколько театральной позе, в синем платье и шляпке в стиле «нэп» – настоящая кустодиевская красавица. В это время Ирина Борисовна постигает историю театра и азы актерской профессии, обучаясь в Институте сценических искусств в Ленинграде. Кустодиев-отец пишет портрет, любуясь дочерью, ее нежной кожей, покатыми плечами, выбившимися из-под шляпки локонами. Композиция работы проста и благородна, отличается четкостью и почти классической строгостью. Кустодиев-художник мастерски демонстрирует в этой работе всё, чего он достиг за годы творчества.

Портрет Н. П. Охлопкова

• 1926
• Холст, масло. 250 х 143
• Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
• Ж-1002

«Портрет Охлопкова», написанный Петром Вильямсом в 1926 году, является одним из лучших портретов мастера. На пустынном просторном фоне изображена крупная фигура. Серое в клетку пальто спортивного покроя, твердый воротничок белоснежной сорочки, галстук. Энергичным движением правая рука сжимает перчатки, левая – опущена в карман. Щегольский костюм дополняют кепи, небрежно зажатая в зубах трубка и почти забытая сегодня деталь – краги – накладные голенища с застежками. Портрет создает впечатление монументальности и парадности, которое складывается благодаря значительным размерам вертикального холста, устойчивой постановке модели, монолитности силуэта, ясно читаемого на пустом фоне. Графически четкий рисунок лица, освещенного направленным лучом света. Подчеркнуты морщины, складки у носа, волевое выражение светло-голубых глаз. С портрета на нас смотрит решительный и целеустремленный человек, участник строительства нового мира.

Николаю Охлопкову к моменту создания портрета было 25 лет. Он, как и Вильямс, принадлежит к «штурмующему» поколению 1920-х годов. Уже два года Охлопков, перебравшийся в Москву из Иркутска, играет в театре Мейерхольда, осваивает знаменитую биомеханику, пробует сниматься в кино. Вильямс использует при написании портрета яркую типажность, запоминающуюся «фактуру». Использует то, что в полной мере соответствовало человеческому идеалу, который стремились утвердить художники ОСТ. В Охлопкове соединились энергичность и спортивность, физическая сила и уверенность в себе.

Остовские портреты Вильямса – замечательная страница в истории отечественного искусства. Вильямсу и Охлопкову суждено было стать крупными деятелями советского театра, их судьбы еще не раз пересекались, а портрет остался прекрасным символом молодости поколения двадцатых.

ОСТ (Общество художников-станковистов) — художественная группировка, основанная в 1925 году в Москве группой выпускников ВХУТЕМАСа во главе с Давидом Штеренбергом. Среди основных участников ‑ П. Вильямс, А. Дейнека, А. Лабас, Ю. Пименов.

Охлопков  Николай Павлович (1900, Иркутск — 1967, Москва) — советский актёр театра и кино, режиссёр и педагог.

Родился в Иркутске в небогатой дворянской семье. В 1917 году устроился в Иркутский городской театр в качестве мебельщика-декоратора, а в 1918 году стал актёром этого театра, где служил до 1921 года. Будучи поклонником творчества Владимира Маяковского декламировал стихи Маяковского на площадях.1 мая 1921 года после освобождения города от Колчака поставил на городской площади массовое действо «Борьба труда и капитала» с участием войск. В 1919 году стал одним из организаторов Иркутского Молодого театра, где в 1922 году поставил «Мистерию-буфф», после чего был отправлен на обучение в Москву. В 1922‑1923 годах учился в ГИТИСе и параллельно играл в Московском театре Революции. С 1923 по 1926 играл в Театре имени Мейерхольда (ТиМ). Одновременно занимался в мастерской при театре (ГЭКТЕМАС) под руководством Всеволода Мейерхольда.

Главный режиссёр Реалистического театра (1930‑1937) и Московского театра имени Маяковского (1943‑1966). В 1947 году поставил «Молодую гвардию» А. А. Фадеева. За этот спектакль был удостоен Сталинской премии первой степени, а в 1948 году ему было присвоено звание Народного артиста СССР. Имя Н. П. Охлопкова с 1967 года носит Иркутский драматический театр.

Эскиз плаката «К победе нас привел ленинизм»

• 1926
• Бумага, гуашь. 13,2 x 8,5
• Государственный Русский музей
• РС-6305

Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":

"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.

Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…

Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".

В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)

• 1927
• Холст, масло. 118,5 х 98
• Симферопольский художественный музей
• Ж-2

Произведение И. Э. Грабаря «В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)» было написано в поселке Магарач близ Ялты в августе–сентябре 1927 г., о чём свидетельствует авторская подпись в левом нижнем углу. Сверкающие краски, блики солнца передают ощущение жаркого полдня и свежести древесной тени.

На портрете изображена Валентина Михайловна Грабарь (1892–1959), супруга художника.

В книге «Моя жизнь. Автомонография» 1937 года И. Э. Грабарь подробно описывает события, сопутствующие созданию картины: «В июле моя семья уехала в Крым; я последовал за нею в начале августа. Мы поселились на даче И. Т. Сливы, в Магараче, между Ялтой и Никитским садом <...>

Я начал большой портрет жены, стоящей у чайного стола, покрытого скатертью, с серебряным кофейником, чайной посудой, тарелкой с персиками и виноградом на нём. Все это происходило в тени большого дуба, бросавшего на стол и фигуру густую тень, разреженную лишь солнечными пятнами. Картина была наполовину закончена, когда в ночь началось землетрясение. Писание пришлось прекратить. Когда толчки несколько смягчились, я начал продолжать портрет к ужасу жены, которая всё ещё не могла придти в себя от пережитого потрясения. Он однако не давался: позировать надо было с улыбкой, а какая уж улыбка, когда толчки всё время продолжались».

Ленин на трибуне

• 1927
• Холст, масло. 71,2 x 54
• Государственный Русский музей
• ЖС-729

Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).

Исаак Бродский создал обширную галерею изображений В. И. Ленина. В их основу легли воспоминания и натурные зарисовки. Художник видел Ленина выступающим на митингах в 1918 году и рисовал его на заседаниях II конгресса Коминтерна (1920). Многие из выполненных Бродским портретов Ленина многократно копировались и воспроизводились миллионными тиражами, но данная картина признана неудачной и не была известна широкой публике. Излишне фотографичным казался тогда экспрессивный ракурс фигуры, невыгодным для образа вождя — сопоставление с большим массивом неба со стилизованным узором облаков, напоминающим образы художников-символистов. Однако именно эти «ошибки» художника выводят произведение за рамки канона, придают ему неоднозначность и делают его интересным для нашего времени.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 66.

М. В. Фрунзе на коне

• Около 1927
• Холст, масло. 197.5 x 173.5
• Государственный Русский музей
• ЖБ-2008

Фрунзе Михаил Васильевич (1885–1925) — революционер, один из ведущих военачальников Красной армии времен Гражданской войны, позднее — теоретик и организатор военного дела в СССР.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 80.

Первое появление В. И. Ленина на заседании Петросовета в Смольном 25 октября 1917

• 1927
• Холст, масло. 132 x 191
• Государственный Русский музей
• ЖС-1981

Владимир Ильич Ульянов (Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).

Днем 25 октября в Актовом зале Смольного под председательством Л. Д. Троцкого открылось экстренное заседание Петроградского совета рабочих и солдатских депутатов. На нем был выслушан доклад Троцкого о свержении Временного правительства. С докладом о задачах Советской власти выступил В. И. Ленин, который произнес знаменитую фразу: «Товарищи! Рабочая и крестьянская революция, о необходимости которой все время говорили большевики, совершилась». Картина была написана Юоном по заказу Комиссии Совнаркома и экспонировалась в январе 1928 года на Выставке художественных произведений к десятилетнему юбилею Октябрьской революции. Добиваясь правдивости изображения, художник с большим вниманием отнесся к воссозданию исторической обстановки и подлинного облика участников тех событий. Так, Ленин на картине предстает без бороды и усов, только что снявшим парик и освободившимся от грима. За его спиной в президиуме изображены присутствовавшие на заседании В. А. Антонов-Овсеенко, Л. Б. Каменев, В. П. Милютин, Н. И. Подвойский, Л. Д. Троцкий, Г. И. Ломов (Оппоков), А. И. Рыков, Л. М. Карахан и другие. Почти все они позднее погибли в годы сталинских репрессий. Судьба героев полотна повлияла на его судьбу в 1930-е годы оно было изъято в спецхран.

Картина написана после смерти Ленина (1924) и посвящена теме его популярности в революционно настроенной среде. // Алиса Любимова. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 365.

Пластина «Сельский сход»

• Палех, Ивановская область
• 1927
• Папье-маше, темпера, золото, лак, роспись. 12,5 х 18,5 х 0,8
• Государственный Русский музей
• ОНИ/Р-1791

По комсомольской путевке

• Из цикла "Комсомолия"
• 1927
• Холст, масло. 87 х 75,5
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-2171

Памятные образы молодежи тех лет оставил нам московский художник Анатолий Лебедев-Шуйский, создавший не просто портреты, а «современный тип», собирательный образ. Один их них – портрет «По комсомольской путевке» из цикла "Комсомолия".

Начиная с VII съезда ВЛКСМ (1926) комсомол становился «ударной бригадой социализма». По путевке обкома партии комсомольцы участвовали в строительстве колхозов, выводили на поля первые тракторы, строили шахты, фабрики, заводы, возводили Днепрогэс, Магнитку, Волховстрой, Метрострой, Турксиб. Жизнь первых поколений комсомольцев была трудной, но романтичной. Герои нового времени привлекали внимание художников.

Праздник 1 Мая у оседлых ненцев

• 1927
• Холст, масло. 126х163
• Национальная галерея Республики Коми, Сыктывкар
• Ж205

Народный художник РСФСР Федор Модоров известен своими портретами партизан, рабочих, руководителей партии и правительства.

В 1925 по заданию Ассоциации художников революционной России (АХРР) художник отправился в Коми, на Ижму и Колву, с целью изобразить, как народы северных окраин встретили Октябрьскую революцию. В поездке он создал ряд живописных произведений, портретов, сюжетно-тематических картин, которые были показаны на юбилейной выставке к 10-летию Октябрьской революции в Москве (1927), а затем в ноябре 1928 в Усть-Сысольске и переданы впоследствии в художественный отдел краеведческого музея Коми автономной области.

Полотно написано Федором Модоровым по впечатлениям от поездки в Коми край в 1925 году, когда он посетил Усть-Сысольск, проплыл по реке Печоре, посетил северные коми селения. Работа представляет празднование 1 Мая в селе Колва. Картина экспонировалась на выставке, посвященной десятилетию Октября, открывшейся в январе 1928 года в Москве, под названием «Первомайский праздник у зырян».

Работница (Портрет в голубом)

• 1927
• Холст, масло. 133,5 х 77
• Государственный Русский музей
• ЖБ-1325

«Работница» Алексея Пахомова занимала одно из центральных мест в экспозиции выставки молодежного объединения «Круг художников» в 1927 году (ГРМ). Моделью Пахомову послужила его жена, работница табачной фабрики. Однако совершенно очевидно, что образ более тяготеет к типажности, нежели характеризует индивидуальность. Для этого Пахомов избирает определенные приемы, которые позволяют ему подчеркнуть монументальность, возвышенность образа. Русоволосая молодая женщина изображена поколенно. Пропорции ее тела несколько увеличены в сравнении с натурой, отчего создается впечатление, что персонажу «тесно» в рамках холста. Динамичный поворот головы и торса плавно «останавливается» торжественными ритмами складок одежды, отдаленно напоминающей одеяния персонажей фресок раннего Возрождения. Позднее Пахомов вспоминал: «Душевная ясность и чистота юности, ее стремление к благородству и возвышенному безмерно привлекательны, и я невольно подчеркивал широкий открытый взгляд, стройность и бодрость осанки, готовность к действию. Я чаще стал всматриваться в античное искусство и искусство Высокого Возрождения и все больше ценить их». (О. Ш.).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 198.

Текстильщицы

• 1927
• Холст, масло. 171 х 195
• Государственный Русский музей
• ЖБ-988

Картина "Текстильщицы" явилась результатом поездки Дейнеки по заданию журнала "Безбожник", с которым художник сотрудничал. Одновременно он был одним из лидеров Общества станковистов, где велись разработки метода синтетического отражения реальности.

С тем, что изменилась жизнь, настало время других героев, согласны были все – и создатели радикального авангарда, и последователи фигуративной линии. «Нельзя сейчас в позе купца или фабриканта, – замечает Александр Дейнека, – писать нашего ударника. У него <…> другая стать <…> и художник должен увидеть эту стать и суметь показать ее». «Жизнь выдвигала новое – прежде всего нового, социалистического человека, новую молодежь, комсомольцев, <…> рабфаковцев <…>». «И именно это новое время, – утверждали молодые художники, – надо втащить на холст». Такими персонажами становятся у Дейнеки «Текстильщицы» — женщины-работницы, наравне с мужчинами управляющие огромными станками-механизмами.

В картине художник применяет характерный для фотографии и кино принцип монтажной композиции. Он писал: «Я увлекался кружевом заводских конструкций, но они только фон. Я всегда изображал человека большим планом, в сильных типичных движениях». Фигуры ткачих решены на контрасте масштаба, объема и цвета, они будто противопоставляются фону. Изображенные в сложных ракурсах, объемные фигуры выделяются на фоне графически четкого рисунка деталей фабричного оборудования, что придает композиции особую динамику. Господствующие в картине радостно-мажорные интонации дают новое осознание не только внешних обстоятельств труда, но и его психологии, его духовного смысла. Основное здесь – чувство свободы и достоинства.

Художник удивительно чутко ощущал пульс времени и отражал его в своих полотнах. Он мастерски выстраивает композицию в смежных разновременных планах, ритмы работающих ткацких станков объединяются в своего рода орнаментальное пространство, почти монохромный серебристо-белый колорит придает картине четкость и графичность авторской пластической манеры, которая приобретает публицистическую заостренность и убедительность.

Физкультурные игры на стадионе

• 1927
• Холст, масло. 166 x 249
• Государственный Русский музей
• ЖС-93

Чем сильнее будет мощь флота, тем прочнее станет советская власть

• Первая половина XX века
• Бумага, хромолитография. Л. 57,2х58,6
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1164

Группа «10 лет Красной Армии»

• Государственный фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова (г. Ленинград). Автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.П.Кириллова
• 1936 (модель — 1928)
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-25,5; Дл.-13,5; Ш.-10,0
• Государственный Русский музей
• СФ-137

Женщина с ведрами

• 1928
• Холст, темпера. 185 x 150
• Государственный Русский музей
• Ж-10265

Кондукторша

• 1928
• Холст, масло. 130 x 127
• Государственный Русский музей
• Ж-9186

В 1920-х годах Самохвалов, как и многие художники той поры, был увлечен поисками характерных явлений современности. Стремительность перемен особенно ярко виделась ему в образах женщин, осваивавших новые социальные роли, новые профессии, стиль поведения, одежду.

Кондукторша, героиня картины, показанной в 1928 году на выставке объединения «Круг художников», – это не просто женщина, продающая билеты и следящая за порядком в трамвае. Она представляется Самохвалову новой богиней, повелительницей электричества. И хотя сам автор выводил пластическое решение образа из византийской иконографии Богоматери Оранты, предстающей в древних изображениях в полный рост с поднятыми и раскинутыми в стороны руками, его Кондукторша более походит на языческого идола. Пропорции ее колоссальной фигуры восходят к образам архаических каменных баб. Она господствует в футуристически динамичном пространстве с грохотом несущегося по рельсам трамвая. Половина лица озарена зелено-голубым светом электрической вспышки, и это сияние разливается по ее могучей груди, откликаясь в очертаниях открытой ладони. Кондукторша с ее слепым взором и поднятой рукой Немезиды есть образ влекущей и карающей власти.

Поясняя суть произведения, Самохвалов подчеркивал, что хотел заставить зрителя почувствовать, как простая работница, дающая энергичным жестом сигнал хода, управляет грозной и страшной силой – электричеством, в прошлом подвластной лишь Зевсу-громовержцу и Илье-пророку. «Если бы ей навстречу попалась Афина в своей колеснице, то удивлена была бы не кондукторша, а Афина. Так я думал тогда. Мне казалось все ясным. Пафос «Кондукторши» остается пафосом той эпохи», – комментировал свое произведение художник.

Картина "Кондукторша" создавалась художником в период расцвета его творческого дарования. Среди работ Самохвалова, созданных в 1920-е гг., "Кондукторша" выделяется остротой пластического решения, повышенной экспрессией цветовых сочетаний и одновременно своей подчеркнутой величаво-торжественной интонацией. Отталкиваясь от случайно запечатленной в его памяти сцены и сохраняя в повествовательном строе произведения отдельные жанровые подробности, Самохвалов стремится возвысить образ до значения символа эпохи, использовать язык монументальной живописи. Картина написана темперой, имитирующей фактуру фрески, в плоскостной манере, где лишь отдельные части изображения приобретают объемность. В это время, отталкиваясь от достижений своего учителя Петрова-Водкина, Самохвалов ищет собственные формы обобщения. В "Кондукторше" наиболее откровенно проявилось увлечение древнерусской фреской, которую художник изучал во время поездок в Новгород в 1925 г. и в Старую Ладогу в 1926—1928 гг.

Красный город

• 1928
• Холст, масло. 71 x 44,5
• Государственный Русский музей
• Ж-10326

Молодая работница

• 1928
• Холст, темпера. 65 x 50,5
• Государственный Русский музей
• Ж-7562

По справедливому утверждению современников, Самохвалов был натурой универсальной. Он успешно работал в разных художественных системах – от посткубизма до романтического реализма, испытал плодотворное влияние русских и мировых художественных традиций, сохранив при этом самобытность почерка и чувство современности, особенно в 1920–1930-е годы. Социальность его не была конъюнктурой, а отражала искреннее представление об идеалах своего времени, воплощенных, в частности, в женщинах-работницах, предстающих, по словам Самохвалова, в «ореоле романтики». В «Молодой работнице» есть своеобразное сочетание извечно женского, возвышенно духовного, сокровенного с аскетичной строгостью и напряженностью. Портрет поражает композиционной четкостью, благородством цветовых отношений, характерной «фресковостью» фактуры. Не случайно Самохвалов вспоминал об особенном влиянии древнерусских традиций на его творчество в то время... // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 203.

На Дальнем Востоке. Красноармеец

• 1928
• Холст, масло. 98 х 78
• Государственный Русский музей
• Ж-8392

В 1919 году Александр Лабас оставил Государственные свободные художественные мастерские, организованные на базе Строгановского училища, и ушел добровольцем на фронт. «Впереди неизвестное, новые события, новые впечатления. Мне было восемнадцать лет». Эта запись объясняет поступок молодого художника как романтический порыв физически ощутить, измерить пространство «взвихренной» страны, присутствовать при рождении будущего. Вместе со своими товарищами по бригаде художников Политотдела 3-й армии Восточного фронта Лабас писал плакаты, транспаранты, оформлял агитпоезда. 

Позднее, в 1928 году, он напишет картину «На Дальнем Востоке. Красноармеец», лирический портрет своего поколения. Хрупкий, интеллигентный еврейский юноша в пыльном шлеме-буденовке темным силуэтом замер на фоне заснеженных туманных далей. Кинематографическим наплывом приближена к зрителю плотная, замкнутая в себе фигура. Она кажется врезанной, вмонтированной в пробегающий вдали почти бесплотный пейзаж. В направленном внутрь себя взгляде, в позе юноши, скованного грубой шинелью, словно спрятанного в ней, – завороженная отстраненность. Он не столько присутствует, сколько грезит, вспоминает, видит внутренним взором строящихся в колонны людей, дома, устремленные вдаль дороги, кружащие в белесом, словно тоже заснеженном небе аэропланы. Образ «книжного мальчика», мечты которого обрели живую красочную плоть, – своего рода манифест художника. В нем он собрал основные образы своего творчества и утвердил себя создателем собственного мира, материалом для которого служит пропущенная через себя реальность. Сегодня перипетии гражданской войны на Дальнем Востоке поражают нас жестокостью и трагизмом. Художник был их свидетелем, но в его творчестве мы не найдем их отражения. «Мы вглядывались пристально в настоящее и представляли фантастику будушего», – слова, сказанные Лабасом, отражают мироощущение молодого поколения творцов постреволюционной эпохи.

Передвижные ясли в хлопковом поле

• На обороте: На обороте холста авторская живопись: Женский портрет. Не окончен. Вторая половина 1920-х
• Конец 1920-х
• Холст, масло. 77 x 59. (В раме)
• Государственный Русский музей
• ЖС-2052

Пионервожатая

• 1928
• Холст, масло. 80 x 66. (В раме)
• Государственный Русский музей
• ЖС-1226

Сбор яблок

• 1928
• Холст, масло. 94,0 х 120,0 см
• Калужский музей изобразительных искусств
• Ж-699

Константин Федорович Юон – один из известнейших русских и советских художников. Его полотна отличает яркий, звучный колорит, четкое композиционное построение, а также жизнерадостные сюжеты из жизни простых людей. На протяжении всей творческой деятельности, Юон не изменял своим принципам – писал правдиво и с большой достоверной точностью.

В произведении «Сбор яблок», написанном в 1928 году, художник изобразил группу людей за сбором урожая. Вечер теплого августовского дня, раскидистая яблоня, изобилующая яркими плодами, и женщины с детьми, занятые работой. Произведение написано в теплых чистых тонах. Мирное занятие, как порождение человеческого бытия. Позади – годы невзгод революционных преобразований, разрухи и голодного времени, а теперь – налаживание мирной жизни, как основа будущего спокойствия каждой семьи и каждого человека.

В центральной части картины «Сбор яблок» доминантой выступает возвышающаяся фигура женщины, которая стоит на стуле и тянется за высоко растущими яблоками. Правая часть полотна отведена под изображение раскидистого дерева, слева – фигуры детей и сидящей женщины, что зрительно уравновешивает композицию. Силуэт деревьев и фигур людей, красота уходящего дня в вечерних сумерках, создают лирическое настроение произведения.

Смерть комиссара

• 1928
• Холст, масло. 196 х 248
• Государственный Русский музей
• Ж-7685

«Смерть комиссара» – работа, написанная Петровым-Водкиным в 1928 году по заказу Реввоенсовета для выставки «10 лет РККА». Картина занимает центральное место в советском периоде творчества Петрова-Водкина. Эта, одна из основных для художника тема жизни, жертвенности и смерти, была решена здесь впервые в образах героев революции. В основе сюжета – эпизод Гражданской войны. 

Здесь, как и в полотне «На линии огня», также зримо доминирует трагический момент боя. И действие вновь разворачивается на высоком холме. На первом плане две фигуры – смертельно раненный комиссар и поддерживающий его боец. Уносимый вихрем сражения, скатывается с холма отряд красноармейцев. Движимые вперед верой в праведность своей борьбы, бойцы исчезают за полукружьем зеленого холма, словно проваливаются в неведомую бездну. И снова смерть, пусть и во имя иных идеалов, обретает высокий смысл жертвенного служения человечеству. Поэтому неслучайно в композиции двух главных героев, изображенных на первом плане, прочитывается иконография Пьеты – сцены Оплакивания Христа.

В этом произведении нашла свое выражение оригинальная художественная система автора, его понимание живописного пространства и колористического строя. Сосредотачивая внимание на основной группе, данной крупным планом, мастер широко раскрывает пространственную глубину с плавными силуэтами холмов, дальними селениями, синей лентой реки. Петров-Водкин отказывается от традиционной линейной перспективы в пользу «сферической», которая играет роль художественной метафоры, выражающей в поэтической форме мировосприятие автора. Здесь ключ к пониманию замысла – в последнем мгновении раскрывается смысл жизни комиссара, его героической жертвы, утверждающей революцию. Изображенное событие перерастает рамки единичного факта, приобретает поистине планетарное, общечеловеческое звучание. Это произведение подвело итог многим живописным и философским исканиям К. С. Петрова-Водкина. 

« Когда говорят о Петрове-Водкине и его школе, то возникают слова:  трехцветка (очень дурно названо), наклонная перспектива или сферичность. Эти названия не объясняют вопроса <…> вопрос – какое отношение цвета к задачам движения. Цвет, как нам известно, имеет свои плотности, весомости, прозрачность, но цвет, принимаемый как удовольствие, как впечатление чисто эстетическое, дает меньше, чем мог бы дать, если бы мы предъявили вопрос другого порядка – его органической сущности <…> вопрос о зависимости цвета от насыщения формы тем или иным цветом, от композиционного их положения <…> Взять хотя бы „Смерть комиссара“. Люди движутся, бегут не потому, что у них бегущая поза, а потому, что это динамически разработанная композиция формы и цвета, которые дали разрешение сюжета <…> Мне хочется, товарищи, дать представление об увязке формального и содержательного значения картины <…>»  (Из стенограммы выступления на творческом вечере К. С. Петрова-Водкина в МОССХе 25 мая 1933)

Стройка (Стройка совхоза)

• 1928 г.
• Фанера, масло. 71 х 116,2
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-410

Будучи по природе своего дарования пейзажистом, Илья Васильевич Волков исполнил в конце 1920-х годов несколько произведений на тему труда. На выставке АХРР «Жизнь и быт народов СССР» (1928) омский художник представил жанровую композицию «Стройка совхоза», выполненную маслом на фанерной основе. Ее сюжет, выхваченный «из новой жизни» с наивной правдой, воплощает подмеченные художником бытовые реалии. Пронизанное солнечным светом, произведение наполнено оптимизмом, чувством «новой, счастливой эпохи».

У сепаратора

• 1928
• Холст, масло. 128,4 х 102,3
• Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань)
• Ж-1282

Раннее творчество основоположника татарского изобразительного искусства Баки Урманче связано с воплощением в живописи национальной темы, жизни и быта татар – характерного интереса художников той поры. К концу 1920-х художник обратился к образам с определенным замыслом. В картине «У сепаратора», через синтез образной выразительности и выбора живописных средств, создается подлинная картина знания народной жизни, умение пластически передать состояние времени, эпохи.

Метод Урманче чужд прямолинейности и иллюстративности в отображении жизни. Героини его первых картин – женщины. Как говорил татарский писатель Ф. Амирхан, женщина – самое прекрасное, и, в то же время, самое забитое существо в условиях дореволюционного татарского быта. Через эти контрасты идет Урманче к воплощению колоссальных перемен, определивших сущность переломного момента.

Легкая, скромная, гордая, полная чувства собственного достоинства, стоит она перед нами в картине «У сепаратора», и простота предметов быта, и мерцающая красота фактуры холста – все это раскрывает исполненную глубокого исторического смысла картину ее духовного выпрямления. Моделью для художника послужила актриса татарского театра Нафига Арапова, в образе которой художник воплотил все порывы и надежды времени. Это и входящие в повседневную жизнь новые предметы, облегчающие каждодневный крестьянский труд (в данном случае – это сепаратор), и привычный интерьер, в котором позирует модель, в лице которой запечатлены нотки застенчивости, стеснения, непривычности внимания художника к бытовым деталям.

Сама живопись – полнокровная, плотная, материальная; светлое и оптимистическое восприятие мира отражается в образно-живописном строе полотна, у его цветовом решении: оно построено на сочных аккордах красного, розового, желтого, зеленого тонов.

Эскиз плаката «Молодежь иди в соцсоревнование и ударничество»

• 1928
• Бумага, чёрная акварель, гуашь. 43,6 x 30,2
• Государственный Русский музей
• РС-6307

Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":

"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.

Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…

Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".

Батум

• 1929
• Холст, масло. 91 х 107
• Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
• Ж-1032

Картина «Батум» написана Александром Шевченко, ярким представителем русского авангарда. Она относится к батумской серии работ художника, созданной в 1929 году в ходе творческой поездки по заданию Народного Комиссариата по Просвещению. Об этом свидетельствует текст удостоверения, хранящийся в семейном архиве Шевченко: «на основании постановления Совнаркома … о поездке художников в индустриальные районы, совхозы и колхозы, командируется в Батум – Керосиновый завод, нефтепровод в порту – [… ] для исполнения художественных работ, отображающих индустриальное и сельскохозяйственное строительство…».

Сюжет картины «Батум» конкретен и соответствует теме заказа. Изображен морской порт, где среди бочек голубого цвета, скорее всего с рыбой, огромных коробок-ящиков и грузовиков проходят трудовые будни приморских рабочих. Над всей этой «повседневностью» торжественно и значимо возвышаются голые мачты парусного судна, огромная черная дымящая труба парохода и подъемный кран. Обращаясь к теме труда и индустриализации, художник уходит от пафоса, патетики трудового героизма, что было одним из приоритетных направлений официального искусства той поры. Работа мастера относится скорее не к пропагандистским, восторженным, «воспевающим» полотнам, а к его поэтическим городским пейзажам. Стилистика и техника изображения, трактовка образов остаются чисто шевченковскими – с цветовым «сезанновским» построением пространства и объемов, с легкой кубизацией форм, примитивистски решенными фигурами, удивительно тонкой живописью и гармонично уравновешенной композицией.

1929 год был важным рубежом для художника, когда в его творчестве зарождалась система изображения, которую можно назвать «новым реализмом», основанным на синтезе достижений авангарда и классических традиций. В пейзаже «Батум», вместо дробности и динамичности форм, Шевченко «стремится к пластической цельности, объемности, покою и уравновешенности во всем: в композиции, ритме, цвете. Он отказывается от произвольных масштабных соотношений фигур, во имя их соразмерности друг с другом и с пространством». Автора картины «Батум» интересует не столько событийная, сколько визуальная информация. И в этом отношении – это просто мотив из жизни приморского портового города. Но с точки зрения живописи – это настоящая картина, достойный пример станкового искусства, в защиту которого активно выступал А.В. Шевченко.

Группа «Смычка города с деревней»

• 1929
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-27,7; Дл.-15,0; Ш.-7,2
• Государственный Русский музей
• СФ-114

Женщина с напильником

• 1929
• Холст, масло. 107 х 70
• Государственный Русский музей
• Ж-7564

Наиболее значительное произведение серии изображений работниц, созданных Самохваловым в 1928–1930-х годах. Своих героинь он встретил в типографии «Печатный Двор» в Ленинграде, где печатались его плакаты. В них он увидел живое воплощение образа новой женщины, способной заменить мужчину даже в тяжелом физическом труде: «Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения, придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка». Поиск этого нового идеала женственности был лейтмотивом творчества художника. (Л. Б.).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 202.

Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Я художник, живущий взволнованной эмоциональной жизнью, современностью. Ничто не проходит мимо моего внимания. В особенности то, что обладает чертами, смыслом и значением сегодняшней действительности. Чувство современности – очень сложное чувство. И в пейзаже, хотя он просуществовал столетия, все же проявляются в конце концов те черты, которые примут на себя выражение современности. И они уловятся, эти черты.

Кроме объективно существующего явления, есть ещё профессиональные особенности отражения этого явления в современной живописи. Современный язык. Попытки игнорировать эту сторону творческого процесса приводят к отсутствию воздействия произведения на зрителя.

Поэтому поиск современности, современных ритмов, современного цветосложения и цветовыражения обязательны для художника.

Это не означает отчуждения от традиций, от достижений искусства в фазы высшего выражения современной ему эпохи. Наоборот. Качества, добытые искусством, в лучших его произведениях, должны и могут развиваться, оживать под толчком современности.

Тот лаконизм, ясность цветового замысла, ясность направленности цветосложения, которые свойственны лучшим образцам древнерусской живописи, воздействовали и на меня и отразились в моих работах того времени с особенной силой.

Основой же становился образ – то есть современность.

В те годы на Печатном дворе печатались мои агитационные плакаты, и я там, в цехах, встретился с совершенно новыми для меня образами советской женщины-работницы.

Они казались мне настолько новыми, иногда поражающими, что я в течение нескольких лет работал над образами женщин-работниц двадцатых годов. Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка.

Вот я вижу женщину, на лице её суровость и тревога. В её руках напильник. На секунду она отвлеклась, опираясь на него. Она встала у тисков и подгоняет детали станков, она взяла в руки напильник, потому что её муж – рабочий взял в свои руки винтовку и там, на фронтах гражданской войны сражается с врагом.

Черные от чугуна руки и исполненные тревоги глаза завершают этот образ женщины первых революционных лет».

Комсомолка 20-х годов в юнгштурмовке

• Из цикла «Комсомолия»
• 1929-1930 гг.
• Холст, масло. 100 х 72
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-1101

Памятные образы молодежи тех лет оставил нам московский художник Анатолий Лебедев-Шуйский, создавший не просто портреты, а «современный тип», собирательный образ.

Коммунистическая идейность и волевое начало отличали новый, рожденный революцией тип женщины, и чуткий ко всему новому художник запечатлел его в портрете «Комсомолка в юнгштурмовке». Энергичное лицо девушки выражает гордое чувство достоинства, готовность к действию. Комсомол (Коммунистический союз молодежи) был организован в 1918 году и сразу, вслед за партией, начал готовить мировую революцию. В 1920-е годы распространение советской революции на весь мир считалось главной задачей, и все советские комсомольцы маршировали в своих «юнгштурмовках», запевая популярный тогда гимн Коминтерна:

«Заводы, вставайте; Шеренги смыкайте!

На битву шагайте, шагайте, шагайте!»

Образ комсомолки, борца с мещанским бытом включал короткую стрижку, белую блузку и черную прямую юбку. Иконы стиля – Лариса Рейснер и Александра Коллонтай. На девушке надета, так называемая, «юнгштурмовка», которая была утверждена в качестве форменной одежды для комсомольцев.

В 1924 году в Германии внутри организации немецких коммунистов «Рот Фронт» было создано молодежное объединение «Красный юнгштурм» (Roter Jungsturm), которому подражали в Советском Союзе.

Это объединение было создано в качестве кадрового партийного резерва Коммунистической партии Германии. 

Среди юношей и девушек активно пропагандировался здоровый образ жизни, проводились спортивные занятия по легкой и тяжелой атлетике, гимнастике и стрельбе. Большое внимание руководство «Юнгштурма» уделяло проведению политических занятий как среди самих «юнгштурмовцев», так и среди молодёжи, которая не состоит в организации. Каждое лето организация проводила летние лагеря для подготовки молодёжных лидеров, на которых с молодыми людьми проводились занятия по военной, политической и общественно-социальной подготовке. 

Пионеры

• Эскиз иллюстрации
• 1929
• Бумага, акварель. 22,5 х 14,3
• Государственный Русский музей
• РС-20144

Ткацкий цех

• 1929
• Холст, масло, темпера. 68 х 98
• Государственный Русский музей
• Ж-8149

В Иваново-Вознесенск Самохвалов был командирован Изогизом на ткацкие фабрики для создания картины о ткацком производстве. (В автобиографии художник указывает дату «1931» — РГАЛИ, ф. 78, оп. 3, д. 49, л. 25). Был собран материал в виде 9 акварельных этюдов работниц и 2 картин — «Ткацкий цех» (1929, ГРМ) и «Печатный цех» (местонахождение не установлено).  Александр Самохвалов. СПб, 2014. С.  207.

Физкультурница

• Вариант-повторение картины того же названия и того же года, находящейся в Муромском краеведческом музее
• 1929
• Холст, масло. 82,5 х 63,5
• Государственный Русский музей
• Ж-6379

Прототипом послужила П. А. Иванова – ткачиха, секретарь комсомола фабрики Мурома, впоследствии секретарь горкома комсомола. Произведение может считаться ярким примером обращения художника старой репинской школы к актуальной для советского искусства тематике. Одной из знаковых примет новой жизни стало радикальное изменение образа женщины: ее внешнего облика, стиля поведения, социальной роли. Олицетворением этих перемен стали девушки-физкультурницы, воспетые живописцами, скульпторами и киномастерами конца 1920–1930-х годов. (Л. Б.). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 231.

Хоровод детей всех наций. [Четвертый фрагмент]

• Эскизы росписи фриза для комнаты игр Дома культуры им. Первой пятилетки в Ленинграде. Второй вариант из трех. Росписи не сохранились
• 1929
• Бумага на фанере, темпера, акварель. 134,4 x 208,5. (В раме)
• Государственный Русский музей
• Ж-8598

8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах

• 1930
• Бумага, хромолитография. 104,0 х 74,0
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1421

В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.

Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.

Самые ранние образцы подобной агитации носили абстрактный характер, изображая некий фантазийный, идеальный мир, в котором дети резвятся на цветущих полянах и лугах. Или же были исполнены в аллегорическом ключе.

Но постепенно плакаты становятся более реалистичными, проектируя конкретные ситуации. Например, колхозница передает из рук в руки своего ребенка воспитателю на фоне пасторального колхозного пейзажа, куда пойдет трудиться «освобожденная» мать, и идеального детского сада, где младенец будет окружен заботой и вниманием («8 марта. День организации яслей в колхозах и совхозах»).

Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-13.

Ёж - лучший журнал для пионеров и школьников. Чиж - журнал для дошкольников и октябрят

• 1930
• Хромолитография. 62 х 54
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-639

В модельном цехе

• 1930-е гг.
• Холст, масло. 151 х 221
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-2202

Творческая командировка художника Вениамина Павловича Белкина на крупнейшее предприятие отечественного машиностроения – Ленинградский металлический завод имени И. В. Сталина была не случайна: в 1920-е годы на заводе были созданы первые гидравлические машины, обеспечившие выполнение почти трети плана ГОЭЛРО, изготовлены первые турбины по собственным проектам. Действие на картине происходит в модельном цехе завода: рабочие применяют колеровку на готовой к отливке формы турбины отечественного производства.

ГОЭЛРО - (сокр. от Государственная комиссия по электрификации России) — государственный план развития электроэнергетической отрасли в Советской России после Октябрьской революции 1917 года. Часто расшифровывается как Государственный план электрификации России. Разработан Государственной комиссией по электрификации России по заданию и под руководством В. И. Ленина. К работе комиссии, которой руководил Г. М. Кржижановский, было привлечено около двухсот учёных и инженеров. 

План ГОЭЛРО с рядом замечаний и дополнений был принят Советом Народных Комиссаров, который принял 22 декабря 1920 г. постановление «О плане электрификации России».

ГОЭЛРО был планом развития не одной энергетики, а всей экономики. В нём предусматривалось строительство предприятий, обеспечивающих эти стройки всем необходимым, а также опережающее развитие электроэнергетики. И всё это привязывалось к планам развития территорий. План ГОЭЛРО, рассчитанный на 10—15 лет, предусматривал строительство 30 районных электрических станций (20 ТЭС и 10 ГЭС) общей мощностью 1,75 млн кВт. В числе прочих намечалось построить ГЭС — Нижегородскую, Волховскую (1926), Днепровскую, две станции на реке Свирь и др. В рамках проекта было проведено экономическое районирование, выделен транспортно-энергетический каркас территории страны. Параллельно велось развитие транспортной системы страны (строительство новых железнодорожных линий, сооружение Волго-Донского канала).

Проект ГОЭЛРО положил основу индустриализации в СССР. План, в основном, был перевыполнен к 1931 году. Выработка электроэнергии в 1932 году по сравнению с 1913 годом увеличилась почти в 7 раз: с 2,0 до 13,5 млрд кВт•ч.

В начальной школе (Всеобуч)

• Начало 1930-х годов
• Холст, масло. 85 × 93
• Самарский областной художественный музей
• Ж-2055

Занимаясь преподаванием живописи в Пензенском художественном училище им. К. Савицкого, Алексей Григорьевич Вавилин проблему обучения молодежи, которая на тот момент остро стояла в стране, можно сказать, хорошо знал «изнутри». Модернизация производства, проводившаяся в стране, требовала все большее число грамотных рабочих. В школах, наряду с общеобразовательными предметами, были обязательными уроки труда, где школьникам прививались начальные навыки столярных, слесарных работ, техники безопасности обращения с элементарными инструментами: рубанком, киянкой, продольной ручной пилой. Девочки постигали основы производства наряду с мальчиками и с не меньшим энтузиазмом.

На картине «В начальной школе (Всеобуч)» лица прописаны художником довольно условно, они практически сливаются по цвету с деревянными верстаками, однако хорошо передана трудовая атмосфера, царящая на уроке, призванном формировать трудовые резервы страны. Перед нами не просто небольшая жанровая картинка, а определенный временной срез истории начальной школы СССР в 1930-е годы.

Всех всеобучников в ряды октябрят. Воспитаем борцов за мировой октябрь

• 1930
• Хромолитография. 105 х 74,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-817

Выплавка стали

• 1930
• Холст, масло. 143 x 176,5
• Государственный Русский музей
• ЖБ-1830

Картина была написана во время командировки художника в Днепропетровск на металлургический завод имени Г. И. Петровского. «Громадный металлургический завод дышал паром, дымами и огнями,— записал в 1930 году художник в дневнике.— Внутри, в цехах, пришлось много наблюдать, изучать последовательность различных трудовых процессов, делать зарисовки фигур в движении. Один светоцветовой эффект сменялся другим. То человеческие фигуры и механизмы, фермы, скрепления, блоки, краны, как вуалью, закрывались дымами, то тонули во мраке, то фантастически освещались расплавленным металлом. Картина менялась, как хамелеон» (Кравченко К. С. А. В. Куприн. М.: Советский художник, 1973. С. 202).

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 28.

Группа «Активисты»

• Государственный фарфоровый завод имени М.В.Ломоносова (г. Ленинград). автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.А.Брянцева
• 1930
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-16,0; Дл.-10,0; Ш.-7,0
• Государственный Русский музей
• СФ-135

Демонстрация

• Эскиз картины «Демонстрация на проспекте 25 октября (в Ленинграде)» (1934, ГТГ)
• 1930
• Холст, масло. 88 х 61
• Государственный Русский музей
• Ж-4378

В 1920–1930-е годы историко-революционная тема стала определяющей в творчестве Бродского. Портреты руководителей советского государства, картины, посвященные октябрьским событиям и гражданской войне, сцены празднеств художник писал в строго академической манере, добиваясь наибольшей визуальной достоверности. В этом смысле подобные работы заметно отличались по своему решению от более свободных, подчас с импрессионистскими колористическими интонациями, портретов и пейзажей более раннего периода. В плане классической перспективы развернуто пространство Невского проспекта, заполненное колоннами демонстрантов с красными транспарантами. Движущаяся масса людей, кумачовые полотнища с лозунгами над их головами, пронзительно голубое небо с дальними легкими облаками, высвеченные солнцем дома и само шествие придают картине мажорное праздничное звучание. Анатолий Дмитренко // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 444.

Знай карту, как свои пять пальцев

• 1930
• Офсет. 85,0 х 59,0
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-944

Значок пионерский

• 1920-30-е
• Жесть, краска. 20 x 18
• Государственный Русский музей
• Мед.А-9207

Большевики не без оснований полагали, что одним из условий удержания власти было воспитание молодого поколения в коммунистическом духе, что казалось гораздо более простым, чем перевоспитание «испорченных» старым режимом взрослых. Главным инструментом такого воспитания стала молодежная коммунистическая организация, основанная в 1922 году и вошедшая в историю под названием пионерской. В нашем собрании хранятся несколько значков раннего периода пионерского движения в СССР. С самого начала в них используется коммунистическая символика. На одном из значков, сделанном в форме знамени красного цвета на древке, изображены языки пламени костра, обрамленные буквами «ЮП» (юный пионер) и словами приветствия членов организации «Будь готов!»

Павел Бельский. «Блестит на курточке значок». Тема детства в советском массовом рельефе миниатюрных форм  // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 27.

Колхозница с тыквами

• 1930
• Холст, масло. 120 х 97,5
• Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
• СЖ-268

В июле 1930 года, впервые за почти 30 лет, художник Илья Машков вернулся на родину, в станицу Михайловскую области Войска Донского (ныне Урюпинский район Волгоградской области). Поводом для поездки послужил заказ ИЗО Наркомпроса на выполнение портретов, с которых должны были выполнить репродукции для календарных стенок.

Работы, предназначавшиеся для массового зрителя, были тесно связаны со стилистикой советского парадного портрета, который был одним из ведущих жанров официального советского искусства 1930-х годов. Моделью портрета послужила Фекла Мироновна Сталькова – дальняя родственница Машкова. «Колхозница с тыквами» была написана с натуры с физиогномической точностью, однако искусствоведы относят ее к портрету-типу. Это означает, что на картине художник изобразил не конкретную женщину, а собирательный образ ударницы, героини труда. Мотив женщины-труженицы был на тот момент очень актуален и одобрен советской властью. При этом полотно выполнено в характерной для Машкова эстетике, близкой к фольклору, примитивизму, лубку. Композиционное решение работы напоминает парадные фотографии того времени, которые демонстрировали героя с самой лучшей стороны, с самого выгодного ракурса. Портрет выполнен крупными, плотными, энергичными мазками. Яркие колористические решения отсылают к народному творчеству.

Героиня портрета с крупными чертами лица, плотной фигурой и большими руками относится к одному из любимых типов персонажей Машкова – могучих и грубоватых. В образе «нового человека» художник акцентирует традиционные для его героев качества: энергию, жизнелюбие, широту характера, здоровье и силу.

Ленин в Смольном

• Авторское повторение
• 1930-е
• Холст, масло. 84,5 × 126,0; в раме 97 × 139 × 7
• Самарский областной художественный музей
• Ж-453

Каждый, кто вырос в Советском Союзе, непременно помнит знаменитую картину Исаака Бродского «Ленин в Смольном» исполненную художником в 1930 году: в бывшей комнате классной дамы Дворянского института кресла в строгих белых чехлах, столик на резных ножках. И вождь, устало изучающий документы…  Передавая абсолютное портретное сходство вождя мирового пролетариата, художник намеренно изображает его в конкретном времени и обстановке, что придает документальность ленинскому образу. Колорит картины выдержан в мягких охристых тонах и создает ощущение цветовой реальности.

Картина написана после смерти Ленина. С момента своего появления она стала одним из самых популярных произведений, посвященных образу вождя революции, неоднократно экспонировалась на выставках, воспроизводилась в печати. Бродский сделал несколько авторских повторений, одно из которых хранится в Самаре.

Ликвидируем прорыв

• 1930
• Холст, масло. 65 х 85
• Государственный Русский музей
• Ж-7677

Художник использует в названии картины фрагмент популярного лозунга с плаката 1930 года «Во что бы то ни стало ликвидируем прорыв». Эта фраза означает победу над чем-то, к примеру, «уничтожим кулака (зажиточного крестьянина) как класс» и так далее.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 45

Литейщики

• Эскиз
• Начало 1930-х
• Холст, темпера. 108 x 146
• Государственный Русский музей
• ЖС-2000

В начале 1930-х годов Осолодков пишет несколько композиций на тему «Литейщики», а также отдельные фигуры рабочих. В данной картине художник концентрируется на сакральности трудового процесса, таинстве обращения с огнем, световых эффектах. Судя по расчерченным клеткам, эта работа предназначалась для переноса на стену, что вполне соответствовало требованиям времени, но мало кем было осуществлено.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 32.

Лыжная вылазка

• Оригинал
• 1930
• Хромолитография. 37,2 х 52,0
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1975

Мне дома скучно! А нам в яслях весело!

• 1930
• Бумага, хромолитография. 51,0 х 68,0
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1306

В первое десятилетие советской власти, наравне с агитацией за создание детских яслей и садов, также велась активная пропаганда этой формы государственной опеки ребенка, так как общество еще с недоверием относилось к ней. Государство в данном случае преследовало несколько целей: с одной стороны — освобождение женщины от домашних обязанностей для труда на производстве; с другой — воспитание подрастающего поколения в духе новых идеологических установок.

Плакаты этой тематики делали акцент, чаще всего, на двух основных принципах: женщина, в первую очередь, труженица, а не домашняя хозяйка; общественное воспитание в детском саду гораздо лучше домашнего индивидуального ухода.

Екатерина Климова. Дети в советском плакате (1917-1950) // Дети Страны Советов. СПб, 2017. С. 11-12.

Молодые. Смех

• 1930
• Холст, масло. 94 x134
• Государственный Русский музей
• Ж-1812

В послереволюционные годы становления новой идеологической системы в творчестве Юона наступил перелом, когда он пытался найти созвучные времени темы. Так, во второй половине 1920-х — начале 1930-х годов художник обращается к специфической жанровой форме, своего рода «сюжетному портрету», посредством которого запечатлевает типических героев своего времени, комсомольцев, физкультурников, парашютистов, то есть новую советскую молодежь. Обращается он и к теме новой русской деревни, избирая типаж деревенских девушек, простолицых, румянощеких, демонстрирующих собой культ физического и нравственного здоровья. Скорее всего, он немало встречал таких девушек в подмосковном Лигачеве, которое называл своим «эстетическим убежищем» и где еще с 1908 года прочно обосновался в своей мастерской.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 46.

Мы требуем всеобщего обязательного обучения

• 1930
• Бумага, цветная автолитография. 106,7 х 72,5
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-168

Народный комиссар здравоохранения Николай Александрович Семашко

• ХХ век
• Холст, масло. 80х110
• Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
• Ж-1180

На портрете художника Сергея Пичугина изображен Николай Александрович Семашко (1874–1949) – первый Народный комиссар здравоохранения РСФСР, академик, выдающийся руководитель советской медицины. Большевик с 1917 года, Николай Семашко в послереволюционные годы боролся с эпидемиями и беспризорностью, создал основы охраны материнства и детства, заложил сеть научно-исследовательских медицинских институтов. В предвоенные годы Николай Семашко разработал систему общественного питания, сеть детских оздоровительных учреждений в Крыму. В годы Великой Отечественной войны он был занят организацией санитарной службы, принимал активное участие в восстановлении здравоохранения на освобожденных территориях.

В ноябре 1919 года нарком Николая Семашко с группой военных и санитарных врачей приезжал в Саранск. Целью приезда стало выяснение причин сыпнотифозной эпидемии и способов ее ликвидации. В связи с этим фактом в Саранске в 1970 году улица в новом жилом районе была названа в честь выдающегося советского деятеля.

Художник изобразил Николая Семашко в тесноватом рабочем кабинете. Он углублен в работу над важными документами. В его облике – характерные черты русского интеллигента первой половины XX века: высокий открытый лоб, усы с проседью, бородка, темная тройка, узкий светлый галстук. Обстановка кабинета деловая: письменный стол, затянутый синим сукном, настольная лампа, книжная этажерка, чернильный прибор, ежедневник, телефон, на стене –карта СССР.

Откатчица

• 1930-е
• Холст, масло. 178,5 х 128,8 см; 179,4 х 129,8 см (после реставрации).
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-1759

Давид Петрович Штеренберг – русский и советский художник, один из ярких представителей отечественного искусства первой половины XX века родился, родился в 1881 году. Сын бедного еврейского ремесленника из Житомира, которому судьба уготовила интереснейший, полный творческих исканий и крутых поворотов путь художника. Начинающий фотограф из Одессы, вынужденный эмигрировать из-за своих революционных убеждений, он становится настолько успешным студентом Парижской академии Витти, что его освобождают от платы за обучение. В первое десятилетие XX века Давид Штеренберг, будучи представителем когорты радикально настроенных молодых и амбициозных художников, стремится к преобразованию традиционных художественных систем и не без успеха покоряет Париж, выставляясь на Весеннем и Осеннем салонах 1912 года наравне с А. Матиссом.

В годы первой революционной пятилетки, благодаря знакомству с А. В. Луначарским, именно он определяет политику в области изобразительного искусства молодого советского государства, будучи заведующим отделом ИЗО Накомпроса. В 1925 году Штеренберг основал «Общество художников-станковистов» – художественную группировку выпускников ВХУТЕМАСа, которая использовала приемы немецкого экспрессионизма для воспевания индустриализации и других примет советской действительности, просуществовавшую до 1931 года. В конце 1930-х годов, не избежав обвинений в формализме, он, тем не менее, не был преследуем властью, но его независимый стиль, не отвечавший конъюнктуре, перестал пользоваться спросом, и работы были постепенно изъяты из поля зрения общественности.

В постоянной экспозиции Тверской областной картинной галереи представлено живописное полотно Давида Штеренберга «Откатчица». Пастельные тона, прозрачность перспективы, изящество линий – все здесь призвано передать легкую красоту модели, которая, несмотря на свою трудную профессию заводской откатчицы, идущую вразрез с хрупкостью и незащищенностью представительницы «слабого пола», сохраняет главные черты женской натуры – таинственность и шарм.

Пионерка

• 1930
• Холст на фанере, масло. 80 × 45,5
• Донецкий республиканский художественный музей
• Ж-1036

Картина «Пионерка» Заслуженного деятеля искусств Украины, живописца Семена Прохорова – детский портрет-тип. Монументализированное изображение девочки в пионерской форме с красным флагом в руках. Румяное улыбающееся лицо девочки с крупными чертами, большие карие глаза смотрят прямо на зрителя. Портрет выполнен пастозными мазками. Колорит – мажорный.

Подсчет трудодней

• 1930–1933
• Холст, масло. 106,5 х 134,5 см.; 128 х 155,5 см (с рамой)
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-1655

Александр Викторович Моравов (1878–1951), последователь И. И. Левитана, в 1900-е годы вслед за учителем приезжает работать на Тверскую землю, в Удомельский край. Впервые художник прибыл сюда в 1902 году, а вскоре после революции поселился в бывшем имении Гарусово на берегу Удомельского озера. Он много работал в самом Гарусове, а также в имении Островно, на даче «Чайка», в деревнях Мощная Горка и Акулово. Более 30 лет своей жизни и творчества посвятил Моравов этим местам, создав здесь почти все свои лучшие произведения.

В воспоминаниях он отметит: «Я очень любил изображать солнечный свет и радостное ощущение жизни, связанное с созвучными яркими красками». Таковы удомельские работы мастера, представленные в постоянной экспозиции Тверской галереи, в том числе жанровая картина «Подсчет трудодней», созданная в 1930-е годы в деревне Акулово. Будничная сцена подведения итогов трудового дня поднята художником до поэтического рассказа о молодых колхозницах. Особенно выразителен образ девушки-счетовода, для которого позировала колхозница из деревни Акулово Мария Филипповна Евсеева. Загорелая, улыбчивая, она вся светится здоровьем и добродушием. Ее фигура освещена бликами солнечного света, в лучах которого золотятся белокурые волосы, вспыхивает алая косынка, придавая всему ее облику выражение энергии и женственности.

Портрет академика И. П. Павлова

• 1930
• Холст, масло. 80 х 77
• Государственный Русский музей
• Ж-4341

После того как в 1930 году состоялась встреча Нестерова с Павловым, он был сразу и навсегда покорен личностью и обаянием маститого академика.

Образ ученого у Нестерова сложился после погружения в атмосферу Павловского городка в Колтушах. В этой цитадели науки устраивались блиц-лекции по вопросам науки или литературы, проводились блестящие импровизации, велись пылкие беседы. Между ученым и художником завязалась крепкая дружба.

Жесткий и насыщенный график работы Павлова определил место написания — застекленную уютную и светлую террасу, где любил работать ученый. Час или два утреннего времени он посвящал чтению, что позволяло модели и художнику полностью погрузиться в работу. Увлеченность личностью замечательного человека, чудесная «взрывчатость» его темперамента сказалась на темпе создания портрета — он был закончен за три недели. Произведение приобрел Институт экспериментальной медицины, а в дальнейшем он был передан в Русский музей.

Композиция наполнена атмосферой обычного рабочего дня ученого, он сидит за письменным столом с книгой в руках, внутренне собран и сосредоточен. Неутомимая творческая жизнь отражена и в общей гамме колорита, насыщенного бодрящими зелеными красками свежей листвы за окном, яркими солнечными бликами. Альфия Низамутдинова. Вдохновляться человеком // Михаил Нестеров. СПб, 2012. С. 220.

Павлов Иван Петрович (1849–1936) – физиолог, создатель учения о высшей нервной деятельности, академик Петербургской АН с 1907, академик АН СССР, лауреат Нобелевской премии (1904). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 222.

РЕКОМЕНДУЕМ

Судьбы скрещенья. Михаил Нестеров. Иван Павлов. Телеканал "Культура"

В 1925 году в одном из писем к своему биографу Нестеров удивлялся тому обстоятельству, что много лет уже живет не среди „художественной братии“, а среди ученых-профессоров. Именно в этой среде активно уговаривали художника написать портрет Ивана Петровича Павлова, показывали фотографии, портреты академика. „Сватовство“ не произвело никакого впечатления, не „раззадорило“ художника, однако в 1930 году встреча все же состоялась. Нестеров был покорен сразу и навсегда. „Иван Петрович ни капельки не был похож на те „официальные“ снимки, что я видел, и писание портрета мысленно было решено“. С этой встречи между ученым и художником завязалась крепкая дружба. Нестерова пригласили в Колтуши познакомиться с любимым детищем академика – институтским городком. Художник решил писать портрет здесь на застекленной террасе, где любил работать Павлов. Увлеченность личностью замечательного человека, чудесная „взрывчатость“ его темперамента сказались в темпах написания портрета: он был закончен в три недели. Портрет был приобретен для Института экспериментальной медицины. После серьезной болезни И. П. Павлова Нестеров решает в 1933 году написать еще один портрет „дивного старика“, который сразу по завершении поступил в коллекцию Третьяковской галереи. К 85-летию Нестеров подарил Ивану Петровичу авторское повторение первого портрета. А в 1940 году Институт экспериментальной медицины передал первый оригинал в Русский музей, оставив у себя повторение.

После смерти ученого Нестеров несколько раз проводил лето в Колтушах по приглашению семьи Ивана Петровича, конечно же, ему остро не хватало интереснейшего и умнейшего собеседника. Художник написал воспоминания о Павлове и историю создания портретов. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 222.

Постройка железной дороги

• 1930-е
• Холст, масло. 109 х 159
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-30

В 1930-е годы отличительной особенностью искусства Александра Моравова стало внимание к социальным преобразованиям. Действие в большинстве сюжетно-тематических картин этого времени выносится на улицу, стройку, завод, в поле. Значительность событий, массовость изображаемых сцен обусловили создание многофигурных композиций.

В двадцатые-тридцатые годы прошлого столетия многие литературные произведения, художественные полотна обращались к железнодорожной тематике, передав первые впечатления от движущегося «парохода» на колесах. Изобразительная метафора XX века вкладывает новый смысл в образ железной дороги как символ прогресса и построения нового будущего советской страны.

У живописца возникает идея написания большого полотна, посвященного строительству железной дороги. Внимательно изучает автор отдельные участки работы и весь объём строительства в целом. С большим вниманием отражает художник величие стройки и энтузиазм людей. Каждый персонаж полон уверенности, сосредоточенности.

Живописец показал, что в то нелегкое время строительство железных дорог осуществлялось практически вручную, механизация была развита слабо. Основной объём земляных работ выполнялся конными и тракторными скреперами. В картине есть ощущение простора, а, соответственно, и ощущение размаха строительства. На полотне Александра Моравова запечатлена не просто стройка, а созидание, стремительная динамика жизни.

Прокатный цех завода «Серп и молот»

• 1930
• Холст, масло. 172 x 132,5
• Государственный Русский музей
• ЖБ-1799

В годы первых пятилеток одним из главных героев изобразительного искусства был завод, и для зрителя представал он как «преображенное пространство», как Храм Свободного Труда. Художников интересовал невероятный размах индустрии, гигантские сооружения, удивительные механизмы, фантасмагория действа, поклонение чудесам техники. В подобных картинах около заводских громад, среди дыма и грохота, пламени и блеска металла рабочие оказывались одушевленными частями большого механического организма.

В картине Рождественского «Прокатный цех завода „Серп и молот“» людей на первый взгляд нет вообще, их не видно. В центре композиции, представляющей собой огромное пространство цеха, — огненное пламя, вырывающееся из котлов и рассыпающееся тысячами искр. Почти демоническая сцена укрощения стихии огня наполнена звуками, динамикой, жаром, контрастами освещения.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 28.

Московский металлургический завод «Серп и Молот» — один из старейших и крупнейших заводов Центральной России, занимавшийся производством стали. Был основан в 1883 году французским предпринимателем Юлием Гужоном. В 1918 году национализирован. Именно в начале 1930-х годов, период, когда была написана картина Рождественского, на заводе была создана техническая база с современным оборудованием и освоена новая технология производства продукции из качественной стали. Были построены корпуса фасонно-литейного, калибровочного и лентопрокатного цехов. 

Спорт

• 1930 (?)
• Бумага на фанере, масло, аппликация. 90 x 76
• Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
• Ж-175

Во второй половине 1920-х годов вятский художник Сергей Луппов разрабатывает тему советского спорта. Он создает множество этюдов и крупных полотен. Среди них картина «Спорт» (1930), посвященная женским спортивным состязаниям на воде. Изображение спортсменов водных видов спорта особенно привлекало живописца. Можно было открыто показать гармонично сложенное, обнаженное тело, пластичное, совершенное, готовое к борьбе и победе, символизирующее мощь и силу молодого социалистического государства.

На картине ясно видно, как люди радовались новой жизни и хотели построить новый светлый счастливый мир. Девушки, как птицы, парят в воздухе, кажется, что они не падают вниз, а стремятся в высоту. В диагональном построении композиции, динамичной ритмике фигур чувствуется, как советская молодежь заряжается неукротимой всепобеждающей энергией, чтобы потом направить ее на строительство великих строек коммунизма. Водные процедуры и солнце должны были укреплять здоровье и дух советского человека, вселять оптимизм.

Спортивная тема позволяла художнику показывать красоту человеческого тела и его возможности. Художественно-эстетические и этические принципы, сформировавшие ее, определились в 1920-е годы, когда с понятием о человеческом совершенстве начали связывать образы развитого, тренированного тела, олицетворяющие, как и в Древней Греции, здоровые основы сильного государства.

Бригада во время перерыва

• 1931
• Холст, масло. 123 x 99
• Государственный Русский музей
• ЖБ-1727

Вход в шахты

• 1931
• Бумага, темпера, акварель. 89 x 70,5
• Государственный Русский музей
• РС-4951

Днепрострой

• 1931–1932
• Холст, масло. 49 × 111
• Донецкий республиканский художественный музей
• Ж-216

Индустриальный пейзаж «Днепрострой» работы Константина Федоровича Богаевского из коллекции Донецкого республиканского художественного музея выполнен на основе натурных зарисовок 1930–1931 (акварелей и рисунков карандашом). Художником был собран огромный документальный материал, пользуясь которым он выполнил серию картин, изображавших строительство Днепрогэса. На картине «Днепрострой» изображен один из этапов грандиозной стройки: панорама пейзажа связана со строящейся плотиной. Удачен выбор точки зрения, позволяющий охватить взглядом оба берега с развернутым на них строительством. Пространство насыщено действием, вертикальный ритм строек, башенных кранов вносит в картину активное динамическое начало. Картина цельна по колориту. Красочная гамма выдержана в светлых тонах, построенных на сочетании охристых и серо-сиреневых оттенков. Индустриальный пейзаж Богаевского доносит до зрителя дыхание первых пятилеток. За цикл картин о Днепрострое в 1933 году художник получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР.

Кондострой

• 1931
• Холст, масло. 69 х 94
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• Ж-466

Творчество Михаила Цыбасова тесно связано с Севером. Под влиянием времени у художника возникло стремление отразить в своём творчестве новую действительность, и в 1929 году он приезжает в творческую командировку на одну из новостроек Карелии – Кондопожскую ГЭС. «И мне предложили сделать серию рисунков по истории карельских заводов…», – напишет позже художник в своём дневнике. В результате были созданы два варианта «Кондостроя» и серия графических работ на эту же тему.

Живописная работа «Кондострой» посвящена строительству новой Кондопоги – возведению новых цехов бумагоделательного комбината, основанию Кондопожской ГЭС, закладке домов для рабочих. На небольшом холсте сконцентрировано внушительное большое пространство молодого города. Показаны и красота северного пейзажа, и заводские цеха, и выверенные движения строителей, прокладывающих новые дороги. Для воплощения столь грандиозной композиции Михаил Цыбасов использует так называемое «расширенное смотрение» и следует совету своего учителя П. Филонова «нагружать картину». «Правильно, что холст является общей формулою Кондостроя», – писал Филонов своему ученику в Карелию, – «нагрузите и развейте его в этом направлении сюжетно до последней возможности исчерпывающе».

Красноармейцы-лыжники

• 1931
• Холст, масло. 71 х 101
• Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
• Ж-185

Огромное влияние на становление «саратовской живописной школы» оказало творчество одного из самых тонких и проникновенных пейзажистов первой трети ХХ века – Петра Саввича Уткина. Живописно-пластическая система его искусства складывалась под воздействием В. Борисова-Мусатова, а сам он считался самым последовательным «голуборозовцем».

Сложные 1920-е годы не смогли поколебать основ поэтической образности творчества художника. Окрестности Саратова, всегда легко узнаваемые, – тема почти всех работ той поры. Мечтательная грусть, тонкий лиризм, особая душевная тональность отличают его произведения. Но уже тогда, в 1927 году, по поводу подобных работ в газетах стали писать, что «…это сфера интимного пейзажа, навевающего лирические настроения, такие чуждые нашей эпохе». Началась новая эпоха социалистического реализма в искусстве, в которой тихой лирике не было места. В эти годы, Уткин создает картину «Красноармейцы-лыжники», стоящую особняком в его творчестве. Сюжет картины достаточно прост: по заснеженной равнине неспешно движется отряд красноармейцев-лыжников. Впереди, указывая путь, едет первый красноармеец. За ним, на собачьей упряжке, движется второй, везя за собой сани с пулеметом. Чуть левее, на лыжах, нога в ногу, идут пятеро красноармейцев.

Тонкий и нежный пейзажист, Уткин и в этой работе остается верен себе. Фигуры лыжников он деликатно вписывает в пейзаж, отводя именно ему главное место в картине. Художник прекрасно передает беспредельность заснеженной мглистой равнины, по которой движется отряд. В картине доминирует любимая мастером, мягкая серо-голубая тональность.

Картина «Красноармейцы-лыжники», созданная Уткиным в 1931 году, – пример первого подступа к новой тематике, немного наивная попытка выступить в жанре, который был непривычен художнику. Замысел картины, видимо, связан с заказом: именно в этот период Уткин руководил оформительскими работами к годовщине Красной Армии. Но этот опыт обращения к новой тематике нельзя считать неудавшимся. В картине есть и колорит эпохи, и красота живописи, и ясная композиция. Конечно, эта картина решена чисто «пейзажно». Да и могло ли случиться иначе? Художник искренний и честный, Петр Саввич Уткин никогда не изменял своему призванию.

Магнитострой

• 1931
• Холст, масло. 72 х 101
• Магнитогорская картинная галерея
• Ж-120

На картине советского живописца Фёдора Модорова изображён индустриальный пейзаж со строящейся домной (шахтной печью для выплавки чугуна из железной руды) в окружении техники. Присутствие на Магнитострое в начале 1930-х годов башенных кранов и экскаваторов служило доказательством преодоления разрухи гражданской войны, подъема промышленности.

На стадионе

• 1931
• Бумага, акварель. 43,8 x 63,5
• Государственный Русский музей
• РС-1608

На стройке комсомольской домны

• Магнитогорск
• 1931
• Бумага, тушь, гуашь. 43,3 х 29,5
• Магнитогорская картинная галерея
• Г-148

В 1931 году молодой московский художник Ярослав Титов с бригадой АХРа совершил творческие поездки по новостройкам Урала (Магнитогорск, Челябинск, Свердловск).

«На стройке комсомольской домны» – индустриальный пейзаж. Это вид строительства Магнитогорского металлургического комбината. На первом плане часть железнодорожного пути, складированные конструкции, далее – две домны в лесах и строительный кран. Работа написана в смешанной технике с применением «набрызга», подчеркивающего материальную фактуру объектов. Есть ощущение воздуха и пространства. Композиция решена в теплой цветовой гамме с преобладанием коричневого и серого цветов и создает мажорное звучание.

На учебу

• 1931
• Хромолитография. 51,5 х 29,3
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1939

Нефтепромысла

• 1931
• Холст, масло. 108 x 206,5
• Государственный Русский музей
• Ж-2337

Октябрята

• Оригинал
• 1931
• Хромолитография. 37,5 х 53,6
• Государственный Русский музей
• Гр.Пл.-1918

Качалов Григорий Аникиевич

Гравер резцом и офортом. Поступил в гимназию АН (1726). Определен для обучения в Гравировальную палату к О. Эллигеру (1731). Получил звание подмастерья (1737). Назначен мастером гравирования проспектов (1750). Руководил Гравировальной палатой АН (с 1757).

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич

Живописец, график, теоретик искусства, писатель.

Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина и В. А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старых традиций (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения).С 1908 участник выставок «Золотого руна». Член обществ «Мир искусства» (1910–1922), «Четыре искусства» (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е. Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников.

Уже в ранний период творчество отмечено символистской ориентацией («Элегия», 1906; «Берег», 1908; «Сон», 1910). Принципиально важным рубежом стало «Купание красного коня» (1912), в котором прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций. В этот же период сформулировал принцип трехцветия, в котором принимал за основные цвета только синий, желтый и красный, считая остальные производными от их смешения друг с другом. Активно использовал этот принцип в картинах, посвященных материнству («Мать», 1915, «Богоматерь Умиление злых сердец», 1914–1915, «Петроградская мадонна», 1918). В 1910-х складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет, изображая натуру одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты» («Полдень. Лето», 1917, «Весна», 1935 и др.). По-своему «планетарны» его натюрморты («Селедка», «Утренний натюрморт», 1918). Космологический символизм сказывается и в портретах («Автопортрет», 1918; «Голова мальчика-узбека», 1921; «Портрет Анны Ахматовой», 1922, и др.). Искренне приняв революцию, художник создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны («После боя», 1923; «Смерть комиссара», 1928). На рубеже 1920-х и 1930-х, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, обратился к литературному творчеству. Именно тогда написаны автобиографические повести «Хлыновск» (1930) и «Пространство Эвклида» (1933).

Данько Наталья Яковлевна

Скульптор. Училась в Строгановском центральном художественно-промышленном училище в Москве (СЦХПУ, 1900–1902), в виленской художественной школе и студии Я. Янсона (1906–1908), в мастерской М. Л. Диллон и Л. В. Шервуда (с 1908) в Петербурге. В 1909–1914 под руководством В. В. Кузнецова исполняла скульптурный декор для многих зданий Петербурга, Москвы и Киева. Участвовала в исполнении скульптур для павильонов России на выставках в Турине и Риме (1910–1911). С 1914 – помощница заведующего скульптурной мастерской Императорского фарфорового завода В. В. Кузнецова, с 1919 возглавляла скульптурную мастерскую Государственного фарфорового завода. Ответственная за выпуск скульптуры на экспорт (с 1931). В феврале 1942 эвакуировалась из блокадного Ленинграда с семьей в Ирбит, куда ранее был эвакуирован ЛФЗ. Золотая медаль Всемирной выставки в Париже (1925), почетный диплом и золотая медаль III Международной выставки в Монце-Милане (1927).

Государственный фарфоровый завод

Кустодиев Борис Михайлович

Живописец, график, театральный художник.

Академик Императорской Академии художеств (с 1909). Родился в Астрахани. Учился у П. А. Власова (Астрахань, 1890-е), в Высшем художественном училище при Академии художеств у В. Е. Савинского, И. Е. Репина (1896-1903). Преподавал в своей частной художественной школе ("Новая художественная мастерская", Петербург, 1913). Член "Союза русских художников" (1907-1910), "Мира искусства" (с 1911), Ассоциации художников революционной России и других. В 1907-1917 посетил многие европейские страны. В последние годы жизни, будучи прикован к инвалидному креслу, продолжал неутомимо работать. В 1910 удостоился чести дать автопортрет в галерею Уффици (Флоренция), где собраны автопортреты величайших художников за несколько столетий. Автор жанровых картин, портретов, книжных иллюстраций. Занимался также скульптурой. Особую известность завоевал картинами из жизни российской провинции.

Авилов Михаил Иванович

Живописец, график, художник театра, педагог. В 1893 посещал Рисовальную школу Общества Поощрения художеств; 1903–1904 учился в студии Дмитриева-Кавказского; 1904–1905, 1907–1913 – в Высшем художественном училище при Академии художеств. С 1908 участник выставок. Член и экспонент объединений: Общество им. Куинджи – 1917–1930; Иркутское общество художеств – 1920–1923; Ассоциация художников революционной России – 1823–1928; Союз советских художников – 1930–1932. С 1932 член Союза художников СССР. В 1918–1921 преподавал на курсах живописи и рисования (Тюмень); 1922–1930 – в Художественно-ремесленных мастерских; с 1930 – рисунок и живопись на Бронетанковых курсах (Ленинград); 1947–1954 – в Институте живописи, скульптуры и архитектуры. С 1947 действительный член Академии художеств СССР. С 1948 народный художник РСФСР.

Малевич Казимир Северинович

Живописец, график, художник театра, теоретик, педагог.

Родился в Киеве. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1904—1905) и студии Ф. И. Рерберга в Москве (1905–1910). Участвовал в выставках «Бубновый валет» (1910) и «Ослиный хвост» (1912). В 1910-х оформлял книги футуристов, принимал участие в постановке первой футуристической оперы "Победа над солнцем" (1913). Участвовал в организации общества «Супремус» (лат. — наивысший) и одноименного журнала (1916–1917). Был членом общества "Бубновый валет" (1911). В 1918 работал в Отделе ИЗО Наркомпроса. Преподавал в Государственных средних художественных мастерских в Москве (1918), директор Витебского художественно-практического института (1919–1922). В 1920 основал группу УНОВИС («Утвердители нового искусства»). Директор и профессор Государственного института художественной культуры в Ленинграде (1923–1927).

В 1927 совершил поездку в Варшаву и Берлин. В 1929–1930 преподавал в Киевском художественном институте. В 1932–1933 руководил экспериментальной лабораторией в Русском музее. Автор пейзажей, жанровых сцен, портретов, кубистических и беспредметных композиций, пространственных структур — «архитектонов» и «планит». Работал в области декоративно-прикладного искусства. Написал брошюры «От кубизма и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм» (1915), «Супрематизм» (1920), «Беспредметный мир» (1927) и другие теоретические исследования и статьи. Крупнейший представитель русского авангарда, основоположник теории супрематизма

Неизвестный художник

Сварог Василий Семенович

Суетин Николай Михайлович

Живописец, график, художник по фарфору, дизайнер. Ученик К. Малевича по Витебскому художественно-практическому институту (1918—1922), член УНОВИСа (с 1920). Участвовал в работе по праздничному украшению Витебска, создавал проекты вывесок, оформления кафе, столовых, магазинов.

В 1922 году вместе с К. С. Малевичем переехал в Петроград. В 1923—1926 гг. участвовал в работе МХК и ГИНХУКа. В 1925 году возглавил Отдел материальной культуры ГИНХУКа. Занимался разработкой супрематизма, анализировал новые формы искусства. В 1925 — 26 гг. работал также в экспериментальной лаборатории Декоративного института (эскизы рисунков для тканей, оформление выставок, реклама), разрабатывая дизайн, основанный на методе супрематизма. С 1923 года работал на Петроградском фарфоровом заводе. В 1937 спроектировал (с соавторами) интерьеры павильона СССР на Международной выставке «Искусство и техника в современной жизни» в Париже (1937, архитектор Б. М. Иофан), получивший Гран-при выставки. В 1939 г. оформлял павильон СССР на Всемирной выставке «Мир завтрашнего дня» в Нью-Йорке.

Чашник Илья Григорьевич

Живописец, дизайнер. Учился в Витебске у И.М. Пэна, в Художественно-практическом иституте (1919-1922) у К. С. Малевича. Член группы УНОВИС (1920). Работал в ГИНХУК (1923-1926, Петроград-Ленинград), в экспериментальной лаборатории ДИ (1925-1926), Комитете художественной промышленности ГИИИ (1926-1927). Художник-композитор ГФЗ (1922-1924).

Чернышев Николай Михайлович

Живописец, график; монументалист. Учился в воскресных и вечерних классах СЦХПУ (1900); МУЖВЗ (1901–1911) у В. А. Серова, С. А. Коровина, К. А. Коровина, А. Е. Архипова; в академии Жюльена (1910); ВХУ при ИАХ (1911–1915) у В. В. Матэ, Д. И. Киплика. Участник выставок с 1906: Союз художников-живописцев Москвы (1918–1919); Союз деятелей прикладного искусства и художественной промышленности (1919); «Московский салон» (1920); «Мир искусства» (1921); «Искусство – жизнь» (1921); «Маковец» (1922–1926, член-учредитель); «4 искусства» (1926–1931); ОМХ (1928–1929). Преподавал во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН, Москва (1920–1930, профессор); ИНПИИ (1930–1931); МХУ (1932–1933); МИИИ–МГХИ (1936–1948); ИЖСА (1942–1947). Сотрудничал в ежемесячнике «Млечный путь» (1914–1916), в журнале «Маковец» (1922). Участвовал в праздничном оформлении Москвы, в организации Государственной школы печатного дела ИЗО Наркомпроса при 1-й образцовой типографии (1918). Заместитель заведующего хранилищем произведений современного искусства в Моссовете (1918–1920). Работал в ГАХН (1927–1930). Участвовал в организации и работе мастерской монументальной живописи при Академии архитектуры (1935–1948). Народный художник РСФСР (1970).

Альтман Натан Исаевич

Живописец, график, скульптор, художник театра и кино.

Родился в Виннице. Учился живописи и скульптуре в Одесском художественном училище (1903–1907). В 1910–1912 работал в «Свободной русской Академии» (академия М. И. Васильевой) в Париже. В конце 1912 приехал в Петербург, где, своеобразно применяя в натюрмортах и портретах приемы недавно зародившегося во Франции кубизма, за короткое время стал одним из наиболее заметных живописцев.

Столь же успешными были его опыты в скульптуре, графике (цикл «Еврейская графика» по мотивам надгробных рельефов, 1914) и сценографии – пьеса «Чудо святого Антония» М. Метерлинка в петроградском литературно-артистическом клубе-кафе «Привал комедиантов» (1916). В 1915–1916 преподавал в Петрограде в студии М. Д. Бернштейна, в 1918–1920 – в Петроградских свободных художественных мастерских, в 1918–1921 работал в отделе изобразительных искусств Наркомпроса, в 1923 – в Институте художественной культуры. Принимал участие в праздничном оформлении Петрограда к первой годовщине Октябрьской революции (1918), в осуществлении плана монументальной пропаганды. Использовал приемы супрематизма в цикле беспредметных картин (1919– 1920). В последующие годы сосредоточил свои усилия на графике – станковой (серия портретов современных писателей, 1926–1927) и книжной. Особенно плодотворной была его деятельность в театре – спектакль Е. Б. Вахтангова по пьесе С. Анского «Гадибук» (театр-студия «Габима», 1921), сотрудничество с Государственным еврейским театром («Уриэль Акоста» К. Гуцкова, 1922; «Женитьба Труадека» Ж. Ромена, 1927). В 1928–1935 жил в Париже, где написал большое количество пейзажей и натюрмортов, в которых тонко и своеобразно возрождал традицию импрессионизма. С 1936 работал в Ленинграде. Среди его созданий той поры выделялись декорации к известным шекспировским пьесам, поставленным ленинградскими театрами – «Король Лир» (ГБДТ, 1941), «Отелло» (1944), «Гамлет» (Театр драмы им. А. С. Пушкина, 1954), эскизы костюмов к кинофильму «Дон-Кихот» (1955), иллюстрации к произведениям Шолом-Алейхема, В. Бласко Ибаньеса, Э. Кастро, Э. Золя и др. Работал в промышленной и книжной графике, сделал ряд росписей по фарфору. Публиковал статьи по вопросам искусства. 

Андриянов Александр Яковлевич

Живописец. Работал в жанре портрета и пейзажа. Родился 7 апреля 1888г. в д. Басинская Толвуйской волости Олонецкой губернии в семье бедного крестьянина-плотника.  Учился в Петербурге в рисовальной школе Общества поощрения Художеств и в ВХУ при Академии Художеств (1907-1915) в мастерской Владимира Егоровича Маковского. Преподавал в художественной школе (1919-1921) и других учебных заведениях г. Петрозаводска.

Бродский Исаак Израилевич

Живописец, график, художник театра, педагог, автор статей, посвященных искусству.

В 1896-1902 учился в Одесском художественном училище (ОХУ); 1902-1908 в Высшем художественном училище (ВХУ при ИАХ). В 1909-1911 как пенсионер Академии художеств (ИАХ) посетил Германию, Францию, Испанию, Англию, Австрию, Италию. С 1904 участник выставок. Член и экспонент объединений: Новое общество художников (НОХ) - 1904, 1906; Общество им. Леонардо да Винчи (ОЛ) - 1907; Товарищество южно-русских художников (ТЮРХ) - 1907, 1910, 1912-1913; Союз русских художников (СРХ) - 1908-1918 (член с 1910); Московское общество любителей художеств (МОЛХ) - 1908-1909; "Группа художников" (ГХ) - 1909-1911; "Мир искусства" II-1911; Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) -1914-1916; Еврейское общество поощрения художеств (ЕОПХ) - 1915-1919; Общество им. Куинджи (ОбК; председатель правления) - 1917, 1920, 1924, 1929-1930; "Дом искусств" (ДИ) - 1920-1922; Общество художников-индивидуалистов (ОХИ) - 1921; Община художников  (ОХ) - 1921-1922, 1924(?); "Шестнадцать" (ГХ 16) - 1922-1924, 1927; Ассоциация художников революционной России (АХРР) - 1925, 1926, 1928; Объединение художников им. И.Е. Репина (ОбР) - 1927-1928; Общество живописцев (ОЖ) - 1928-1930; "Цех художников" (ОЦХ) - 1930-1932; Объединение работников изобразительных искусств (ИССТР) - 1932. С 1932 член СХ СССР. С 1932 профессор. С 1934 директор Всероссийской академии художеств (ВАХ). С 1934 заслуженный деятель искусства РСФСР.

Векслер Михаил (Монаш) Соломонович (Шлемович)

Изенберг Владимир Константинович

Комаров Алексей Иванович

Самохвалов Александр Николаевич

Живописец, график, скульптор, художник театра.

Учился на архитектурном факультете АХ (1914–1917), на живописном факультете ПГСХУМ–АХ–ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1918–1923) в мастерской К. С. Петрова-Водкина. Участник выставок с 1917. Член и экспонент объединений: «Мир искусства» (с 1917), «Община художников» (с 1922), «Объединение новых течений в искусстве» (с 1922), «Жар-цвет» (с 1924), «Круг художников» (1926–1930), «Октябрь» (1930–1931). Занимался книжной графикой, сотрудничал с издательствами «Радуга», Детгиз. С середины 1930-х работал как сценограф. Выполнил оформление спектаклей «Бесприданница» А. Н. Островского в ГБДТ (Ленинград, 1935), «Горячее сердце» А. Н. Островского, «Стакан воды» Э. Скриба в Академическом театре драмы им. А. С. Пушкина (Ленинград, оба — 1943) и другие. В 1930-х сотрудничал с ГФЗ им. М. В. Ломоносова, создавал модели скульптуры и эскизы росписи фарфора. Преподавал в ЛВХПУ (1948–1951). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1967).

Серебрякова Зинаида Евгеньевна

Живописец.

Родилась в с. Нескучное Курской губернии в семье скульптора Е. А. Лансере. Училась в школе-мастерской М. К. Тенишевой у И. Е. Репина (1901), в мастерской О. Э. Браза в Петербурге (1903-1905), в Академии "Ля Гран Шомьер" в Париже (1905-1906). Член объединения "Мир искусства" (1912-1917). В 1917 вместе с А. П. Остроумовой-Лебедевой, О. Л. Делла-Вос-Кардовской и А. П. Шнейдер была выдвинута в академики (первыми из женщин), но баллотировка не состоялась из-за революционных событий и упразднения Академии художеств. Путешествовала по Швейцарии, Италии (1914), Марокко (1928, 1952). Работала в Харькове (1918-1920), с 1920 поселилась в Петрограде, в 1924 уехала во Францию. Представитель младшего поколения "Мира искусств". Писала в основном портреты, в том числе детские, и многофигурные композиции. Автор картин и рисунков на темы балета и театра, эскизов росписей и декоративных панно. За рубежом исполнила множество жанровых и пейзажных зарисовок. Много работала в технике акварели и пастели.

Харламов Матвей Яковлевич

Государственный фарфоровый завод (ГФЗ) / Ленинградский фарфоровый завод им. М.В. Ломоносова/ Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ)

Создание в Санкт-Петербурге фарфоровой мануфактуры, которая первоначально именовалась «Невской порцелиновой мануфактурой», было начато при императрице Елизавете Петровне в 1744 году. В 1765 мануфактура переименована в Императорский фарфоровый завод. В 1918 году предприятие национализировали.

С 1918 — Государственный фарфоровый завод (ГФЗ — аббревиатура клейма). В 1925 году заводу было присвоено имя М. В. Ломоносова; предприятие получило официальное наименование — Государственный фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова. С 1957 по 1993 год — Ленинградский фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова, наряду с которым имела употребление краткая форма — Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ — аббревиатура клейма). С 1993 — Ломоносовский фарфоровый завод.

С 2002 года завод является собственностью главы «Уралсиба» Николая Цветкова. В 2005 году по решению акционеров был вновь переименован в «Императорский фарфоровый завод».

Произведения из собрания Русского музея, созданные в период до 1917 года, см. в рубрике "Императорский фарфоровый завод".

Подробнее об истории завода см. на сайте Императорского фарфорового завода.

Клетенберг Артур Петрович

Биографические сведения пока не обнаружены. Известна его деятельность в Декоративном институте (Петроград–Ленинград), где он в 1921–1925 последовательно работал учеником художника, подмастерьем, практикантом в агитплакатной мастерской, руководимой Р. Р. Френцем.

Конашевич Владимир Михайлович

График, акварелист, иллюстратор, педагог. Учился в МУЖВЗ (1906–1914). Преподавал во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1921–1930). Участник выставок с 1922. Профессор, доктор искусствоведения. Заслуженный деятель искусств РСФСР.

В годы войны в осажденном Ленинграде работал в книжной, станковой, журнальной графике, делал плакаты, участвовал в работе над живописными агитпанно к 25–й годовщине Октября (1942), в возобновлении деятельности детского отдела Гослитиздата. Работал над рукописью книги воспоминаний.

Вильямс Петр Владимирович

Терпсихоров Николай Борисович

Живописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР.

Один из организаторов объединения «Ассоциация художников революционной России»  (АХРР). Окончил московское училище живописи, ваяния и зодчества.

Участник Гражданской войны. Работал в Окнах РОСТА с В. В. Маяковским. В начале  1950-х годов совершил творческую поездку в Крым.

Юон Константин (Вильгельм-Теодор) Федорович

Грабарь Игорь Эммануилович

Член «Мира искусства» (1901, 1910), Союза русских художников (1903), пожизненный член Осеннего салона в Париже (1906). Участник выставок с 1898: «Мир искусства» (1902–1906, 1912–1922), СРХ (1903–1909), «Московские живописцы» (1925); Международных в Дюссельдорфе (1904), Венеции (1907, 1924), Риме (1911), Мальмё (1914). Преподавал в совместной школе Ашбе — Грабаря (1898–1901) в Мюнхене.  1910–1923 — период увлечения архитектурой, историей искусства, музейной деятельностью, охраной памятников. Осуществил издание первой «Истории русского искусства» в шести томах (1909–1916), написал для нее важнейшие разделы, опубликовал монографии о В. А. Серове и И. И. Левитане. В 1913–1925 возглавлял Третьяковскую галерею, значительно изменив принципы музейной работы. После революции многое сделал для защиты памятников культуры от разрушения. В 1918 по его инициативе созданы Государственные центральные художественные реставрационные мастерские (1918–1930, директор). С 1924 и до конца 1940-х вновь много занимался живописью, особенно увлекался портретом.  Крупнейший русский импрессионист, автор множества классических произведений, оказавший существенное влияние на развитие этого течения. В 1910-х Грабарь на время оставляет импрессионистическую манеру в поисках звучности и декоративности целого с тем, чтобы вновь вернуться к ней в своих пейзажах и натюрмортах 1920–1950-х. Свои импрессионистические по чувству портреты и жанры советского времени художник писал, используя приемы „классического наследия“, что тоже было характерным проявлением „двойных стандартов“.

Гринберг Владимир Ариевич

Живописец, график, скульптор, акварелист, иллюстратор, педагог. Учился в 1905–1914 в Коммерческом училище в Ростове-на-Дону, одновременно занимался живописью и рисунком; с 1915 в Политехническом институте и Новой мастерской в Петербурге. Участник выставок с 1914. Член СХ с 1933. Преподавал в 1919–1922 в ХШ и рабфаке Донского университета; 1926–1927 в ЛХПТ; 1928–1941 в ЛИИКС; 1932–1933 в ИЖСА.

Дейнека Александр Александрович

Живописец, график, скульптор, монументалист, плакатист.

Учился в харьковском ХУ (1914–1918) у Р. М. Пестрикова, А. М. Любимова, в ВХУТЕМАС (Москва, 1920–1925) на полиграфическом факультете у В. А. Фаворского и Н. И. Нивинского. Член-учредитель объединений ОСТ (1925), "Октябрь“ (1928), РАПХ (1931). Участник выставок с 1924: Первой дискуссионной выставки объединений активного революционного искусства (1924), ОСТ (1925–1928), "Октябрь“ (1928–1930), РАПХ (1931–1932). Руководил секцией ИЗО Губнаробраза (1918), художественной студией при Курском политуправлении (1919–1920). Работал в курском отделении РОСТА, оформлял массовые празднества. В 1930–1960-х участвовал в художественном оформлении станций Московского метрополитена, МГУ на Ленинских горах, Дворца съездов в Кремле. Преподавал в ВХУТЕИН (Москва, 1928–1930; профессор — 1940). Член президиума (с 1958), вице-президент АХ СССР (1962–1966), академик-секретарь отделения декоративных искусств АХ СССР (1968–1969). Герои произведений Александра Дейнеки — молодые люди, в образах которых отразились идеальные представления художника о строителях нового мира — гармонично развитых, сильных, красивых, жизненно активных. Выявить в человеке эти качества мастеру помогают традиции классического искусства с присущим ему культом красоты тренированного тела, подчеркнутой динамичными ритмами композиции.

Котухин Александр Васильевич

Палех, Ивановская область

В поселке Палех Ивановской области в 1920—1930-е годы на основе традиций древней иконописи, развитой в этой местности, возникло искусство живописи темперой (краски, растертые на яичном желтке, традиционные для иконописи) по папье-маше. Воспользовавшись федоскинским опытом изготовления коробочек из папье-маше, расписанных по черному лаку, в новом искусстве Палеха развивали сугубо местные художественные традиции и приемы темперной живописи.

В 1924 году был основан первый творческий коллектив палешан – Артель древней живописи. В него вошли семь бывших иконописцев – И. И. Голиков, И. В. Маркичев, А. В. Котухин, В. В. Котухин, А. И. Зубков, И. И. Зубков, И. М. Баканов.

Мастера лаковой миниатюры Палеха выработали общий стиль нового искусства, который вобрал в себя характерные черты местной иконописи. Палехской миниатюре свойственны изящество рисунка, отточенность композиции, красивые удлиненные пропорции фигур, использование в колористической гамме обязательного черного фона, на котором особенно ярко звучат чистые тона красок, обилие золотых украшений и орнамента. Кроме миниатюры, где само письмо соответствовало небольшим размерам украшаемых предметов, превращающих их в драгоценности, палешане занимались книжными иллюстрациями, оформляли спектакли, исполняли настенные росписи и лаковые панно для общественных интерьеров, создавали в содружестве с мастерами художественной обработки металлов ювелирные украшения.

Обширен и разнообразен сюжетно-тематический круг произведений палешан. Они обращались и обращаются к истории и современности, сказочным и литературным темам, песенному фольклору, пейзажу, в котором нередко присутствуют виды самого села. И сегодня Палех – самобытное село-академия, богатая талантливыми художниками, которые не только продолжают сложившееся в XX веке искусство лаковой миниатюры, но и возрождают местную иконопись.

Лебедев-Шуйский Анатолий Адрианович

Живописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Член Московского отделения Союза художников. 1916–1918 гг. – обучение в студии П. И. Келина в Москве. С 1918 г. – участник художественных выставок. 1921–1930 гг. – член и один из основателей художественного объединения «Бытие». 1924 г. – окончил ВХУТЕМАС. Учился у А. Е. Архипова, И. И. Машкова и П. П. Кончаловского.

Луппов Сергей Михайлович

Живописец, график, педагог.

Родился 27.08 (03.09).1893 в городе Слободской Вятской губернии. Окончил Вятское Александровское реальное училище. В 1912–1917 учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, А. М. Васнецова, К. А. Коровина, Н.Касаткина. В 1917 за дипломную работу – картину «Купальщица», сделавшую его знаменитостью, – получил звание художника первой степени и право на пенсионерскую поездку. Не имея возможности воспользоваться этим правом из-за условий времени, в 1918 вернулся в Слободской, где начал преподавать рисование в гимназии. Активно занимался в родном городе культурно-просветительской и художественно-педагогической работой до 1923 года. 

Основал художественную студию, через которую за четыре года её существования прошли более ста учеников. Привез из Москвы коллекцию произведений русского авангарда (30 картин, подаренных городу Наркомпросом), которая через год легла в основу созданного им местного художественного музея.

С 1923 жил и работал в Москве, преподавал графические искусства в 1-й Советской Объединенной военной школе Рабоче-крестьянской Красной Армии имени ВЦИК. В том же году стал членом Ассоциации художников революционной России и постоянным участником выставок ассоциации, а в 1932 – членом Союза художников СССР и Московского союза художников.

Был участником всех выставок АХРР (АХР) и Союза художников СССР. Персональные выставки состоялись в 1969, 1993 (Москва), 1994 (Киров). Создавал монументальные полотна на историко-революционную тему и, вместе с тем, писал глубоко лиричные портреты и проникновенные пейзажи. Всегда оставаясь певцом человеческого тела и поклонником «бурного» цвета, много картин посвятил становлению физкультурного движения в стране.

Модоров Федор Александрович

Живописец и педагог. Портретист, автор историко-революционных и жанровых картин. Один из основателей соцреализма в искусстве. Член-корреспондент Академии Художеств СССР (1953). Народный художник РСФСР (1966). Заслуженный деятель искусств Белорусской ССР.
Родился в семье мстёрских иконописцев. Первые навыки рисования получил в иконописной школе братства Александра Невского. В 1909 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, не окончил, параллельно работал живописцем в иконописной мастерской. Обучался в Казанской художественной школе у Н. И. Фешина (1910-1914), в Высшем художественном училище при Императорской Академии Художеств в Петрограде, мастерская В. Е. Маковского (1914 - 1918). В 1918 году под руководством И. Э. Грабаря принимал участие в реставрации Владимирской иконы Божьей Матери.

Организатор и директор Мстёрского художественно-промышленного училища и художественной школы-коммуны (1918–1922). С 1922 работал в Москве. С 1923 активный член руководства Ассоциации художников революционной России.

В своих картинах отразил жизнь Советской Армии, новые стройки, образы рабочих. Много работал над портретами руководителей партии и правительства. В годы войны был связан с центральным штабом партизанского движения. Создал портретную галерею партизан Великой Отечественной войны. С 1948 по 1962 был ректором Московского Государственного художественного института им. В. И. Сурикова. С 1949 – профессор. С 1964 по 1967 – профессор Московского государственного заочного педагогического института.
Произведения хранятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском Музее, других музеях.
Имя Модорова присвоено Мстёрской художественной школе и одной из улиц г. Владимира.

Пахомов Алексей Федорович

Живописец, график, иллюстратор. Блестящий рисовальщик и признанный мастер литографии. Занимался также монументальным искусством, плакатом, скульптурой. 

Учился в ПУТР барона А. Л. Штиглица—СВОМАС (1915–1917, 1920–1922) у М. В. Добужинского, В. И. Шухаева, С. В. Чехонина, Н. А. Тырсы, В. В. Лебедева, А. Е. Карева; в ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1922–1925) у А. И. Савинова. Участник выставок с 1921. Участник "Объединения новых течений в искусстве“ (1926–1932). Член правления ЛОССХ с 1932. Работал в журналах, иллюстрировал детские книги (1920–1930-е). Преподавал в ИЖСА (1948–1973). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1945), Лауреат Сталинской премии второй степени (1943) и Государственной премии СССР (1973), Народный художник РСФСР (1963), Действительный член АХ СССР (1964), Народный художник СССР (1971). Сталинская премия (1946) за серию литографий "Ленинград в дни войны и блокады“ (1941–1944). Золотая медаль Международной выставки в Париже (1937) за панно "Дети Страны Советов“ для Советского павильона. Жил и работал в Ленинграде.

Волков Илья Васильевич

Живописец. Родился в 1875 в г. Кадом Тамбовской губернии. Окончил Кадомское городское приходское училище в 1886. Занимался в Московской иконописной мастерской (1891–1893). С 1893 работал мастером по росписи зданий, посещал вечерние курсы рисунка и живописи при Строгановском училище. Учился в Пензенском художественном училище на живописном отделении (1899–1904) у К. А. Савицкого. Преподавал рисование в учебных заведениях Омска: епархиальном женском училище, на художественных курсах ОХЛИИСК, 2-й женской гимназии (1907–1936), ХПТ им. М. А. Врубеля (1921–1934, с перерывами). Работал в кооперативном товариществе «Омхудожник» (с 1932). Действительный член ТОЛХ, член-учредитель и член правления ОХЛИИСК. Член Омского отделения АХР с 1925. Член ССХ с 1937. Награжден орденом Св. Станислава 3-й степени (1913). Репрессирован, скончался в Северном железнодорожном лагере НКВД СССР. Реабилитирован в 1939.

Лабас Александр Аркадьевич

Живописец, график; художник театра, монументалист. Жил в Риге (с 1910), в Москве (с 1912). Учился в СЦХПУ (1912–1917) у Ф. Ф. Федоровского, С. А. Ноаковского, Д. А. Щербиновского; в ХШ Машкова (1916); ГСХМ (1917–1919) у П. П. Кончаловского; ВХУТЕМАС (1921–1924) у Д. П. Штеренберга. Доброволец Красной армии (Третья армия Восточного фронта, 1918–1921). Участник выставок с 1921. Член и экспонент: ОСТ (член-учредитель, 1925–1932). Преподавал живопись и цветоведение на графическом факультете во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН (1924–1927). С конца 1920-х принимал участие в оформлении различных архитектурных сооружений и выставок, в том числе для Международной выставки (1937, Париж); Всемирной выставки (1939, Нью-Йорк); ВСХВ (1939, 1940). С 1932 эпизодически работал художником-постановщиком в различных московских театрах. Много путешествовал по стране. Член СХ (с 1932). Заслуженный художник РСФСР (с 1976).

Николаев Василий Александрович

Живописец, график. Учился: 1925–1927 – Ростовская ХШ. Участник выставок с 1927. Член АХРР – 1927–1929. Приехал в Ленинград – 1927. Активно сотрудничал в объединении ленинградских художников «Боевой карандаш», выпускавшем литографированные военные и политические плакаты – 1941–1945. Выезжал на фронт в 1942, где исполнил серию зарисовок.

Пакулин Вячеслав Владимирович

Живописец, график, художник театра. Учился в ЦУТР (1916–1917; 1920–1922); в АХ–ВХУТЕМАСе (1922–1925) у А. Е. Карева, А. И. Савинова. Участник выставок с 1922. Член и экспонент объединения "Круг художников“ (1926–1932, председатель). Член правления ЛОСХ (с 1932). Член бригады художников (1935) (руководитель А. Н. Самохвалов), работавшей над панно "Хлопок“ для ВСХВ.
Практически все пейзажи блокадного Ленинграда Пакулин писал с натуры. Трагические обстоятельства не помешали художнику проявить свой дар тонкого лирика, мастера со светлым поэтическим чувством.

Рубанов Иосиф Менделевич

Живописец, педагог. Член Союза художников СССР. С отличием закончил в 1922 Красноармейский университет (Изо отделение) в Могилеве. Переехал в Москву. В 1925 окончил Художественный Рабфак им. Похрова. Окончил ВХУТЕМАС в 1930 году. Член МОСХа с 1933.  С началом Отечественной войны добровольцем уходит в народное ополчение. Из-под Волоколамска его возвращают как полностью негодного по болезни. Эвакуирован с семьей в Чувашию. В 1943 году вернулся в Москву. Преподавал в Студии инвалидов Великой Отечественной войны, в студии повышения квалификации КДОИ, изостудии ДК завода «Каучук» и др. Участник московских, республиканских, всесоюзных выставок с 1927 года.

Урманче Баки Идрисович

Основоположник татарского изобразительного искусства. Заслуженный художник Казахской ССР, Народный художник Татарской АССР, заслуженный художник РСФСР, народный художник РСФСР, Лауреат Государственной премии ТАССР имени Габдуллы Тукая.

Родился в 1897 в деревне Куль-Черкен Тетюшского уезда Казанской губернии. Первоначальное образование получил в медресе «Мухаммадия» в Казани.

Работал учителем, во время Первой Мировой войны был мобилизован, после революции 1917 года работал в системе народного образования. В 1919–1920 учился живописи в Казанском АРХУМАСе, живописи – у В К. Тимофеева и скульптуре – у Г. А. Козлова. В 1920 уехал в Москву для продолжения учебы во ВХУТЕМАСе. Окончил институт в 1926. Вернувшись в Казань, поступил на работу в Казанский художественный техникум, в 1929 был репрессирован и сослан в Соловецкий лагерь.

В 1933–1941 работал в Москве, стал членом МОСХа, принимал участие в работах на ВСХВ, оформлял павильоны «Механизация», «Животноводство», павильоны Башкирской и Карело-Финской АССР. В 1941 был приглашен правительством Казахстана в Алма-Ату для подготовки празднования 100-летия Абая, в первую очередь, для создания образа поэта и певца в живописи и скульптуре. Активно участвовал в художественной жизни Казахстана и Узбекистана, создавал портреты деятелей науки и искусства, обращался к устному народному творчеству этих народов.

В 1953-1955 Урманче были поручено монументальные работы по оформлению Балхашского Дворца культуры. В 1956–1958 преподавал живопись и скульптуру в Ташентском театрально-художественном институте.

В 1957 был приглашен в Москву для оформления сцены Большого театра для гала-концерта в рамках Декады изобразительного искусства и литературы Татарской АССР. После этих событий правительство ТАССР пригласило Б. И. Урманче вернуться на родину в Казань. Последний тридцатилетний период творчества Урманче в Казани дал татарскому искусству выдающиеся произведения живописи, скульптуры, составляющие сокровищницу национальной духовности татарского народа.

Кондиайн Элеонора Максимилиановна

Куликов Иван Семенович

Живописец, график.

В 1891 работал в качестве помощника художника А. И. Морозова. Учился: 1893–1896 — РШОПХ у Э. К. Липгарта; 1896–1902 — ВХУ при ИАХ в мастерских В. Е. Маковского и И. Е. Репина. В 1901–1903 участвовал в работе над картиной „Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года в день его столетнего юбилея“ под руководством И. Е. Репина. 1903–1905 — пенсионер ИАХ в Германии, Италии, Франции. Участник выставок с 1898. На Весенней АХ в 1906 — Первая премия им. А. И. Куинджи; на Международной в Льеже в 1905 — серебряная медаль. Член и экспонент: Общество русских акварелистов — 1907–1917; ТПХВ (экспонент) — 1908; Общество им. А.Куинджи — 1910-е. Академик (с 1915). В 1919 основал Муромский музей местного края, куда передал свои живописные работы и собранную им коллекцию костюмов прикладного и декоративного искусства. С этого года руководил там Рисовальной школой. Член Горьковского отделения СХ СССР (с 1935). С 1936 организовал промышленный музей в Павлове. В 1938 возглавил группу художников по росписи пригородного зала Ярославского вокзала в Москве.

Николаев Василий Петрович

Родился в Симбирске в 1906 году (ныне - Ульяновск). Выпускник Ульяновского художественного техникума и скульптурного отделения ВХУТЕИН. В годы учёбы в ВХУТЕИН у скульптора А. Т. Матвеева, создал для ГФЗ им. М.В.Ломоносова скульптурную группу «Смычка города и деревни» (1928), принятую в производство. В 1929-1931 годах работал скульптором Дмитровского фарфорового завода в Вербилках.
В 1931-1932 годах - в рядах РККА. С 1932 года заведующий отделом Ульяновского государственного исторического музея. В 1934-1936 годах обучался на курсах повышения квалификации ВАХ.
В конце 1930-х годов сотрудничал с ГФЗ им. Ломоносова. Проживал с семьёй: Ленинград, 11-я линия, дом 20, квартира 7. Умер 26 декабря 1941 года в блокадном Ленинграде; похоронен на Серафимовском кладбище.

Шевченко Александр Васильевич

Живописец, график, теоретик искусства.
Родился в Харькове. В 1890–1898 занимался рисунком в реальном училище и брал частные уроки изобразительного искусства. Учился в Строгановском центральном художественно-промышленном училище (1898–1908, с перерывами) и в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1907–1909). В 1904 посетил Турцию, Грецию, Египет. В 1905–1906 в Париже работал в Академии Р. Жюльена, затем в мастерской Э. Каррьера, экспонировался в Салоне независимых. Начинал с импрессионизма (парижские пейзажи 1905–1906). В 1907 испытал влияние символизма, участвовал в XIV выставке Московского товарищества художников. В 1908 сблизился с М. Ф. Ларионовым. Разделял ориентацию его группы на неопримитивизм и лучизм, участвовал во всех выставках группы (1911–1914). В 1913 издал брошюры «Неопримитивизм. Его теории. Его возможности. Его достижения» и «Принципы кубизма и других современных течений в живописи всех времен и народов». Писал полотна в футуристическом духе (1913). В 1914 был призван в действующую армию, в 1916 – контужен, в 1917 – эвакуирован в Москву и демобилизован.
После революции 1917 заведовал литературно-художественным подотделом Коллегии по делам искусств Наркомпроса (1918–1921), вел большую общественную работу при Моссовете, Совнаркоме по охране памятников искусства и старины, участвовал в создании Музея живописной культуры. Преподавал с 1918 в 1-х Государственных свободных художественных мастерских, в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте (1920–1928), работал в Государственной академии художественных наук. В манифесте «Цветодинамос и тектонический примитивизм» (подготовленном совместно с А. В. Грищенко и опубликованном в каталоге одноименной выставки; 1919) отверг «прикладничество всех родов и направлений» (т.е. чистый дизайн, которым занимались наиболее радикальные из новаторов типа В. Е. Татлина), отстаивая динамически-живописную станковую картину как наиболее адекватный современности вид творчества. Участвовал в комиссии Живскульптарха, создал проекты Дома Советов, которые экспонировались на Первой русской художественной выставке в Берлине.
В конце 1910 – 1920-х пейзажи, натюрморты и жанровые композиции Шевченко постепенно обретали все более традиционные свойства, сочетая острую авангардную чувствительность к живописной фактуре с поэтикой романтизма. С годами в его искусстве вновь усилились черты символизма, но в новом, обобщенно-монументальном облике. Таковы, в частности, приглушенные по колориту, по-своему эпические фигурные композиции, созданные по впечатлениям творческих командировок на Кавказ и в Среднюю Азию. В поздние десятилетия не раз подвергался остракизму как «формалист», однако стоически продолжал работать как живописец, создавая лирически-задумчивые пейзажи и жанры в духе «тихого искусства». Не оставлял и преподавания – прежде всего, в Текстильном институте, где с 1941 руководил кафедрой живописи.

Адливанкин Самуил Яковлевич

Живописец; монументалист, график, художник кино. Учился в ОХУ (1912–1917); ГСХМ (1918–1919), Cаратов. Участник выставок с 1916. Член и экспонент объединений: ОНХ (1917); НОЖ (учредитель, 1921–1924); «Изобригада» (1932). Член СХ СССР (с 1932).

Белкин Вениамин Павлович

Живописец, график, художник книги. Автор пейзажей, портретов. Учился в Томском технологическом институте (1902), школе-студии А.П. Большакова в Москве (1904–1905) у М.М. Шестёркина, В.Э. Борисова-Мусатова, в Париже в частной академии (1907–1909) у Ж.-О. Девальера, Ш. Герена, Ш. Коттэ, М. Детома. Участник выставок с 1906 (Петербург). Член объединений и экспонент выставок: Общества им. Леонардо да Винчи (1906), Кружка русских художников в Париже «Монпарнас» (1907–1909), «Союз молодежи», «Мир искусства» (1909), «Община художников» (1921–1928), «Шестнадцать» (1922–1928), «Общество живописцев» (1928–1930). Член СХ с 1932. Преподавал во Вхутемасе-Вхутеине в Петрограде (1921–1923), в Ленинградском архитектурном техникуме (1924–1927), ИЖСА ВАХ в Ленинграде (1928–1946). Совершил творческую поездку в Крым в 1939.

Вавилин Алексей Григорьевич

Советский живописец, педагог, председатель Пензенской областной организации Союза художников (1942, 1953–1954); директор Пензенской картинной галереи (1957–1958).

Родился и жил в Пензе. Окончил Пензенское художественное училище (1926), высшее художественное образование получил во ВХУТЕИНе (1930). Учился у И. С. Горюшкина-Сорокопудова, А. А. Рылова. Почти четверть века преподавал в Пензенском художественном училище (1930–1954), а с 1960 и в Пензенском педагогическом училище. Участник выставок с 1928.

В годы Великой Отечественной войны активно сотрудничал с «Агитокнами». Автор ряда портретов, значимых для истории Пензенской земли, и жанровых картин.

Куприн Александр Васильевич

Живописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1956). Член-корреспондент АХ СССР.

Родился в семье преподавателя уездного училища. 1899–1901 гг. – учился в Воронежских вечерних классах рисования при Обществе любителей живописи у Л. Г. Соловьева и М. И. Пономарева. 1902–1904 гг. – учился в Санкт-Петербурге в студии Л. Е. Дмитриева-Кавказского. 1904–1906 гг. – учился в школе живописи и рисования К. Ф. Юона и Дудина в Москве. 1906–1910 гг. – учился в Московском училище живописи ваяния и зодчества у Н. А. Касаткина, С. Д. Милорадовича, А. Е. Архипова, К. А. Коровина.

С 1910 г. – был членом объединений: «Бубновый валет» «Московские живописцы» и «Общество московских художников». 1913–1914 гг. – посетил Италию и Францию. 1918–1922 гг. – преподаватель в Свободных художественных мастерских Москвы, Нижнего Новгорода, Сормово и других училищах.

1922–1930 гг. – преподаватель в Московском Высшем художественно-техническом институте. 1931–1939 гг. – преподаватель в Московском текстильном институте. 1946–1952 гг. – преподаватель в Московском Высшем художественно-промышленном училище.

1907 г. – впервые приехал в Крым. 1920–1930-е гг. – писал виды Бахчисарая. Самые значительные произведения Бахчисарайского цикла (1950-е гг.). 1950-е–1960-е гг. – создал большие панно: «Эски-Кермен», «Мангуп-Кале» и «Качи-Кальон» (совместно с московской художницей и искусствоведом Е. В. Нагаевской), устраивал выставки в Бахчисарае и окрестных селах.

Машков Илья Иванович

Живописец, график, педагог; портретист, пейзажист, автор натюрмортов, картин бытового жанра.

Родился в станице Михайловская (Саратовская губерния). Учился в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества (1900–1904, 1907–1908) у А. Е. Архипова, В. А. Серова, К. А. Коровина. Участник выставок с 1909. Член-учредитель и секретарь объединения «Бубновый валет» (1910–1914). В этот период увлекался народным искусством, «живописью подносов» Жостова и определял свой стиль как «саму живописность». Его огромное полотно «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского» (первая выставка «Бубновый валет», 1910) с полуобнаженными фигурами музицирующих атлетов было задумано как манифест новаторского подхода, предлагаемого новым выставочным сообществом. Стиль Машкова, русский, яркий, сочный и, в то же время, «сезаннистский», наиболее полно проявился в его знаменитых натюрмортах. Член и экспонент объединений «Мир искусства» (с 1916), «Московские живописцы» (с 1925), Ассоциации художников революционной России – Ассоциации художников революции (1925–1930, 1932), Общества Московских художников (1928). Основатель и руководитель художественной студии (Москва, 1904–1917). Преподавал в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте в Москве (1920–1929).

Моравов Александр Викторович

Русский советский художник, член Товарищества передвижников, действительный член Академии художеств СССР (1949). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946). Моравов вошел в историю искусства как мастер бытовой и историко-революционной картины, как портретист и один из основоположников советского индустриального пейзажа. Воспитанник киевской художественной школы Н. И. Мурашко, а затем Московского училища живописи, ваяния и зодчества, ученик прославленных русских художников А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, К. А. Коровина и В. А. Серова, он глубоко усвоил демократические взгляды на искусство.

Нестеров Михаил Васильевич

Живописец, график, монументалист.

Академик Императорской Академии художеств (с 1898). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1942).

Родился в Уфе. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у И. М. Прянишникова, А. К. Саврасова и В. Г. Перова (1876-1880, 1884-1886), в Академии художеств у П. П. Чистякова (1881-1884). Пользовался также советами И. Н. Крамского. Входил в Абрамцевский кружок С. И. Мамонтова (с 1888). Член Товарищества передвижных художественных выставок (с 1896), общества "Мир искусства" (1899-1901). Член-учредитель "Союза русских художников" (1903).

Посетил Италию, Австрию, Францию, Германию, Грецию, Турцию. В середине 1890-х путешествовал по старым русским городам, в 1905 - по Волге и Каме. Автор росписей во Владимирском соборе в Киеве (1890-1895), в церкви Александра Невского в Абастумане (1902-1904), в Марфо-Мариинской обители в Москве (1910-1912), картонов для мозаик храма Воскресения Христова в Петербурге (1894).  Создал множество портретов, пейзажей, картин на исторические и религиозные сюжеты. Главное содержание творчества - религиозно-нравственные поиски, стремление показать русского человека в лучших проявлениях его духовных качеств.

Осолодков Петр Алексеевич

Живописец, график. Учился в художественной студии Пятой армии в Омске; в 1920–1924 в омском ХПТ; в 1924–1929 во ВХУТЕМАС–ВХУТЕИН в Ленинграде; в 1933–1934 вИЖСА (аспирантура); в 1934–1936 — на курсах повышения квалификации ВАХ. Участник выставок с 1927. Преподавал в изостудиях Ленинграда. Занимался оформлением улиц Ленинграда к праздникам, делал рисунки для журналов и различных ленинградских издательств (конец 1920-х — 1930-е).

Петрушин Б.

Пичугин Сергей Иванович

Русский, советский живописец, художник-график, педагог. Член Союза художников СССР.

Родился 6 октября 1881 в Сергиевском посаде Московской губернии (ныне г. Сергиев Посад) в семье потомственных мастеров-игрушечников. Начальное художественное образование получил в иконописной школе при Троице-Сергиевой лавре. В 1912 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества (учился у К. А. Коровина, А. М. Васнецова, С. В. Малютина, А. Е. Архипова). Участник Первой мировой войны. Преподавал в Сергиевском педагогическом техникуме; был доцентом кафедры рисунка Московского высшего художественно-промышленного училища (Московская государственная художественно-промышленная академия им. Строганова).

Член Товарищества передвижных художественных выставок. Участник многочисленных выставок, в том числе «Общества художников Московской школы», общества «Клич» (1923–1924), «Общества им. И. Е. Репина» (1929), общества «Жар-цвет» (1929), «Общества московских художников» (1929–1930). В 2006 состоялась персональная выставка художника в Москве (посмертно). Произведения художника находятся в музеях и частных коллекциях России и за рубежом.

Любимый жанр в творчестве – пейзаж, а тема города – одна из главных; писал картины на жанровые сюжеты, занимался монументальной живописью (участвовал в росписи храмов).

Прохоров Семен Маркович

1900–1904 – учеба в МУЖВЗ (А. Корин, К. Горский, Н. Касаткин, А. Архипов). 1904–1909 – Петербургская Академия Художеств (И. Репин, П. Чистяков). С 1913 жил в Харькове. С 1910 – участник республиканских и международных выставок. 1910–1913 – руководил классами живописи и рисования Томского общества любителей художеств. 1913–1914, 1918–1922 – Харьковское художественное училище, 1922–1948 – Харьковский художественный институт (с 1936 – профессор). Мастер бытовой картины, портрета, пейзажа. С 1938 – член Союза художников Украины. С 1941 – Заслуженный деятель искусств Украины.

Рождественский Василий Васильевич

Живописец, график, художник театра. Учился: 1900–1910 (с перерывами) – МУЖВЗ у В. А. Серова, К. А. Коровина, А. Е. Архипова. Участник выставок с 1907. Член и экспонент: «Бубновый валет» – 1911–1917 (экспонент выставок, Москва – 1912, 1914; Петербург – 1913); «Мир искусства» – 1917–1918, 1922; «Московские живописцы» – 1925; АХРР – 1926; ОМХ – 1927–1929. Преподавал: 1918–1920 – ГСХМ II; 1920–1922 – основатель и руководитель филиала ГСХМ в Удомле Тверской губернии.

Соколов-Скаля Павел Петрович

Живописец, плакатист, театральный художник, мастер панорам и диорам, педагог. Народный художник РСФСР (1956), действительный член АХ СССР (1949), Лауреат Государственных премий СССР (1942, 1949). Учился в Москве в студии И.И.Машкова (1914–1918) и ВХУТЕМАСе (1920–1922). Преподавал в Студии военных художников имени М.Б.Грекова (1933–1941). Художественный руководитель "Окон ТАСС" (1941–1945).

Львов Евгений Александрович

Штеренберг Давид Петрович

Живописец, график, театральный художник, книжный иллюстратор. Учился в частной студии в Одессе (1905), затем в академии Витти в Париже (1907–1912). Участник выставок с 1912, в том числе: Весеннего и Осеннего салона и Салона независимых в Париже (1912–1917). Член объединения «4 искусства» (1924). Комиссар по делам изобразительных искусств в Петрограде (1917–1919), заведующий Отделом изобразительных искусств Народного комиссариата просвещения (1918–1920). Преподавал в Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте (Москва, 1920–1930). Один из организаторов и председатель Общества станковистов (1925–1930). Директор русского раздела Международной выставки художественно-декоративных искусств (1925, Париж). Член-корреспондент Союза немецких художников книги (1928). Первый заместитель председателя Правления Московского отделения Союза советских художников (1932–1937). Заслуженный деятель искусств Российской Советской Федеративной Социалистической Республики (1930).

Шубинf Галина

Богаевский Константин Федорович

Живописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1933).

Учился у А. И. Фесслера и И. К. Айвазовского в Феодосии (1880-е), в ВХУ при ИАХ (1891–1897) у А. И. Куинджи. Участник выставок с 1898: "Мир искусства“ (1911–1915), "Жар-цвет“(1924–1928), русского искусства в Париже (1906, 1910), Берлине (1906); международных в Мюнхене (1903–1905, 1907), Венеции (1903, 1905, 1911, 1913, 1924), Брюсселе (1910), Риме (1911), Мальме (1914) и др. 

Постоянно жил в Феодосии. Автор романтических крымских пейзажей, изображений архитектурных памятников и вымышленных пейзажей, уводящих в прошлое Киммерии и Тавриды.

1900-е – член и экспонент объединений: «Новое общество художников», «Товарищество южнорусских художников», «Московское общество художников», «Союз русских художников», «Мир искусства» II. Его произведения были отмечены на международных выставках мюнхенского «Сецессиона» и парижского «Осеннего салона», в Венеции и Риме.

1920-е – сделал ряд зарисовок исторических и архитектурных памятников Крыма по заданию Крымского комитета по охране памятников искусства и старины (Крымохрис).

1923 – создание серии автолитографий «Пейзажи Киммерии». 1925 – работал в Алупке.

В 1933 году получил звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. В 1936—1939 году работал в Тарусе.

В 1941 году оказался в оккупации, погиб в 1943 году при бомбардировке Феодосии немецкой авиацией. 

Богородский Федор Семенович

Живописец, график; художник театра, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1946), член-корреспондент АХ СССР (1947).

Родился в Нижнем Новгороде в семье адвоката, учился в губернской мужской гимназии. С 12 лет обучался рисунку — сначала у местных художников В. А. Ликина и в частной студии Л. М. Диаманта. В 1914 году, закончив гимназию, уезжает в Москву. Учился на юридическом факультете Московского университета (окончил в 1917) и занимался в студии М. В. Леблана (1914–1916). Увлекся футуризмом, дружил с Велимиром Хлебниковым, Николаем Асеевым и Владимир Маяковским. В годы учебы параллельно выступал на эстраде танцором, а также в цирке, писал стихи. В 1916 году оказался на военной службе — сначала как балтийский матрос, потом как летчик. В 1917 году вступил в коммунистическую партию.

После революции работает в ВЧК в Москве. В 1918 году его направляют на родину, в Нижний Новгород, где он работает товарищем председателя следственной комиссии в ЧК, затем в политотделе Волжской военной флотилии. В 1919 году оказался на фронте, был ко­миссаром матросского отряда Донской и Волжско-Каспийской военных флотилий. Сражается на Волге, под Царицыном. После контузии в 1920 его направили в Нижний Новго­род возглавить Художествен­ный отдел.

В 1922 году переехал в Москву и поступил во ВХУТЕМАС в мастерскую Абрама Архипова (1922−1924). Защитил диплом в 1927 во Вхутеине, получив право на пенсионерскую поездку за границу.

Участник выставок с 1916. Член художественных объединений "Бытие" (1922), "Жар-Цвет" (1925). Член АХРР (Ассоциации Художников Революционной России). С 1928 по 1930 жил в Италии и Германии (пенсионерская поездка), в том числе у М.Горького в Сорренто (земляки по Нижнему Новгороду). Вернулся в Россию. В 1931—1937 часто бывал на Черномор­ском флоте, вдохновляясь бытом и натурой.

Профессор (с 1939), заведующий кафедрой живописи и рисунка ВГИК (1938–1959). Первый Председатель Правления МОССХ (1955—1958).

Григорьев Григорий Григорьевич

Иорданский Борис Вячеславович

Живописец, график, монументалист.

Учился во ВХУТЕМАСе–ВХУТЕИНе в Москве (1922–1930) у И. М. Рабиновича, А. В. Шевченко, Н. И. Шестакова. Член АХР (1928–1931), РАПХ (1931), ССХ (1932). Участник выставок с 1929: московские, республиканские, персональные (1935, 1963, 1964, 1975 – Москва). Оформлял павильоны на ВСХВ (1923, 1939), международных выставках в Кёльне (1927–1928), в Филадельфии (1931), Всемирной выставке в Париже (1936–1937; Гран-При), колонны физкультурников СССР и РСФСР на физкультурном параде в Москве (1945), а также улицы и площади Москвы к революционным праздникам. Автор декоративных панно и мозаик для вестибюля станции метро «Добрынинская» (1948–1951), гостиницы «Украина» в Москве (1956–1957) и др. Преподавал в Московском институте прикладного и декоративного искусства (1950–1952), в Московском высшем художественно-промышленном училище (с 1952, профессор с 1961).

Дымшиц-Толстая (Пессати) Софья Исааковна

Живописец, график. Родилась в Санкт-Петербурге. Училась в 1906–1907 у С. С. Егорнова в Петербурге; в 1909–1910 в художественной школе Е. Н. Званцевой; в 1910–1911 в Париже у М. Бланша, Ш. Герена. Жена писателя Алексея Толстого в 1907–1914. Участник выставок с 1912. Работала с В. Е. Татлиным в 1919-1920. С 1918 член отдела ИЗО Наркомпрос и Всероссийского выставочного отдела при нем. В 1920-е заведующая издательской секцией по делам искусства Отдела ИЗО Наркомпрос и секции живописи ВСЕРАБИС; в 1925–1935 заведующая художественными отделами в журналах «Работница» и «Крестьянка». 

Зверев Василий Александрович

Живописец. С 1898 учился в Петербурге в РШ ОПХ, в 1906–1912 в ВХУ при ИАХ (вольнослушатель). Участник выставок с 1911. Член СХ с 1931. В 1913–1915 преподавал в студии Я. С. Гольд блата в Петрограде; в 1926–1928 в студии АХРР в Ленинграде.

Крайнев Василий Васильевич

Художник-пейзажист, мастер северного пейзажа. Родился в 1879 в селе Ключищи на берегу Волги. Принадлежит к художникам старшего поколения, которые после Великой Октябрьской революции органично вошли в круг советских художников.

В 1908 окончил Казанскую художественную школу и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где начал заниматься под руководством Архипова и Пастернака. Позже перешёл в мастерскую А. М. Васнецова. Ученик А. Е. Архипова, С. В. Малютина. В 1915 окончил с отличием Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Тогда же присвоено звание художника живописи и присуждена премия имени Левитана.

Участник выставок Товарищества московских художников. В 1922–1923 выступает на 47-й и 48-й передвижных выставках, вступает в АХРР.

В 1925 осуществляет первую поездку на Крайний Север. Природа Заполярья прочно входит в круг творческих интересов. С начала 1930-х в северные пейзажи входят индустриальные мотивы (этюды, написанные в Хибинах).. В эти же годы становится участником выставки пищевой индустрии; занимается росписями павильонов Сельскохозяйственной и Нью-йоркской выставок и вместе с художником Б. В. Иогансоном работает над созданием диорамы «Переход через Сиваш» (1934).

Поездки на север повторяются вплоть до 1941 года. Их прерывает Великая Отечественная война, начало которой художник застает на Севере среди моряков Северного флота.

Автор батальных картин, созданных в годы войны («365 зенитная батарея в обороне Севастополя» (1945)). После войны входит в одну из творческих бригад, которые направляются на новостройки. Вместе с К. Корыгиным, Ф. Модоровым и Е. Львовым уезжает на Урал и работает на Чусовском заводе.

Модоров Федор Александрович

Живописец, работал в области декоративно-оформительского искусства. 

Родился в Мстере. Учился: 1900–1906 – Мстерская иконописная школа (у М.И. Цепкова). После окончания школы в 1906 году уехал в Москву, где работал подмастерьем в иконописной мастерской и как вольнослушатель посещал Московское училище живописи, ваяния и зодчества. 1909–1910 – МУЖВЗ; 1910–1914 – Казанская художественная школа у Н.И.Фешина, П.П.Бенькова; 1914–1918 – ВХУ при АХ у В.Е.Маковского, В.В.Беляева, И.И.Творожникова. Участник выставок с 1910. Член и экспонент: АХРР–АХР – с 1924.

В 1919 занимался раскрытием икон в Комиссии по сохранению и раскрытию памятников древней живописи при ИЗО Наркомпроса РСФСР, среди которых – икона из коллекции Русского музея "Иоанн Лествичник, Георгий и Власий".

Организатор и директор Мстерского художественно-промышленного училища и художественной школы-коммуны (1918–1922).

Преподавал: 1939–1941 –ВГИК; 1964–1967 – МГПИ (заочный). Ректор МГХИ (1948–1962). Профессор (с 1949). Заведующий кафедрой живописи (1949–1962).

Народный художник РСФСР (с 1965). Заслуженный деятель искусств БССР (1944), Заслуженный деятель искусств РСФСР (1950), член-корреспондент В(Р)АХ (с 1958).

Автопортрет

• 1918
• Холст, масло. 80,5 x 65
• Государственный Русский музей
• Ж-2400

1918 год был в творчестве Петрова-Водкина годом натюрморта. Его письма к матери той поры, полные отчетов о повышении цен на хлеб и дрова, – летопись разрушения привычного жизненного уклада. Видимо, пристальное внимание к предметному миру было попыткой фиксации его неудержимо расплывающихся контуров, сопротивления тотальной дематериализации. Автопортрет – пример одного из немногих обращений к другому жанру – итог напряженных размышлений о роли художника в апокалипсические времена, поиск стабильности в глубинах собственной личности. 30 января 1918 года Петров-Водкин был выбран профессором Академии художеств. «Как это ни почетно, ни лестно, но с большими колебаниями беру на себя эту большую задачу. И если бы не тяжелое время для Родины и не опасность, что искусство зачахнет среди всеобщего разрушения, я не имею права отказаться от возможности хотя бы попытки благоустроить нашу высшую школу…» Ответственность связывалась с осознанием открывающихся возможностей построения здания нового искусства новой России на основе собственных художественных и мировоззренческих принципов. Такая позиция демиурга-хранителя продиктовала иконную формулу автопортрета. В соответствии с выдвинутой художником концепцией нового, «планетарного» видения его строгое лицо возникает на пересечении «планетарных» измерений неба и тверди, образующих фигуру креста. (Л. Б.).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 159.

В Автопортрете 1918 года исчезла зачарованность, завороженность причастностью к иным мирам, нездешним законам бытия, присущая до сих пор множеству персонажей художника. В почти скульптурной лепке рельефа головы, в рубленности черт лица, в твердости и ясности взгляда художник чрезвычайно точно выразил основной пафос своей жизни той поры – приятие действительности без обманной идеализации ее, приятие мужественное и трезвое, с сознанием неизбежности самопожертвования и готовности к нему. При этом психологическое пространство портрета не ограничено сиюминутностью реального окружения, она включает в себя всю ширь зелено-голубых сфер мироздания, духа, истории… Планетарный принцип, положенный в основу этого произведения, удивительным образом сочетается с концепцией портрета эпохи кватроченто: человек в центре мироздания, возвышенный над миром, героический и одновременно трагически одинокий.

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939) – живописец, график, теоретик искусства, писатель. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1930). 

Родился в Хвалынске Саратовской губернии. Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф.Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А.Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А.Е. Архипова, Н.А. Касаткина и В.А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. С 1908 участник выставок "Золотого руна". Член обществ "Мир искусства" (1910–1922), "Четыре искусства" (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е.Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников. Автор жанровых композиций, портретов и натюрмортов. Прошел через увлечение символизмом, постимпрессионизмом (искусство П. Гогена и А. Матисса). В своем творчестве основывался на наследии Древней Руси.

Фигура «Женщина, вышивающая красное знамя»

• Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
• 1919 - середина 1920-х гг. (модель - 1919 г.)
• Фарфор, роспись надглазурная, золочение. В.-15,2; Дл.-9,5; Ш.-9,5
• Государственный Русский музей
• СФ-136

Пионерки двадцатых годов

• 1920-е
• Холст, масло. 53,8 х 64,5
• Нижнетагильский музей изобразительных искусств
• Ж-878

В начале 1920-х годов в одном из московских детских домов Н. Чернышев познакомился с удивительной молодежью, которой с малых лет прививались замечательные качества: любовь к труду, к Родине, чувство коллективизма, уважение к товарищу. Вскоре после этого в творчестве художника появляются многочисленные портреты девочек-пионерок.

В работе «Пионерки 20-х годов» они предстают серьезными и сосредоточенными. Колорит картины, построенный на сочетании серых и защитно-зеленых негромких тонов, оживлен спокойным красным тоном пионерских галстуков и косынки, ставших ясными приметами того времени. Образы юных героинь картины значительны и по-своему лиричны. По приглушенной цветовой гамме и строгой простоте композиции работа восходит к древнерусским фрескам Дионисия, так любимого автором. Погружаясь в мир детских чувств и мыслей, здесь Чернышев прежде всего философ, размышляющий над судьбами детей.

Портрет С. М. Буденного

• Этюд к портрету (1923, местонахождение неизвестно)
• 1923
• Картон, масло. 42 х 27
• Государственный Русский музей
• Ж-6475

Буденный Семен Михайлович (1883–1973) овеян славой народного героя. Он родился на Дону в небогатой крестьянской семье. В 1903 году начал военную службу в качестве рядового. Участвовал в русско-японской войне в составе Донского казачьего полка и затем, как лучший наездник, был отправлен в Петербург в Офицерскую кавалерийскую школу на курсы для нижних чинов. В годы Первой мировой войны, будучи унтер-офицером, проявил незаурядную храбрость и был награжден солдатскими Георгиями всех 4-х степеней. После Октябрьской революции вернулся на Дон и создал кавалерийский отряд, который постепенно вырос в дивизию, успешно действовавшую против белогвардейцев под Царицыном. В 1919 году дивизия была переименована в Конный корпус, а затем — в Первую Конную армию, которая сыграла важную роль в военных операциях Гражданской войны. После ее окончания Буденный занимал различные высокие должности. В 1935 году ему в числе пяти крупнейших советских полководцев было присвоено звание маршала Советского Союза, в котором он участвовал в Великой Отечественной войне, проявив, впрочем, низкую компетентность в условиях современных боевых действий. Гражданская война навсегда осталась звездным часом Буденного. Надпись на этюде гласит, что этот живой и непосредственный образ легендарного героя Гражданской войны был исполнен всего за 50 минут. Художнику удалось точно схватить простодушный характер этого лихого кавалериста, говорившего: «Да по мне все равно, какой фронт, мое дело рубать». // Павел Климов, Тамара Чудиновская. Электронный каталог «Герои и злодеи русской истории». СПб, 2010. С. 394.

Портрет В. И. Ленина

• 1924
• Холст, масло. 97,1 х 80,3
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• ЖК-37

Искусствовед и исследователь карельского искусства В. И. Плотников публикует сведения, к сожалению, не указывая источник, о том, что А. Я. Андриянов в 1922 году вместе с В. Н. Поповым исполнял декоративный триптих для Дворца труда – здания Совета профессиональных союзов Карелии (ныне в этом здании располагается Музей изобразительных искусств Карелии).

В 1924 году художник написал портрет В. И. Ленина, который открыл, буквально, «Лениниану» в карельском искусстве. Портрет написан в год смерти Ленина и интересен своей композицией.

Фигура Владимира Ильича изображена художником на фоне колонны полускрытой яркой драпировкой. Эта строгая торжественность фона вступает в некоторое противоречие с задушевностью образа Ленина и пейзажным фоном на втором плане холста. Лицо Владимира Ильича написано художником нежно и трепетно, от него исходит доброта и человеческое обаяние, ощущение живого Ленина. Ленина-человека дополняет сельский пейзаж с домиками за спиной вождя. Этот необычный для ленинских портретов фон дан с большим художественным тактом и имеет вполне определенный северный адрес. Родной художнику пейзаж соединен на холсте с дорогим для него образом вождя.

Владимир Ильич Ульянов (псевдоним Ленин) (22 апреля 1870, Симбирск — 21 января 1924, усадьба Горки, Московская губерния) — российский и советский политический и государственный деятель мирового масштаба, революционер, создатель Российской социал-демократической рабочей партии (большевиков) (РСДРП (б)), один из организаторов и руководителей Октябрьской революции 1917 года в России, председатель Совета Народных Комиссаров (правительства) РСФСР (Российской Советской Федеративной Социалистической Республики), создатель первого в мировой истории социалистического государства. Марксист, публицист, основоположник марксизма-ленинизма, идеолог и создатель Третьего (Коммунистического) интернационала, основатель СССР (Союз Советских Социалистических Республик).

Портрет М. А. Тройницкой

• 1924
• Холст, масло. 76 х 66 (в свету)
• Государственный Русский музей
• Ж-8790

Серебрякова много времени отдавала портрету. Особенно выделяется своей завершенностью и тонкой передачей индивидуальных черт модели портрет М. А. Тройницкой, жены директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого. Портретируемая изображена за завтраком. Мастерски вылеплено лицо с живыми глазами, выразительны непринужденная поза и спокойно лежащие руки, что помогло созданию образа уравновешенной волевой женщины. С большой любовью, как у старых голландских мастеров, написаны расставленная на столе фаянсовая посуда, а также вишни и разрезанный ножом лимон. (В. Кн.).

Тройницкая Марфа Андреевна – жена директора Эрмитажа С. Н. Тройницкого (1882– 1948, историк искусства, научный сотрудник с 1908, хранитель Галереи драгоценностей и директор Эрмитажа в 1917–1927, доктор искусствоведения).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 178.

Фигура милиционерки

• Государственный фарфоровый завод (г. Петроград)
• 1925 (модель — 1918)
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-19,8; Дл.-7,5; Ш.-7,0
• Государственный Русский музей
• СФ-118

Комсомолки. Подмосковный молодняк

• 1926
• Холст, масло. 59,7 х 68,5
• Государственный Русский музей
• Ж-5683

Портрет был написан в деревне Лигачево, где у Юона был дом-мастерская. Там он находил немало своих героинь – сельских девушек, мотивы своих пейзажей, там он в полной мере мог выявить возможности своей палитры. На портрете изображены Клава Зенина, Саша Перцова, Клава Борисова, Катя Шипова и Маруся Будкина. В произведении органично соединилось стремление к портретной точности и типическому обобщению. Портрет един крепостью своей композиции, ее цельностью, выразительностью расположения персонажей, четкостью плана, и, наряду с тем, образ каждой из девушек подчеркнуто индивидуален. Здесь взяты разные состояния – от задумчивости, нетерпеливого вопрошения, спокойной уверенности до трепетного романтического порыва. Есть своя режиссура и в цветовом решении, которое словно озаряется энергичным акцентом красной косынки. Фрагментарность композиции укрупняет изображение, еще больше усиливая динамизм образов. // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 194.

Портрет И. Б. Кустодиевой

• 1926
• Холст, масло. 111,5 х 90,0
• Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина
• Ж-919

Картина «пришла» в музей из первых рук: она была приобретена Астраханской картинной галереей в 1973 году у Ирины Борисовны Кустодиевой – дочери художника, его любимой модели. Специалисты иногда шутят, что Ирину Кустодиев писал так же часто, как восхищавший его Веласкес инфанту Маргариту. Целая галерея ярких образов дочери создана художником в работах «Портрет Ирины Кустодиевой с собакой Шумкой» (1907), «Японская кукла» (1908), «Дети в маскарадных костюмах» (1909) и других произведениях. 

В 2011 году на аукционе Мак Дугалл в Лондоне с огромным интересом присутствующие наблюдали за торгами по работе «Портрет Ирины Кустодиевой», написанной в швейцарском городе Лейзене (1911), где художник находился на лечении. После триумфальной выставки русского искусства 1924 года в Америке она была продана в частное собрание и 90 лет нигде не экспонировалась.

От очаровательных детских портретов по мере взросления дочери Б. М. Кустодиев переходит к изображению симпатичного подростка (примером может служить картина «Девочка с цветами» (1917), Курская картинная галерея имени А. Дейнеки).

 В последние годы жизни художника Ирина – красивая девушка с золотистыми волосами, голубыми глазами и чудесным цветом кожи. Именно такой она изображена на портрете 1926 года, который находится в собрании Астраханской картинной галереи. Эту работу иногда также называют «Портрет Ирины в синем платье», она считается очень удачной, хотя и нетипичной для Б. М. Кустодиева.

Это произведение широко известно. С момента написания портрет участвовал во многих выставках в Ленинграде, Москве, Астрахани. Как шедевр кустодиевской коллекции, он многократно воспроизведен в искусствоведческой литературе и художественных альбомах. Работа написана масляными красками на грунтованном холсте. Ирина изображена в эффектной, несколько театральной позе, в синем платье и шляпке в стиле «нэп» – настоящая кустодиевская красавица. В это время Ирина Борисовна постигает историю театра и азы актерской профессии, обучаясь в Институте сценических искусств в Ленинграде. Кустодиев-отец пишет портрет, любуясь дочерью, ее нежной кожей, покатыми плечами, выбившимися из-под шляпки локонами. Композиция работы проста и благородна, отличается четкостью и почти классической строгостью. Кустодиев-художник мастерски демонстрирует в этой работе всё, чего он достиг за годы творчества.

Портрет Н. П. Охлопкова

• 1926
• Холст, масло. 250 х 143
• Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
• Ж-1002

«Портрет Охлопкова», написанный Петром Вильямсом в 1926 году, является одним из лучших портретов мастера. На пустынном просторном фоне изображена крупная фигура. Серое в клетку пальто спортивного покроя, твердый воротничок белоснежной сорочки, галстук. Энергичным движением правая рука сжимает перчатки, левая – опущена в карман. Щегольский костюм дополняют кепи, небрежно зажатая в зубах трубка и почти забытая сегодня деталь – краги – накладные голенища с застежками. Портрет создает впечатление монументальности и парадности, которое складывается благодаря значительным размерам вертикального холста, устойчивой постановке модели, монолитности силуэта, ясно читаемого на пустом фоне. Графически четкий рисунок лица, освещенного направленным лучом света. Подчеркнуты морщины, складки у носа, волевое выражение светло-голубых глаз. С портрета на нас смотрит решительный и целеустремленный человек, участник строительства нового мира.

Николаю Охлопкову к моменту создания портрета было 25 лет. Он, как и Вильямс, принадлежит к «штурмующему» поколению 1920-х годов. Уже два года Охлопков, перебравшийся в Москву из Иркутска, играет в театре Мейерхольда, осваивает знаменитую биомеханику, пробует сниматься в кино. Вильямс использует при написании портрета яркую типажность, запоминающуюся «фактуру». Использует то, что в полной мере соответствовало человеческому идеалу, который стремились утвердить художники ОСТ. В Охлопкове соединились энергичность и спортивность, физическая сила и уверенность в себе.

Остовские портреты Вильямса – замечательная страница в истории отечественного искусства. Вильямсу и Охлопкову суждено было стать крупными деятелями советского театра, их судьбы еще не раз пересекались, а портрет остался прекрасным символом молодости поколения двадцатых.

ОСТ (Общество художников-станковистов) — художественная группировка, основанная в 1925 году в Москве группой выпускников ВХУТЕМАСа во главе с Давидом Штеренбергом. Среди основных участников ‑ П. Вильямс, А. Дейнека, А. Лабас, Ю. Пименов.

Охлопков  Николай Павлович (1900, Иркутск — 1967, Москва) — советский актёр театра и кино, режиссёр и педагог.

Родился в Иркутске в небогатой дворянской семье. В 1917 году устроился в Иркутский городской театр в качестве мебельщика-декоратора, а в 1918 году стал актёром этого театра, где служил до 1921 года. Будучи поклонником творчества Владимира Маяковского декламировал стихи Маяковского на площадях.1 мая 1921 года после освобождения города от Колчака поставил на городской площади массовое действо «Борьба труда и капитала» с участием войск. В 1919 году стал одним из организаторов Иркутского Молодого театра, где в 1922 году поставил «Мистерию-буфф», после чего был отправлен на обучение в Москву. В 1922‑1923 годах учился в ГИТИСе и параллельно играл в Московском театре Революции. С 1923 по 1926 играл в Театре имени Мейерхольда (ТиМ). Одновременно занимался в мастерской при театре (ГЭКТЕМАС) под руководством Всеволода Мейерхольда.

Главный режиссёр Реалистического театра (1930‑1937) и Московского театра имени Маяковского (1943‑1966). В 1947 году поставил «Молодую гвардию» А. А. Фадеева. За этот спектакль был удостоен Сталинской премии первой степени, а в 1948 году ему было присвоено звание Народного артиста СССР. Имя Н. П. Охлопкова с 1967 года носит Иркутский драматический театр.

В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)

• 1927
• Холст, масло. 118,5 х 98
• Симферопольский художественный музей
• Ж-2

Произведение И. Э. Грабаря «В Крыму (Портрет В. М. Грабарь, жены художника)» было написано в поселке Магарач близ Ялты в августе–сентябре 1927 г., о чём свидетельствует авторская подпись в левом нижнем углу. Сверкающие краски, блики солнца передают ощущение жаркого полдня и свежести древесной тени.

На портрете изображена Валентина Михайловна Грабарь (1892–1959), супруга художника.

В книге «Моя жизнь. Автомонография» 1937 года И. Э. Грабарь подробно описывает события, сопутствующие созданию картины: «В июле моя семья уехала в Крым; я последовал за нею в начале августа. Мы поселились на даче И. Т. Сливы, в Магараче, между Ялтой и Никитским садом <...>

Я начал большой портрет жены, стоящей у чайного стола, покрытого скатертью, с серебряным кофейником, чайной посудой, тарелкой с персиками и виноградом на нём. Все это происходило в тени большого дуба, бросавшего на стол и фигуру густую тень, разреженную лишь солнечными пятнами. Картина была наполовину закончена, когда в ночь началось землетрясение. Писание пришлось прекратить. Когда толчки несколько смягчились, я начал продолжать портрет к ужасу жены, которая всё ещё не могла придти в себя от пережитого потрясения. Он однако не давался: позировать надо было с улыбкой, а какая уж улыбка, когда толчки всё время продолжались».

М. В. Фрунзе на коне

• Около 1927
• Холст, масло. 197.5 x 173.5
• Государственный Русский музей
• ЖБ-2008

Фрунзе Михаил Васильевич (1885–1925) — революционер, один из ведущих военачальников Красной армии времен Гражданской войны, позднее — теоретик и организатор военного дела в СССР.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 80.

По комсомольской путевке

• Из цикла "Комсомолия"
• 1927
• Холст, масло. 87 х 75,5
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-2171

Памятные образы молодежи тех лет оставил нам московский художник Анатолий Лебедев-Шуйский, создавший не просто портреты, а «современный тип», собирательный образ. Один их них – портрет «По комсомольской путевке» из цикла "Комсомолия".

Начиная с VII съезда ВЛКСМ (1926) комсомол становился «ударной бригадой социализма». По путевке обкома партии комсомольцы участвовали в строительстве колхозов, выводили на поля первые тракторы, строили шахты, фабрики, заводы, возводили Днепрогэс, Магнитку, Волховстрой, Метрострой, Турксиб. Жизнь первых поколений комсомольцев была трудной, но романтичной. Герои нового времени привлекали внимание художников.

Работница (Портрет в голубом)

• 1927
• Холст, масло. 133,5 х 77
• Государственный Русский музей
• ЖБ-1325

«Работница» Алексея Пахомова занимала одно из центральных мест в экспозиции выставки молодежного объединения «Круг художников» в 1927 году (ГРМ). Моделью Пахомову послужила его жена, работница табачной фабрики. Однако совершенно очевидно, что образ более тяготеет к типажности, нежели характеризует индивидуальность. Для этого Пахомов избирает определенные приемы, которые позволяют ему подчеркнуть монументальность, возвышенность образа. Русоволосая молодая женщина изображена поколенно. Пропорции ее тела несколько увеличены в сравнении с натурой, отчего создается впечатление, что персонажу «тесно» в рамках холста. Динамичный поворот головы и торса плавно «останавливается» торжественными ритмами складок одежды, отдаленно напоминающей одеяния персонажей фресок раннего Возрождения. Позднее Пахомов вспоминал: «Душевная ясность и чистота юности, ее стремление к благородству и возвышенному безмерно привлекательны, и я невольно подчеркивал широкий открытый взгляд, стройность и бодрость осанки, готовность к действию. Я чаще стал всматриваться в античное искусство и искусство Высокого Возрождения и все больше ценить их». (О. Ш.).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 198.

Физкультурные игры на стадионе

• 1927
• Холст, масло. 166 x 249
• Государственный Русский музей
• ЖС-93

Кондукторша

• 1928
• Холст, масло. 130 x 127
• Государственный Русский музей
• Ж-9186

В 1920-х годах Самохвалов, как и многие художники той поры, был увлечен поисками характерных явлений современности. Стремительность перемен особенно ярко виделась ему в образах женщин, осваивавших новые социальные роли, новые профессии, стиль поведения, одежду.

Кондукторша, героиня картины, показанной в 1928 году на выставке объединения «Круг художников», – это не просто женщина, продающая билеты и следящая за порядком в трамвае. Она представляется Самохвалову новой богиней, повелительницей электричества. И хотя сам автор выводил пластическое решение образа из византийской иконографии Богоматери Оранты, предстающей в древних изображениях в полный рост с поднятыми и раскинутыми в стороны руками, его Кондукторша более походит на языческого идола. Пропорции ее колоссальной фигуры восходят к образам архаических каменных баб. Она господствует в футуристически динамичном пространстве с грохотом несущегося по рельсам трамвая. Половина лица озарена зелено-голубым светом электрической вспышки, и это сияние разливается по ее могучей груди, откликаясь в очертаниях открытой ладони. Кондукторша с ее слепым взором и поднятой рукой Немезиды есть образ влекущей и карающей власти.

Поясняя суть произведения, Самохвалов подчеркивал, что хотел заставить зрителя почувствовать, как простая работница, дающая энергичным жестом сигнал хода, управляет грозной и страшной силой – электричеством, в прошлом подвластной лишь Зевсу-громовержцу и Илье-пророку. «Если бы ей навстречу попалась Афина в своей колеснице, то удивлена была бы не кондукторша, а Афина. Так я думал тогда. Мне казалось все ясным. Пафос «Кондукторши» остается пафосом той эпохи», – комментировал свое произведение художник.

Картина "Кондукторша" создавалась художником в период расцвета его творческого дарования. Среди работ Самохвалова, созданных в 1920-е гг., "Кондукторша" выделяется остротой пластического решения, повышенной экспрессией цветовых сочетаний и одновременно своей подчеркнутой величаво-торжественной интонацией. Отталкиваясь от случайно запечатленной в его памяти сцены и сохраняя в повествовательном строе произведения отдельные жанровые подробности, Самохвалов стремится возвысить образ до значения символа эпохи, использовать язык монументальной живописи. Картина написана темперой, имитирующей фактуру фрески, в плоскостной манере, где лишь отдельные части изображения приобретают объемность. В это время, отталкиваясь от достижений своего учителя Петрова-Водкина, Самохвалов ищет собственные формы обобщения. В "Кондукторше" наиболее откровенно проявилось увлечение древнерусской фреской, которую художник изучал во время поездок в Новгород в 1925 г. и в Старую Ладогу в 1926—1928 гг.

Молодая работница

• 1928
• Холст, темпера. 65 x 50,5
• Государственный Русский музей
• Ж-7562

По справедливому утверждению современников, Самохвалов был натурой универсальной. Он успешно работал в разных художественных системах – от посткубизма до романтического реализма, испытал плодотворное влияние русских и мировых художественных традиций, сохранив при этом самобытность почерка и чувство современности, особенно в 1920–1930-е годы. Социальность его не была конъюнктурой, а отражала искреннее представление об идеалах своего времени, воплощенных, в частности, в женщинах-работницах, предстающих, по словам Самохвалова, в «ореоле романтики». В «Молодой работнице» есть своеобразное сочетание извечно женского, возвышенно духовного, сокровенного с аскетичной строгостью и напряженностью. Портрет поражает композиционной четкостью, благородством цветовых отношений, характерной «фресковостью» фактуры. Не случайно Самохвалов вспоминал об особенном влиянии древнерусских традиций на его творчество в то время... // Анатолий Дмитренко. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 203.

На Дальнем Востоке. Красноармеец

• 1928
• Холст, масло. 98 х 78
• Государственный Русский музей
• Ж-8392

В 1919 году Александр Лабас оставил Государственные свободные художественные мастерские, организованные на базе Строгановского училища, и ушел добровольцем на фронт. «Впереди неизвестное, новые события, новые впечатления. Мне было восемнадцать лет». Эта запись объясняет поступок молодого художника как романтический порыв физически ощутить, измерить пространство «взвихренной» страны, присутствовать при рождении будущего. Вместе со своими товарищами по бригаде художников Политотдела 3-й армии Восточного фронта Лабас писал плакаты, транспаранты, оформлял агитпоезда. 

Позднее, в 1928 году, он напишет картину «На Дальнем Востоке. Красноармеец», лирический портрет своего поколения. Хрупкий, интеллигентный еврейский юноша в пыльном шлеме-буденовке темным силуэтом замер на фоне заснеженных туманных далей. Кинематографическим наплывом приближена к зрителю плотная, замкнутая в себе фигура. Она кажется врезанной, вмонтированной в пробегающий вдали почти бесплотный пейзаж. В направленном внутрь себя взгляде, в позе юноши, скованного грубой шинелью, словно спрятанного в ней, – завороженная отстраненность. Он не столько присутствует, сколько грезит, вспоминает, видит внутренним взором строящихся в колонны людей, дома, устремленные вдаль дороги, кружащие в белесом, словно тоже заснеженном небе аэропланы. Образ «книжного мальчика», мечты которого обрели живую красочную плоть, – своего рода манифест художника. В нем он собрал основные образы своего творчества и утвердил себя создателем собственного мира, материалом для которого служит пропущенная через себя реальность. Сегодня перипетии гражданской войны на Дальнем Востоке поражают нас жестокостью и трагизмом. Художник был их свидетелем, но в его творчестве мы не найдем их отражения. «Мы вглядывались пристально в настоящее и представляли фантастику будушего», – слова, сказанные Лабасом, отражают мироощущение молодого поколения творцов постреволюционной эпохи.

Пионервожатая

• 1928
• Холст, масло. 80 x 66. (В раме)
• Государственный Русский музей
• ЖС-1226

Стройка (Стройка совхоза)

• 1928 г.
• Фанера, масло. 71 х 116,2
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-410

Будучи по природе своего дарования пейзажистом, Илья Васильевич Волков исполнил в конце 1920-х годов несколько произведений на тему труда. На выставке АХРР «Жизнь и быт народов СССР» (1928) омский художник представил жанровую композицию «Стройка совхоза», выполненную маслом на фанерной основе. Ее сюжет, выхваченный «из новой жизни» с наивной правдой, воплощает подмеченные художником бытовые реалии. Пронизанное солнечным светом, произведение наполнено оптимизмом, чувством «новой, счастливой эпохи».

У сепаратора

• 1928
• Холст, масло. 128,4 х 102,3
• Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань)
• Ж-1282

Раннее творчество основоположника татарского изобразительного искусства Баки Урманче связано с воплощением в живописи национальной темы, жизни и быта татар – характерного интереса художников той поры. К концу 1920-х художник обратился к образам с определенным замыслом. В картине «У сепаратора», через синтез образной выразительности и выбора живописных средств, создается подлинная картина знания народной жизни, умение пластически передать состояние времени, эпохи.

Метод Урманче чужд прямолинейности и иллюстративности в отображении жизни. Героини его первых картин – женщины. Как говорил татарский писатель Ф. Амирхан, женщина – самое прекрасное, и, в то же время, самое забитое существо в условиях дореволюционного татарского быта. Через эти контрасты идет Урманче к воплощению колоссальных перемен, определивших сущность переломного момента.

Легкая, скромная, гордая, полная чувства собственного достоинства, стоит она перед нами в картине «У сепаратора», и простота предметов быта, и мерцающая красота фактуры холста – все это раскрывает исполненную глубокого исторического смысла картину ее духовного выпрямления. Моделью для художника послужила актриса татарского театра Нафига Арапова, в образе которой художник воплотил все порывы и надежды времени. Это и входящие в повседневную жизнь новые предметы, облегчающие каждодневный крестьянский труд (в данном случае – это сепаратор), и привычный интерьер, в котором позирует модель, в лице которой запечатлены нотки застенчивости, стеснения, непривычности внимания художника к бытовым деталям.

Сама живопись – полнокровная, плотная, материальная; светлое и оптимистическое восприятие мира отражается в образно-живописном строе полотна, у его цветовом решении: оно построено на сочных аккордах красного, розового, желтого, зеленого тонов.

Эскиз плаката «Молодежь иди в соцсоревнование и ударничество»

• 1928
• Бумага, чёрная акварель, гуашь. 43,6 x 30,2
• Государственный Русский музей
• РС-6307

Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":

"В 1925-1926 годах творческий диапазон художника значительно расширяется за счет включения в сферу его художественной деятельности политического плаката, детской книжки, фарфора.

Его плакаты: "Ленин и электрификация", "Смычка", "Вперед, по ленинскому пути!" и, особенно, комсомольский плакат "На смену старшим" (На Парижской международной выставке декоративного искусства - присуждена золотая медаль) были в свое время оценены по достоинствам: высокого художественного качества и идейно-политической целеустремленности…

Работа в области политического плаката и книжно-журнальной графики была для Самохвалова превосходной школой овладения советской тематикой. Плакат поставил перед художником во всей своей сложности и ответственности новые идейные задачи, правильное решение которых невозможно без разрешения новых формально-технических проблем, без определенного перевооружения художника - в области цветовых, композиционных, пространственных средств выражения. Самохвалов применяет объемно-плоскостные принципы построения своих произведений, принципы, истоки которых он устанавливает для себя в русской фреске и в античной живописи".

Группа «Смычка города с деревней»

• 1929
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-27,7; Дл.-15,0; Ш.-7,2
• Государственный Русский музей
• СФ-114

Женщина с напильником

• 1929
• Холст, масло. 107 х 70
• Государственный Русский музей
• Ж-7564

Наиболее значительное произведение серии изображений работниц, созданных Самохваловым в 1928–1930-х годах. Своих героинь он встретил в типографии «Печатный Двор» в Ленинграде, где печатались его плакаты. В них он увидел живое воплощение образа новой женщины, способной заменить мужчину даже в тяжелом физическом труде: «Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения, придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка». Поиск этого нового идеала женственности был лейтмотивом творчества художника. (Л. Б.).

Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 202.

Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Я художник, живущий взволнованной эмоциональной жизнью, современностью. Ничто не проходит мимо моего внимания. В особенности то, что обладает чертами, смыслом и значением сегодняшней действительности. Чувство современности – очень сложное чувство. И в пейзаже, хотя он просуществовал столетия, все же проявляются в конце концов те черты, которые примут на себя выражение современности. И они уловятся, эти черты.

Кроме объективно существующего явления, есть ещё профессиональные особенности отражения этого явления в современной живописи. Современный язык. Попытки игнорировать эту сторону творческого процесса приводят к отсутствию воздействия произведения на зрителя.

Поэтому поиск современности, современных ритмов, современного цветосложения и цветовыражения обязательны для художника.

Это не означает отчуждения от традиций, от достижений искусства в фазы высшего выражения современной ему эпохи. Наоборот. Качества, добытые искусством, в лучших его произведениях, должны и могут развиваться, оживать под толчком современности.

Тот лаконизм, ясность цветового замысла, ясность направленности цветосложения, которые свойственны лучшим образцам древнерусской живописи, воздействовали и на меня и отразились в моих работах того времени с особенной силой.

Основой же становился образ – то есть современность.

В те годы на Печатном дворе печатались мои агитационные плакаты, и я там, в цехах, встретился с совершенно новыми для меня образами советской женщины-работницы.

Они казались мне настолько новыми, иногда поражающими, что я в течение нескольких лет работал над образами женщин-работниц двадцатых годов. Их отстраненность от домашнего быта, их новый, иной труд, иные волнения придавали им ореол романтики совершенно нового, небывалого порядка.

Вот я вижу женщину, на лице её суровость и тревога. В её руках напильник. На секунду она отвлеклась, опираясь на него. Она встала у тисков и подгоняет детали станков, она взяла в руки напильник, потому что её муж – рабочий взял в свои руки винтовку и там, на фронтах гражданской войны сражается с врагом.

Черные от чугуна руки и исполненные тревоги глаза завершают этот образ женщины первых революционных лет».

Комсомолка 20-х годов в юнгштурмовке

• Из цикла «Комсомолия»
• 1929-1930 гг.
• Холст, масло. 100 х 72
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-1101

Памятные образы молодежи тех лет оставил нам московский художник Анатолий Лебедев-Шуйский, создавший не просто портреты, а «современный тип», собирательный образ.

Коммунистическая идейность и волевое начало отличали новый, рожденный революцией тип женщины, и чуткий ко всему новому художник запечатлел его в портрете «Комсомолка в юнгштурмовке». Энергичное лицо девушки выражает гордое чувство достоинства, готовность к действию. Комсомол (Коммунистический союз молодежи) был организован в 1918 году и сразу, вслед за партией, начал готовить мировую революцию. В 1920-е годы распространение советской революции на весь мир считалось главной задачей, и все советские комсомольцы маршировали в своих «юнгштурмовках», запевая популярный тогда гимн Коминтерна:

«Заводы, вставайте; Шеренги смыкайте!

На битву шагайте, шагайте, шагайте!»

Образ комсомолки, борца с мещанским бытом включал короткую стрижку, белую блузку и черную прямую юбку. Иконы стиля – Лариса Рейснер и Александра Коллонтай. На девушке надета, так называемая, «юнгштурмовка», которая была утверждена в качестве форменной одежды для комсомольцев.

В 1924 году в Германии внутри организации немецких коммунистов «Рот Фронт» было создано молодежное объединение «Красный юнгштурм» (Roter Jungsturm), которому подражали в Советском Союзе.

Это объединение было создано в качестве кадрового партийного резерва Коммунистической партии Германии. 

Среди юношей и девушек активно пропагандировался здоровый образ жизни, проводились спортивные занятия по легкой и тяжелой атлетике, гимнастике и стрельбе. Большое внимание руководство «Юнгштурма» уделяло проведению политических занятий как среди самих «юнгштурмовцев», так и среди молодёжи, которая не состоит в организации. Каждое лето организация проводила летние лагеря для подготовки молодёжных лидеров, на которых с молодыми людьми проводились занятия по военной, политической и общественно-социальной подготовке. 

Пионеры

• Эскиз иллюстрации
• 1929
• Бумага, акварель. 22,5 х 14,3
• Государственный Русский музей
• РС-20144

Физкультурница

• Вариант-повторение картины того же названия и того же года, находящейся в Муромском краеведческом музее
• 1929
• Холст, масло. 82,5 х 63,5
• Государственный Русский музей
• Ж-6379

Прототипом послужила П. А. Иванова – ткачиха, секретарь комсомола фабрики Мурома, впоследствии секретарь горкома комсомола. Произведение может считаться ярким примером обращения художника старой репинской школы к актуальной для советского искусства тематике. Одной из знаковых примет новой жизни стало радикальное изменение образа женщины: ее внешнего облика, стиля поведения, социальной роли. Олицетворением этих перемен стали девушки-физкультурницы, воспетые живописцами, скульпторами и киномастерами конца 1920–1930-х годов. (Л. Б.). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 231.

В модельном цехе

• 1930-е гг.
• Холст, масло. 151 х 221
• Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля
• Ж-2202

Творческая командировка художника Вениамина Павловича Белкина на крупнейшее предприятие отечественного машиностроения – Ленинградский металлический завод имени И. В. Сталина была не случайна: в 1920-е годы на заводе были созданы первые гидравлические машины, обеспечившие выполнение почти трети плана ГОЭЛРО, изготовлены первые турбины по собственным проектам. Действие на картине происходит в модельном цехе завода: рабочие применяют колеровку на готовой к отливке формы турбины отечественного производства.

ГОЭЛРО - (сокр. от Государственная комиссия по электрификации России) — государственный план развития электроэнергетической отрасли в Советской России после Октябрьской революции 1917 года. Часто расшифровывается как Государственный план электрификации России. Разработан Государственной комиссией по электрификации России по заданию и под руководством В. И. Ленина. К работе комиссии, которой руководил Г. М. Кржижановский, было привлечено около двухсот учёных и инженеров. 

План ГОЭЛРО с рядом замечаний и дополнений был принят Советом Народных Комиссаров, который принял 22 декабря 1920 г. постановление «О плане электрификации России».

ГОЭЛРО был планом развития не одной энергетики, а всей экономики. В нём предусматривалось строительство предприятий, обеспечивающих эти стройки всем необходимым, а также опережающее развитие электроэнергетики. И всё это привязывалось к планам развития территорий. План ГОЭЛРО, рассчитанный на 10—15 лет, предусматривал строительство 30 районных электрических станций (20 ТЭС и 10 ГЭС) общей мощностью 1,75 млн кВт. В числе прочих намечалось построить ГЭС — Нижегородскую, Волховскую (1926), Днепровскую, две станции на реке Свирь и др. В рамках проекта было проведено экономическое районирование, выделен транспортно-энергетический каркас территории страны. Параллельно велось развитие транспортной системы страны (строительство новых железнодорожных линий, сооружение Волго-Донского канала).

Проект ГОЭЛРО положил основу индустриализации в СССР. План, в основном, был перевыполнен к 1931 году. Выработка электроэнергии в 1932 году по сравнению с 1913 годом увеличилась почти в 7 раз: с 2,0 до 13,5 млрд кВт•ч.

В начальной школе (Всеобуч)

• Начало 1930-х годов
• Холст, масло. 85 × 93
• Самарский областной художественный музей
• Ж-2055

Занимаясь преподаванием живописи в Пензенском художественном училище им. К. Савицкого, Алексей Григорьевич Вавилин проблему обучения молодежи, которая на тот момент остро стояла в стране, можно сказать, хорошо знал «изнутри». Модернизация производства, проводившаяся в стране, требовала все большее число грамотных рабочих. В школах, наряду с общеобразовательными предметами, были обязательными уроки труда, где школьникам прививались начальные навыки столярных, слесарных работ, техники безопасности обращения с элементарными инструментами: рубанком, киянкой, продольной ручной пилой. Девочки постигали основы производства наряду с мальчиками и с не меньшим энтузиазмом.

На картине «В начальной школе (Всеобуч)» лица прописаны художником довольно условно, они практически сливаются по цвету с деревянными верстаками, однако хорошо передана трудовая атмосфера, царящая на уроке, призванном формировать трудовые резервы страны. Перед нами не просто небольшая жанровая картинка, а определенный временной срез истории начальной школы СССР в 1930-е годы.

Группа «Активисты»

• Государственный фарфоровый завод имени М.В.Ломоносова (г. Ленинград). автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.А.Брянцева
• 1930
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-16,0; Дл.-10,0; Ш.-7,0
• Государственный Русский музей
• СФ-135

Колхозница с тыквами

• 1930
• Холст, масло. 120 х 97,5
• Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
• СЖ-268

В июле 1930 года, впервые за почти 30 лет, художник Илья Машков вернулся на родину, в станицу Михайловскую области Войска Донского (ныне Урюпинский район Волгоградской области). Поводом для поездки послужил заказ ИЗО Наркомпроса на выполнение портретов, с которых должны были выполнить репродукции для календарных стенок.

Работы, предназначавшиеся для массового зрителя, были тесно связаны со стилистикой советского парадного портрета, который был одним из ведущих жанров официального советского искусства 1930-х годов. Моделью портрета послужила Фекла Мироновна Сталькова – дальняя родственница Машкова. «Колхозница с тыквами» была написана с натуры с физиогномической точностью, однако искусствоведы относят ее к портрету-типу. Это означает, что на картине художник изобразил не конкретную женщину, а собирательный образ ударницы, героини труда. Мотив женщины-труженицы был на тот момент очень актуален и одобрен советской властью. При этом полотно выполнено в характерной для Машкова эстетике, близкой к фольклору, примитивизму, лубку. Композиционное решение работы напоминает парадные фотографии того времени, которые демонстрировали героя с самой лучшей стороны, с самого выгодного ракурса. Портрет выполнен крупными, плотными, энергичными мазками. Яркие колористические решения отсылают к народному творчеству.

Героиня портрета с крупными чертами лица, плотной фигурой и большими руками относится к одному из любимых типов персонажей Машкова – могучих и грубоватых. В образе «нового человека» художник акцентирует традиционные для его героев качества: энергию, жизнелюбие, широту характера, здоровье и силу.

Ликвидируем прорыв

• 1930
• Холст, масло. 65 х 85
• Государственный Русский музей
• Ж-7677

Художник использует в названии картины фрагмент популярного лозунга с плаката 1930 года «Во что бы то ни стало ликвидируем прорыв». Эта фраза означает победу над чем-то, к примеру, «уничтожим кулака (зажиточного крестьянина) как класс» и так далее.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 45

Молодые. Смех

• 1930
• Холст, масло. 94 x134
• Государственный Русский музей
• Ж-1812

В послереволюционные годы становления новой идеологической системы в творчестве Юона наступил перелом, когда он пытался найти созвучные времени темы. Так, во второй половине 1920-х — начале 1930-х годов художник обращается к специфической жанровой форме, своего рода «сюжетному портрету», посредством которого запечатлевает типических героев своего времени, комсомольцев, физкультурников, парашютистов, то есть новую советскую молодежь. Обращается он и к теме новой русской деревни, избирая типаж деревенских девушек, простолицых, румянощеких, демонстрирующих собой культ физического и нравственного здоровья. Скорее всего, он немало встречал таких девушек в подмосковном Лигачеве, которое называл своим «эстетическим убежищем» и где еще с 1908 года прочно обосновался в своей мастерской.

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 46.

Народный комиссар здравоохранения Николай Александрович Семашко

• ХХ век
• Холст, масло. 80х110
• Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (Саранск)
• Ж-1180

На портрете художника Сергея Пичугина изображен Николай Александрович Семашко (1874–1949) – первый Народный комиссар здравоохранения РСФСР, академик, выдающийся руководитель советской медицины. Большевик с 1917 года, Николай Семашко в послереволюционные годы боролся с эпидемиями и беспризорностью, создал основы охраны материнства и детства, заложил сеть научно-исследовательских медицинских институтов. В предвоенные годы Николай Семашко разработал систему общественного питания, сеть детских оздоровительных учреждений в Крыму. В годы Великой Отечественной войны он был занят организацией санитарной службы, принимал активное участие в восстановлении здравоохранения на освобожденных территориях.

В ноябре 1919 года нарком Николая Семашко с группой военных и санитарных врачей приезжал в Саранск. Целью приезда стало выяснение причин сыпнотифозной эпидемии и способов ее ликвидации. В связи с этим фактом в Саранске в 1970 году улица в новом жилом районе была названа в честь выдающегося советского деятеля.

Художник изобразил Николая Семашко в тесноватом рабочем кабинете. Он углублен в работу над важными документами. В его облике – характерные черты русского интеллигента первой половины XX века: высокий открытый лоб, усы с проседью, бородка, темная тройка, узкий светлый галстук. Обстановка кабинета деловая: письменный стол, затянутый синим сукном, настольная лампа, книжная этажерка, чернильный прибор, ежедневник, телефон, на стене –карта СССР.

Откатчица

• 1930-е
• Холст, масло. 178,5 х 128,8 см; 179,4 х 129,8 см (после реставрации).
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-1759

Давид Петрович Штеренберг – русский и советский художник, один из ярких представителей отечественного искусства первой половины XX века родился, родился в 1881 году. Сын бедного еврейского ремесленника из Житомира, которому судьба уготовила интереснейший, полный творческих исканий и крутых поворотов путь художника. Начинающий фотограф из Одессы, вынужденный эмигрировать из-за своих революционных убеждений, он становится настолько успешным студентом Парижской академии Витти, что его освобождают от платы за обучение. В первое десятилетие XX века Давид Штеренберг, будучи представителем когорты радикально настроенных молодых и амбициозных художников, стремится к преобразованию традиционных художественных систем и не без успеха покоряет Париж, выставляясь на Весеннем и Осеннем салонах 1912 года наравне с А. Матиссом.

В годы первой революционной пятилетки, благодаря знакомству с А. В. Луначарским, именно он определяет политику в области изобразительного искусства молодого советского государства, будучи заведующим отделом ИЗО Накомпроса. В 1925 году Штеренберг основал «Общество художников-станковистов» – художественную группировку выпускников ВХУТЕМАСа, которая использовала приемы немецкого экспрессионизма для воспевания индустриализации и других примет советской действительности, просуществовавшую до 1931 года. В конце 1930-х годов, не избежав обвинений в формализме, он, тем не менее, не был преследуем властью, но его независимый стиль, не отвечавший конъюнктуре, перестал пользоваться спросом, и работы были постепенно изъяты из поля зрения общественности.

В постоянной экспозиции Тверской областной картинной галереи представлено живописное полотно Давида Штеренберга «Откатчица». Пастельные тона, прозрачность перспективы, изящество линий – все здесь призвано передать легкую красоту модели, которая, несмотря на свою трудную профессию заводской откатчицы, идущую вразрез с хрупкостью и незащищенностью представительницы «слабого пола», сохраняет главные черты женской натуры – таинственность и шарм.

Пионерка

• 1930
• Холст на фанере, масло. 80 × 45,5
• Донецкий республиканский художественный музей
• Ж-1036

Картина «Пионерка» Заслуженного деятеля искусств Украины, живописца Семена Прохорова – детский портрет-тип. Монументализированное изображение девочки в пионерской форме с красным флагом в руках. Румяное улыбающееся лицо девочки с крупными чертами, большие карие глаза смотрят прямо на зрителя. Портрет выполнен пастозными мазками. Колорит – мажорный.

Подсчет трудодней

• 1930–1933
• Холст, масло. 106,5 х 134,5 см.; 128 х 155,5 см (с рамой)
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-1655

Александр Викторович Моравов (1878–1951), последователь И. И. Левитана, в 1900-е годы вслед за учителем приезжает работать на Тверскую землю, в Удомельский край. Впервые художник прибыл сюда в 1902 году, а вскоре после революции поселился в бывшем имении Гарусово на берегу Удомельского озера. Он много работал в самом Гарусове, а также в имении Островно, на даче «Чайка», в деревнях Мощная Горка и Акулово. Более 30 лет своей жизни и творчества посвятил Моравов этим местам, создав здесь почти все свои лучшие произведения.

В воспоминаниях он отметит: «Я очень любил изображать солнечный свет и радостное ощущение жизни, связанное с созвучными яркими красками». Таковы удомельские работы мастера, представленные в постоянной экспозиции Тверской галереи, в том числе жанровая картина «Подсчет трудодней», созданная в 1930-е годы в деревне Акулово. Будничная сцена подведения итогов трудового дня поднята художником до поэтического рассказа о молодых колхозницах. Особенно выразителен образ девушки-счетовода, для которого позировала колхозница из деревни Акулово Мария Филипповна Евсеева. Загорелая, улыбчивая, она вся светится здоровьем и добродушием. Ее фигура освещена бликами солнечного света, в лучах которого золотятся белокурые волосы, вспыхивает алая косынка, придавая всему ее облику выражение энергии и женственности.

Портрет академика И. П. Павлова

• 1930
• Холст, масло. 80 х 77
• Государственный Русский музей
• Ж-4341

После того как в 1930 году состоялась встреча Нестерова с Павловым, он был сразу и навсегда покорен личностью и обаянием маститого академика.

Образ ученого у Нестерова сложился после погружения в атмосферу Павловского городка в Колтушах. В этой цитадели науки устраивались блиц-лекции по вопросам науки или литературы, проводились блестящие импровизации, велись пылкие беседы. Между ученым и художником завязалась крепкая дружба.

Жесткий и насыщенный график работы Павлова определил место написания — застекленную уютную и светлую террасу, где любил работать ученый. Час или два утреннего времени он посвящал чтению, что позволяло модели и художнику полностью погрузиться в работу. Увлеченность личностью замечательного человека, чудесная «взрывчатость» его темперамента сказалась на темпе создания портрета — он был закончен за три недели. Произведение приобрел Институт экспериментальной медицины, а в дальнейшем он был передан в Русский музей.

Композиция наполнена атмосферой обычного рабочего дня ученого, он сидит за письменным столом с книгой в руках, внутренне собран и сосредоточен. Неутомимая творческая жизнь отражена и в общей гамме колорита, насыщенного бодрящими зелеными красками свежей листвы за окном, яркими солнечными бликами. Альфия Низамутдинова. Вдохновляться человеком // Михаил Нестеров. СПб, 2012. С. 220.

Павлов Иван Петрович (1849–1936) – физиолог, создатель учения о высшей нервной деятельности, академик Петербургской АН с 1907, академик АН СССР, лауреат Нобелевской премии (1904). Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 222.

РЕКОМЕНДУЕМ

Судьбы скрещенья. Михаил Нестеров. Иван Павлов. Телеканал "Культура"

В 1925 году в одном из писем к своему биографу Нестеров удивлялся тому обстоятельству, что много лет уже живет не среди „художественной братии“, а среди ученых-профессоров. Именно в этой среде активно уговаривали художника написать портрет Ивана Петровича Павлова, показывали фотографии, портреты академика. „Сватовство“ не произвело никакого впечатления, не „раззадорило“ художника, однако в 1930 году встреча все же состоялась. Нестеров был покорен сразу и навсегда. „Иван Петрович ни капельки не был похож на те „официальные“ снимки, что я видел, и писание портрета мысленно было решено“. С этой встречи между ученым и художником завязалась крепкая дружба. Нестерова пригласили в Колтуши познакомиться с любимым детищем академика – институтским городком. Художник решил писать портрет здесь на застекленной террасе, где любил работать Павлов. Увлеченность личностью замечательного человека, чудесная „взрывчатость“ его темперамента сказались в темпах написания портрета: он был закончен в три недели. Портрет был приобретен для Института экспериментальной медицины. После серьезной болезни И. П. Павлова Нестеров решает в 1933 году написать еще один портрет „дивного старика“, который сразу по завершении поступил в коллекцию Третьяковской галереи. К 85-летию Нестеров подарил Ивану Петровичу авторское повторение первого портрета. А в 1940 году Институт экспериментальной медицины передал первый оригинал в Русский музей, оставив у себя повторение.

После смерти ученого Нестеров несколько раз проводил лето в Колтушах по приглашению семьи Ивана Петровича, конечно же, ему остро не хватало интереснейшего и умнейшего собеседника. Художник написал воспоминания о Павлове и историю создания портретов. Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 222.

Постройка железной дороги

• 1930-е
• Холст, масло. 109 х 159
• Национальный художественный музей Республики Саха (Якутия)
• Ж-30

В 1930-е годы отличительной особенностью искусства Александра Моравова стало внимание к социальным преобразованиям. Действие в большинстве сюжетно-тематических картин этого времени выносится на улицу, стройку, завод, в поле. Значительность событий, массовость изображаемых сцен обусловили создание многофигурных композиций.

В двадцатые-тридцатые годы прошлого столетия многие литературные произведения, художественные полотна обращались к железнодорожной тематике, передав первые впечатления от движущегося «парохода» на колесах. Изобразительная метафора XX века вкладывает новый смысл в образ железной дороги как символ прогресса и построения нового будущего советской страны.

У живописца возникает идея написания большого полотна, посвященного строительству железной дороги. Внимательно изучает автор отдельные участки работы и весь объём строительства в целом. С большим вниманием отражает художник величие стройки и энтузиазм людей. Каждый персонаж полон уверенности, сосредоточенности.

Живописец показал, что в то нелегкое время строительство железных дорог осуществлялось практически вручную, механизация была развита слабо. Основной объём земляных работ выполнялся конными и тракторными скреперами. В картине есть ощущение простора, а, соответственно, и ощущение размаха строительства. На полотне Александра Моравова запечатлена не просто стройка, а созидание, стремительная динамика жизни.

Спорт

• 1930 (?)
• Бумага на фанере, масло, аппликация. 90 x 76
• Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
• Ж-175

Во второй половине 1920-х годов вятский художник Сергей Луппов разрабатывает тему советского спорта. Он создает множество этюдов и крупных полотен. Среди них картина «Спорт» (1930), посвященная женским спортивным состязаниям на воде. Изображение спортсменов водных видов спорта особенно привлекало живописца. Можно было открыто показать гармонично сложенное, обнаженное тело, пластичное, совершенное, готовое к борьбе и победе, символизирующее мощь и силу молодого социалистического государства.

На картине ясно видно, как люди радовались новой жизни и хотели построить новый светлый счастливый мир. Девушки, как птицы, парят в воздухе, кажется, что они не падают вниз, а стремятся в высоту. В диагональном построении композиции, динамичной ритмике фигур чувствуется, как советская молодежь заряжается неукротимой всепобеждающей энергией, чтобы потом направить ее на строительство великих строек коммунизма. Водные процедуры и солнце должны были укреплять здоровье и дух советского человека, вселять оптимизм.

Спортивная тема позволяла художнику показывать красоту человеческого тела и его возможности. Художественно-эстетические и этические принципы, сформировавшие ее, определились в 1920-е годы, когда с понятием о человеческом совершенстве начали связывать образы развитого, тренированного тела, олицетворяющие, как и в Древней Греции, здоровые основы сильного государства.

Бригада во время перерыва

• 1931
• Холст, масло. 123 x 99
• Государственный Русский музей
• ЖБ-1727

Красноармейцы-лыжники

• 1931
• Холст, масло. 71 х 101
• Саратовский государственный художественный музей имени А. Н. Радищева
• Ж-185

Огромное влияние на становление «саратовской живописной школы» оказало творчество одного из самых тонких и проникновенных пейзажистов первой трети ХХ века – Петра Саввича Уткина. Живописно-пластическая система его искусства складывалась под воздействием В. Борисова-Мусатова, а сам он считался самым последовательным «голуборозовцем».

Сложные 1920-е годы не смогли поколебать основ поэтической образности творчества художника. Окрестности Саратова, всегда легко узнаваемые, – тема почти всех работ той поры. Мечтательная грусть, тонкий лиризм, особая душевная тональность отличают его произведения. Но уже тогда, в 1927 году, по поводу подобных работ в газетах стали писать, что «…это сфера интимного пейзажа, навевающего лирические настроения, такие чуждые нашей эпохе». Началась новая эпоха социалистического реализма в искусстве, в которой тихой лирике не было места. В эти годы, Уткин создает картину «Красноармейцы-лыжники», стоящую особняком в его творчестве. Сюжет картины достаточно прост: по заснеженной равнине неспешно движется отряд красноармейцев-лыжников. Впереди, указывая путь, едет первый красноармеец. За ним, на собачьей упряжке, движется второй, везя за собой сани с пулеметом. Чуть левее, на лыжах, нога в ногу, идут пятеро красноармейцев.

Тонкий и нежный пейзажист, Уткин и в этой работе остается верен себе. Фигуры лыжников он деликатно вписывает в пейзаж, отводя именно ему главное место в картине. Художник прекрасно передает беспредельность заснеженной мглистой равнины, по которой движется отряд. В картине доминирует любимая мастером, мягкая серо-голубая тональность.

Картина «Красноармейцы-лыжники», созданная Уткиным в 1931 году, – пример первого подступа к новой тематике, немного наивная попытка выступить в жанре, который был непривычен художнику. Замысел картины, видимо, связан с заказом: именно в этот период Уткин руководил оформительскими работами к годовщине Красной Армии. Но этот опыт обращения к новой тематике нельзя считать неудавшимся. В картине есть и колорит эпохи, и красота живописи, и ясная композиция. Конечно, эта картина решена чисто «пейзажно». Да и могло ли случиться иначе? Художник искренний и честный, Петр Саввич Уткин никогда не изменял своему призванию.

Пионеры у единоличника

• 1931
• Холст, масло. 69,5 х 162,5 см
• Тверская областная картинная галерея
• Ж-1688

Замысел картины «Пионеры у единоличника» («Вовлечем единоличника в колхоз») пришел к художнику Алексею Пахомову на родине, в деревне Варламово в 1931 году. В это время крестьяне жили ожиданием коллективизации. Большинство из них смотрело в будущее с тревогой, и только самые бедные приветствовали грядущие перемены, поскольку у них не было коров, лошадей и другого имущества, с которым приходилось расставаться. Поддерживали идею создания колхоза и дети, которые, по словам самого художника, «привыкли вместе играть, вместе купаться, вместе ходить в лес, и потому объединение в колхоз им казалось очень заманчивым». Именно через детские образы и решил Алексей Пахомов показать важную исторически и лично для него тему.

У каждого из персонажей картины «Пионеры у единоличника» был определенный прототип – Алексей Пахомов предпочитал писать маленьких героев своих полотен с натуры. В. И. Курдов в «Воспоминаниях об А. Ф. Пахомове» пишет: «Рисование с натуры было его безудержным влечением. Рисовать по памяти, от себя Пахомову было малоинтересно. Я не встречал более приверженного натуре художника». В детях Алексея Пахомова более всего привлекало то, что их эмоции отражаются не только в глазах и на лице, но и в пластике всего тела. Эту эмоциональность Алексей Пахомов в полной мере выразил в своем произведении

Портрет Ивана Кузнецова

• Магнитогорск
• 1931
• Бумага, смешанная техника. 38,7 х 29,5
• Магнитогорская картинная галерея
• Г-592

Художник Фёдор Модоров создал погрудный портрет молодого рабочего в анфас в начале 1930-х годов. Лицо выполнено сангиной, фуражка, волосы и рубашка углем. Чувствуется стремление автора достоверно запечатлеть образ реального человека, в облике которого нет ничего героического, скорее он наивен и прост, но есть ощущение его причастности к конкретному времени. С позиции современности портрет воспринимается как типический образ рабочего-строителя 30-х годов XX века.

Иван Кузнецов (1910 года рождения) – член ВЛКСМ. С 1930 по 1931 гг. работал на Днепрострое. В Ростове был на прорыве-установке моста. Работал на домне № 1. Премирован. В Магнитогорске – бригадир-клёпальщик на домнах № 1 и № 2 (авторская надпись карандашом на лицевой стороне листа внизу справа).

Портрет Прониной Пелагеи – премированной ударницы коммуны «Красивая Меча»

• 1931
• Холст на картоне, масло. 55 х 39
• Музей изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск)
• Ж-691

Начало 1930-х годов – время огромных перемен, происходивших в стране. Этот период явился важным этапом развития советского искусства. Перемены происходили и в творчестве Алексея Пахомова. От связанных с проблематикой «Круга художников» опытов и «лабораторных исканий», как их называл сам художник, был осуществлен поворот к более широкому и решительному изучению всего нового, что открывалось в трудовых буднях страны, строившей социализм.

В пору уборки урожая в 1931 году Пахомов был направлен в коммуну «Красивая Меча» в средней полосе России (Липецкая область). И в этом глубинном крае, описанном когда-то Тургеневым (вспомним его Касьяна с Красивой Мечи), оказался живописец, который пришел к естественному выводу – необходимо показать тех, кто самоотверженно работал в трудных условиях. Алексей Пахомов показывал колхозников в привычной для них трудовой обстановке. А в ряде холстов развернута целая панорама колхозной жизни. Вместе с ударницей Пелагеей Прониной изображены ее бригада и обоз с зерном. В портрете механика художник словно разрабатывал замыслы монументальных росписей, столь выразительно их композиционное построение.

Пахомов сумел проникновенно подойти к трактовке образов. Живописное решение портретов чуждо какой-либо фальши. Подчеркнутая простота колорита, правдивый до суровости рисунок способствовали жизненности характеристик, их искренности. В этой галерее не было показного оптимизма и улыбок, здесь отразились суровые трудовые будни советской деревни, переходившей на новый путь хозяйственного развития. «Во всех портретах крестьян из «Красивой Мечи», – объяснял Пахомов, – нет праздничности, и это не случайно. Тогда коллективизация была в полном разгаре. Я участвовал во всех выездах в соседние деревни для агитации за вступление в колхозы... Другого не было пути к России социалистической, однако я очень остро чувствовал, как трудно крестьянину решиться на такой шаг, как вступление в колхоз. И эта озабоченность крестьянства нашла свое отражение в этих моих портретах, они лишены той праздничной приподнятости, что светилась в моих прежних портретных холстах. Во всех портретах из «Красивой Мечи» сосредоточенная озабоченность».

Холсты, написанные с натуры на Орловщине, очень правдиво и своеобразно передают сочетание в деревне нового с обычным укладом крестьянских будней. Этим обусловлена и творческая манера художника. В его произведениях есть некоторая перекличка с искусством примитива, с народной картинкой.

Воспоминания А. Пахомова о поездке в коммуну «Красивая Меча».

Во второй половине лета 1931 года я поехал в коммуну «Красивая Меча» на реке Красивая Меча, в тургеневских местах.

Организация коммуны пока еще мало изменила внешний облик жизни и труда. Я решил писать портреты людей, которые из патриархального, крестьянского хозяйства перешагивали в коммунизм, а, проще говоря, из большой нужды и бедности хотели найти выход к лучшей жизни.

Портреты крестьян из «Красивой Мечи» сделаны неторопливо, каждый предмет неподвижен в своей детальной законченности. Лица тщательно выписаны, выведены волоски бровей и бороды. Я всегда старался выведать, как простые люди воспринимают искусство и, в частности, мою работу. Мне очень запомнился один разговор с отцом. Когда я учился у Штиглица и нарисовал свою освещенную вазу (о чем я писал выше), я, после этой удачи, стал безудержно употреблять светотень. Мой отец, глядя на написанный мной портрет, с огорчением спросил: «Почему же под носом черно и одна щека черная?» Я объяснил, что это тени. «Лучше бы весь лик был виден без затенения», – сказал отец и, наверно, не случайно сказал лик, а не лицо. Обыкновенное, будничное лицо, в понимании отца, на портрете должно освободиться от случайности и обыденности, стать праздничным ликом и быть видимым целиком, «без затенения».

Портрет ударника завода им. К. Маркса И. И. Гирьята

• 1931
• Холст, масло. 96,5 х 79
• Государственный Русский музей
• ЖС-1209

Как гласят авторские надписи на холсте и подрамнике, «Портрет Гирьята Иосифа Ивановича — рабочего кузнеца ударника завода имени К. Маркса» «писан на производстве худ[ожником] В. Зверевым».

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 35.

Работница-агитатор

• 1931
• Холст, масло. 124 х 71
• Государственный Русский музей
• Ж-7496

В картине важна не внешность изображенной — считала Дымшиц-Толстая, а ее социальная значимость. В своих воспоминаниях художница писала: «Вдохновленная этим новым человеком, этой новой женщиной, <…> решила приступить к портрету, к образу этих героинь первых пятилеток <…> Среди членов литературного кружка одна работница, не без дарования поэтесса, послужила мне моделью для образа „Работница-агитатор“».

Для счастья народа. Каталог выставки Русского музея в Малаге. 2018. С. 21.

Столяр

• 1921-1942
• Холст, масло. 106,5 х 97
• Ростовский областной музей изобразительных искусств, Ростов-на-Дону

В 1921 году Осмеркин создает портрет молодого столяра, где чувствуется влияние Сезанна, фовизма и кубизма. Открытое лицо молодого рабочего, выражает задумчивую сосредоточенность мастера, который на миг оторвался от работы. Художник идет от модели, подчеркивая важность и большое мастерство столяра, окружая его предметами труда, написанными материально и фактурно. Золотисто-желтая стружка, выходящая спиралью из-под рубанка, охристо-зеленая с синим рубаха, желто-коричневый станок – все включено в единое с фоном действие, обретая как бы свою новую ценность. Момент обыденной жизни обретает законченный художественный образ.

Стройка СССР

• 1931
• Холст, масло. 200 х 110
• Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова
• СЖ-65

Федор Богородский – художник сложной судьбы. Окончив юридический факультет Московского университета в 1917 году, он увлёкся футуризмом, дружил с В. Хлебниковым, Н.Н. Асеевым и В.В. Маяковским. В годы учебы выступал на эстраде танцором, а также в цирке, писал стихи. В 1916 году оказался на военной службе – сначала как балтийский матрос, потом как летчик.

Игорь Грабарь писал о нем: «Его повышенный жизненный тонус отражается на всем, к чему он прилагает руку». После революции работал в ВЧК в Москве. В 1918 году его направили на родину, в Нижний Новгород, где он работал сначала заместителем председателя следственной комиссии ЧК, затем в политотделе Волжской военной флотилии. В 1919 году был послан на фронт комиссаром матросского отряда сначала Донской, а затем Волжско-Каспийской флотилий. Сражался на Волге, под Царицыном. После контузии в 1920 году был направлен в Нижний Новгород, где возглавил Художественный отдел. В 1922 году переехал в Москву и поступил во ВХУТЕМАС в мастерскую А.Е. Архипова. После защиты диплома в 1927 году получил право на поездку за границу. В Италии и Германии художник жил с 1928 по 1930 год, изучал современные живописные течения, долго гостил у Горького в Сорренто, с которым был земляком по Нижнему Новгороду.

Картина «Стройка СССР», написанная Богородским почти стразу после возвращения из-за границы – монументально-обобщенный образ начала строительства нового социалистического государства. В 1931 году эскиз будущей картины высоко оценил Анатолий Луначарский в своей статье о художнике: «Богородский обещает нам теперь заняться настоящими советскими картинами и дает некоторое предвкушение своих будущих работ в талантливом наброске картины «Стройка СССР». Будем ждать».

Товарищ Степанов – кузнец коммуны «Ленинский путь»

• Из серии «В коммуне «Ленинский путь». 1931-1932
• 1931
• Холст, масло. 63 х 41
• Государственный Русский музей
• ЖБ-1786

Из книги Натана Стругацкого "Александр Самохвалов. Страницы книги":

"Из 30 работ, представляющих творческий результат командировки Самохвалова в коммуну "Ленинский путь", наибольший интерес и художественную значительность имеют его восемь портретов членов коммуны и пять маленьких пейзажей. Эти портретные этюды - не портреты в обычном узком значении этого термина, то есть произведения, дающие документальную характеристику портретируемого, произведения, в которых художник добивается внешнего физического сходства с оригиналом или передачи его психического облика. Не фотографическое копирование, а стремление к типическому обобщению, к реалистической сомкнутости - вот что лежит в основе творческого замысла этих портретов. И в этих портретах художник действительно поднимается на значительную высоту обобщения в типических образах коммунаров, обобщения отнюдь не за счет лишения их индивидуализирующей конкретности. Известная приподнятость тона в трактовке, в характеристике ударников социалистических полей, выражена средствами колорита - яркого, свежего, сочного (цвет дан в наибольшей светосиле). При всем том общем, что характеризует колорит этих вещей, художник для каждого из этих портретов искал свою индивидуальную цветовую гамму, подсказанную ему задачей раскрытия выразительной характеристики натуры". 

Ударник Осокин

• 1931
• Холст, масло. 61 х 52
• Магнитогорская картинная галерея
• Ж-118

На портрете Фёдора Модорова «Ударник Осокин» изображён мужчина, который держит в руках газету «Магнитогорский рабочий» с призывом: «Работать по-новому». Газета, основанная в 1930 году, выпускается до сих пор. Дизайн заголовка остался неизменным. В левом нижнем углу видна карандашная подпись: «Александр (далее надпись скрыта за подворотом холста на подрамник)». Судя по подписи, работа выполнена автором 14 июля 1931 года.

Ударницы на фабрике «Красная заря»

• 1931
• Бумага на фанере, масло. 66,5 х 91,5
• Государственный Русский музей
• Ж-9568

На рубеже 1920-х годов обстановка вокруг Филонова, одного из самых пролетарских художников среди авангардистов, также сильно накалилась. В 1929 году почти год простояла в Русском музее готовая к показу выставка его работ, но она так и не открылась по цензурным соображениям. На другие экспозиции тогда его работы не принимались. По существу, Филонов жил на деньги, получаемые женой, что при его гордом характере было невыносимо. В поисках выхода из ситуации близкие друзья договорились о нескольких заказах для художника. Он должен был исполнить две-три работы на производственные темы в реалистическом духе. Филонов долго сопротивлялся, но под огромным напором друзей и жены согласился.

По заказу ИЗОГИЗ Филонов направляется на фабрику „Красная заря", где в числе других ему рекомендуют запечатлеть ударницу Елену Васильеву из шнуровочного отделения. Выбор, как выяснилось, не удовлетворил издательство. Рецензенты ИЗОГИЗ, увидев первые зарисовки художника, делают вывод: „Это пожилая женщина в очках — не тип ударника. Здесь нужен пафос!" Филонов с этим согласился, но работу продолжал. Как свидетельствует запись в дневнике художника, он „нарисовал в портрете т. Васильевой четыре фигуры, кроме нее, и станки, т. к. вещь стала иметь другое значение, чем раньше". Последний вариант вызвал немало дискуссий, однако в итоге картина была принята к печати и опубликована, что явилось единичным случаем в биографии Филонова, отдельной репродукцией для широкого распространения. Ольга Шихирева // Санкт-Петербург: Портрет города и горожан. СПб, 2003. С. 312.

В октябре 1931 года художника направляют на завод «Красный путиловец», где в тракторных мастерских он делает зарисовки для будущей картины. В мае 1932 года работа над полотном «Тракторная мастерская Путиловского завода» была закончена, однако его не приняли,  возвратили художнику без объяснений. Вероятнее всего, главной причиной было отсутствие в произведении требуемого оптимизма. Но Филонову удалось выполнить другой заказ – портрет ударницы Елены Васильевой из шнуровочного отделения фабрики «Красная заря». Рецензенты, увидев первые зарисовки художника, сделали вывод: «Эта пожилая женщина в очках – не тип ударницы! Здесь нужен пафос!». Филонов с этим согласился и работу продолжил. Как свидетельствует запись в его дневнике, он «нарисовал в портрете т. Васильевой четыре фигуры, кроме нее, и станки, т. к. вещь стала иметь другое значение чем раньше». Последний вариант вызвал немало дискуссий.

Игорь Грабарь,  посетив  «Выставку картин Ленинградского областного Дома Художника», открывшуюся в мае 1933 г. в ДК имени Первой пятилетки, писал: «Лучшее, что есть у Филонова, — его портреты и жанровые картины из современной советской жизни, исполненные без всяких трюков, «расчленения» и «сдвига», просто, серьезно. Они подкупают искренностью и правдивостью». Однако картины, понравившиеся Грабарю, подверглись критике «слева». Известный музыкант и художник-авангардист Михаил Матюшин отмечал: «…картина ударниц швейной фабрики — это великолепно сделанные, но стоящие часы с лопнувшей от перекрутки пружиной… Филонов потерял общение с природой, привычной твердой рукой крепко «сделанной формы» он сдерживает текущую влагу жизни, и она у него совершенно исчезает".

Все же   «Ударниц» приняли к печати и опубликовали отдельной репродукцией для широкого распространения, что явилось единичным случаем в биографии Филонова.

Фабрика людей

• 1931
• Холст, масло. 151 х 181
• Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко
• Ж-615

Павел Петрович Соколов–Скаля с почти случайным профессиональным образованием – учёбой в студии и двумя курсами ВХУТЕМАСа – обладал несомненным крупным природным дарованием, позволившим ему стать народным художником РСФСР, действительным членом АХ СССР. Он был, прежде всего, незаурядным продуктом советской эпохи, её ранней поры. В 1931 году он создал картину «Фабрика людей», в ней агитационный, почти плакатный посыл очевиден. S-образная, зеркально отображённая композиция, в которой из картинной глубины выдвигаются группы крестьян, словно взятых из некрасовской поэмы. После проведённых политзанятий они превращаются – это образно представлено в виде крутого подъёма по строительным лесам – в сознательных пролетариев.

Художнику удалось собрать в дидактическую по своей сути композицию довольно много острых по пластике персонажей, несомненно, увиденных им в живой действительности. Они типологически близки дейнековским героям из «Обороны Петрограда» и жёстко закрученным в промышленный процесс пролетариям Юрия Пименова, а также литературным персонажам Андрея Платонова, которых «перековывает» бурное, жестокое и вместе с тем созидательное время.

В свиноводческом совхозе

• 1932
• Холст, масло. 88 x 100
• Вятский художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых, Киров
• Ж-319

Картина Петра Строева «В свиноводческом совхозе» была написана в эпоху формирования в искусстве метода социалистического реализма, в то время, когда представление о светлом советском будущем являлось основой мифотворчества многих живописцев. Особой популярностью пользовались темы идеализированного труда. Подобное искусство вполне отвечало морали нового общества и в то же время отражало мечты людей о преображении окружающей жизни, о всеобщем изобилии.

«Эйфория коллективизма» стала главной темой искусства первой половины 1930-х, фундаментом мифологемы «светлого будущего». Не случайно одним из центральных персонажей картины «В свиноводческом совхозе» стала огромная свинья с поросятами – символ плодородия и благосостояния колхозных деревень. Женщины, кормящие поросят, однотипны, с одинаковыми лицами, и скорее представляют собой собирательные образы ударников труда. Работу отличает ясное графическое начало, проработанность каждой детали. Колорит картины решен в светлых разбеленных тонах, что соответствует общему строю картины.

Военизированный комсомол

• 1932-1933
• Холст, масло, темпера. 198,5 x 278
• Государственный Русский музей
• Ж-8235

Во второй половине 1920-х годов страна Советов превратилась в лабораторию, в которой начался эксперимент по созданию нового пролетарского искусства – социалистического реализма.

В своей крупноформатной картине Самохвалов изображает членов коммунистической молодежной организации, демонстрирующих целеустремленность коллектива в подготовке к обороне страны. Несмотря на милитаристский характер занятий, кажется, что речь идет, скорее, о спортивном мероприятии для укрепления коллективной воли и тренировки индивидуальных способностей.

Из книги воспоминаний художника «Мой творческий путь»: «Картина была связана с пятнадцатилетием Красной Армии. Однажды, катаясь на лодке с друзьями, Н. З. Стругацким и Л. А. Мессом, я увидел небольшой участок поля, занятый молодежным стрельбищем. Девушки с винтовками лежа стреляли по цели, где-то тут же учились строю комсомольцы. Возле зенитки стояла группа молодежи, изучая механизм этого орудия обороны. С отдельными группами девушек работали инструкторы. Я написал эскиз будущей картины… Композиция картины очень ясная. Море и громадный участок свежевспаханного поля. На зеленом лугу переднего плана группа девушек, лежа, вырабатывает в себе снайперские навыки. Яркие, цветные одежды молодежи обогащают колорит картины. Горизонтали пересекаются стоящими двумя фигурами в левой части и большой группой в правой. Часть этой группы направлена влево и за ней, прямо на зрителя идет строй вооруженных комсомольцев, а на переднем плане девушка в военном костюме с противогазом замыкает композицию. К композиции сохранились два этюда. Один из них - "Девушка на военной учёбе", другой - "Комсомолец с винтовкой"».

Члены коммунистического союза молодежи, запечатленные на монументальном полотне Александра Самохвалова, представляли собой свежую силу партии. Идеалы нового мира были близки этим молодым строителям коммунизма. Дружно, плечом к плечу, единым строем стоят в строю молодые комсомольцы. Коллективизм, пропагандируемый государством, охватывал как идеологические взгляды, в которых не допускался индивидуализм и отклонение от единого курса, так и продиктованные идеологией поведенческие принципы. Самохвалов сумел ухватить этот общий дух коллективизма, создав обобщенный образ современника, формировавшегося в условиях «труда и подвига».

Группа «Готовы к обороне»

• Ленинградский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова (г. Ленинград)
• 1932
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-28,2; Дл.-21,0; Ш.-13,0
• Государственный Русский музей
• СФ-115

Группа «Готовы к обороне»

• Государственный фарфоровый завод имени М.В.Ломоносова (г. Ленинград) (автор модели — Н.Я.Данько, автор росписи — М.П.Кириллова)
• 1936 (модель — 1932)
• Фарфор, роспись надглазурная. В.-28,2; Дл.-21,6; Ш.-13,5
• Государственный Русский музей
• СФ-116

Девушка в футболке

• 1932
• Холст, масло. 102 x 64
• Государственный Русский музей
• Ж-4419

Прообразом послужила Адамова Евгения Петровна (1907–1977) – учительница.

Портрет, экспонированный в 1937 году на Международной выставке в Париже и отмеченный золотой медалью, принадлежит к числу наиболее известных в советском искусстве, является вехой в творчестве его автора. «Особой радостью для меня представлялось осуществление в живописи образов моих современников тех лет», – вспоминал Самохвалов. Возгласом «брависсимо» приветствовал произведение И. Э. Грабарь, известный критик А. Эфрос считал изображенную «великолепной».

На «Экспо» во французской столице героиню портрета называли «советской Джокондой». Художник изобразил учительницу-активистку Евгению Петровну Адамову, сохранившую до конца своих дней удивительную душевность и увлеченность. В ее облике воплощены и типические черты человека своего времени – с его непосредственностью, энтузиазмом, целеустремленностью. Не толь ко самой моделью, но и живописью, строгой, лаконичной и одновременно изысканной, Самохвалов утверждал своего рода идеал простой красоты. Приметы монументальности отличают ясную архитектонику композиции, широту письма, «фресковость» фактуры, динамизм образа. «Девушка в футболке» – произведение, в котором воплотилось представление об эпохе, «прекрасной современнице, девушке, каких не было раньше». // Анатолий Дмитренко.  Русский портрет. ХХ век: СПб, 2001. С. 230.